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Des archives photographiques à l'installation comme lieu de mémoire de femmes : un récit de pratique

Aucê, Anahy 10 1900 (has links) (PDF)
L'œuvre Au-delà du regard constitue le corps de la présente thèse création. Elle explore les enjeux liés à la mémoire et propose une réflexion sur la mort et la survie. Des signes de l'imaginaire féminin appartenant à la fin du XIXe et au début du XXe siècle sont mis en scène dans une installation vidéographique. Celle-ci se compose de projections d'images photographiques animées de visages de femmes, d'un ensemble de quatre cents têtes de poupées disposées au sol, dont certaines sont identifiées par un prénom; des codes d'identification numérique et des noms de famille inscrits sur certains murs de la salle d'exposition. La création de ce lieu de mémoire est une invitation à découvrir ces femmes, à s'interroger sur leur existence et ainsi, à les faire revivre dans notre imaginaire. L'œuvre présente également un questionnement sur les migrations des mémoires de femmes qui, à travers le regard d'aujourd'hui se réactualisent constamment. Ma proposition dépasse la question de la femme et ouvre sur le thème de la finitude de l'humain et de l'installation comme espace de commémoration. Dans le contexte de cette thèse création, une approche descriptive et autopoïétique est privilégiée. Le point de vue adopté est celui de la production et l'accent est mis sur la genèse et le processus de création d'Au-delà du regard. Le texte qui accompagne l'œuvre prend la forme d'un récit de pratique qui décrit et analyse différentes stratégies et opérations artistiques, instaurant une dialectique entre l'effacement et la réactivation de la mémoire des femmes. Autrement dit, l'observation et l'analyse portent sur le travail de collecte d'images dans les archives photographiques brésiliennes et québécoises; sur les différents processus de traitement des images comme la numérisation, le découpage et l'animation; sur le travail sculptural, c'est-à-dire, le processus de reproduction de poupées en argile par le moulage et, finalement, sur la mise en espace de l'œuvre. Plusieurs études philosophiques sur la photographie, l'indice, les archives, la théorie de l'image numérique, la vidéo, le moulage, l'installation et la mémoire m'ont permis d'analyser les opérations sur lesquelles se fonde ma pratique. M'appuyant sur un cadre théorique hybride et hétérogène, harmonisé par l'autopoïétique, j'analyse d'un point de vue d'artiste un corps d'œuvres contemporaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : archives, installation, mémoire, mort, opérations artistiques, photographie de femme, survivance, vidéo.
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William Notman et les imaginaires photographiques de la chasse au XIXe siècle à Montréal

Lahaie, Andréann 10 1900 (has links) (PDF)
Ce mémoire propose d'analyser trois séries photographiques que le photographe canadien William Notman consacre au thème de la chasse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, Notman ouvre un studio de photographie à Montréal et connaît rapidement un franc succès. Chasseurs, guides et bêtes posent dans de multiples circonstances liées à cette activité. Les photographies de Notman ont cette particularité d'avoir été entièrement réalisées en studio. Tout y est mis en œuvre pour créer l'illusion de scènes se déroulant dans un cadre naturel, de manière à favoriser un mode de réception qualifié d'immersif, selon le terme de Jean-Marie Schaeffer. Une attention particulière sera accordée aux comptes rendus qu'Edward Wilson, un contemporain de Notman, réalise de ces séries photographiques. Ceux-ci permettent en effet de jeter les bases d'une analyse de la participation du spectateur à l'élaboration narrative des séquences photographiques à l'étude. Ce mémoire propose également d'examiner les stéréotypes et les mythes véhiculés par les représentations de Notman. Contemporaines de la Confédération, la circulation et la diffusion de ces images procèdent de l'élaboration d'un imaginaire national. Ce contexte historique est déterminant, puisque la jeune nation en instance de définition a recours à la production culturelle afin de promouvoir sa singularité à travers le monde. Par ailleurs, l'intérêt croissant pour les colonies encourage le développement du tourisme en Amérique de Nord. Or, l'attrait premier du Canada est la chasse et ses étendues sauvages. Ce mémoire propose en définitive une analyse des catégories identitaires mises en scène dans les œuvres de Notman (l'Autochtone, le Canadien anglais et le Canadien français) à travers une interrogation sur la symbolique du « wilderness ». ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : imaginaire, William Notman, photographie, chasse, fiction, XIXe siècle, Canada
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L'élaboration d'images " paysages " habitantes : un levier participatif d'aménagement du territoire. Le cas du Parc naturel régional de la Brenne

Blouin-Gourbillière, Claire 03 April 2013 (has links) (PDF)
Le Parc naturel régional (PNR) de la Brenne s'est construit sur une polarité qu'il a rendue centrale, celle des étangs de la Grande Brenne. Ainsi, l'étang brennou constitue l'archétype paysager de ce territoire, composé de motifs paysagers emblématiques : la bonde, le roseau, l'oiseau. Théâtre d'un saisissant renversement de valeurs opéré depuis le XVIIIe siècle, ce paysage-vitrine,devenue fierté locale, est mis en valeur par la structure du PNR et convoité par les visiteurs. Pourtant les mutations paysagères,intimement liées à l'avènement de nouvelles pratiques, menacent l'identité paysagère de la Brenne. De plus, autour du coeur de laGrande Brenne, d'autres paysages moins connus et moins valorisés se déploient, apportant des problématiques et des enjeux singuliers. Lors de la redéfinition des objectifs de la Charte (2008), les élus du Parc ont ressenti ce qui a trait à une discordance paysagère,territoriale et identitaire. Ils ont souhaité " valoriser la disparité paysagère du Parc ", et travailler sur un fil conducteur qui permettait de considérer ce territoire comme un tout cohérent. Cette thèse de recherche-action propose d'aborder cette problématique par l'angle du paysage, en questionnant les représentations individuelles et collectives, des paysages et par delà, du territoire. Au travers la mobilisation de l'outil photographique, grâce à des animations participatives menées durant 26 mois, habitants, visiteurs, élus, techniciens du Parc et professionnels de l'aménagement ont été invités à se questionner sur les paysages du Parc, à formuler un point de vue puis à échanger ensemble. Ce travail d'animation et de médiation paysagère est aujourd'hui restitué sous la forme d'un observatoire photographique participatif du paysage, itinéraire photographique qui dote le Parc d'un outil de suivi opérationnel de ses paysages.
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Esthétique et économie, art photographique et marché depuis 1980 / Aesthetics and economics, photographic art and market since 1980

Belmenouar, Safia 19 November 2014 (has links)
L’analyse de la valeur esthétique et économique d’un tirage photographique prend les années 1980 pour point de départ de la recherche. Il s’agit de mettre en évidence les mécanismes tant historiques qu’économiques, esthétiques et théoriques qui ont permis la structuration d’un marché de l’art photographique devenu lieu d’homologation et de légitimation. La photographie acquiert un nouveau statut : celui d’objet d’art. En quoi la photographie peut-elle être qualifiée d’œuvre d’art lorsqu’elle s’inscrit dans un marché nouvellement structuré et en mutation ? Penser « la valeur », sa définition et sa détermination dans le cas de l’œuvre photographique est au cœur de la recherche. La valeur est ainsi envisagée sous deux aspects qui s’articulent entre eux, dans une relation d’interdépendance : valeur esthétique et valeur économique ; d’où la problématique directrice : comment se fonde la formation de la valeur esthétique et économique des œuvres photographiques qui trouvent place sur le marché de l’art ? L’enjeu est alors d’éclairer une réalité artistique faite de multiples « stratégies croisées », réelles et symboliques, qui contribuent à la constitution d’une esthétique de l’art photographique en lien avec le marché de l’art. Et ainsi, à la révision permanente d’une échelle des valeurs sujette, à la fois, à l’incertitude des valeurs esthétiques et à la contrainte des intérêts marchands. / The evolution of the aesthetic and economic value of a photographic print has been set up by a temporality, which takes 1980s as a starting point for the research. Our aim is to emphasize historical aspects as well as economical, aesthetic and theoretical ones, which have made structuring of a photography art market possible which has become a place of approval and legitimization. Photography has acquired a new status and is considered as a work of art. To what extent the medium can be qualified as an artwork and what are its new modes of existence in a newly structured and mutating market?Thinking “the value”, its definition and its determination in the case of the photographic work has been at the heart of the research. The value has been considered under two aspects linked together in a mutually dependent relationship: aesthetic and economic value. Hence the issue: what are the basis for setting up the aesthetic and economic value of photographic works on the art market?The issue is then to enlighten an artistic reality made of multiple “crossed strategies”, real as well as symbolical, which contribute to the constitution of an aesthetic of photographic art in connection with the art market. And thus, to an ongoing adjustment of a scale of values driven by both uncertainty of aesthetic values and the obligations of the market stake.
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Les "relecteurs d'images" : une pratique artistique contemporaine de collecte, d'association et de rediffusion d'images photographiques / The "rereaders of pictures" : a contemporary art pratice of collecting, associating and redistributing photographs

Détré, Natacha 22 September 2014 (has links)
Cette thèse propose de définir une génération d’artistes dont la spécificité consiste à collecter, associer et rediffuser des images existantes, sans en transformer le contenu iconique. Pour tenter de cerner les caractéristiques de cette pratique, des entretiens ont été menés avec des artistes français contemporains : Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray et Eric Watier. L’analyse des dispositifs plastiques qu’ils mettent en œuvre fait apparaître deux aspects susceptibles d’identifier la spécificité de leur travail : leur manière d’associer les images entre elles suscite de nouvelles interprétations entraînant leur relecture ; et leur pratique s’inscrit dans une phase transitoire entre l’ère de la reproductibilité technique des images et celle des technologies du numérique. A travers une recherche scientifique pluridisciplinaire, il sera donc question d’étudier leurs processus de création depuis le choix des images jusqu’à la diffusion de leurs projets (I), d’analyser la polysémie des images et les possibilités d’en relire les signes (II) et enfin de comprendre comment s’agence leur position artistique entre deux époques techniquement marquées concernant les images (III). Afin de les démarquer des autres générations réemployant des images, la thèse propose une nouvelle dénomination : les Relecteurs d’images. / This thesis proposes to define a generation of artists who are collecting, associating and redistributing pictures without changing or transforming the iconic contents. In order to elaborate their characteristics, several french contemporary artists were interviewed: Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray and Eric Watier. The analysis of the devices implemented by the artists shows two aspects that could identify the specificity of their work: their way of associating the pictures with each other offers new possibilities of interpretation and leads to a second reading of the pictures; and their practice is taking place during the transition between the eras of image reproduction techniques and numerical techniques. Within the scope of a multi-field scientific research, it will be necessary to study the creation processes from the choice of the representation till the distribution of the projects (I), to analyse the polysemy of the images and the possibility of rereading their signs (II), and, finally, to understand how the artistic position is located between two, with respect to pictures, technically distinguished epoches (III). To differentiate this generation of artists from others reusing images, the thesis suggests a new name: the “Rereaders of pictures”.
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Hierarchical scene categorization : exploiting fused local & global features and outdoor & indoor information

Shahriari, Mana 11 February 2021 (has links)
Récemment, le problème de la compréhension de l’image a été l’objet de beaucoup d’attentions dans la littérature. La catégorisation de scène peut être vue comme un sous-ensemble de la compréhension d’image utilisée pour donner un contexte à la compréhension d’image ainsi qu’à la reconnaissance d’objet afin de faciliter ces tâches. Dans cette thèse, nous revisitons les idées classiques de la catégorisation des scènes à la lumière des approches modernes. Le modèle proposé s’inspire considérablement de la façon dont le système visuel humain comprend et perçoit son environnement. À cet égard, je soute qu’ajouter un niveau de classificateur extérieur – intérieur combiné à des caractéristiques globales et locales de scène permet d’atteindre une performance de pointe. Ainsi, un tel modèle requiert ces deux éléments afin de gérer une grande variété d’éclairage et points de vue ainsi que des objets occultés à l’intérieur des scènes. Le modèle que je propose est un cadre hiérarchique en deux étapes qui comprend un classificateur extérieur – intérieur à son stade initial et un modèle de scène contextuelle au stade final. Je monte ensuite que les fonctionnalités locales introduites, combinées aux caractéristiques globales, produisent des caractéristiques de scène plus stables. Par conséquent, les deux sont des ingrédients d’un modèle de scène. Les caractéristiques de texture des scène extérieures agissent comme caractéristique locale, tandis que leur apparence spatiale agit comme caractéristique globale. Dans les scènes d’intérieur, les caractéristiques locales capturent des informations détaillées sur les objets alors que les caractéristiques globales représentent l’arrière-plan et le contexte de la scène. Enfin, je confirme que le modèle présenté est capable de fournir des performances de pointe sur trois jeux de données de scène qui sont des standards de facto; 15 – Scene Category, 67 –Indoor Scenes, et SUN 397. / Recently the problem of image understanding has drawn lots of attention in the literature. Scene categorization can be seen as a subset of image understanding utilized to give context to image understanding also to object recognition in order to ease these tasks. In this thesis, I revisit the classical ideas, model driven approaches, in scene categorization in the light of modern approaches, data driven approaches. The proposed model is greatly inspired by human visual system in understanding and perceiving its environment. In this regard, I argue that adding a level of outdoor – indoor classifier combined with global and local scene features, would reach to the state-of-the-art performance. Thus, such a model requires both of these elements in order to handle wide variety of illumination and viewpoint as well as occluded objects within scenes. The proposed model is a two-stage hierarchical model which features an outdoor – indoor classifier at its initial stage and a contextual scene model at its final stage. I later show that the introduced local features combined with global features produce more stable scene features, hence both are essential components of a scene model. Texture-like characteristics of outdoor scenes act as local feature meanwhile their spatial appearance act as the global feature. In indoor scenes, local features capture detailed information on objects, while global features represent background and the context of the scene. Finally, I have confirmed that the presented model is capable of delivering state-of-the-art performance on 15 – Scene Category, 67 – Indoor Scenes, and SUN 397, three de-facto standard scene datasets
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Caractérisation d’un système d’acquisition CCD sans lentilles pour la mesure de dose employant un dosimètre à scintillateur plastique

Gagnon, Louis-Philippe 19 April 2018 (has links)
Actuellement, les mesures de dose en radiothérapie sont effectuées en employant différents types de détecteurs tels que les chambres à ionisation, les diodes et les films radiosensibles. Bien que ces différents détecteurs permettent d’obtenir une mesure de dose très précise, aucun d’entre eux n’a les propriétés nécessaires pour permettre la mesure de dose en temps réel sur un patient tout en ne perturbant pas le champ radiatif de traitement. Depuis une vingtaine d’années, les scintillateurs plastiques gagnent en popularité grâce à leurs propriétés relativement identiques à celles de l’eau, et du fait qu’ils génèrent un signal lumineux proportionnel à la dose déposée. Cette étude vise à construire un dispositif CCD sans lentilles pour la collecte de la lumière de scintillation, pour ensuite caractériser le signal obtenu et comparer le tout à un système optique plus conventionnel à base de lentilles. Pour ce faire, nous avons conçu un détecteur à fibre scintillante ayant servi pour l’acquisition des mesures des deux systèmes étudiés, soit le système à objectif photographique et le système équipé d’un « taper » à fibre optique. Nous avons évalué les signaux mesurés en termes de qualité par le ratio de signal sur bruit, en limite minimale de dose mesurable, en stabilité et en reproductibilité des mesures. Les résultats obtenus démontrent la supériorité du nouveau système sans lentille sur le système conventionnel en termes de gain de collecte de photon et en diminution des incertitudes de mesures. Ces résultats ouvrent la voie à des applications de mesure de très faibles doses et à la réduction des dimensions des détecteurs à des fins d’applications cliniques « in vivo », ou encore pour effectuer divers tests de contrôle de qualité des appareils.
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L'esthétique des ruines dans la photographie de guerre : Beyrouth un cas exemplaire / The aesthetics of ruins in war photography : Beirut as an examplary case

Fortini, Marcel 05 December 2012 (has links)
Cette étude s'attache au statut des ruines dans la photographie de guerre et en dresse l'inventaire de leurs aspects esthétiques. Le cas de la ville de Beyrouth, défigurée par les bombardements pendant la guerre civile (1975-1990), est à bien des égards exemplaire puisqu'elle a fait l'objet d'une commande photographique confiée à des photographes prestigieux, en 1991, qui avaient pour mission de conserver la mémoire d'un immense champ de ruines. Cette commande photographique est donc, pour cette raison, au centre de notre recherche. Pour saisir pleinement les enjeux des choix effectués par les photographes au cours de cette commande, il était nécessaire dans un premier temps, d'analyser la mise en place de la constitution d'une esthétique des ruines dans l'histoire de la photographie de guerre de 1853 à 1945, à travers des exemples célèbres sur les champs de bataille. Dans un deuxième temps, il était important de considérer les motivations et les objectifs de chacun des photographes dans le contexte de la commande, en les mettant en résonance avec d'autres expériences photographiques menées à Beyrouth pendant et après le conflit, mais aussi en filiation avec les cas étudiés dans la première partie. La troisième partie de cette thèse constitue un compendium des aspects esthétiques dans le traitement photographique des ruines de guerre à Beyrouth qui permet d'affirmer aujourd'hui que, la ruine de guerre est un genre à part entière en photographie. / The present study explores the status of ruins in war photography and draws up the inventory of their aesthetic features. Disfigured by bombing and shelling during the civil war (1975-1990), the city of Beirut is in many respects an examplary case since it was the subject of a photographic commission entrusted to prestigious photographers in 1991, the mission of which was to preserve the memory of an immense field of ruins. For this very reason, this photographic commission is at the core of our research project. Firstly, in order to understand fully what was at stake in the choices made by the photographers within the framework of this commission, we had to analyze how the aesthetics of ruins has been elaborated in the history of war photography from 1853 to 1945, using famous examples from battlefields. Secondly, it was important to consider the motivations and objectives of each of the photographers within the context of the commission. For this purpose we made these elements echo other photographic experiences conducted in Beirut during and after the conflict, then we related them to the cases studied in the first part. The third part of the present thesis forms a compendium of aesthetic aspects in the photographic vision of war ruins in Beirut that makes it possible to assert that war ruins form a fully fledged genre in photography.
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Utilisation et fonction de la reproduction photographique d'oeuvres d'art dans les écrits sur l'art d'André Malraux : formes et représentations de l'histoire de l'art

Pageard, Camille 07 January 2011 (has links) (PDF)
Après la Second Guerre mondiale, André Malraux publie en 1951 Les Voix du silence chez Gallimard, refonte en un volume des trois tomes de Psychologie de l'art édités par Albert Skira entre 1947 et 1950. Partant du constat que les reproductions d'oeuvres d'art permettent de constituer un " musée imaginaire " dépassant les divisions géographique et historique des musées et des oeuvres, l'auteur développe une théorie de l'art transgéographique et transhistorique dans une relation serrée avec l'iconographie. Malraux s'inscrit ainsi dans une histoire de l'histoire de l'art dont le propos en images contient une théorie liée à la monstration des oeuvres par la reproduction photographique. " Le musée imaginaire " est ici considéré comme un exposé de méthode informé par la lecture des textes de Walter Benjamin. C'est alors la méthodologie historique dans son rapport avec la forme de l'écrit qui peut être saisi, son travail sur l'image lui permettant de construire une théorie propre, mais aussi de représenter visuellement son histoire de l'art de manière " cinématique ". A partir de là, c'est l'histoire de la photographie et de l'édition d'histoire de l'art qui se révèle. Son utilisation de la reproduction photographique s'inscrit en effet dans le cadre d'une réflexion sur le médium même de diffusion du discours sur l'histoire de l'art en proposant une forme éditée jouant avec les codes du genre éditorial. Une série de comparaisons avec les ouvrages de Georges Bataille, de René Huyghe, de Georges Duthuit, d'Ernst Gombrich et de John Berger permet d'en révéler la spécificité et de situer les textes de Malraux au sein d'une de l'histoire de l'histoire de l'art.
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Au-delà de la controverse, la série Immediate family de Sally Mann : l'"image pensive" comme outil d'analyse de la photographie contemporaine

Pineau, Valérie 09 1900 (has links) (PDF)
Les photographies de la série Immediate Family ont suscité une controverse importante dans les années 1990 à 2000. Sally Mann expose dans son œuvre, ses enfants nus, blessés et souillés au regard du public. Malgré le fait qu'elles aient déclenché des menaces et des critiques, les photographies de la série Immediate Family n'ont pas fait l'objet de poursuites judiciaires et ont même valu à son auteur le titre de photographe de l'année 2001 du Time Magazine. Ce constat provoque l'émergence de certaines questions entourant la sensibilité commune. La problématique qui sera étudiée dans ce mémoire est celle-ci : par quel procédé les photographies de la série Immediate Family s'insèrent-elles dans la sensibilité commune? Notre hypothèse est que les photographies de cette série intègrent le sensible commun grâce à leur qualité d'« image pensive ». Nous nous proposons d'utiliser cette notion, développée par le théoricien de l'art Jacques Rancière, comme outil d'analyse de la série Immediate Family. Nous allons étudier le processus de création de l'« image pensive » qui apparaît par l'intermédiaire du mécanisme de la suspension esthétique, terme que nous allons aussi définir. Puis, nous allons étudier le potentiel créateur de la suspension esthétique de la citation et de l'ironie. Finalement, nous allons analyser le fonctionnement de l'ironie et de la citation dans la série Immediate Family pour démontrer le caractère pensif de ces œuvres. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Sally Mann, Image pensive, Suspension esthétique, Controverse, Ironie, Citation, Immediate Family.

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