Inscrit au Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse analyse les fonctionnements de la deuxième personne dans la littérature anglaise et nord américaine de 1750 à 2000. Après avoir démontré comment elle fonctionne comme système chez des romanistes britanniques du 18ème siècle et de diviser ses usages en catégories, elle trace les développements de son usage en commençant avec son apparition dans les premières écritures nord américaines. Elle la suivra jusqu'à la fin du vingtième siècle, avec une concentration sur la littérature contemporaine et son évolution depuis les années quatre-vingts. La thèse part de l'idée que la narration d'un auteur à ses lecteurs en utilisant “you” est plus directe et crée une relation particulière entre auteur et lecteur qui est en train de se développer de plus en plus dans la littérature contemporaine, notamment en Amérique. Enfin, elle explique comment ça a un lien direct avec les communications en général entre les gens de cette fin du siècle: des communications qui sont á la fois plus direct et plus compliqué. Elle traite aussi de la comparaison de cet usage en anglais et en français, en vue de montrer des différences entre la relation auteur-lecteur dans les deux langues.

Formé d'un essai théorique et de quatre nouvelles, ce mémoire est construit de manière à retracer l'éclosion d'une écriture. Les chapitres théoriques, qui précèdent les fictions, interrogent les enjeux soulevés par l'emploi grandissant de procédés et de techniques autoréflexifs et antimimétiques dans la littérature contemporaine américaine. Tentant de définir une esthétique de la métafiction, j'essaie de comprendre les fondements éthiques et formels qui font l'originalité de cette écriture postmoderne dont la fréquentation m'a souvent inspiré le désir d'y répondre par des oeuvres de création. Les nouvelles qui succèdent à ce volet théorique s'inscrivent dans le droit fil des questionnements soulevés par cette réflexion. Lues en continuité, elles donnent aussi à voir comment une écriture peut s'affranchir progressivement de ses modèles. Cherchant à réactualiser les personnages et les stratégies narratives disjointes des nouvelles contenues (particulièrement la nouvelle éponyme) dans le recueil Lost in the Funhouse de John Barth, mon premier récit se charge d'un fonds d'intertextualité très fort où la fiction se dispute à l'essai. Reprenant à son compte la forme des chapitres inachevés des 120 journées de Sodome, la seconde nouvelle procède d'une appropriation iconoclaste de l'univers sadien dont les renvois s'avèrent moins susceptibles de faire obstacle à une lecture non avertie. Enfin, les deux nouvelles restantes affichent une intertextualité plus discrète et posent leurs propres règles du jeu. En reprenant à sa manière certains enjeux et procédés abordés préalablement dans le volet réflexif, chacun de ces quatre écrits explore le rapport ambigu qu'entretient la métafiction avec les formes courantes du discours (littéraire inclus), ainsi que la singulière conception du sujet qui en émerge. De cet ensemble théorique et fictionnel construit comme un tout organique, il résulte la défense d'une pratique littéraire où la fiction et les problèmes de l'écriture sont le premier cadre de référence. Celle-ci postule en outre que l'emploi de procédés antimimétiques et autoréflexifs contribue à renouveler les formes d'expression d'une littérature périodiquement sujette à l'épuisement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Postmodernisme, Métafiction, Intertextualité, Autoréflexivité, Crise du sujet, Littérature américaine, Littérature de l'épuisement, Métaphore.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce mémoire a pour objectif de signifier l'importance de l'oralité en littérature américaine et d'en faire ressortir les différentes tensions par rapport à la représentation réaliste. Des origines folkloriques de la tradition orale aux avancées formelles des auteurs postmodernes des années 1960, la production narrative aux États-Unis semble obsédée par son propre processus d'énonciation, par sa propre voix, en fonction de deux éléments centraux et fondateurs dans l'expérience nationale: la démocratie et la technologie. L'identité hétérogène et le mouvement perpétuel associés au développement de la nation influencent le rapport au langage et au réel. À ce titre, plusieurs historiens de la littérature considèrent Mark Twain comme le premier écrivain à avoir su incorporer le langage et l'esthétique du folklore de la frontière en littérature. Adventures of Huckleberry Finn, son chef-d'oeuvre de la fin du XIXe siècle, transcende les genres littéraires grâce à une narration humoristique homodiégétique rappelant les plus virulents conteurs de tall tales -ces récits rocambolesques et hyperboliques décrivant les exploits des hommes et femmes à la découverte du continent. Issu du mouvement réaliste, Twain sera parmi les premiers auteurs à mettre en relief ce qui reviendra constamment dans les générations suivantes: la reproduction de l'oralité en écriture est toujours empreinte d'autoréflexivité. Ainsi, de Mark Twain à Robert Coover, en passant par J.D. Salinger et Jack Kerouac, je dresse un historique de l'oralité, de la culture vernaculaire et du travail réaliste en littérature pour montrer comment la réflexion sur le langage devient de moins en moins voilée, de plus en plus centrale. Au lendemain de la Guerre civile, Twain aborde la problématique de la représentation réaliste en fonction d'un idéal démocratique. Dans les années 1950, Salinger et Kerouac donnent un nouveau souffle à la langue vernaculaire en littérature, en y incluant une dimension poétique de plus en plus expérimentale tout en restant accessible. Enfin, dans la mouvance du postmodernisme, Coover revendique une esthétique réaliste qui tient compte des nouvelles complexités de la représentation du réel. Devant l'émergence de la cybernétique et des multiples réseaux de sens, l'auteur tente de réactualiser les mythes, légendes et archétypes du vernaculaire américain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature américaine, Oralité, Vernaculaire, Folklore, Réalisme, Postmodernisme.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Depuis environ la seconde moitié du XXe siècle, la littérature d’expression française en Louisiane a connu un tournant décisif. En effet, si les débuts de l’histoire littéraire francophone dans l’État américain se sont peu démarqués de la littérature française qui avait cours à la même époque, la littérature franco-louisianaise contemporaine a pour sa part fait du choix de sa langue d’écriture son trait distinctif. Les écrivains Jean Arceneaux, David Chéramie, Deborah J. Clifton, Carol J. Doucet, Richard Guidry, Kirby Jambon et Zachary Richard ont tous opté dans leurs écrits pour la variété cadienne du français, en n’excluant ni les régionalismes ni les emprunts aux groupes avec lesquels la communauté est entrée en contact à un moment ou à un autre de son histoire. Cette étude se donne pour but de mesurer l’impact à la fois sur la langue et sur la littérature de l’emploi du vernaculaire dans un discours littéraire. En poésie cadienne, le choix d’une variété de langue d’écriture et le rapport à l’espace est symptomatique d’une stratégie d’accès à l’autonomie littéraire et d’un questionnement sur son identité au sein de la francophonie.

Cette dissertation propose un nouveau récit des expériences de William Faulkner à Hollywood afin de réévaluer la deuxième moitié de son œuvre de fiction. Dans ses premiers projets de scénarios de films, Faulkner a choisi d’adapter des œuvres de fiction qu’il avait publiées antérieurement. À la lumière de l’utilisation du genre —autant des films que des personnes— par les studios d’Hollywood pour organiser la production et le marketing des films, la fiction de Faulkner apparut soudainement comme perverse et ses représentations de la masculinité comme homoérotiques. Dans les premiers jets de Turn About et de War Birds, Faulkner s’approprie les normes du genre hollywoodien pour nier ces connotations sexuelles. Ses révisions ultérieures révèlent un recul systématique par rapport à la perversité d’Hollywood et au genre du woman’s film, au profit de la performance de la masculinité propre aux war pictures. Ses révisions réimaginent également des matériaux qui sont au cœur de son œuvre de fiction. Quand il se remet à écrire de la fiction, Faulkner répète cette approche narrative dans des nouvelles telles que “Golden Land” et “An Odor of Verbena,” deux récits qui rompent avec les pratiques et le style de ses premières fictions majeures. Les conséquences découlant de cette influence hollywoodienne—une volonté d’éradiquer toute connotation sexuelle, l’adoption authentique plutôt qu’ironique du mélodrame générique, et une rhétorique morale explicitement construite comme une négation d’Hollywood—se manifestent plus tard dans des textes aussi divers que The Reivers, Compson Appendix, ou son discours de réception du Prix Nobel. Vues sous cet angle, les dernières fictions de Faulkner deviennent une composante essentielle de son œuvre, fournissant une base nouvelle pour réexaminer la place des genres narratifs populaires, du genre et de la sexualité dans son cycle de Yoknapatawpha. / This dissertation offers a new narrative of William Faulkner’s Hollywood experiences and uses it to initiate a reevaluation of his middle and late fiction. In his earliest screenplay projects, Faulkner chose to adapt his previously published fiction. Read in light of Hollywood studios’ reliance on gender and genre to organize film production and marketing, this fiction suddenly appeared perverse; its portraits of masculinity, homoerotic. In his draft screenplays for Turn About and War Birds Faulkner appropriates Hollywood genre norms to negate these sexual connotations. His revisions reveal a pattern of recoil from Hollywood perversity and the woman’s film; and of an embrace of the war picture’s performance of masculinity. They also re-imagine materials central to Faulkner’s ongoing fictional project. Faulkner later repeats this pattern of response in such stories as “Golden Land” and “An Odor of Verbena,” both of which break from the defining practices and styles of his earlier, major fiction. The consequences that follow from this Hollywood influence—an effort to extinguish sexual connotation, an authentic rather than ironic embrace of generic melodrama, and a moral rhetoric explicitly constructed as a negation of Hollywood—later manifest in texts as diverse as The Reivers, the Compson Appendix, and the Nobel Prize acceptance speech. Viewed in this light, the late fictions become an essential component of his oeuvre, offering a new site for re-examining the place of popular genre , gender and sexuality in the Yoknapatawpha saga.

Pas de résumé français / Pas de résumé anglais