Esta tese parte da premissa de que, na tradição da musica ocidental escrita, a performance restitui a obra musical ao tempo e o intérprete, responsável por esse processo, deve compreender profundamente as temporalidades propostas pela obra para, assim, planejar criteriosamente o fluxo dos seus eventos. Para isso, é necessário que o processo de construção interpretativa se desenvolva em simultaneidade e constante diálogo com dados decorrentes do estudo analítico da obra estudada e da percepção estésica do intérprete que, em sua prática diária, projeta e avalia em si mesmo o efeito pretendido. Com base nesse modelo, foi realizado um estudo interpretativo e analítico de Cantéyodjayâ para piano de Olivier Messiaen, compositor que, por meio de sua obra musical, seus textos teóricos e sua atividade pedagógica, teve importante impacto nas discussões a respeito do tempo na música do século XX. O primeiro capítulo da tese, Cantéyodjayâ contextualizada, posiciona Cantéyodjayâ no contexto da obra de Messiaen, especialmente no que se refere ao período de experimentação no qual se insere. O segundo capítulo, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, trata dos conceitos filosóficos e teológicos que apoiaram o pensamento rítmico-temporal em Messiaen e suas correspondências com procedimentos composicionais adotados pelo compositor. O terceiro capítulo, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, apresenta o estudo analítico de Cantéyodjayâ articulado a decisões interpretativas. Compuseram a fundamentação deste capítulo os textos teóricos do compositor, em especial Technique de mon langage musical (1944) e Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994), articulados a conceitos apresentados por autores como J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005). / This thesis assumes that performance brings a musical score to life by presenting it in real time. The performer – who is in charge of this process – must understand the complex relationships between rhythm and conceptual pacing of a particular work in order to plan the flow of events. Threrefore, the interpretive construction must be constantly supported by data from both the analytical investigation and the aesthetic perception. The performer in his daily practice designs the desired effect and evalutes the outcome. Based on this notion, an interpretive and analytical study was done about Cantéyodjayâ by Olivier Messiaen, a composer whose compositional output, theoretical writings and pedagogical activities have impacted the concept of time in the twentieth century music. The first chapter of this thesis, Cantéyodjayâ contextualizada, contextualizes Cantéyodjayâ in the entire oeuvre of Messiaen, especially within his experimental period. The second chapter, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, deals with philosophical and theological concepts based in Messiaen’s rhythmic thought, as well as its connections to the compositional procedures adopted by Messiaen. The third chapter, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, presents an analytical study of Cantéyodjayâ linked to the interpretive choices. This last chapter is based on Messiaen’s theoretical writings, especially Technique de mon langage musical (1944) and Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994); it is also connected to the concepts presented by J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005).

Neste trabalho, analiso o Segundo Concerto para Piano e Orquestra (1946) de Camargo Guarnieri (1907-1993) tendo como pano de fundo uma contextualização sobre o nacionalismo e o neoclassicismo na obra de Guarnieri. Se, por um lado, o nacionalismo oriundo dos movimentos modernistas vinculava-se a uma proposta de "normalização dos caracteres étnicos permanentes da musicalidade brasileira" (Neves, 1981), também visava à inserção do país em um contexto mundial (Travassos, 1999), proposta refletida na adoção de uma estética musical neoclássica. Em minha análise, identifico no Segundo Concerto reflexos do ideário formado em torno desse nacionalismo e vinculações estéticas com as tendências da música produzida internacionalmente. / In this work, I present an analysis of Camargo Guarnieri's Segundo Concerto para Piano e Orquestra (1946) taking into account the manifestations of the nationalistic and neoclassical trends in the work of this composer. If, on the one hand, the nationalism steemed from Brazilian early twentieth-century modernists movements aimed to "normalize the permanent ethnical characteristics of the brazilian musicality" (Neves, 1981), on the other hand it also aspired to integrate the country in a global context (Travassos, 1999), a goal which can be detected in the influence of neoclassical aesthetics. In my analysis of the Segundo Concerto, elements which can be traced to the ideas and proposals of the nacionalismo modernista are identified, as well as aesthetical links with the international music trends.

Submitted by Maike Costa (maiksebas@gmail.com) on 2017-03-10T13:59:34Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8953311 bytes, checksum: 11a1725cde889b19a5c091731e42b037 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-10T13:59:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8953311 bytes, checksum: 11a1725cde889b19a5c091731e42b037 (MD5) Previous issue date: 2016-03-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Miklós Rózsa claimed to keep a "double life": composer of concert music versus composer of films soundtrack. In this paper, we sought to answer questions such as: would have the composer really a "double life" articulated this way? His work would have a consistent poetic of music, common to both genres to which the composer had dedicated himself? It is known that Rózsa had the Hungarian folk music as basis for his music. To better understand them was made a profound bibliographic research on the subject, in which several articles of Hungarian musicologists were used in order to give more consistency to it. With the aim of to see if Rózsa maintained the same musical poetic in both genres, were realized several comparative analyzes of the composer's works, both in his movies soundtracks as in his concert music, to cover all productive periods of the composer (opus 1-1927 to opus 45- 1989), period which he also worked in several companies and composed for various filmic genres (drama, fantasy, comedy, noir, thriller, epic, among others). Prior to the preparation of this work, there was the assumption that the composer would have a consistent musical poetics in the two musical genres to which he was dedicated. Thus, another question would arise: Did Rózsa innovate the Hollywood filmic music or did he adapt himself to it? To answer this question, it was necessary also to investigate the characteristics of the soundtracks of Hollywood movies before the arrival of the Hungarian composer to the Californian district. / Miklós Rózsa afirmava possuir uma “vida dupla”: compositor de música de concerto versus compositor de trilha sonora de filmes. No presente trabalho, buscamos responder a questões como: teria mesmo o compositor uma “vida dupla” articulada dessa maneira? Sua obra teria uma consistente poética musical, comum a ambos os gêneros aos quais o compositor se dedicara? Sabe-se que Rózsa tinha a música folclórica húngara como base para as suas músicas. Para melhor compreendê-las foi feita uma profunda pesquisa bibliográfica sobre o assunto, na qual foram utilizados diversos artigos de musicólogos húngaros, a fim de dar mais consistência à pesquisa. Com o intuito de comprovar se Rózsa mantinha a mesma poética musical em ambos os gêneros, foram realizadas diversas análises comparativas de obras do compositor, tanto de suas trilhas sonoras para filmes quanto de suas músicas de concerto, de modo a cobrir todos os períodos produtivos do compositor (do Opus 1 - 1927 ao Opus 45 - 1989), período em que trabalhou também em diversas produtoras e compôs para diversos gêneros fílmicos (drama, fantasia, comédia, noir, suspense, épicos, entre outros). Antes da elaboração do presente trabalho, havia a hipótese de que o compositor teria, sim, uma poética musical consistente nos dois gêneros musicais aos quais se dedicou. Sendo assim, surgiria outra questão: Rózsa inovou a música fílmica hollywoodiana ou adaptou-se a ela? Para responder a esta pergunta, foi necessário também investigar as características das trilhas sonoras dos filmes de Hollywood antes da chegada do compositor húngaro ao distrito californiano.

Ce travail étudie le rapport entre le langage narratif cinématographique et le discours musical contemporain. Le point de départ en a été l’étude des nouvelles créations contemporaines écrites pour accompagner certains films de l’époque du cinéma muet. Pour atteindre ces objectifs, nous sommes partis d’une vision théorique, pour arriver à l’analyse plus concrète qui nous a donné les consignes de base pour créer notre propre modèle d’analyse applicable à la composition. Ce modèle permet de préciser les concepts nous permettant d´aborder la relation entre le film et la musique selon deux axes, que nous appelons respectivement « points d’ancrage » (qui traitent des points d’articulation du discours cinématographique avec la musique) et « points de référence » (qui gèrent les éléments formels du discours cinématographique et musical). Dans la dernière partie de ce travail, nous appliquons notre modèle à la réalisation de quatre projets personnels, qui représentent une « conclusion artistique » des éléments analysés au cours de cette recherche. / This work studies the relationship between the film’s narrative language and the contemporary music speech. The starting point of this work is the study of the new contemporary scores, which were composed for silent films from the 1920’s onwards. To reach these goals, we started from a theoretical vision, to subsequently perform a practical analysis. This gave us the important points to create our analysis model to be used for music composition. This model allows us to clarify the relationship between the film and the music, based on two main axes: the “anchoring points” (giving us the articulation points between the music and the film) and the “reference points” (which deals with the formal elements of both film and music speech). In the last part of our work, we have applied our model to the composition of four personal projects, which were created as an artistic conclusion of our research.

Neste trabalho, analiso o Segundo Concerto para Piano e Orquestra (1946) de Camargo Guarnieri (1907-1993) tendo como pano de fundo uma contextualização sobre o nacionalismo e o neoclassicismo na obra de Guarnieri. Se, por um lado, o nacionalismo oriundo dos movimentos modernistas vinculava-se a uma proposta de "normalização dos caracteres étnicos permanentes da musicalidade brasileira" (Neves, 1981), também visava à inserção do país em um contexto mundial (Travassos, 1999), proposta refletida na adoção de uma estética musical neoclássica. Em minha análise, identifico no Segundo Concerto reflexos do ideário formado em torno desse nacionalismo e vinculações estéticas com as tendências da música produzida internacionalmente. / In this work, I present an analysis of Camargo Guarnieri's Segundo Concerto para Piano e Orquestra (1946) taking into account the manifestations of the nationalistic and neoclassical trends in the work of this composer. If, on the one hand, the nationalism steemed from Brazilian early twentieth-century modernists movements aimed to "normalize the permanent ethnical characteristics of the brazilian musicality" (Neves, 1981), on the other hand it also aspired to integrate the country in a global context (Travassos, 1999), a goal which can be detected in the influence of neoclassical aesthetics. In my analysis of the Segundo Concerto, elements which can be traced to the ideas and proposals of the nacionalismo modernista are identified, as well as aesthetical links with the international music trends.

Esta tese parte da premissa de que, na tradição da musica ocidental escrita, a performance restitui a obra musical ao tempo e o intérprete, responsável por esse processo, deve compreender profundamente as temporalidades propostas pela obra para, assim, planejar criteriosamente o fluxo dos seus eventos. Para isso, é necessário que o processo de construção interpretativa se desenvolva em simultaneidade e constante diálogo com dados decorrentes do estudo analítico da obra estudada e da percepção estésica do intérprete que, em sua prática diária, projeta e avalia em si mesmo o efeito pretendido. Com base nesse modelo, foi realizado um estudo interpretativo e analítico de Cantéyodjayâ para piano de Olivier Messiaen, compositor que, por meio de sua obra musical, seus textos teóricos e sua atividade pedagógica, teve importante impacto nas discussões a respeito do tempo na música do século XX. O primeiro capítulo da tese, Cantéyodjayâ contextualizada, posiciona Cantéyodjayâ no contexto da obra de Messiaen, especialmente no que se refere ao período de experimentação no qual se insere. O segundo capítulo, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, trata dos conceitos filosóficos e teológicos que apoiaram o pensamento rítmico-temporal em Messiaen e suas correspondências com procedimentos composicionais adotados pelo compositor. O terceiro capítulo, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, apresenta o estudo analítico de Cantéyodjayâ articulado a decisões interpretativas. Compuseram a fundamentação deste capítulo os textos teóricos do compositor, em especial Technique de mon langage musical (1944) e Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994), articulados a conceitos apresentados por autores como J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005). / This thesis assumes that performance brings a musical score to life by presenting it in real time. The performer – who is in charge of this process – must understand the complex relationships between rhythm and conceptual pacing of a particular work in order to plan the flow of events. Threrefore, the interpretive construction must be constantly supported by data from both the analytical investigation and the aesthetic perception. The performer in his daily practice designs the desired effect and evalutes the outcome. Based on this notion, an interpretive and analytical study was done about Cantéyodjayâ by Olivier Messiaen, a composer whose compositional output, theoretical writings and pedagogical activities have impacted the concept of time in the twentieth century music. The first chapter of this thesis, Cantéyodjayâ contextualizada, contextualizes Cantéyodjayâ in the entire oeuvre of Messiaen, especially within his experimental period. The second chapter, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, deals with philosophical and theological concepts based in Messiaen’s rhythmic thought, as well as its connections to the compositional procedures adopted by Messiaen. The third chapter, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, presents an analytical study of Cantéyodjayâ linked to the interpretive choices. This last chapter is based on Messiaen’s theoretical writings, especially Technique de mon langage musical (1944) and Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994); it is also connected to the concepts presented by J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005).

Orientador: Adriana Giarola Kayama / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T18:26:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Picchi_AchilleGuido_D.pdf: 38276088 bytes, checksum: 66f1b374bf88a2ba059a927a30dae254 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Este trabalho tem com principal objetivo estudar relação entre análise estrutural, a análise do texto poético, a relação texto-música e pianismo com vistas a uma interpretação nas Serestas de Heitor Villa-Lobos, um ciclo de 14 canções para voz e piano. O pianismo neste caso caracteriza-se por um procedimento que envolve a escrita e a escritura para piano, relativo à fundamental função do piano na ambientação representada e imageticamente musicada pela "leitura" do texto poético enquanto pertinente ao processo composicional das canções. Este trabalho se justifica principalmente por revelar as Serestas como um ciclo de canções que figura entre as mais importantes obras-primas da canção de câmera brasileira. Justifica-se, também, por ressaltar com veemência o original e importante métier do compositor em relação à canção de câmera; e, destarte, procurar mostrar, com o estudo, a importância capital, para executantes e músicos, deste ciclo de canções dentro do repertório vocal da música brasileira do século XX. A metodologia partiu de análises musicais de cada canção das Serestas, da análise poética dos textos e análises relacionais texto-música, a fim de se chegar a uma interpretação que contemplasse a imagética composicional envolvida. Chega-se à Conclusão de modo tripartite no trabalho, ou seja, em primeiro lugar que Villa-Lobos é de fato um compositor pós-tonal, embora com evidentes heranças e ambientações tonais; que o piano exerce papel, como se fazia hipótese, ambientador, suscitador, evocador e, mesmo, motivador do texto poético musicado; e por fim que as escolhas interpretativas em direção a uma imagética combinada com análise musical, com base nos resultados, foram acertadas por parte deste pesquisador em termos interpretativos. / Abstract: The main objective of this thesis is to study the relationship between structural analysis, poetic analysis, the text-music relations and the "pianismo" in the Serestas by Heitor Villa- Lobos, a fourteen song-cycle for voice and piano. The "pianismo" in this case is characterized by a twofold pianistic writing that involves the fundamental role of the piano in the ambience and image "reading" of the poetic text by the composer. The justification for this work is, in the first place, the importance of the Serestas song-cycle to the Brazilian music lieder production. Also, to demonstrate the originality and efficiency of the composer's métier in song compositions. And furthermore to reveal this masterpiece to performers and musicians. The methodology used in the thesis consisted of musical analysis, poetic analysis and the inner relations between text and music providing an interpretational point of view which could contemplate the imagery ideas involved. This thesis resulted in a threeway conclusion. First, that Villa-Lobos is truely a post-tonal composer, although he has a visible tonal heritage in his songs. Second, the piano role in the songs is effectively supportive in many sort of ways to the poetic text. And third, that the interpretative choices for the Serestas made by this researcher, based on the analysis, were correctly confirmed. / Doutorado / Musica / Doutor em Música

Orientador: Maria Lucia Senna Machado Pascoal / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:43:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DelPozzo_MariaHelenaMaillet_D.pdf: 8594314 bytes, checksum: 669c02f67f546e4854048e118a622f41 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: O objetivo deste trabalho é fazer uma análise de peças do repertório brasileiro para piano que façam uso de processos da utilização do acaso (denominados Forma Aberta, Música Aleatória, Improvisação e Indeterminação). Este trabalho parte da contextualização histórica do uso do acaso em música no século XX, procurando determinar seus antecedentes e seu início no cenário musical após a Segunda Guerra Mundial. As idéias de John Cage e Pierre Boulez são discutidas e analisadas a partir do estudo de textos e peças destes compositores. Os processos da utilização do acaso são examinados ainda na obra de outros compositores e na Música Brasileira. O estudo de análise das peças do repertório brasileiro parte da discussão dos parâmetros selecionados pela pesquisa para a análise, que têm como base o estudo da notação, da utilização do acaso e dos demais materiais e técnicas de composição. A partir da revisão da bibliografia sobre a notação musical no século XX, foi elaborado um glossário da notação para piano, contendo os principais símbolos de notação das peças estudadas. A conclusão procura contextualizar as peças brasileiras na produção internacional, determinando possíveis relações a partir dos dados encontrados nas análises, principalmente aspectos da notação e da utilização do acaso. A pesquisa visa o estudo e a divulgação da produção brasileira contemporânea, pretendendo contribuir também para mais uma fonte de estudos sobre a própria música do século XX / Abstract: The main purpose of this essay is to analyse music pieces of the Brazilian repertoire for piano that use processes of chance (Open Form, Aleatory Music, Improvisation and Indeterminacy). This essay begins with the historic context of the use of chance in the 20th Century, trying to establish its antecedents and its origins in the musical scenery afier World War lI. The ideas of John Cage and Pierre Boulez are discussed and analysed based on the study of texts and pieces of these composers. The processes of use of chance are also examined in the pieces of others composers and in Brazilian music. The analysis of pieces of the Brazilian repertorire begins with a discussion of parameters selected for analytical purposes, which are based on the study of notation, on the use of chance and on other materials and composition techniques. From a review of musical notation in the 20th Century, a glossary of notation for piano was developed, which included the main symbols . of notationin the pieces focusedon. The conclusiontries to placethe Brazilianpieces in the context of intemational production, establishing possible relations derived from our research findings, especially in the aspects of notation and use of chance. This essay aims to study and publicize Brazilian contemporary music, as well as contribute to the studies of 20thcentury music in general. Keywords: Brazilian Music of 20thCentury, Chance, Piano, Musical Analysis / Doutorado / Doutor em Música

O presente trabalho tem como proposta apresentar elementos e figuras de retórica inseridas na música de André da Silva Gomes, ou seja, os mecanismos adotados pelo autor nas estruturas de sua obra, primeiramente partindo de investigações dos contextos históricos de épocas anteriores e de seus contemporâneos, passando pelos importantes tratadistas e compositores que estudaram e a utilizaram, sua origem, sistematização e seu ápice no Barroco e possíveis aplicações no Classicismo. Da mesma forma, na dissertação se encontrará uma observação minuciosa sobre a relação texto-música, tomando por base algumas obras compostas por Silva Gomes. Em síntese, através de análises das partituras do compositor luso-brasileiro, mostraremos a utilização da retórica como elo entre a eloquência e persuasão por via de um discurso altamente planejado, organizado, desenvolvido em seus ofertórios e que seu conhecimento retórico se alinha ao saber da época. / This paper aims to present elements and rhetorical figures inserted in the music of André da Silva Gomes, in other words, the mechanisms adopted by the author in the structures of his work, starting from investigations of the historical contexts of earlier times and his contemporaries, then important writers and composers who had studied and used it, its origin, organization and its apex in the Baroque, and also the possible application in the Classicism. Likewise, in the dissertation it is going to be found a detailed observation on the relationship text-music, based on some works composed by Silva Gomes. In summary, through analysis of the scores of the composer Luso-Brazilian, we will show the use of rhetoric as a link between eloquence and persuasion by means of a speech highly planned, organized and developed in his offertories which his rhetorical knowledge aligns with the knowledge of that time.

O discurso musical, entre o final do século XVI e início do XIX, era constituído por elementos retóricos, aliados à organização e a disposição fundamentados na eloquência e persuasão, consequentes de uma transmissão escolástica decorrida desde a Idade Média e no Renascimento, conferindo certo grau de excelência às músicas produzidas tanto na Europa como no Brasil. Tal processo é fruto de contextos histórico-sociais ocorridos desde a Antiguidade, relacionados às obras de tratadistas, pensadores e compositores formando, dessa forma, a base necessária para a concepção estrutural de uma música. Com o propósito de compreender em quais caminhos percorreram esses ensinamentos, a musicologia em meados da década de 1960, iniciou inúmeras pesquisas as quais contribuíram para o desenvolvimento de novos meios analíticos, com o objetivo de clarificar a relação entre música e afeto. Apesar desse crescente interesse, no ambiente luso-brasileiro, os estudos sobre a retórica musical ainda estão em fase inicial, entretanto, procurando desenvolver metodologias mais apropriadas para o entendimento de sua adequação e concepção sistemática, constituídas estruturalmente na música vigente do período investigado. Por esse motivo, essa tese tem por objetivo examinar o uso da retórica na música colonial brasileira, bem como verificar os estudos de caso acerca dessa utilização. Em outras palavras, averiguar o emprego de elementos retóricos em Manoel Dias de Oliveira, José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, André da Silva Gomes e José Maurício Nunes Garcia, utilizando-se de ferramentas analíticas relacionadas ao texto sacro e harmonia, as quais se mostram necessárias à compreensão da linguagem retórica nas obras desses mestres da composição. / The Musical discourse, between the late sixteenth and early nineteenth centuries, consisted of rhetorical elements, coupled with organization and layout based on eloquence and persuasion, consequent of a scholastic transmission elapsed since the Middle Ages and the Renaissance, conferring a certain degree of excellence to songs produced both in Europe and in Brazil. This process is the result of historical and social contexts which have occurred since Antiquity, it is related to the work of scholars, thinkers and writers, thus forming the basis for the structural design of a music. The musicology in the mid -1960s, with the purpose to understand the ways these teachings unfold, initiated many studies that contributed to the development of new analytical means, intended to clarify the relationship between music and affect. Despite this growing interest in the Luso-Brazilian environment, the studies on musical rhetoric are still in the initiate stage, however, they are seeking to develop the most appropriate methodologies for understanding their suitability and systematic design, which are structurally composed on the music of the current period investigated. Due to that fact, this thesis aims to examine the use of rhetoric in Brazilian Colonial Music and verify the case studies about such use as well. In other words, its objective is to ascertain the use of rhetorical elements in Manoel Dias de Oliveira, José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, André da Silva Gomes and José Maurício Nunes Garcia, using analytical tools related to the sacred text and harmony, which are necessary for the understanding of rhetorical language in the works of these masters of composition.