O presente trabalho apresenta uma abordagem analítica da obra para piano solo do compositor José Vieira Brandão (1911-2002) sob a ótica das teorias da influência, com o objetivo de identificar elementos intertextuais apropriados pelo compositor. Entende-se, assim, que a análise em vários níveis de aprofundamento integra o trabalho do pianista na construção da performance e que o significado atribuído a uma obra musical depende não só do contexto cultural, mas do seu grau de comunicação e identificação com a comunidade à qual pertence. A música de piano de Brandão segue os moldes do nacionalismo modernista, posicionamento manifestado pelo próprio compositor em sua Tese de Livre Docência (BRANDÃO, 1949) e que norteou sua atuação. A postura e o engajamento de Brandão a esta estética é trabalhada segundo os conceitos de Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawm (1990) e Melanie Plesch (1992; 1996; 2012; 2014). Além disso, observa-se que a influência se constitui em parte fundamental do seu processo criativo, assim a análise das obras baseia-se nos conceitos de Harold Bloom (1991; 1993; 2011) aplicados à musica por Joseph Straus (1991), e parte do princípio de que a música é como um discurso que se comunica principalmente através da concatenação de gestos musicais e tópicas. Este ponto de vista encontra respaldo no trabalho de Agawu (2009) e Hatten (2004), e no desdobramento das tópicas na música brasileira elaborado por Piedade (2013; 2015). Como considerações finais, observa-se que apesar da absorção consciente de influências, sobretudo dos processos composicionais de Villa-Lobos e da linguagem do Chôro, Brandão mostra-se um compositor forte (BLOOM, 1991) porque apresenta uma obra coesa e primorosamente bem acabada tanto do ponto de vista composicional quanto pianístico. / This work presents an analytical discussion of the piano works of José Maria Brandão (1911-2002) based on the theories of influence and it aims at identifying intertextual elements appropriated by the composer. The basic premise is that an analytical discussion with varied levels of depth is part and parcel of the pianist´s task in the construction of a performance; moreover meaning attributed to a musical work depends not only on a cultural context but it also depends on the degree of communication and identification with the community to which it belongs. Brandão´s piano music follows the precepts of modernist nationalism, a position manifested by the composer in his Thesis (1949) and which has set the tone throughout his musical trajectory. Authors Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawn (1990) and Melanie Plesch (1992;1996;2012;2014) provide the basis for the discussion of Brandão´s choices and attitudes. Considering that influence is a fundamental part of his creative process, the analyses here presented are based on the concepts of Harold Bloom (1991; 1993; 2011) as transposed to music by Joseph Straus (1991) as part of the principle that music as discourse communicates mainly through the concatenation of musical gestures and topics. This point of view finds support on the works of Agawu (2009) and Hatten (2004) in addition to the proposition of Piedade (2013;2015) in which topics for Brazilian musical gestures are suggested. The work concludes by stating that even though Brandão allowed himself to be consciously and willingly influenced by Villa-Lobos´ compositional processes, he also absorbed elements of the Choro in order to build up an oeuvre that is strong and well formed both compositionally and pianistically.

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

O presente trabalho apresenta uma abordagem analítica da obra para piano solo do compositor José Vieira Brandão (1911-2002) sob a ótica das teorias da influência, com o objetivo de identificar elementos intertextuais apropriados pelo compositor. Entende-se, assim, que a análise em vários níveis de aprofundamento integra o trabalho do pianista na construção da performance e que o significado atribuído a uma obra musical depende não só do contexto cultural, mas do seu grau de comunicação e identificação com a comunidade à qual pertence. A música de piano de Brandão segue os moldes do nacionalismo modernista, posicionamento manifestado pelo próprio compositor em sua Tese de Livre Docência (BRANDÃO, 1949) e que norteou sua atuação. A postura e o engajamento de Brandão a esta estética é trabalhada segundo os conceitos de Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawm (1990) e Melanie Plesch (1992; 1996; 2012; 2014). Além disso, observa-se que a influência se constitui em parte fundamental do seu processo criativo, assim a análise das obras baseia-se nos conceitos de Harold Bloom (1991; 1993; 2011) aplicados à musica por Joseph Straus (1991), e parte do princípio de que a música é como um discurso que se comunica principalmente através da concatenação de gestos musicais e tópicas. Este ponto de vista encontra respaldo no trabalho de Agawu (2009) e Hatten (2004), e no desdobramento das tópicas na música brasileira elaborado por Piedade (2013; 2015). Como considerações finais, observa-se que apesar da absorção consciente de influências, sobretudo dos processos composicionais de Villa-Lobos e da linguagem do Chôro, Brandão mostra-se um compositor forte (BLOOM, 1991) porque apresenta uma obra coesa e primorosamente bem acabada tanto do ponto de vista composicional quanto pianístico. / This work presents an analytical discussion of the piano works of José Maria Brandão (1911-2002) based on the theories of influence and it aims at identifying intertextual elements appropriated by the composer. The basic premise is that an analytical discussion with varied levels of depth is part and parcel of the pianist´s task in the construction of a performance; moreover meaning attributed to a musical work depends not only on a cultural context but it also depends on the degree of communication and identification with the community to which it belongs. Brandão´s piano music follows the precepts of modernist nationalism, a position manifested by the composer in his Thesis (1949) and which has set the tone throughout his musical trajectory. Authors Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawn (1990) and Melanie Plesch (1992;1996;2012;2014) provide the basis for the discussion of Brandão´s choices and attitudes. Considering that influence is a fundamental part of his creative process, the analyses here presented are based on the concepts of Harold Bloom (1991; 1993; 2011) as transposed to music by Joseph Straus (1991) as part of the principle that music as discourse communicates mainly through the concatenation of musical gestures and topics. This point of view finds support on the works of Agawu (2009) and Hatten (2004) in addition to the proposition of Piedade (2013;2015) in which topics for Brazilian musical gestures are suggested. The work concludes by stating that even though Brandão allowed himself to be consciously and willingly influenced by Villa-Lobos´ compositional processes, he also absorbed elements of the Choro in order to build up an oeuvre that is strong and well formed both compositionally and pianistically.

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

O presente trabalho apresenta uma abordagem analítica da obra para piano solo do compositor José Vieira Brandão (1911-2002) sob a ótica das teorias da influência, com o objetivo de identificar elementos intertextuais apropriados pelo compositor. Entende-se, assim, que a análise em vários níveis de aprofundamento integra o trabalho do pianista na construção da performance e que o significado atribuído a uma obra musical depende não só do contexto cultural, mas do seu grau de comunicação e identificação com a comunidade à qual pertence. A música de piano de Brandão segue os moldes do nacionalismo modernista, posicionamento manifestado pelo próprio compositor em sua Tese de Livre Docência (BRANDÃO, 1949) e que norteou sua atuação. A postura e o engajamento de Brandão a esta estética é trabalhada segundo os conceitos de Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawm (1990) e Melanie Plesch (1992; 1996; 2012; 2014). Além disso, observa-se que a influência se constitui em parte fundamental do seu processo criativo, assim a análise das obras baseia-se nos conceitos de Harold Bloom (1991; 1993; 2011) aplicados à musica por Joseph Straus (1991), e parte do princípio de que a música é como um discurso que se comunica principalmente através da concatenação de gestos musicais e tópicas. Este ponto de vista encontra respaldo no trabalho de Agawu (2009) e Hatten (2004), e no desdobramento das tópicas na música brasileira elaborado por Piedade (2013; 2015). Como considerações finais, observa-se que apesar da absorção consciente de influências, sobretudo dos processos composicionais de Villa-Lobos e da linguagem do Chôro, Brandão mostra-se um compositor forte (BLOOM, 1991) porque apresenta uma obra coesa e primorosamente bem acabada tanto do ponto de vista composicional quanto pianístico. / This work presents an analytical discussion of the piano works of José Maria Brandão (1911-2002) based on the theories of influence and it aims at identifying intertextual elements appropriated by the composer. The basic premise is that an analytical discussion with varied levels of depth is part and parcel of the pianist´s task in the construction of a performance; moreover meaning attributed to a musical work depends not only on a cultural context but it also depends on the degree of communication and identification with the community to which it belongs. Brandão´s piano music follows the precepts of modernist nationalism, a position manifested by the composer in his Thesis (1949) and which has set the tone throughout his musical trajectory. Authors Benedict Anderson (2008), Eric Hobsbawn (1990) and Melanie Plesch (1992;1996;2012;2014) provide the basis for the discussion of Brandão´s choices and attitudes. Considering that influence is a fundamental part of his creative process, the analyses here presented are based on the concepts of Harold Bloom (1991; 1993; 2011) as transposed to music by Joseph Straus (1991) as part of the principle that music as discourse communicates mainly through the concatenation of musical gestures and topics. This point of view finds support on the works of Agawu (2009) and Hatten (2004) in addition to the proposition of Piedade (2013;2015) in which topics for Brazilian musical gestures are suggested. The work concludes by stating that even though Brandão allowed himself to be consciously and willingly influenced by Villa-Lobos´ compositional processes, he also absorbed elements of the Choro in order to build up an oeuvre that is strong and well formed both compositionally and pianistically.

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

Este trabalho concentra-se na colaboração com o compositor Flávio Oliveira durante o processo de construção de uma interpretação para Round about Debussy. A autora discute os limites da notação musical no contexto do estilo do compositor, focalizando os elementos estilísticos que escapam a notação musical. Apoiada por material documentado em áudio/vídeo coletados nos encontros com o compositor, bem como uma entrevista semiestruturada com Oliveira, a autora apresenta e discute exemplos à luz das observações e sugestões feitas pelo compositor. / This dissertation focuses on the collaboration with composer Flávio Oliveira during the process of constructing an interpretation for Round about Debussy. The author discusses the limits of musical notation in the context of the composer’s style, focusing on the stylistic elements that escape notation. Supported by material documented in audio/video collected in the encounters with the composer, as well as a semi-structured interview with Oliveira, the author presents and discusses examples in light of the comments and suggestions made by the composer.

Este trabalho concentra-se na colaboração com o compositor Flávio Oliveira durante o processo de construção de uma interpretação para Round about Debussy. A autora discute os limites da notação musical no contexto do estilo do compositor, focalizando os elementos estilísticos que escapam a notação musical. Apoiada por material documentado em áudio/vídeo coletados nos encontros com o compositor, bem como uma entrevista semiestruturada com Oliveira, a autora apresenta e discute exemplos à luz das observações e sugestões feitas pelo compositor. / This dissertation focuses on the collaboration with composer Flávio Oliveira during the process of constructing an interpretation for Round about Debussy. The author discusses the limits of musical notation in the context of the composer’s style, focusing on the stylistic elements that escape notation. Supported by material documented in audio/video collected in the encounters with the composer, as well as a semi-structured interview with Oliveira, the author presents and discusses examples in light of the comments and suggestions made by the composer.

Este trabalho concentra-se na colaboração com o compositor Flávio Oliveira durante o processo de construção de uma interpretação para Round about Debussy. A autora discute os limites da notação musical no contexto do estilo do compositor, focalizando os elementos estilísticos que escapam a notação musical. Apoiada por material documentado em áudio/vídeo coletados nos encontros com o compositor, bem como uma entrevista semiestruturada com Oliveira, a autora apresenta e discute exemplos à luz das observações e sugestões feitas pelo compositor. / This dissertation focuses on the collaboration with composer Flávio Oliveira during the process of constructing an interpretation for Round about Debussy. The author discusses the limits of musical notation in the context of the composer’s style, focusing on the stylistic elements that escape notation. Supported by material documented in audio/video collected in the encounters with the composer, as well as a semi-structured interview with Oliveira, the author presents and discusses examples in light of the comments and suggestions made by the composer.

Esta dissertação consiste de um memorial do processo de construção da performance das Seis Danças Romenas de Béla Bártok por uma perspectiva da cognição corporificada. Fundamentada na proposição de objetos sônico-gestuais coarticulados de Godøy (2006; 2011) e na abordagem gestual de Pierce (2007) esta pesquisa investigou através da prática artística como gesto e som modelam-se mutuamente e de que maneira esse processo contínuo influencia a concepção da obra e as relações entre performer, música e instrumento. Considerando que as vivências do corpo não se limitam à prática pianística, foram trazidas perspectivas de experiências externas que contribuíram para a consciência corporal e que proporcionaram insights relevantes para a condução do processo artístico. A abordagem metodológica reúne a Pesquisa Artística e a Autoetnografia no que concerne desvelar o conhecimento corporificado inerente a um processo de criação artística através da narrativa pessoal. A documentação do processo compreendeu: 1) anotações em um diário das vivências, aulas de piano e sessões de estudo; 2) gravações de vídeo de sessões de estudo; 3) gravações de performances ao longo do processo; 4) comparação entre a gravação final da performance da obra e a primeira gravação realizada em momento anterior à pesquisa. Estes registros foram examinados com o propósito de compreender o processo artístico de uma perspectiva de corpo e música em constante estado de devir, identificando os momentos de insights mais significativos, e mapeando os recursos criativos elaborados pela performer ao longo do processo. As reflexões da performer acerca do processo conduziram a um reconhecimento de si mesma como sujeito corporificado, a perceber a música como fenômeno essencialmente corporal, e a transformações na concepção da obra. O processo artístico centrado no corpo acarretou mudanças significativas na interação da performer com o instrumento, o desenvolvimento de um maior repertório gestual, um incremento dos recursos expressivos, e o refinamento da percepção auditiva, promovendo o desenvolvimento da criatividade e da autonomia artística, bem como da maturidade emocional. / This dissertation is the performer’s account of the process of constructing a performance of Béla Bártok’s Romanian Folk Dances from the perspective of embodied cognition. Based on Godøy’s proposition of gestural-sonic coarticulation (2006; 2011), and Alexandra Pierce’s gestural approach to piano performance (2007), this research investigated how gesture and sound shape one another, and how this continuous process affects the conception of the work and the relations between performer, music and instrument. Considering that lived experience exceeds piano practice, perspectives from extra-musical activities were considered due to their contribution towards promoting bodily awareness and insights that were relevant to the artistic process. The methodological approach draws from Artistic Research and Autoethnography in regard to uncovering embodied knowledge ingrained in the process of artistic creation through personal narrative. The documentation of the process comprised: 1) a journal describing practice sessions, piano lessons and extra-musical experiences; 2) video recordings of practice sessions; 3) video recordings of performances along the process; 4) a comparison between the final performance and the first recording of the piece made prior to the present research. These records were examined with the purpose of comprehending the artistic process from the perspective of body and music in a constant state of becoming, identifying the most meaningful moments of insight, and mapping creative resources devised by the performer during the artistic process. The performer’s reflections upon the process lead to recognizing oneself as an embodied subject, to perceiving music as an essentially corporeal phenomenon, and to transformations in the conception of the musical work. The artistic process centered on the performer’s body promoted significant changes in the performer’s interaction with the instrument, the development of a broader gestural repertoire, an increment in expressive resources, and the refinement of aural perception, fostering the growth of creativity and artistic autonomy, as well as emotional maturation.