Diss.--Stuttgart, 1999. / Bibliogr. p. 408-420. Index.

Texte remanié de: Ph. D.--Rome--Pontificio Ateneo di Sant' Anselmo, 1994. / Contient des citations en latin. Bibliogr. p. 230-245.

Texte remanié de: D. Phil. th. / Bibliogr. p. 171-178. Index.

This thesis examines works by the British interwar writers W.H. Auden and Louis MacNeice in the context of their relationship with the contemporary style of visual art known as Art Deco or the Moderne. It is my contention that, having absorbed many of the Art Deco idioms as an accepted part of the world they experience, these are reflected in the writers' works, firmly relating the work to a unique historical moment, place and social and cultural environment. In my reading of their work I identify sources of inspiration in their themes, idioms and imagery common to the artistic style, and investigate the extent to which their work has been informed in content and composition by visual art. Using diaries, travelogues, letters, essays, prose and poetry, I will argue that if Art Deco characterised the interwar period, it follows that it will also characterise the work of Auden and MacNeice. As such, I seek to reframe their work in an entirely new context, one seemingly unnoticed by earlier critics. My project also considers the ways in which a worldview is formed and environments are learned from childhood, with reference to early twentieth-century psychologists Erich Fromm, Lev Vygotsky and Maria Montessori, in order to posit the notion that growing up in the heyday of Art Deco, Auden and MacNeice may have subceived a great many of its motifs. I also identify the ways in which the writers engage visual art with intent, and establish a relationship between the writers and Art Deco's politics, imagery and composition through discussion of individual poems and their co-authored book Letters From Iceland (1937). In particular, the thesis examines the presence and impact of Art Deco elements in their work, such as Cubism (using both visual and literary examples), Futurism, the cinema, the Ballets Russes, and interwar attempts at producing what Wagner termed gesamtkunstwerk, the 'total work of art'.

Apollinaire, Cendrars et Maïakovski vivent une époque de changements qui modifient l’ordre des choses, offrant une mutation dont le progrès technique est l’illustration la plus évidente pour ces poètes qui glorifient les nouveaux moyens de communication comme le train dont le mouvement ininterrompu sert de fil conducteur à tout le poème de Cendrars la Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France ou comme l’aviation chantée par Apollinaire dans « Zone » et mise en scène par Maïakovski dans Le prolétaire volant. Le voyage devient un thème privilégié de cette poésie résolument tournée vers le mouvement. Entrevoyant une transformation irréversible, ils se trouvent aussi confrontés à un monde nouveau, qu’ils appréhendent dans sa misère, sa violence et son caractère brut. La ville moderne en est l’un des motifs les plus emblématiques. Elle apparaît comme un décor théâtralisé et digne de devenir objet d’une poésie qui se veut novatrice. Chantres de cette modernité naissante, ils se font les témoins voire les porte-parole de l’humanité misérable qui hante ce décor. Apollinaire et Cendrars évoquent souvent les émigrants, populations déracinées, sans patrie, en quête d’un illusoire Eldorado, tandis Maïakovski fait défiler toute une série d’infirmes dans sa tragédie Vladimir Maïakovski tragédie. Si le monde moderne devient objet d’observation, il est aussi cadre de l’errance poétique. A la soif de voyage de Cendrars correspond une problématique interrogation existentielle, alors qu’Apollinaire, entre tradition et modernité, confronte le mal être du mal aimé au monde qui l’entoure. Maïakovski, lui, cherche désespérément, à travers un lyrisme exacerbé, à lutter contre un esprit bourgeois et ignorant de la misère et des transformations du monde et à convaincre de la nécessité d’instaurer la révolution de façon complète. Marqués par la conscience aiguë de la nouveauté, ils se trouvent cependant pris entre un monde ancien, rejeté mais toujours présent, et un avenir incertain et inquiétant. C’est dans ce contexte que se met en place la problématique quête du moi. Le poète se heurte à un monde autre, indifférent qui ne le comprend pas, qu’il cherche à apprivoiser et à façonner tout en construisant une identité bien fragile. De l’observation du monde moderne arpenté par le poète naît une esthétique de la trivialité poétisée dans l’évocation d’une réalité crue, nue sans détour ni euphémisme. Le beau y côtoie le laid, à la suite de Baudelaire qui introduisit le monde moderne dans la poésie. Ainsi l’actualité vécue de façon aiguë fait –elle l’objet de l’attention du poète et devient poésie. Rendre le réel dans son immédiateté induit un lyrisme intense et douloureux où la quête prend la forme d’une plainte, d’une supplique et d’une révolte en même temps qu’elle pose un questionnement sur la poésie, ses formes nouvelles et son rôle dans ce monde moderne. / Apollinaire, Cendrars et Maïakovski lived in an era of changes which initiated a new order of things, bringing about a transformation best illustrated by technical progress in the minds of these poets who glorified the new means of communication such as the train whose steady movement is the main thread of the whole poem by Cendrars Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France, or the plane glorified by Apollinaire in « Zone » or staged by Maïakovski in Le prolétaire Volant. Travelling became the privileged theme of this poetry consecrated to movement. Foreseeing an irreversible transformation, they were confronted with a new world that they grasped through its wretchedness, its violence and its rawness. The modern city is one of their most emblematic motives and it seems like a theatre set deserving of becoming the subject of a new poetry meant to be innovative. As the heralds of this budding modernity, they became the witnesses and even the spokepersons of wretched mankind who haunts this setting. Apollinaire and Cendrars evoke the migrants, the uprooted and stateless populations in quest for an unrealistic Eldorado whereas Maïakovski in his tragedy Vladimir Maïakovski presented a series of disabled people. If the modern world turned into a subject of observation, it is also a frame for poetic wandering. To Cendrars's thirst for travelling corresponds the problematic questioning of existence whereas Apollinaire, between tradition and modernity, opposes the malaise of the unloved one to the surrounding world. For Maiakovski's part, through heightened lyricism, he desperately seeks to struggle against a « bourgeois spirit » which ignores the misery and great changes of the world and to convince of the necessity to bring about an utter revolution. Impregnated by an acute awareness of novelty, they are caught between an old world, rejected but still present, and an uncertain worrisome future. It's within this context that the problem of the quest for the self is outlined. The poet comes up against a different and insensitive world which doesn't understand him, a world he tries to tame and shape while forging a quite fragile identity. An aesthetic of triviality poeticized in the depiction of a gritty, naked reality in an upfront way and with no hint of exaggeration is born of the poet's observation of the modern world. The beautiful is seen beside the ugly, as for Baudelaire who introduced the modern world to poetry. Thus reality experienced in a sharp way is the focus of the poet's attention and turns out to be poetry. Portraying the reality in its immediacy implies an intense and painful lyricism in which the quest turns out to be moaning, a plea and a rebellion as it questions poetry itself, its new forms and its status and role in the modern world.

Le théâtre persan moderne est véritablement né au XIXe siècle, avec la découverte du théâtre occidental. Les hommes politiques éclairés ont tenté de moderniser la Perse en envoyant des étudiants en France pour apprendre les sciences modernes. Rentrés au pays, ces étudiants avaient un vif intérêt pour la culture française, y compris pour le théâtre. En outre, en Perse, nous constatons également la montée d’une classe bourgeoise où se développaient des idées réformistes et néo-religieuses. C’est sur ce fond de réformes et de mutations économiques, politiques et sociales que se crée la nouvelle forme littéraire que constitue le théâtre persan moderne. Ainsi, Le Misanthrope de Molière a été traduit sous le nom de Gozâreš-e mardom goriz par Mirzâ Habib Esfahâni, un exilé politique (Istanbul, 1869), avec toutefois une grande liberté dans la restitution des noms des personnages et des traits de caractère, de sorte que le jeu était plus persan que français. En plus des adaptations directes, le théâtre persan a également été influencé par le théâtre classique français à travers les œuvres des hommes de théâtre persans comme Mirzâ Aghâ Tabrizi. Ses comédies traitent essentiellement, sur un mode ironique, de la corruption politique et des superstitions. Ces écrivains ont essayé de composer ou d’adapter des pièces modernes, généralement dans l’esprit de Molière, mettant en scène des personnages typiques, décrivant des épisodes à la fois comiques et satiriques qui témoignent d’une volonté de s’adresser à toutes les classes sociales. Étant donné ce lien évident entre théâtre persan et théâtre français, nous envisageons une analyse socio-historique des pièces persanes, surtout depuis la fin du XIXe siècle, qui souligne notamment leurs rapports avec l’œuvre de Molière, tout en mettant en évidence leurs enjeux culturels / The modern Persian theatre was trully born in the nineteenth century, thank to the discovery of the western theatre. Enlightened politicians have tried to modernise Persia, students were to be send sent to France in order to learn modern science. When these students were coming home they had a lively interest for French culture including its theatre. Moreover, in Persia, we can notice the rise of a middle class where reformist and neo-religious ideas developed themselves. This background is where economical, political and social reforms and changes emerged to create a new literary genre that is to be found in modern Persian theatre. Thus, Le Misanthrope by Molière was traduced by Gozâreš-e mardom goriz by Mirzâ Habib Esfahâni who was in a political exile (in Instanbul in 1869). Nevertheless he took great liberties in the characters’names and their personalities so that the acting was more Persian than French. In addition to direct adaptations, Persian theatre was also influenced by the Classic French theatre with the work of Persian playwrights such as Mirzâ Aghâ Tabrizi. His comedies are mainly ironic and about political corruption and superstitions. These writers tried to compose or adapt modern plays –often in Molière’s way- bringing typical characters to life, describing scenes that are at the same time comical and satirical. It was a mean a means to address their works to every social group. Because of this obvious link between Persian and French theatre. I am considering doing a socio-historical analysis of Persian plays especially from the end of the nineteenth century because they put to light the relation with Molière’s work but also highlight the cultural issues

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Le présent travail a comme but de mettre en lumière la détresse de l’homme moderne dans la pensée de Heidegger. L’accès à notre sujet nécessite avant tout une réflexion particulière sur la critique heideggérienne de l’histoire de la métaphysique dans son ensemble. Pour Heidegger, en éliminant la vérité bouleversante de l’Etre, la tradition philosophique a toujours cherché le fondement et la stabilité auprès de l’étant. Il reproche donc à l’histoire de la philosophie de rester dans l’indifférence vis-à-vis de l’Etre. Pourtant, l’oubli de l’Etre expose l’homme à une détresse pesante. Dans ces conditions, le choix de se tourner vers la technique ne fait qu’accentuer sa situation de détresse. Puisque la détresse, c’est l’Etre lui-même. Autrement dit, l’Etre est une nécessité de l’homme pour venir à la parole. Dans cette étude, nous tentons de répondre aux questions suivantes : L’homme ne risque-t-il pas de se perdre définitivement dans l’oubli de la détresse de l’Etre ? Est-il toujours envisageable pour l’homme de surmonter sa détresse engendrée par l’oubli de l’Etre ? Comment faut-il faire face à ce péril imminent ? L’homme peut-il encore espérer ? / The purpose of this study is to bring to light the distress of modern man in Heidegger’s thought. To enter into our subject, it is necessary to develop a particular reflection on Heidegger’s critique of the history of metaphysics as a whole. For Heidegger, by eliminating the overwhelming truth of the Being, philosophical tradition has always been in search of a ground and the stability near to being. So he criticises the history of philosophy for its indifference to the Being. However, the forgetfulness of the Being exposes man to an irresistible distress. In these circumstances, the choice of turning towards the technique only accentuates his situation of distress. Because the distress is the Being itself. In other words, the Being is a necessity of human being for coming to word. In this study, we are trying to give answers to following questions: does man risk to lose himself definitely in the forgetfulness of the distress of Being ? Is it still possible for man to overcome his distress created by the forgetfulness of the Being ? How to cope with that imminent peril ? Can man still hope ?

Esta investigação é dedicada ao tema da alimentação e procura abordá-lo em perspectiva cultural. Detida principalmente na dinâmica dos contatos culturais que resultaram do processo de colonização da América pelas nações ibéricas, a pesquisa tem como foco, principalmente, fontes e outros registros de caráter \"etnográfico\", tais como cartas e crônicas escritas no decorrer do século XVI que, de algum modo, registraram a \"cultura alimentar\" nativa dos povos americanos. Tendo em vista a possibilidade de considerar a alimentação como importante elemento na constituição do sistema de vida nos mais diversos grupos sociais - principalmente no âmbito das práticas cotidianas e dos valores culturais -, o que se procura apresentar nesta dissertação é o modo como os elementos simbólicos ligados aos alimentos emergem como instrumento mediador na construção de igualdades e diferenças culturais que, em última instância, permitem ao europeu presente no Novo Mundo, incorporar, intelectualmente, sua experiência no continente americano. / Considering that food can be a constituint element in the life system of several different social groups mainly in what concerns every day life and cultural values. We try here to deal with the way symbolic issues mediate cultural differences and similarities. We try to show that these constructions eventually allow the Europeans to intellectualy incorporate their New World experiences.

Cette monographie sur l’œuvre théâtrale de Charles Ludlam (1943-1987), dramaturge, comédien, metteur en scène et directeur de la Ridicoulous Theatrical Company (1967-1987) à new york, s’attache à mettre en valeur le fonctionnement poétique des pièces. A partir de l’étude de la réception, des archives et des commentaires de Ludlam, et surtout, des pièces elles-mêmes, il s’agit de réexaminer la validité des jugements critiques portés sur l’œuvre, qui n’a pas fait l’objet de réévaluation sérieuse depuis le contexte immédiat de la création des pièces. Prenant nos distances avec les classifications habituelles du dramaturge (théâtre gay, théâtre de divertissement, théâtre parodique), nous montrons que la compréhension de l’œuvre de Ludlam ne peut avoir lieu sans une confrontation à la tradition de la pensée du théâtre occidental. Ludlam entretient ainsi un rapport ambigu et ambivalent au milieu de l’avant-garde dans lequel il s’inscrit, qui explique en partie les contresens dont il a été victime. / This monograph on the theatrical works of Charles Ludlam (1943-1987), playwright, actor, director and founder of the Ridiculous Theatrical Company (1967-1987) in New York City, aimes at exploring the poetic underpinnings of the plays. Based on the study of the works’ reception, of Ludlam’s archive an down commentaries, and above all, of the plays per se, our purpose was ton reexamine the validity of the critical judgements on works which have note been seriously reconsidered since their original opening. Distancing ourselves from the usual labels attached to the playwright (gay theatre, entertainment, parody) we show that any real understanding of Ludlam ought to rely on an confrontation with the tradition of and reflection on western theatre practices. Ludlam thus enjoyed an ambiguous and ambibalent relationship with the avant-garde milieu of which he was part, which accounts in part for the misundersandings to which his work has fallen prey.