Magíster en artes, mención teoría e historia del arte / Autor no autoriza el acceso a texto completo de su documento / Esta investigación se situó en Europa a fines del siglo XIX, especialmente Francia y estuvo centrada en el fenómeno del japonismo y sus repercusiones en los ámbitos del arte, específicamente en la pintura de paisaje usando este periodo como anclaje para desde ahí establecer una lectura historiográfica de, por una parte, la tradición de la pintura de paisaje de China y Japón y por otra, la tradición de la pintura de paisaje de Europa. El acento de la investigación estuvo en el problema de la sensación, tema en boga en la época del impresionismo, en donde los antiguos estatutos de la mímesis se veían conflictuados y surgía a su vez la psicología de la percepción. El problema de la sensación concentraba las contradicciones de dicho paradigma ya que representaba un punto intermedio entre la realidad objetiva y la realidad personal y, pese a su ambigüedad, se volvía centro de representación. La hipótesis de este estudio era que usando la sensación como centro, se podía establecer un marco comparativo entre las pinturas de Oriente y Occidente y encontrar afinidades entre ambas tradiciones, así como también con la pintura moderna, representada a través de la figura de Paul Cézanne. El estudio comienza con una introducción a la pintura china haciendo referencia a los principales teorías artísticas que se pueden ver reflejadas en la pintura de paisajes haciendo hincapié en la tradición taoísta. En seguida se hace referencia a la pintura japonesa, pasando por sus principales corrientes relativas al paisaje, que son la tradición del Buda Amida, el Budismo Zen y las escuelas decorativas, para terminar con la xilografía japonesa que puede considerarse un tipo de paisaje japonés que combina aspectos tradicionales y modernos. El segundo capítulo se centra en las transformaciones ocurridas en el periodo del japonismo francés. En este caso se han estudiado los aportes técnicos, compositivos e iconográficos aportados en relación al paisaje y la influencia en artistas puntuales tales como Vincent Van Gogh y el grupo Simbolista. Este capítulo pone énfasis en que el arte Oriental no fue solamente un referente de moda que impulsó algunas temáticas, sino que hizo pensar críticamente el estatuto del arte como se había entendido hasta el momento. El tercer capítulo recorre la historia de la pintura de paisaje en Europa, partiendo por una breve reseña al concepto de mímesis ampliamente cuestionado hacia fines del siglo XIX, aunque más que superar el tema del parecido se establecen nuevos parámetros. El cuarto capítulo centra su atención en el estudio de la obra de Cézanne, como figura relevante que sirve como nexo entre la tradición europea y la pintura moderna, encontrando afinidades con los problemas planteados por Oriente. En esta parte se ha apoyado a la investigación con los escritos de Cézanne y con algunos autores posteriores tales como Merleau-Ponty y Giles Deleuze, quienes a propósito de la obra de Cézanne han hecho lecturas que tienen afinidad con los problemas planteados por Oriente. En este caso cobra relevancia, el tema de la contemplación, como una actividad que es perceptiva más que intelectual, la importancia del cuerpo y el surgimiento de conceptos tales como el ritmo vital y la perspectiva vivenciada. El estudio ha arrojado la necesidad de estudios relacionados con los aportes de Oriente al arte Occidental, así como la posibilidad de que las teorías artísticas de Oriente sirvan como marco teórico para comprender o analizar aspectos relativos al arte moderno.

La tesis aborda la aparición y desarrollo de la tercera dimensión en la pintura, es decir, la progresiva incorporación del volumen como recurso expresivo de este arte, a priori bidimensional. Analiza la evolución histórica del fenómeno desde las primeras pinceladas densas, hasta las manifestaciones más abiertamente tridimensionales, donde la propia materia y elementos añadidos se convierten en la razón de ser de la obra. También estudia la cuestión desde una perspectiva filosófica y estética, analizando la propia naturaleza de la pintura en busca de las motivaciones que han empujado a los pintores al empleo de estrategias tridimensionales, así como de las aportaciones que estas hayan podido suponer. La parte experimental está constituida por un conjunto de obras pictóricas, fruto del proceso de documentación, estudio y reflexión, complementándolo y formando un todo homogéneo. / Material painting and three-dimensional. Evolution and current situation. Theoretical and practical considerations. The thesis addresses the question of the emergence and development of the third dimension in painting, i.e. the progressive incorporation of volume like an expressive resource of this art, initially two-dimensional. It analyze the historical evolution of the phenomenon from the first strokes dense, until more openly three-dimensional demonstrations, where the material itself and added elements become the raison d'être of the work. It also examines the question from a philosophical and aesthetic perspective, analyzing the nature of painting in search of the motivations that drove painters to the use of three-dimensional strategies, as well as the contributions that these have been assumed. The experimental part is composed of a set of paintings, the result of the process of documentation, study and reflection, supplementing and forming a homogeneous whole.

Orientador: Omar Khouri / Banca: Ana Helena da Silva Delfino Duarte / Banca: José Leonardo do Nascimento / Resumo: Este estudo discute os aspectos que configuram a recorrência como a própria essência do fazer artístico, especificamente na pintura. Os argumentos são construídos estabelecendo-se um diálogo entre a recorrência na filosofia da ciência e no campo da história da arte. Quando analisada segundo a especificidade do fazer pictórico, este estudo propõe a designação de recorrência histórica plástica. Neste cenário, a reflexão avança e busca apresentar, definir e distinguir universais (figura recorrente, imagem recorrente, tema recorrente e elemento recorrente) e, assim, contribuir para um corpus de conhecimentos sobre a forma artística - no interesse plástico - que possa ajudar a elucidar e organizar uma sintaxe visual da recorrência. O objeto deste estudo - produto de uma pesquisa bibliográfico-conceitual - fundamenta-se na visualidade de um recorte da obra de Leda Catunda. Por isso as discussões são pautadas pelo suporte visual de pinturas consagradas, desde as de Leonardo da Vinci até as de Leda Catunda, tidas como pontos focais para o desenvolvimento da pesquisa. Outras obras pictóricas da artista são importantes para fundamentar a elaboração desta sintaxe visual / Resumen: Esta investigación analiza los aspectos que conforman la recurrencia con la esencia misma de la práctica artística, específicamente en la pintura. Los argumentos se construyen mediante el establecimiento de un diálogo entre la recurrencia en la filosofía de la ciencia y el campo de la historia del arte. Cuando se analizó la especificidad del hacer pictórico, este estudio se propone el nombramiento de recurrencia histórica plástica. Em este escenario, la reflexión se mueve hacia adelante y trata de presentar, definir y distinguir los universales como figura recurrente, imagen recurrente, tema recurrente y elemento recurrente que contribuye a um cuerpo de conocimiento acerca de la forma de arte - en su plástico interés - que pueden ayudar a clarificar y organizar una sintaxis visual de recurrencia. Aunque esta investigación es de naturaleza teórica, su objeto basada en la visualidad de pinturas de Leda Catunda de un recorte. Debido a esto, las discusiones se guían por el apoyo visual de pinturas consagradas de Leonardo da Vinci a las pinturas de Leda Catunda, tomada como puntos focales para el desarrollo de este estúdio. Otras obras pictóricas del artista son importantes para apoyar el desarrollo de esta sintaxis visual / Mestre

[EN] This thesis focuses on the study and conservation of the paintings of gods made at the gates of traditional temples in Taiwan. As a relevant example, special attention to the pictorial compositions Cai Cao-Ru (1919-2007), a painter much appreciated in Taiwan for the high quality of his work is dedicated. This type of painting, to be located at the gates of the temples, are continually exposed to poor environmental conditions (especially sunlight, rain and pollution) and human factors such as the continuous ritual activities. After reviewing the technical characteristics of these paintings, their origin and iconography, the legislative and institutional framework for preserving cultural heritage of Taiwan as well as traditional views and contemporary criteria followed in the restoration of the temples is also exposed with emphasis on their paintings. To display these issues more precisely, the analytical study and the process of restoration of two paintings by Cai Cao-Ru to the door of a temple appears (although at present are in a private collection). Since preventive conservation is a key issue in the preservation of cultural heritage, some solutions that have been taken (or that could be taken) to improve the situation and expand the "life expectancy" of these paintings are exhibited. Finally, the idea of considering these works as ephemeral art arises, but at the same time trying to preserve some of the most relevant. This is something that may seem contradictory but it is a relatively common situation when living religious heritage conservation, is addressed in use. Undoubtedly, the preservation of this heritage is still raises many questions and exposes many contradictions. This thesis aims to contribute to study this fascinating subject. / [ES] La presente tesis doctoral se centra en el estudio y la conservación de las pinturas de los dioses realizadas en las puertas de los templos tradicionales de Taiwán. Como un ejemplo relevante, se dedica una especial atención a las composiciones pictóricas de Cai Cao-Ru (1919-2007), un pintor muy apreciado en Taiwán por la alta calidad de su obra. Este tipo de pinturas, al estar situadas en las puertas de los templos, se ven expuestas continuamente a las malas condiciones ambientales (en especial, luz solar, lluvia y contaminación) y a los factores antrópicos como, por ejemplo, las continuas actividades rituales. Tras revisar las características técnicas de estas pinturas, su origen e iconografía, se expone también el marco legislativo e institucional de la conservación del patrimonio cultural de Taiwán, así como las visiones tradicionales y los criterios contemporáneos seguidos en la restauración de los templos y, en especial, de sus pinturas. Para mostrar estas cuestiones de forma más precisa, se presenta el estudio analítico y el proceso de restauración de dos pinturas realizadas por Cai Cao-Ru para la puerta de un templo (aunque en la actualidad se encuentran en una colección privada). Dado que la conservación preventiva es un tema clave en la preservación del patrimonio cultural, se exponen algunas soluciones que se han adoptado (o que podrían adoptarse) para mejorar la situación y ampliar la "esperanza de vida" de estas pinturas. Por último, se plantea la idea de considerar estas obras como arte efímero, aunque al mismo tiempo se pueda pretender preservar algunas de las más relevantes. Esto es algo que puede parecer contradictorio pero se trata de una situación relativamente frecuente cuando se aborda la conservación del patrimonio religioso vivo, en uso. Sin duda, la preservación de este patrimonio es una cuestión que todavía suscita muchas preguntas y expone múltiples contradicciones. Esta tesis pretende contribuir al estudio de esta fascinante tema. / [CAT] La present tesis doctoral es centra en l'estudi i la conservació de les pintures dels déus realitzades en les portes dels temples tradicionals de Taiwan. Com a exemple relevant, es dedica una especial atenció a les composicions pictòriques de Cai Cao-Ru (1919-2007), un pintor molt apreciat en Taiwan per l'alta qualitat de la seua obra. Aquest tipus de pintures, per la seua situació a les portes dels temples, es veuen expostes continuament a les males condicions ambientals (especialment la llum solar, la plutja i la contaminació) i als factors antròpics, com per exemple, les continues activitats rituals. Tras revisar les característiques tècniques d'aquestes pintures, el seu origen i iconografia, s'exposa també el marc legislatiu e institucional de la conservació del patrimoni cultural de Taiwan, així com les visions tradicionals i els criteris contemporanis en la restauració dels temples, i en especial, de les seves pintures. Per mostrar aquestes qüestions de manera mes precissa, es presenta l'estudi analític i el proces de restauració de dos pintures realitzades per Cai Cao-Ru per a la porta d'un temple (encara que en l'actualitat es troven en una colecció privada). Tenint en compte que la conservació preventiva es un tema clau en la preservació del patrimoni cultural, s'exposen algunes solucions que s'han adoptat (o podríen adoptarse) per millorar la situació i ampliar "Esperança de vida" de les pintures. Per últim, es planteja la idea de considerar aquestes obres com art efímer, encara que al mateix temps es puga preservar algunes de les mes relevants. Axò pot pareixer contradictorí es tracta d'una situació relativament freqüent quan tracten conservació de patrimoni religiós viu, en us. Sense dubte, la preservació d'aquest patrimoni es una qüestió que encara provoca moltes preguntes i exposa múltiples contradiccions. Aquesta tesis preten contribuir a l'estudi d'aquesta fascinant tema. / Wu, W. (2016). Estudio y conservación de las Pinturas de los Dioses, realizadas por el pintor Cai Cao-Ru, en las puertas de los templos de Taiwán [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61040 / TESIS

[EN] Doctoral Thesis RESEARCH ON THE PAINTING (A research through Analytic-Expressive-Symbolic method. Search for essentials) POLYTECHNICAL UNIVERSITY OF VALENCIA Faculty of Fine Arts Department of Painting Presented by: Sergio Barrier Doménech Directed by: Dr. José Antonio Barreiro Díez Valencia, 2015 ABSTRACT This thesis is a report on a pictorial research which has been carried out for over a period often years. This specific framework of research collects the guidelines for its development. Observing, experimenting and researching are actions that in the context of this study are not only part of the same intention but, mainly, of the same action: the acquisition of knowledge and understanding, for the most part, visual, linked to the Fine Arts and specifically to the development of a painting. This research began as a consequence of this question: how to reveal the importance of expressing the permanent and essential character of a gesture through a brushstroke and taking into account the always changing information of the visual world? The spatial- pictorial framework is the support and specific place where the experimental phase (steps and results) of this research development takes place. This research shows, in this way, the singularity of the processes and conclusions obtained through a new ordering and composition, in which the applied process (Analytical-Expressive-Symbolic method) is, in general, determinate, in the observation and experimentation phase as well as the phases of interpretation. / [ES] Tesis Doctoral INVESTIGACIÓN EN LA PINTURA (Una investigación a través del método Analítico-Expresivo-Simbólico. Búsqueda de esenciales) UNIVERSIDAD POLITÉCNICA DE VALENCIA Facultad de Bellas Artes Departamento de Pintura Presentada por: Sergio Barrera Doménech Dirigida por: Dr. José Antonio Barreiro Díez Valencia, 2015 RESUMEN Esta tesis es la memoria de la investigación pictórica llevada a cabo durante diez años. En ella se recoge el marco propio de la investigación así como las pautas para el desarrollo del la misma. Observar, experimentar e investigar son acciones que en el contexto del presente estudio forman parte no sólo de una misma intención sino, principalmente, de una misma acción: la adquisición de conocimiento y comprensión, en su mayor parte, visual, vinculado a las artes plásticas y en concreto a los desarrollos de una pintura. El inicio de la investigación viene marcado por la siguiente pregunta, ¿cómo destilar lo que es importante para plasmar el carácter permanente y esencial de un gesto a través de una pincelada y a partir de la información siempre cambiante del mundo visual? El espacio-formato pictórico es el soporte y lugar específico en el que se da el desarrollo de la fase experimental -pasos y resultados- de esta investigación. Se presenta, de este modo, la singularidad de los procesos y conclusiones obtenidos mediante una nueva articulación y composición, en la que el procedimiento empleado (método Analítico-Expresivo-Simbólico) es, en gran medida, determinante, tanto en las fases de observación y experimentación como en las de interpretación. / [CAT] Tesi Doctoral RECERCA EN LA PINTURA (Una recerca a través del mètode Analític-Expressiu-Simbòlic. Cerca d'essencials) UNIVERSITAT POLITÈCNICA DE VALÈNCIA Facultat de Belles Arts Departament de Pintura Presentada per: Sergio Barrera Doménech Dirigida per: Dr. José Antonio Barreiro Díez València, 2015 RESUM Aquesta tesi és la memòria de la recerca pictòrica duta a terme durant deu anys. En ella s'arreplega el marc propi de la recerca així com les pautes per al desenvolupament del la mateixa. Observar, experimentar i investigar són accions que en el context del present estudi formen part no solament d'una mateixa intenció sinó, principalment, d'una mateixa acció: l'adquisició de coneixement i comprensió, en la seua major part, visual, vinculat a les arts plàstiques i en concret als desenvolupaments d'una pintura. L'inici de la recerca ve marcat per la següent pregunta, com destil¿lar el que és important per a plasmar el caràcter permanent i essencial d'un gest a través d'una pinzellada i a partir de la informació sempre canviant del món visual? L'espai-format pictòric és el suport i lloc específic en el qual es dóna el desenvolupament de la fase experimental -passos i resultats- d'aquesta recerca. Es presenta, d'aquesta manera, la singularitat dels processos i conclusions obtinguts mitjançant una nova articulació i composició, en la qual el procediment emprat (mètode Analític-Expressiu-Simbòlic) és, en gran manera, determinant, tant en les fases d'observació i experimentació com en les d'interpretació. / Barrera Doménech, S. (2016). Investigación en la pintura. (Una investigación a través del método analítico-expresivo-simbólico. Búsqueda de esenciales.) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61469 / TESIS

[EN] Until now, few studies have focused on painting facades in Spains. Poor maintenance of these, and the disappearance of many of them, joined the little research that this kind of assets have today raised a state of limited and fragmented these question. This poor maintenance is given on the one hand, by the agents of deterioration that affect themselves (rainwater, wind, solar radiation ...), on the other, for the constructive characteristic, and finally by traumatic causes. Your character will be decorative, functional, or both. The decorative nature responds to the intent of certain estates to demonstrate his power over the others. The functionality of these decorations vary throughout history. From a commercial or advertising function of social or political criticism with the birth of graffiti. But besides this functionality, not just a claim, it is also an architectural feature of the building. The outdoor mural is a skin that covers the building, is a part of the architecture that support it. This is the method of protection of materials that make up the building. They are a defense barrier against environmental agents that attack a building. The different strata which are formed are the means to protect domestic supplies. The aesthetic function therefore joins functional. In recent years we are witnessing a growing concern about this type of decorations, performing studies and recovery of many of them, creating conservation plans facades and restoration projects. This study aims to analyze one of the processes acting within the restorations carried out in murals located outdoors, chromatic reintegration. This differs from those located inside the methodology used. On the one hand, the application of color is similar to what we find in sheltered paintings. But on the other hand the situation of these paintings makes a supplement that makes them stronger necessary. This add-on is what is known as repellent or protective. Traditionally chromatic reintegration method of mural paintings in many exterior, has not existed, and that when these losses were pictorial structures were replaced with new ones, or just limed and hidden. Not until the second half of the twentieth century when the chemical industry to develop products that will be taken to the field of restoration of wall paintings, many of them with the idea that these materials were evergreen. This thesis is divided into two large blocks. The first will review the actual situation of the various murals that can be found on the outside, with particular attention to the Valencian case. Embodiment techniques employed in outdoor mural painting, as well as the agents of deterioration that cause its current condition will be reviewed. Finally a review of two theoretical concepts that significantly affect the chromatic reintegration way, legibility and reversibility will be held. The second section focuses on the methods of chromatic reintegration are currently employed in polychrome facades. We have designed a pilot study based on a series of samples to see how the techniques and protective / repellents, more employees behave after being subjected to a cycle of natural aging of a year, which have analyzed four parameters help physicists understand its stability: existing colorimetric changes, changes in water absorption and resistance to mechanical abrasion and chemical transfer rubbed color (TQF). / [ES] Hasta ahora son pocos los estudios que se han centrado en la pintura de fachadas en Españas. La mala conservación de estas, y la desaparición de muchas de ellas, sumado a la poca investigación que este tipo de bienes patrimoniales han tenido, plantean hoy en día un estado de la cuestión limitado y fragmentado de estas. Esta mala conservación viene dada por un lado, por los agentes de deterioro propios que le afectan (agua de la lluvia, viento, radiación solar¿), por otro, por la propia característica constructiva, y por último, por causas traumáticas. Su carácter será decorativo, funcional, o bien ambos. El carácter decorativo responde a la intencionalidad de ciertos estamentos de demostrar su poder frente al resto. La funcionalidad de estas decoraciones variará a lo largo de la historia. Desde una función comercial o publicitaria a crítica social o política con el nacimiento del graffitti. Pero además la funcionalidad de estas, no es sólo una reivindicación, es también una funcionalidad arquitectónica de los edificios. La pintura mural en exteriores es una piel que recubre la edificación, es una parte más de la arquitectura que la sustentan. Ésta es el método de protección de los materiales que conforman el edificio. Son una barrera de defensa frente a los agentes medioambientales que atacan a una edificación. Los diferentes estratos con las que se conforman son el medio de protección de los materiales internos de construcción. La función estética por tanto se une a la funcional. En los últimos años asistimos a una preocupación cada vez mayor por este tipo de decoraciones, realizándose estudios y recuperaciones de muchas de ellas, creándose planes de conservación de las fachadas, y proyectos de restauración. Este estudio pretende analizar uno de los procesos de actuación dentro de las restauraciones que se llevan a cabo en pinturas murales situadas en exterior, la reintegración cromática. Esta difiere de aquellas situadas en el interior en la metodología que se emplea. Por un lado, la aplicación del color es similar a la que podemos encontrar en pinturas resguardadas. Pero por otro lado la situación de estas pinturas hace que sea necesario un complemento que las haga más fuertes. Este complemento es lo que se conoce como hidrofugante o protectivo. Tradicionalmente el método de reintegración cromática de muchas pinturas murales situadas en exterior, no ha existido, ya que cuando estas estructuras pictóricas se encontraban pérdidas eran sustituidas por unas nuevas, o simplemente encaladas y ocultadas. No será hasta la segunda mitad del siglo XX cuando la industria química desarrolle productos que serán llevados al campo de la restauración de las pinturas murales. Esta tesis doctoral se estructura en dos grandes bloques. El primero hará un repaso por la situación real de las diferentes pinturas murales que podemos encontrar en los exteriores, prestando especial atención al caso valenciano. Se revisarán las técnicas de realización más empleadas en la pintura mural en exteriores, así como los agentes de deterioro que provocan su actual estado de conservación. Por último se realizará una revisión a dos conceptos teóricos que afectan de manera importante a la reintegración cromática, la legibilidad y la reversibilidad. El segundo bloque se centra en los métodos de reintegración cromática que actualmente son empleados en fachadas policromadas. Se ha diseñado un estudio experimental en base a una serie de probetas para comprobar cómo las técnicas y los protectivos/hidrofugantes, más empleados, se comportan tras ser sometidas a un ciclo de envejecimiento natural de un año, en los cuales se han analizado cuatro parámetros físicos que ayudan a comprender su estabilidad: los cambios colorimétricos existentes, las variaciones de absorción de agua y resistencia a la abrasión mecánica y a la transferencia química de color por frotado (TQF). / [CAT] Fins ara són pocs els estudis que s'han centrat en la pintura de façanes en Espanyes. La mala conservació d'aquestes, i la desaparició de moltes d'elles, sumat a la poca investigació que aquest tipus de béns patrimonials han tingut, plantegen avui en dia un estat de la qüestió limitat i fragmentat d'aquestes. Aquesta mala conservació ve donada per una banda, pels agents de deteriorament propis que l'afecten (aigua de la pluja, vent, radiació solar ...), de l'altra, per la pròpia característica constructiva, i finalment, per causes traumàtiques. El seu caràcter serà decoratiu, funcional, o bé tots dos. El caràcter decoratiu respon a la intencionalitat de certs estaments de demostrar el seu poder davant la resta. La funcionalitat d'aquestes decoracions variarà al llarg de la història. Des d'una funció comercial o publicitària a crítica social o política amb el naixement del graffitti. Però a més la funcionalitat d'aquestes, no és només una reivindicació, és també una funcionalitat arquitectònica dels edificis. La pintura mural en exteriors és una pell que recobreix l'edificació, és una part més de l'arquitectura que la sustenten. Aquesta és el mètode de protecció dels materials que conformen l'edifici. Són una barrera de defensa davant els agents mediambientals que ataquen a una edificació. Els diferents estrats amb què es conformen són el mitjà de protecció dels materials interns de construcció. La funció estètica per tant s'uneix a la funcional. En els últims anys assistim a una preocupació creixent per aquest tipus de decoracions, realitzant estudis i recuperacions de moltes d'elles, creant-se plans de conservació de les façanes, i projectes de restauració. Aquest estudi pretén analitzar un dels processos d'actuació dins de les restauracions que es duen a terme en pintures murals situades en exterior, la reintegració cromàtica. Aquesta difereix d'aquelles situades a l'interior en la metodologia que es fa servir. D'una banda, l'aplicació del color és similar a la que podem trobar en pintures protegides. Però d'altra banda la situació d'aquestes pintures fa que sigui necessari un complement que les faci més fortes. Aquest complement és el que es coneix com hidrofugant o protector. Tradicionalment el mètode de reintegració cromàtica de moltes pintures murals situades en exterior, no ha existit, ja que quan aquestes estructures pictòriques es trobaven pèrdues eren substituïdes per unes de noves, o simplement emblanquinades i ocultades. No serà fins a la segona meitat del segle XX quan la indústria química desenvolupi productes que seran portats al camp de la restauració de les pintures murals, molts d'ells amb la idea que aquests materials eren immortals. Aquesta tesi doctoral s'estructura en dos grans blocs. El primer farà un repàs per la situació real de les diferents pintures murals que podem trobar en els exteriors, prestant especial atenció al cas valencià. Es revisaran les tècniques de realització més emprades en la pintura mural en exteriors, així com els agents de deteriorament que provoquen el seu actual estat de conservació. Finalment es realitzarà una revisió a dos conceptes teòrics que afecten de manera important a la reintegració cromàtica, la llegibilitat i la reversibilitat. El segon bloc se centra en els mètodes de reintegració cromàtica que actualment són emprats en façanes policromades. S'ha dissenyat un estudi experimental en base a una sèrie de provetes per comprovar com les tècniques i els protectors / hidrofugants, més empleats, es comporten després de ser sotmeses a un cicle d'envelliment natural d'un any, en els quals s'han analitzat quatre paràmetres físics que ajuden a comprendre la seva estabilitat: els canvis colorimètrics existents, les variacions d'absorció d'aigua i resistència a l'abrasió mecànica ia la transferència química de color per fregat (TQF). / Juan Baldó, JM. (2016). REINTEGRACIÓN DE PINTURAS MURALES EXTERIORES: ESTUDIO Y VALORACIÓN DE SISTEMAS Y MATERIALES [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61474 / TESIS

[EN] This research project has its origins in a reflection of the nature of painting, from its phenomenological base. It is carried out through the observation of the work of other contemporary artists and through the lived experiences and experiments in the Painting Workshop of the University of Puerto Rico. It is not centered around a determined period, artist or on a style or particular movement, but rather in permanent communication with the concepts of presence and absence, non-visibility and traces. An artistic practice is developed accompanied by a theoretical reflection that constructs an imaginary from the perhaps insignificant, the transfiguration of the rest, the invisible gesture, leftovers, and designed marks. Likewise, artists that have preferred invisibility to presence, prone to eliminating instead of adding, those that are suggesting instead of saying, will be examined. The research intends to look at painting processes in which the physical intervention of the painter is minimal or non-existent, in which the suggestions of presence or a pictorial event receive an archaeological treatment, in which painting escapes conventional language to receive new meanings, based on the intertwining of fragments, of instants, of the precariousness of representation and finally, a reflection on the place occupied by painting in contemporary times. KEY WORDS: PAINTING, PRESENCE, ABSENCE, TRACE, MARK. / [ES] Esta investigación tiene su origen en una reflexión sobre qué es la pintura desde su base fenomenológica, a través de la observación de trabajos de otros artistas contemporáneos y a través de las vivencias y experimentos en el Taller de Pintura de la Universidad de Puerto Rico. Ésta no se centra en un determinado período, artista o en un estilo o movimiento en particular, sino en una comunicación permanente con los conceptos de presencia y ausencia, no visibilidad y huella. Se desarrolla una práctica artística y una reflexión teórica que pretende construir un imaginario desde el acaso insignificante, de la trasfiguración del resto, del gesto invisible, de las sobras y marcas al designio. Asimismo, se examinarán artistas que han preferido la invisibilidad a la presencia, eliminar a añadir, sugerir en vez de decir. Lo que pretendemos investigar son los procesos pictóricos en los que la intervención física del pintor es mínima o nula, en los que los indicios de una presencia o acontecimiento pictórico reciben un tratamiento arqueológico, en los que la pintura se escapa de su lenguaje convencional para recibir nuevos significados a partir de la costura de fragmentos, de instantes, de la precariedad en la representación y, finalmente, una reflexión sobre el lugar que ocupa la pintura en la contemporaneidad. / [CAT] Aquesta recerca té l'origen en una reflexió sobre què és la pintura des de la seua base fenomenològica, a través de l'observació de treballs d'altres artistes contemporanis i a través de les vivències i els experiments en el Taller de Pintura de la Universitat de Puerto Rico. Aquesta no se centra en un determinat període, artista o en un estil o moviment en particular, sinó en una comunicació permanent amb els conceptes de presència i absència, no visibilitat i empremta. Es desenvolupa una pràctica artística i una reflexió teòrica que pretén construir un imaginari des del per ventura insignificant, de la transfiguració de la resta, del gest invisible, de les sobres i marques al designi. Així mateix, s'examinaran artistes que han preferit la invisibilitat a la presència, eliminar a afegir, suggerir en comptes de dir. El que pretenem investigar són els processos pictòrics en els quals la intervenció física del pintor és mínima o nul·la, en els quals els indicis d'una presència o esdeveniment pictòric reben un tractament arqueològic, en els quals la pintura s'escapa del seu llenguatge convencional per a rebre nous significats a partir de la costura de fragments, d'instants, de la precarietat en la representació i, finalment, una reflexió sobre el lloc que ocupa la pintura en la contemporaneïtat. PARAULES CLAUS: PINTURA, PRESÈNCIA, ABSÈNCIA, EMPREMTA, MARCA. / Ramos Paes De Carvalho, F. (2016). Marcas y Restos: Presencia y Ausencia en la Pintura Contemporánea. Una aproximación desde la práctica personal [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/68488 / TESIS

The concept enlargement of format refers to the technique of extending the support of an easel painting as well as its compositional space, to simiulated a continuity with the original painting. These practices arose in the 16th century, although they had a greater development from the 17th century, motivated for divese reasons, mainly by the adaptation to a period style or by the adaptation to a new exhibition space. The enlargements can be originals (made it by the painter himself or by another person with his authoritation) or no originals. This doctoral thesis focuses on the problem of conservation-restauration and presentation of pictorial heritage with non-original enlargements. Together with the original nucleus of the work, these additions form a unit with new values and, therefore, a new document that can have great material and historical relevance. Enlargements of support are considered historical additions with a huge documentary burden, so making decisions about their conservation is a great responsibility. The problem of these extensions lies, on the one hand, in the perceptual alterations that cause when the composition-format relationship is modified and, on the other hand, in the physical alterations, since the materials are not always related, being able to arise all type of tensions. As a result of the difficulty in solving which values prevail in the preservation of the addition, the need arises to analyze the work in depth and to elaborate some guidelines that facilitate the decision making. For a correct decision making it is vital to study the background, to know the function for which they were enlarged, to analyze the degree of visual alteration that the enlargement has supposed, etc. All this will determine the new values of the expanded work, an essential factor for decision making. In addition, it is necessary to take into account that the final decision should not only be adequate at the time it is made, but also consider the future impact that such choice will have. In this doctoral thesis a methodology is proposed for the decision making regarding the conservation of enlarged works. With this protocol it is possible to analyze how the different factors and values involved in the conservation of the work affect, finally, to obtain a solution in terms of the conservation and presentation of the painting that is the most satisfactory possible for the parties involved. / El concepto ampliación de formato se refiere a la técnica de ampliar el soporte de una pintura de caballete y también su espacio compositivo, simulando una continuidad con la obra original. Estas prácticas surgieron en el siglo XVI, aunque tuvieron un mayor desarrollo a partir del s. XVII, motivadas por diversas causas, principalmente por la adaptación al estilo de una época o por adecuación a un nuevo espacio expositivo. Las ampliaciones pueden ser originales (realizadas por el pintor o por otra persona con su autorización) o no originales. Esta tesis doctoral se centra en el problema de la conservación-restauración y presentación del patrimonio pictórico con ampliaciones no originales. Dichos añadidos pasan a formar, junto con el núcleo original de la obra, una unidad con nuevos valores y, por tanto, un nuevo documento que puede llegar a tener una gran relevancia material e histórica. Las ampliaciones de soporte son consideradas aditamentos históricos con una enorme carga documental, por lo que la toma de decisiones acerca de su conservación supone una gran responsabilidad. La problemática de estas ampliaciones radica, por una parte, en las alteraciones perceptuales que causan al modificarse la relación composición-formato y, por otra, en las alteraciones físicas, ya que los materiales no siempre son afines, pudiendo surgir todo tipo de tensiones. A raíz de la dificultad para resolver qué valores priman en la conservación del añadido, surge la necesidad de analizar la obra en profundidad y elaborar unas pautas que faciliten la toma de decisiones. Para una correcta toma de decisiones es de vital importancia estudiar los antecedentes, conocer la función para la que fueron ampliadas, analizar el grado de alteración visual que la ampliación ha supuesto,etc. Todo ello va a determinar los nuevos valores que posee la obra ampliada, factor esencial para la toma de decisiones. Además, es necesario tener en cuenta que la decisión final no sólo debe ser adecuada en el momento en que se efectúa, sino que también hay que considerar el impacto futuro que tendrá dicha elección. En esta tesis doctoral se propone una metodología para la toma de decisiones respecto a la conservación de obras ampliadas. Con este protocolo se puede analizar cómo afectan los distintos factores y valores implicados en la conservación de la obra para, finalmente, obtener una solución en cuanto a la conservación y presentación de la pintura que sea lo más satisfactoria posible para las partes implicadas. / El concepte ampliació de format es refereix a la tècnica d'ampliar el suport d'una pintura de cavallet i també el seu espai compositiu, simulant una continuïtat amb l'obra original. Aquestes pràctiques van sorgir al segle XVI, tot i que van tenir un major desenvolupament a partir del s. XVII, motivades per diverses causes, principalment per l'adaptació a l'estil d'una època o per adequació a un nou espai expositiu. Les ampliacions poden ser originals (realitzades pel pintor o per una altra persona amb la seva autorització) o no originals. Aquesta tesi doctoral se centra en el problema de la conservació- restauració i presentació del patrimoni pictòric amb ampliacions no originals. Aquests afegits passen a formar, juntament amb el nucli original de l'obra, una unitat amb nous valors i, per tant, un nou document que pot arribar a tenir una gran rellevància material i històrica. Les ampliacions de suport són considerades additaments històrics amb una enorme càrrega documental, de manera que la presa de deci-sions sobre la seva conservació suposa una gran responsabilitat. La problemàtica d'aquestes ampliacions rau, d'una banda, en les alteracions per-conceptuals que causen en modificar la relació composició-format i, per una altra, en les alteracions físiques, ja que els materials no sempre són afins, podent sorgir tot tipus de tensions. Arran de la dificultat per resoldre quins valors prevalen en la conservació de l'afegit, sorgeix la necessitat d'analitzar l'obra en profunditat i elaborar unes pautes que facilitin la presa de decisions. Per a una correcta presa de decisions és de vital importància estudiar els antecedents, conèixer la funció per la qual van ser ampliades, analitzar el grau d'alteració visual que l'ampliació ha suposat, etc. Tot això va a determinar els nous valors que posseeix l'obra ampliada, factor essencial per a la presa de decisions. A més, cal tenir en compte que la decisió final no només ha de ser adequada en el moment en què s'efectua, sinó que també cal considerar l'impacte futur que tindrà aquesta elecció. En aquesta tesi doctoral es proposa una metodologia per a la presa de decisions respecte a la conservació d'obres ampliades. Amb aquest protocol es pot analitzar com afecten els diferents factors i valors implicats en la conservació de l'obra per, finalment, obtenir una solució pel que fa a la conservació i presentació de la pintura que sigui el més satisfactòria possible per a les parts implicades. / López Bonilla, AI. (2017). LAS AMPLIACIONES DE FORMATO EN PINTURA DE CABALLETE [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90464 / TESIS

En los últimos años hemos vivido la aparición de nuevas tecnologías como la fotografía digital, así como los software y hardware para su tratamiento y reproducción. Estos recursos no han pasado desapercibidos para la disciplina de la restauración, introduciéndose poco a poco en algunas de sus intervenciones. En la actualidad, estas herramientas informáticas han abierto un campo de posibilidades infinitas en la reintegración cromática y están siendo utilizadas para la manipulación y el tratamiento digital de restos originales y de sus referencias históricas. Las ventajas que ofrecen son evidentes, ya que además de poder simular y concretar previamente la reconstrucción en entornos virtuales, permiten materializarla sobre el original de forma exacta, objetiva y sin errores. A pesar de los avances hechos hasta el momento, todavía existen algunas limitaciones en la fase de representación de la imagen impresa sobre el original. Como solución alternativa a los procedimientos actuales, esta tesis propone utilizar de forma directa los sistemas de impresión inkjet. Para conseguir demostrar la viabilidad de la propuesta, se han realizado una serie de prototipos de impresión directa. A partir de estas primeras experiencias de adaptación, se han desarrollado soluciones robotizadas optimizadas que ilustran virtualmente el concepto de lo que se busca conseguir: adaptar los dispositivos de impresión a cualquier tipología de superficie para reconstruir directamente las pérdidas pictóricas de una obra. Además, se han realizado una serie de pruebas de impresión sobre superficies murales que acreditan las ventajas de utilizar directamente los sistemas de impresión inkjet en la reconstrucción de originales. / Blanco-Moreno Pérez, FJ. (2014). RECONSTRUCCIÓN DE PINTURA MURAL MEDIANTE IMPRESIÓN DIRECTA CON SISTEMAS INKJET ROBOTIZADOS [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/37985 / TESIS

Presentem les figures del Mestre de Sixena (Aragó) i el Mestre d’Alzira (València). En les investigacions per a obtenir el Diploma d’Estudis Avançats ens vam dedicar a la figura del Mestre de Sixena, veient-hi algunes relacions estilístiques i formals amb el Mestre d’Alzira. Ens trobem davant dos pintors del segle XVI, dels quals només s’han fet breus estudis parcials, a partir d’alguna taula atribuïda al seus pinzells. L’aportació que es realitza rau en proposar una mirada inèdita, global i complerta, un estudi rigorós i profund, tant de la seva trajectòria vital com de la professional. És molt interessant aprofundir en l’estudi concret d’aquests dos mestres i de la seva producció, però sempre tenint en compte tots aquells factors espacio-temporals que hi puguin intervenir, ja que cada obra artística és fruit també del seu país o context social, i del seu temps i de tots aquells elements externs, que per diverses raons hi puguin influir –condicionants econòmics, socials, polítics, etc,.–. A través de la bibliografia i d’un material visual acurat i seleccionat hem realitzat una important tasca d’immersió en la pintura del Renaixement, centrant-nos fonamentalment en la Corona d’Aragó. / Presentamos aquí las figuras del Maestro de Sijena (Aragón) y del Maestro de Alcira (Valencia). En las investigaciones para obtener el Diploma de Estudios Avanzados nos dedicamos a la figura del Maestro de Sijena, viendo algunas relaciones estilísticas y formales con el Maestro de Alzira. Nos encontramos delante de dos pintores del siglo XVI, de los que sólo se han realizado estudios parciales, a partir de alguna obra atribuida a sus pinceles. La aportación que se realiza radica en proponer una mirada inédita, global y completa, un estudio riguroso y profundo de su trayectoria vital y profesional. Es muy interesante profundizar en el estudio concreto de estos dos maestros y de su producción, pero siempre teniendo en cuenta todos aquellos factores espacio-temporales que puedan intervenir, ya que cada obra artística es fruto también de su país o contexto social, y de su tiempo y de todos aquellos elementos externos, que por diversas razones puedan influir –condicionantes económicos, sociales, políticos, etc. –. A través de la bibliografía y de un material visual cuidado y seleccionado hemos realizado una importante tarea de inmersión en la pintura del Renacimiento, centrándonos fundamentalmente en la Corona de Aragón. / We present here Sixena's Master (Aragon) and Alzira's Master (Valencia). In the research carried out for Diploma d’Estudis Avançats, we focused on Sixena's Master and established stylistic and formal relations with Alzira's Master. We are in front of two painters from the 16th century who have only been studied partially through works of art attributed to their painting. The contribution being made lies in offering an unprecedented, global vision, a rigorous and deep study, both, from their lives and professional careers. It's very interesting to penetrate into the concrete study of these two masters and their production, but always bearing in mind all those spatial and temporary factors that could intervene in their work, since any artistic work is also the fruit of its country and social context, and of its time and all those external elements, that, for different reasons, could influence them - economic, social, political, etc. In the bibliography and the careful and selected visual material presented, we have carried out an important task of dip in the painting of the Renaissance, centring fundamentally on the Wreath of Aragon.