Pensar e refletir sobre o processo de criação artística conduziu esse estudo à visitação de múltiplos lugares que compõem o momento dessa criação: as experiências dos sujeitos e de sua formação artística; o momento de imersão na criação; o acompanhamento de algumas experiências que ressaltaram reflexões sobre esse tema. Assim, a partir da imersão em situações no campo da produção artística, no acompanhamento de experiências de ateliês, na realização de conversas, registros fotográficos e de áudio, estudos com escritos de artistas e outras fundamentações teóricas, descrições e construção de algumas narrativas, pode-se cartografar o processo de criação. A partir do material coletado, foram construídos diagramas para mapear um possível entendimento do processo de criação e como a subjetividade de cada artista opera para materializar as suas ideias, evidenciando diferenças e similitudes durante a produção das obras. Constituiu-se um panorama de como se desenrola o pensamento artístico e como se dá a imersão no trabalho, preservando as singularidades encontradas. Com isso, evidenciaram-se os pontos importantes para entender o funcionamento dos aspectos estudados na pesquisa - dentro do processo de criação e, na processualidade instaurada, ocorreu também a emergência de um plano criativo na produção do pesquisador, afirmando um movimento próprio da criação na composição de um novo território existencial. / Thinking and pondering about the process of artistic creation led this study to the visitation of multiple locations that comprise the time of such creation: the experiences of the subjects and their artistic education; the moment of immersion in the creation; the tracking of some experiences that highlighted the pondering on this theme Thus, it is possible to map the creation process immersing in situations in the field of artistic production; monitoring experiences in art studios; using conversations, photographs and audio records; studying the artists written material and other theoretical fundaments, descriptions and narrative constructions, etc. From the material collected, diagrams were designed to map a possible understanding of the creative process and how the subjectivity of each artist works to materialize their ideas, stressing differences and similarities during the production of the works. An overview of how the artistic thought unfolds and how the immersion on the work happens was made, preserving the singularities found. Therewith, important points to the understanding of the functioning of the aspects studied in the research were evidenced (within the process of creation) and, on the introduced processuality, there was also the emergence of a creative plan for the production of the researcher, asserting a proper motion of creation in the composition of a new existential territory.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-03-30T19:10:44Z No. of bitstreams: 1 ALINE SOCORRO DE ANDRADE.pdf: 1882479 bytes, checksum: c800eb75848eeb5209e3c5c5852138b5 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-30T19:10:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ALINE SOCORRO DE ANDRADE.pdf: 1882479 bytes, checksum: c800eb75848eeb5209e3c5c5852138b5 (MD5) Previous issue date: 2017-02-16 / Objects are studied in aspects of artistic language. Guimarães Rosa and José J. Veiga were chosen to be analyzed for their relationship with painting. The literary works are “Na estrada do amanhece”, “Onde andam os didangos”, “O galo impertinente” and “A máquina extraviada” in A estranha máquina extraviada (2002), by José J. Veiga; “A terceira margem do rio”, “As margens da alegria” and "Desenredo", in Primeiras estórias (1988), by Guimarães Rosa. In the painting: O jogo lúgubre (1929) and O homem invisível (1933), by Salvador Dali; Vida com flores (1912), by Juan Gris (1912); Daniel-Henry Kahnweiler (1910) and Guernica (1937), by Pablo Picasso. The approximations between literature and painting are made possible by the disintegrating force of the contemporary arts. With its deviations from the conventional artistic way, the fascination, the asymmetry of works, the simultaneities of subjects, spaces and times in the same field of language are chosen, in the multiformity of the expression of each work of art. The plastic arts of Pablo Picasso, Juan Gris and Salvador Dali express magic and fascination of fetish. With the inductive method, the perception of the forms of contemporary art reveals its functioning, giving its aesthetic pleasure. The general objective is to analyze the compositions of the contemporary arts with their relationships. The specific objectives are to sketch the theoretical presuppositions that attend the study of the compositions of the contemporary arts and show artistic productions in its multiplicity of events and senses explored by the language. Theorists oriented the research as Roland Barthes (1987), Michel Foucault (2000), Walter Benjamim (1973), Rita de Cassia Maia and Silva Costa (2003), Gilles Deleuze and Félix Guattari (2011), among others. Thus, the ruptures with the rectilinear are revealed, in which each art establishes its floating deformation. From the images, emanate the imaginary of the recipient who feels the delineation of the meanings of the literary and pictorial arts. / Os objetos são estudados nos aspectos da linguagem artística. Foram escolhidos contos de Guimarães Rosa e de José J. Veiga, para serem analisados pelas suas relações com a pintura. As obras literárias são “Na estrada do amanhece”, “Onde andam os didangos”, “O galo impertinente” e “A máquina extraviada” em A estranha máquina extraviada (2002), de José J. Veiga; “A terceira margem do rio”, “As margens da alegria” e "Desenredo", em Primeiras estórias (1988), de Guimarães Rosa. Na pintura: O jogo lúgubre (1929) e O homem invisível (1933), de Salvador Dali; Vida com flores (1912), de Juan Gris; Daniel-Henry Kahnweiler (1910) e Guernica (1937), de Pablo Picasso. As aproximações entre literatura e pintura são possíveis pela força desagregadora das artes contemporâneas. Com seus desvios do modo artístico convencional, elegem-se a fascinação, a assimetria das obras, as simultaneidades de assuntos, espaços e tempos num mesmo campo da linguagem, na multiformidade da expressão de cada obra de arte. As artes plásticas de Pablo Picasso, Juan Gris e Salvador Dali expressam magia e fascinação de fetiche. Com o método indutivo, a percepção das formas da arte contemporânea revela seu funcionamento, dando seu prazer estético. O objetivo geral consiste em analisar as composições das artes contemporâneas com suas relações. Os objetivos específicos são esboçar os pressupostos teóricos que atendem o estudo das composições das artes contemporâneas e mostrar as produções artísticas na sua multiplicidade de acontecimentos e sentidos explorados pela linguagem. Teóricos nortearam a pesquisa como Roland Barthes (1987), Michel Foucault (2000), Walter Benjamim (1973), Rita de Cássia Maia e Silva Costa (2003), Gilles Deleuze e Félix Guattari (2011), entre outros. Assim, as rupturas com o retilíneo são reveladas, nas quais cada arte estabelece sua deformação flutuante. Das imagens, emanam o imaginário do receptor que sente o delinear das significações das artes literárias e pictóricas.

Pensar e refletir sobre o processo de criação artística conduziu esse estudo à visitação de múltiplos lugares que compõem o momento dessa criação: as experiências dos sujeitos e de sua formação artística; o momento de imersão na criação; o acompanhamento de algumas experiências que ressaltaram reflexões sobre esse tema. Assim, a partir da imersão em situações no campo da produção artística, no acompanhamento de experiências de ateliês, na realização de conversas, registros fotográficos e de áudio, estudos com escritos de artistas e outras fundamentações teóricas, descrições e construção de algumas narrativas, pode-se cartografar o processo de criação. A partir do material coletado, foram construídos diagramas para mapear um possível entendimento do processo de criação e como a subjetividade de cada artista opera para materializar as suas ideias, evidenciando diferenças e similitudes durante a produção das obras. Constituiu-se um panorama de como se desenrola o pensamento artístico e como se dá a imersão no trabalho, preservando as singularidades encontradas. Com isso, evidenciaram-se os pontos importantes para entender o funcionamento dos aspectos estudados na pesquisa - dentro do processo de criação e, na processualidade instaurada, ocorreu também a emergência de um plano criativo na produção do pesquisador, afirmando um movimento próprio da criação na composição de um novo território existencial. / Thinking and pondering about the process of artistic creation led this study to the visitation of multiple locations that comprise the time of such creation: the experiences of the subjects and their artistic education; the moment of immersion in the creation; the tracking of some experiences that highlighted the pondering on this theme Thus, it is possible to map the creation process immersing in situations in the field of artistic production; monitoring experiences in art studios; using conversations, photographs and audio records; studying the artists written material and other theoretical fundaments, descriptions and narrative constructions, etc. From the material collected, diagrams were designed to map a possible understanding of the creative process and how the subjectivity of each artist works to materialize their ideas, stressing differences and similarities during the production of the works. An overview of how the artistic thought unfolds and how the immersion on the work happens was made, preserving the singularities found. Therewith, important points to the understanding of the functioning of the aspects studied in the research were evidenced (within the process of creation) and, on the introduced processuality, there was also the emergence of a creative plan for the production of the researcher, asserting a proper motion of creation in the composition of a new existential territory.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Priscila Rosin.pdf: 6027450 bytes, checksum: a3baa27fadc149b93f60fbc4ffd38a53 (MD5) Previous issue date: 2011-06-01 / Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de São Paulo / Wega Nery (1912-2007) was a Brazilian artist with 60 years of artistic career and cataloged over 1000 works. In this long history, there were artistic works from different phases, which were: Academic Influences ; Formal Studies ; Drawing ; Stained Glass ; Transition and Expansion ; Imaginary Landscapes ; Mitigation . Wega began her career in 1946 with figurative works, fruits of her period of study at the School of Fine Arts, theses works brought nostalgic themes of childhood, showing the home and family environment of the artist. After designing her painting and pictorial representation and deepen the studies of painting, Wega entered in black and white world of non-referrals and non-realities, it was the phase of the ink monochrome drawings. As your freedom to represent the actual increased, the color reappeared, now in abstraction with small-format screens, even geometric drawing and palette contained, informally known as "Stained Glass". In the 60‟s and 70‟s, the gestural painting has become a tool of expression in the creation of the artist, who worked with generous flicks forming large patches of vibrant colors, made with a spatula that followed her emotional impulse, it was the phase "Imaginary Landscapes". In the mid-80‟s, due to advanced age, the artist has slowed her production, which set the phase Mitigation . During this entire period devoted to art, Wega developed her artistic language and won national and international recognition. The "Portraits" were also important works that have appeared in most Wega pictorial phases / Wega Nery (1912-2007) foi uma artista plástica brasileira com trajetória de 60 anos de carreira artística e mais de 1000 trabalhos catalogados. Nessa longa trajetória, surgiram trabalhos artísticos de diferentes fases, sendo elas: Influências Acadêmicas ; Estudos Formais ; Desenhos ; Vitrais ; Transição e Expansão ; Paisagens Imaginárias e Suavização . Wega iniciou sua carreira, em 1946, com obras figurativas, frutos de seu período de estudo na Escola de Belas Artes, que traziam temas nostálgicos da infância, evidenciando ambientes domésticos e familiares da artista. Após estruturar sua pintura e representação pictórica e se aprofundar nos estudos da pintura, Wega adentrou no mundo preto e branco das não-referências e não-realidades, foi a fase dos desenhos monocromáticos a nanquim. À medida que sua liberdade de representar o real aumentava, a cor ressurgia, agora na abstração com telas de pequenos formatos, desenho ainda geométrico e paleta contida, informalmente conhecidas como Vitrais . Nos anos 60 e 70, a pintura gestual tornou-se um instrumento de expressão na criação da artista, que trabalhava com pinceladas generosas formando largas manchas de cores vibrantes, feitas com uma espátula que seguia seu impulso emotivo, era a fase Paisagens Imaginárias . Em meados dos anos 80, devido à idade avançada, a artista desacelerou sua produção, o que configurou a fase Suavização . Durante todo esse período de dedicação à arte, Wega desenvolveu sua linguagem artística e conquistou reconhecimento nacional e internacional. Os Retratos também foram obras importantes, que apareceram na maioria das fases pictóricas de Wega