Lorsqu’il a commencé à être plus communément utilisé au début des années 1930, le terme « haute-fidélité », appliqué à l’enregistrement sonore, faisait référence à la transparence des technologies d’enregistrement, à leur habileté à reproduire aussi fidèlement que possible une réalité sonore préalable à l’acte d’enregistrer. Ensuite, à mesure que les technologies de production et de reproduction en enregistrement sonore ont progressé et que de nouvelles idéologies ont émergé, la définition du terme est devenue de plus en plus floue, tout comme les caractéristiques distinctives des systèmes de reproduction haute-fidélité, des phonogrammes haute-fidélité, et de la musique haute-fidélité. Cette étude vise à déterminer quelles sont, en 2012 et selon la perspective des membres de la communauté haute-fidélité, ces caractéristiques qui distinguent la musique « haute-fidélité » de toute autre forme de musique. Pour répondre à cette problématique, les principaux concepts fondamentaux et idéologies de la haute-fidélité seront explorés et discutés. / When it started being commonly used at the beginning of the 1930s, the term “high-fidelity”, applied to recorded sound, referred to the transparency of recording technologies, to their ability to reproduce as faithfully as possible an external reality that existed a priori to the act of recording. In the following decades, as the technologies of production and reproduction in phonography evolved and new recording ideologies emerged, the definition of the term became more and more blurred, as did the distinctive characteristics of high-fidelity systems, phonograms, and music. This paper aims to determine what are, in 2012 and from the perspective of the hi-fi enthusiasts, the distinctive characteristics of high-fidelity music, when compared to any other form of music which would not qualify as such. To answer this central question, today’s main high-fidelity concepts and ideologies will be explored and discussed.

Le mémoire présente une analyse montrant de quelle manière L'Heptade d'Harmonium (1976), leur troisième et dernier album, est relié à la théorie des sept niveaux de conscience de l'esprit humain. Le premier chapitre montre que cette théorie est abordée comme un récit continu, dans lequel chacune des sept chansons de l'album conceptuel jouent un rôle précis, en particulier "Comme un fou", "L'exil" et "Comme un sage". Les chapitres 2, 3 et 4 présentent respectivement l'analyse de ces trois chansons clés aux plans suivants : la forme, le texte, la musique et l'interprétation vocale. "Comme un fou" sert d'introduction à l'album et présente l'objectif de son protagoniste : atteindre la spiritualité. "L'exil" illustre ce passage de la matérialité à la spiritualité, tandis que "Comme un sage" présente la réconciliation de ces deux aspects du monde pour le protagoniste.

Cette étude exploratoire porte sur l’apprentissage mnémonique de partitions de piano à l’aide de repères microstructuraux. Acquis en prenant conscience de différentes micro-informations, tant sur le plan de la notation musicale que de sa réalisation instrumentale, ces repères permettent d’identifier les singularités de la partition pour mieux s’en souvenir. Cette recherche doctorale poursuit deux objectifs, soit de répertorier les divers types de microstructures utilisés par les pianistes pour mémoriser une partition, puis de les classifier. Ensuite, ces repères font l’objet de diverses analyses de fréquence afin d’illustrer les préférences d’utilisation des pianistes ayant participé à l’étude. Cette étude a permis d’observer que les pianistes ont utilisé sept types différents de repères microstructuraux pour mémoriser leur répertoire. Deux types de repères sont liés à la représentation de la notation musicale; trois autres sont responsables de la représentation de la réalisation instrumentale; puis les deux derniers favorisent la prise de conscience d’associations lors du travail mnémonique. / This exploratory study is about the piano score memorization with the aid of micro-structural references. Acquired by acknowledging consciously different micro-informations, at the level of musical notation as well as its execution on the instrument, those references then enable the musicians to identify the partition’s singularities to more easily memorize them. The first objective of this doctoral research is to list various types of references used by pianists to memorize their partition. Once gathered, the second objective is to classify them under larger categories. To better illustrate the pianist-preferred microstructures references used that have been observed with the musicians who participated in this study, many analysis show appearance frequencies in the data’s corpus.

Québec Université Laval, Bibliothèque 2016

L'apprentissage du violon classique occidental s'effectue généralement dans un contexte pédagogique contraignant où l'enseignement, centré sur le professeur (Young, Burwell et Pickup, 2003), laisse peu de latitude décisionnelle à l'élève (Persson, 1995). Intégrer des activités pédagogiques qui encouragent la latitude décisionnelle et la créativité des jeunes violonistes apparaît comme une alternative pertinente à cette problématique. L'improvisation, à qui l'on accorde de multiples bénéfices pédagogiques (Azzara, 2002) dont notamment le développement de la pensée créative (Webster, 2002), est souvent absente de l'enseignement du violon (Riveire, 1997). Cette situation est attribuable au manque de connaissances des professeurs sur le sujet et à l'absence d'outils pédagogiques adéquats (Ibid.). Dans le but de pallier à ces lacunes, notre recherche doctorale visait à mettre au point un outil pédagogique facilitant l'intégration de l'improvisation dans l'enseignement du violon au cours des trois premières années d'apprentissage. Suivant une méthodologie de recherche de développement (Van der Maren, 2003) et puisant, tant dans la littérature scientifique que dans l'expérience pratique de la chercheuse et de trois professeurs collaborateurs, cet outil a été rigoureusement conçu. Visant le développement de l'ensemble des habiletés requises pour former un jeune instrumentiste autonome et créatif, il propose une démarche s'appuyant sur le modèle de l'enseignement stratégique de Tardif (1997) et des activités pédagogiques où l'improvisation est intégrée à l'apprentissage du violon. L'outil pédagogique, présenté sous la forme d'un document écrit accompagné de deux DVDs, a été validé par la chercheuse et les trois professeurs collaborateurs auprès d'élèves correspondant à la population cible, soit des enfants âgés de 6 à 11 ans durant leurs trois premières années d'apprentissage. Les données générées par des essais in situ, des captations vidéo et des entretiens semi-dirigés ont donné lieu à une analyse qualitative dont les résultats ont permis d'optimiser le contenu et la forme de l'outil.

Le but de cette étude est d'identifier les différentes stratégies utilisées lors du décodage des notes sur la portée musicale, par de jeunes pianistes fréquentant le premier cycle de l'école primaire ou la maternelle et qui en sont à leur première année d'étude instrumentale. La technique du rapport rétrospectif a été utilisée pour la collecte des données, chaque sujet (14) ayant été rencontré individuellement en entrevue. Les résultats révèlent que les stratégies utilisées par les enfants sont : compter les notes, utiliser un truc mnémotechnique, savoir par coeur, identifier les notes répétées, procéder par élimination, identifier la clef, identifier la direction et combiner des stratégies. De plus, cinq catégories d'erreurs ont été identifiées : se tromper en comptant les notes, se tromper de clef, se tromper de direction, se tromper d'ordre et récupérer une note erronée en mémoire.

L’anxiété de performance musicale (APM) est un phénomène fort répandu chez les musiciens. En effet, 40 % d’entre eux seraient touchés par ce problème, dont 15 % à 25 % de façon encore plus marquée (Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Bien que l’exposition virtuelle compte parmi les traitements visant à atténuer les effets négatifs des troubles anxieux (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008), cette forme de traitement n’a fait l’objet que de rares études en ce qui a trait à l’APM. Cette recherche doctorale vise à atténuer ce manque. Le premier objectif de la thèse est d’analyser l’évolution de l’APM et de la qualité de la prestation au cours d’un entraînement virtuel. Le second objectif est d’évaluer les effets d’une exposition virtuelle sur l’APM et sur la qualité de la prestation des participants en situation réelle de concert. Dix-sept guitaristes et pianistes ont pris part à l’étude. Les participants ont été pairés selon leur niveau d’anxiété et selon leur instrument, puis distribués aléatoirement dans le groupe expérimental (n = 9) ou dans le groupe contrôle (n = 8). Au prétest et au posttest, les participants ont été invités à jouer une pièce de mémoire lors d’un récital public. Par la suite, leur niveau d’APM a été mesuré. La qualité de la prestation musicale a été évaluée par deux juges experts. Entre le prétest et le posttest, les participants du groupe expérimental ont réalisé un entraînement virtuel de six rencontres d’une heure. Les analyses statistiques ayant trait à l’entraînement virtuel indiquent une diminution significative de l’APM d’une rencontre à l’autre, ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation à l’intérieur des rencontres. Entre le prétest et le posttest, nous observons une diminution significative du niveau d’anxiété chez les participants ayant un haut niveau d’anxiété-trait et chez ceux ayant un haut niveau d’anxiété situationnelle au prétest. Une diminution significative du niveau d’anxiété chez les femmes du groupe expérimental ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation entre le prétest et le posttest pour les participants du groupe expérimental ont également été observées. / Music performance anxiety affects numerous musicians and many of them report impairment of their performance due to this problem(Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Virtual reality exposure is increasing as a mode of treatment of anxiety disorders (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008).This doctoral thesis examined a virtual reality exposure training program conceived for the treatment of music performance anxiety. The first objective of this thesis is to analyze the evolution of music performance anxiety and the quality of performance during the virtual training program. The second objective is to estimate the effects of virtual exposure on music performance anxiety and on the quality of the performance of participants during in vivo performance. Seventeen music students were paired and randomly assigned to a control group (n = 8) or to a virtual training group (n = 9). Participants were asked to play a musical piece by memory during two public recitals at three week intervals. Their anxiety was then measured using the Personal Report of Confidence as a Performer scale (PRCP), the S-Anxiety scale from the State-Trait Anxiety Inventory (STAI-Y), the Subjective Units of Distress Scale (SUDS), and by measuring pulse rate. The virtual reality exposure training consisted of six one-hour long sessions of virtual exposure. Findings concerning the virtual reality exposure training indicate a significant decrease of performance anxiety between sessions. The results also indicate a significant increase of performance quality during virtual reality training sessions. Results of the pre- and post-test indicate a significant decrease in performance anxiety for the following participants: (a) musicians in treatment group with a high level of situational anxiety (S-Anxiety), (b) musicians with a high level of trait anxiety (T-Anxiety), (c) for women musicians and (d) for musicians with high immersive tendencies (ITQ). Finally, we observed a significant increase of quality of performance for the experimental group, but not for the control group between pre- and post-test.

Ce mémoire porte sur les différentes relations qu'entretiennent musique et texte, et plus spécifiquement sur l'influence réciproque entre texte et musique dans la composition de trois de mes oeuvres avec voix. L'influence des choix compositionnels sur le réaménagement du texte est d'abord démontrée dans chacune des trois oeuvres : L'Horloge pour choeur mixte et ensemble de cuivres d'après le poème éponyme de Charles Baudelaire ; Ne pas (deux pièces : Le Négateur et Entendez-moi) pour voix soliste (mezzo-soprano), percussions et piano d'après deux poèmes de Yanik Dupuis ; Nohow on pour récitant et orchestre d'après des extraits du roman Worstward Ho de Samuel Beckett. Chacune de ces oeuvres est ensuite analysée en fonction d'une influence unique et précise du texte sur les choix compositionnels : l'influence du texte sur la forme de l'oeuvre (L'Horloge) ; l'influence du texte sur le traitement de la voix (Ne pas) ; l'influence du texte sur le traitement des instruments (Nohow on).

Les musiciens font partie d'une population susceptible de développer des pathologies d'ordre musculosquelettique au cours de leur carrière. Cette étude aborde l'importance de prévenir l'apparition des troubles musculosquelettiques (TMS) et s'intéresse à une approche d'éducation corporelle encore peu étudiée de manière scientifique: l'Eutonie Gerda-Alexander. Cette étude vise la définition des principes de l'Eutonie et cherche à les mettre en lien avec des critères de prévention des TMS chez les musiciens. La méthode employée est l'analyse de contenu de huit ouvrages (monographies) portant sur l'Eutonie Gerda-Alexander. De type exploratoire et descriptif, et utilisant un mode d'analyse qualitatif, l'analyse de contenu a permis d'identifier cinq catégories d'analyse: 1) la définition du mot eutonie, 2) la définition de l'approche de Gerda-Alexander, 3) les buts poursuivis en Eutonie, 4) les apports et les effets de l'Eutonie, et 5) la philosophie de travail en Eutonie. Des pistes de recherche mettant en relation les principes de l'Eutonie et certains critères de prévention des TMS sont proposées à la fin de cette étude.

Ce mémoire tente de comprendre les stratégies des créateurs pour organiser la structure verticale des timbres dans une pièce de musique populaire enregistrée (MPE). Dans la foulée des recherches de Stéphane Roy en analyse fonctionnelle (2003) et des théories gestaltistes de la perception, nous avons élaboré un modèle d’analyse construit autour du principe selon lequel les créateurs de MPE aient tendance à organiser les sons selon trois plans sonores, lesquels assument chacun un rôle distinct dans la hiérarchie perceptive, et que les termes avant-plan, mouvement et résonance représentent précisément ces rôles. Par cette approche, nous cherchons à faire ressortir des lignes directrices guidant, de manière consciente ou non, les créateurs dans l’organisation des timbres dans le contexte d’un monde sonore largement influencé par les nouvelles technologies.