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The erosion of traditional French academic methods of picture-construction, and the eclipse of hierarchical subject-matter, ensured the emergence of a diversity of new painting styles in France by 1900 and the possibility of even more drastic departures from tradition in the 20th century, particularly in the work of Picasso, from 1900 to 1914.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:24Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-02-28Bitstream added on 2014-06-13T20:08:08Z : No. of bitstreams: 1 mori_fm_me_arafcl.pdf: 2328680 bytes, checksum: b0b4c21e9bdae27a2ea8a629f9f3077a (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O trabalho intitulado A construção da imagem em O Espelho in Primeiras Estórias de João Guimarães Rosa e em Las Meninas de Pablo Picasso foi desenvolvido com o objetivo de analisar semioticamente as obras O Espelho, conto presente na coletânea Primeiras Estórias de João Guimarães Rosa, e Las Meninas, tela de Pablo Picasso, cujo ponto de partida foi a obra de mesmo nome do artista barroco Diego Velázquez, e, diante dessa análise, teoricamente embasada, pontuar uma possível intersecção entre ambos os textos, já que pertencem claramente ao campo da interdiscursividade. Verificou-se que a linguagem plástica, usada por Pablo Picasso, pintor do século XX, distancia-se dos elementos plásticos barrocos seiscentistas, havendo, em ambos os textos, uma oposição clara aos princípios clássicos. O Ator-pintor, presente nas telas cubista e barroca, simboliza a própria Arte que, apesar do transcorrer do tempo físico, é atemporal. Com relação ao conto, o jogo incessante de palavras, rimas internas, entre outros elementos, pontua o barroquismo frásico rosiano e, além de demarcar o ponto central da coletânea de Primeiras Estórias, questiona a forma e a existência da imagem em suas diversas maneiras de entendê-la. Sendo o “espelho-tempo-imagem” o principal ponto de intersecção entre textoverbal e texto-visual nesta análise, é ele que desencadeia o despir das formas no conto rosiano e as anamorfoses no retrato de Picasso, que é o Outro em relação à obra velazquiana, questão proposta e trabalhada ao longo deste estudo. O elemento “espelho-tempo-imagem”, que propõe a discussão sobre diferentes relações, entre as quais o enunciado Arte e a enunciação pressuposta (enunciador e leitor/espectador) gera um caminho de duplo sentido, mobilizando, por sua vez, esta dissertação. / This paper entitled The construction of the image in João Guimarães Rosa’s O Espelho in Primeiras Estórias and in Pablo Picasso’s Las Meninas was developed with the purpose of semiotically analyzing the works O Espelho, a short story present in João Guimarães Rosa’s Primeiras Estórias and Pablo Picasso’s painting Las Meninas, whose starting point was the baroque artist Diego Velázquez’s painting that has the same name, and from this analysis, theoretically based, to point out a possible intersection between both texts, since they clearly belong to the field of interdiscursiveness. It was verified that the plastic language used by Pablo Picasso, a twentieth century painter, distances itself from the sixteenth century baroque plastic elements, and there is in both texts a clear opposition to the classical principles. The author-painter, present in the cubist and baroque paintings, symbolizes Art itself which, in spite of the elapse of physical time, is atemporal. In relation to the short story, the incessant game of words, internal rhymes and other elements punctuates Guimarães Rosa’s phrasal baroqueness and, besides demarcating the central point of the collection Primeiras Estórias, questions the form and existence of the image in the diverse ways it can be understood. Since the “mirror-time-image” is the main point of intersection between the verbal text and the visual text in this analysis, it is what initiates the undressing of the forms in Guimarães Rosa’s short story and the anamorphoses in Picasso’s painting, which is the Other in relation to Velasquez’s work – a point that is proposed and worked throughout this study. The element “mirror-time-image”, which proposes the discussion regarding different relations, among them the enunciate Art and the presupposed enunciation (enunciator and reader/spectator), generates a path of double sense which, in its turn, mobilizes this dissertation.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Departamento de Psicologia Clínica, Programa de Pós-Graduação em Psicologia Clínica e Cultura, 2017. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2017-07-14T15:15:42Z No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-19T15:06:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-19T15:06:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_AndreLuizPicollidaSilva​.pdf: 4546873 bytes, checksum: 9ea279306555d064e3fbef91d72bc1d3 (MD5) Previous issue date: 2017-09-19 / De todas as construções humanas, a arte, talvez seja a que mais contribuiu para nos tornar humanos. No centro de toda cultura encontramos o impulso para criar objetos, interpretar cenas, produzir imagens, sons e movimentos, sendo os artistas, vistos como seres especiais, quase míticos. Um exemplo desse sentimento é o que encontramos em relação ao pintor espanhol Pablo Picasso (1881-1973), considerado como um dos principais artistas do período moderno e influenciador da estética contemporânea. Suas pinturas causaram um grande impacto na Europa e muita repercussão no resto do mundo, porém, a razão pela qual tantas pessoas ficaram fascinadas com as imagens por ele produzidas ainda é uma incógnita. Buscando compreender essa questão a partir de uma perspectiva psicanalítica, levanta-se a hipótese de que isso ocorreu devido a intensa manifestação de Eros sobre o artista, que produziu obras com fortes marcas dessa manifestação facilitando assim o processo de sublimação do público identificado com suas obras. Baseado nisso, o presente trabalho constitui-se em uma narrativa sobre a estética do desejo em Pablo Picasso, tendo por objetivo investigar a dinâmica inconsciente do artista por meio de sua produção, bem como, identificar de que modo sua obra se caracterizou também como um sintoma da cultura. Para tanto, foram realizadas observações de pinturas gravuras e desenhos do pintor que se encontram no acervo de museus da Espanha e do Brasil, bem como de obras que se encontram publicadas em literaturas específicas sobre a arte de Pablo Picasso. A partir disso, foram selecionadas algumas obras que, devido suas características, permitiam uma melhor observação da manifestação de Eros sobre o artista e, em seguida, foi realizada uma análise relacionando-se os elementos existentes nestas obras, a biografia do artista e conceitos da teoria psicanalítica. Posteriormente, visando uma melhor contextualização do fenômeno estudado, foram identificadas as principais características psicológicas da sociedade da época em que Picasso viveu, de modo a compreender em que medida ocorreram identificações entre a cultura e as produções do artista. Ao discutir os dados produzidos nesse processo constatou-se que a obra de Picasso apresentou uma grande mutabilidade ao longo do tempo devido as diversas formas de manifestação das pulsões do artista visando garantir a realização de desejos como: o desejo de liberdade, de querer mudar a realidade, de ser um objeto de amor e de querer controlar o outro. Tais manifestações, aliado ao alto grau de narcisismo encontrado na obra de Picasso, vão de encontro as principais características identificadas na sociedade em que que Picasso viveu, o que, dentro da narrativa produzida, confirma a ideia de que arte produzida por ele se configura em um sintoma da cultura. Por fim, concluiu-se o presente trabalho constatando que Picasso deu livre vazão as manifestações de Eros que sentia em si e, desse modo, construiu uma estética que reflete a realização de seus desejos narcisistas. Tal estética serviu como meio ideal para que indivíduos da sociedade moderna e contemporânea, identificados com sua obra, pudessem sublimar seus desejos com características semelhantes, razão pela qual entendemos, que tantas pessoas se fascinaram e ainda se fascinam pela obra de Pablo Picasso. / Of all human constructions, art may be the one that most contributed to make us human. At the center of every culture is the impulse to create objects, to interpret scenes, to produce images, sounds and movements, and the artists are seen as special beings, almost mythical. An example of this feeling is what we find in relation to the Spanish painter Pablo Picasso (1881-1973), considered as one of the main artists of the modern period and influential of contemporary aesthetics. His paintings have had a great impact on Europe and much repercussion in the rest of the world. However, the reason why so many people were fascinated with the images produced by him is still unknown. Seeking to understand this question from a psychoanalytical perspective, the hypothesis arises that this happened due to the intense manifestation of Eros on the artist, who produced works with strong marks of this manifestation facilitating the process of sublimation of the public identified with his works. Based on this, the present research constitutes a narrative about the aesthetics of the desire in Pablo Picasso, aiming to investigate the artist's unconscious dynamics through his production, as well as to identify in what way his work was also characterized as a symptom of the culture. To that end, observations were made of paintings of the painter's drawings and drawings found in the collection of museums in Spain and Brazil, as well as works that are published in specific literatures on the art of Pablo Picasso. From this, some works were selected which, due to their characteristics, allowed a better observation of the manifestation of Eros on the artist, and then an analysis was made relating the elements existing in these works, the artist's biography and psychoanalytic theory. Later, in order to better contextualize the studied phenomenon, the main psychological characteristics of the society of the time in which Picasso lived were identified, in order to understand to what extent identifications occurred between the culture and the artist 's productions. In discussing the data produced in this process it was found that the work of Picasso showed a great mutability over time due to the various forms of manifestation of the artist's drives in order to guarantee the fulfillment of desires such as: the desire for freedom, reality, of being an object of love and of wanting to control the other. These manifestations, together with the high degree of narcissism found in Picasso's work, go against the main characteristics identified in the society in which Picasso lived, which, within the narrative produced, confirms the idea that art produced by him is shaped by A symptom of culture. Finally, the present work was concluded, stating that Picasso gave free flow to the manifestations of Eros that he felt in himself and, in this way, constructed an aesthetic that reflects the fulfillment of his narcissistic desires. Such aesthetics served as an ideal means for individuals of modern and contemporary society, identified with their work, to sublimate their desires with similar characteristics, which is why we understand that so many people were fascinated and still fascinated by the work of Pablo Picasso.

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When faced with a challenging problem, we are often forced to choose between two cognitive strategies: stay focused on that problem until we arrive at an answer, or divert our attention elsewhere and return to the problem later. Malcolm Gladwell wrote Blink supporting the former strategy and intuition, while numerous famous creators such as Picasso, Poincare, and Cleese have all publicly noted the efficacy of skipping a problem and returning to it later. In the classroom, students often encounter test problems that they cannot answer immediately. They then face the integral decision about what to do next. In this situation, some will argue for a ‘gut-feeling’ approach, implying that students should input an answer then and there. Others claim it is best to leave the problem and return to it later. Which of these techniques will further increase the likelihood of arriving at a correct answer? There exists a substantial base of literature on incubation. When leaving a problem and returning to it later, incubation refers to the cognitive processes that occur in the meantime and assist in problem solving. This literature touches on mathematical, creative, and linguistic problem solving. Based on the literature, it seems evident that leaving explicitly and returning momentarily (or L.E.R.M.ing) assists problem solving across a wide domain of problem types, likely by harnessing the power of incubation. Thus, I will argue that substantial evidence indicates that it is advantageous for students who are unsure of an answer to leave problems explicitly and return to them momentarily (or, to L.E.R.M), rather than to force an answer based on gut feeling. In my pilot study, I apply these findings for the first time to reading comprehension problems. I then conduct a study on anagrams to test incubation effects on solve rates as well as on persistence in seeking alternative answers on anagram puzzles.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:40:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Julie Coelho.pdf: 1488261 bytes, checksum: 48605dae20a07bedafcbdd420f5f5d44 (MD5) Previous issue date: 2009-10-23 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Which phenomenon is related to the experience that occurs between spectator and work of art? This is the question that will outline the following hypothesis: sublimation makes this experience possible by moving the spectator and eliciting one s desire to create. The idea that the work of art puts the spectator in an unsettled state that demands meaning will be explained by Freud s experience with Moses s statue, André Green s experience with the London Cartoon and Ada Morgenstern s experience with Perseus and Medusa. These authors will lead the readers into thinking sublimation as being closely related to artistic production. Moreover, this concept will be analyzed based on the psychoanalytical theory, going from Freud to other authors such as Laplanche, Loewald and Lacan, who also contributed to the development of the subject. The appreciation of Picasso s Guernica will be used in order to articulate appreciation and sublimation. This painting was responsible for a great psychic mobilization, which inspired reflection and an investigation about this state and its meanings. As an active part of the process, the writer s/spectator s associations will guide the research. In the moment the spectator is touched or surprised by the work of art, one s network of meanings is struck and one seeks significance to the cause of this surprise. The work of art, therefore, provokes ones desire to create / O que está atrelado à experiência que ocorre entre a obra e o espectador? Essa questão irá delinear a hipótese de que a sublimação propicia essa experiência ao mobilizar o espectador e suscitar nele o desejo de criar. A partir da experiência de Freud diante da estátua de Moisés, André Green diante do Cartão de Londres e de Ada Morgenstern diante de Perseu e Medusa, será desenvolvida a idéia de que a obra põe o espectador em um estado desconcertante que demanda um sentido. Esses autores nos farão pensar na noção de sublimação, a qual se encontra muito relacionada à produção artística. O conceito de sublimação será trabalhado à luz da teoria psicanalítica, partindo de Freud e buscando autores que contribuíram para o desenvolvimento dessa noção, entre estes, Laplanche, Loewald e Lacan. Para articular a apreciação e a sublimação, tomaremos a apreciação do quadro Guernica, de Picasso, que suscitou em mim uma enorme mobilização psíquica e motivou uma reflexão, uma análise acerca desse estado e suas conseqüentes significações. O que guia o desenvolvimento da pesquisa são as associações da escritora/espectadora implicada em todo o processo. Ao se ver impactado pela obra, o espectador é atingido na sua rede de significações e busca dar um sentido a isso que o surpreende. A obra, portanto, provoca nele o desejo de criar

Doctorat en sciences sociales, politiques et économiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette recherche vise à développer quatre aspects particuliers qui concernent le cubisme de Braque et Picasso. D’abord quels ont été les faits marquants du cubisme au moment de sa naissance à travers les critiques du français Louis Vauxcelles. Puis, pour mieux saisir le mouvement, une synthèse des nombreuses définitions avancées par les critiques et les historiens d’art durant tout le 20e siècle, constituera la base d’une tentative de redéfinition globale du cubisme en sa phase analytique. On souligne ensuite l’importance de la réflexion cubiste en s’arrêtant à la modification de la représentation picturale par la décomposition de l’objet sur une surface plane qui aboutit sous l’empire de l’hermétisme à une nouvelle structure spatiale mettant alors l’accent sur la dissolution de l’objet et de la figure humaine. Finalement, l’analyse sémiotique de deux œuvres clés de Picasso et Braque de 1910 et 1911 permet de cerner plastiquement la notion même de réalisme que l’on trouve dans cette période analytique la plus hermétique. / Montréal Trigonix inc. 2018