This document examines the compositional style of Johann Mattheson's passion, Das Lied des Lammes. Specifically, this document will examine the stile recitativo of Italian opera seria in Hamburg during Mattheson's years at the Domkirche. Mattheson's ideas regarding the role of the recitative in his passions are verified in Mattheson's article entitled "Des fragenden Componist" (1724), which appeared in the fifth volume of his journal Critica Musica, thus giving clear evidence supporting a non-emotional approach with the evangelist recitatives. These new approaches found in Critica Musica, derived from Italian opera in connection with Mattheson's writings, are in comparison to the musical devices in recitatives used by Mattheson's predecessors Schutz, Bernhard, Theile, and Keiser. The results of these comparisons show a natural progression of stylistic changes in recitatives in passion settings up to Mattheson's years at the Domkirche in Hamburg.

Esta dissertação tem como objetivo analisar o pensamento de Mário de Andrade sobre o processo de criação da canção a partir da manifestação popular. O texto nasce como reflexão parcial do ensaio sobre as Treze canções de amor (1936-1937), de Camargo Guarnieri, iniciado por Mário de Andrade em 1944. Para pesquisarmos a evolução expressiva da canção, estabelecemos um diálogo com os textos do musicólogo, de modo a pontuar três aspectos principais sobre a criação: a gênese a partir do gesto, o desenvolvimento através do recitativo e a concepção formal organizada pelo ritmo. Por fim, analisamos em que medida Mário de Andrade poderia identificar no processo de criação de Chico Antônio, em Vida do cantador, uma possibilidade de compreender melhor a natureza e o propósito do princípio da criação a partir das manifestações primitivas da expressão artística. / The objective of this dissertation is the analysis of Mário de Andrade´s thought about the creation process from the popular manifestation. The text arises as a partial contemplation on the essay about the Thirteen love songs (Treze canções de amor), composed by Camargo Guarnieri, sketched by Mário de Andrade in 1944. In order to research the evolution of the artistic expression a dialogue has been established with the writings of the musicologist so that we can note three aspects of the creation: the genesis from the primitive gesture, the development through the recitative and the conception of the form through the rhythm. Finally, it has been analyzed how far Mário de Andrade could identify at the creation process of Chico Antônio (Vida do cantador) a possibility to understand better the nature and the purpose of the artistic creation from the primitive manifestation of the artistic expression.

Zugl.: Karlsruhe, Pädag. Hochsch., Diss., 2007

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente. / O presente trabalho apresenta uma análise de Chacona, Recitativo e Fuga (2005) para piano de Almeida Prado. Buscou-se encontrar elementos que dão coerência à obra como um todo, analisando a estrutura da obra, seus aspectos melódico, rítmico e harmônico, verificando a existência de padrões ou elementos recorrentes. A Cartilha Rítmica para piano (2005) de Almeida Prado, e Twentieth Century Fugue (1962) de Graves Jr., foram utilizados como referenciais teóricos. Foi verificada também, a relação da Chacona, Recitativo e Fuga com o Prelude, Choral and Fugue (1884) de César Franck, na qual foi inspirada, assim como com duas outras obras do mesmo compositor (Recitativo e Fuga, de 1968, e Haendelphonia, de 1991). Através desta análise foi possível concluir que a linguagem musical de Almeida Prado enfatiza a manipulação rítmica e contrapontística, além do uso de elementos recorrentes na construção de um discurso coerente.

Esta dissertação tem como objetivo analisar o pensamento de Mário de Andrade sobre o processo de criação da canção a partir da manifestação popular. O texto nasce como reflexão parcial do ensaio sobre as Treze canções de amor (1936-1937), de Camargo Guarnieri, iniciado por Mário de Andrade em 1944. Para pesquisarmos a evolução expressiva da canção, estabelecemos um diálogo com os textos do musicólogo, de modo a pontuar três aspectos principais sobre a criação: a gênese a partir do gesto, o desenvolvimento através do recitativo e a concepção formal organizada pelo ritmo. Por fim, analisamos em que medida Mário de Andrade poderia identificar no processo de criação de Chico Antônio, em Vida do cantador, uma possibilidade de compreender melhor a natureza e o propósito do princípio da criação a partir das manifestações primitivas da expressão artística. / The objective of this dissertation is the analysis of Mário de Andrade´s thought about the creation process from the popular manifestation. The text arises as a partial contemplation on the essay about the Thirteen love songs (Treze canções de amor), composed by Camargo Guarnieri, sketched by Mário de Andrade in 1944. In order to research the evolution of the artistic expression a dialogue has been established with the writings of the musicologist so that we can note three aspects of the creation: the genesis from the primitive gesture, the development through the recitative and the conception of the form through the rhythm. Finally, it has been analyzed how far Mário de Andrade could identify at the creation process of Chico Antônio (Vida do cantador) a possibility to understand better the nature and the purpose of the artistic creation from the primitive manifestation of the artistic expression.

Jules Massenet's mélodies feature a distinct vocal treatment regarding musical prosody through his eight song cycles, including Poëme d'Avril, Poëme Pastoral, Poëme du Souvenir, Poëme d'Amour, Poëme d'Hiver, Poëme d'un Soir, and Quelques Chansons Mauves, and a collection, Expressions Lyriques. These mélodies show the influence of the trend of salon music and the high-level poetry from the poetic movements of romanticism, Parnassianism, and symbolism. This study deals with Massenet's mélodies relating to the prosody idea, which is conspicuous in his vocal treatment. His melodic styles feature four distinct aspects of vocal treatment including lyrical, recitative or parlando, melodramatic, and déclamation rhythmée, and represent the idea of musical prosody of phonetic, syntactic, and semantic aspects. Massenet's other musical idioms such as harmony, form, and piano treatment, are also closely related to the prosody matter as a semantic aspect, reinforcing the poetic mood and content. In this study, each melodic style related to French versification is examined in detail. The musical analysis regarding the other musical idioms on selected examples presents the semantic feature of prosody idea. The brief review of French versification and opinions regarding the performance are included. Massenet's contribution to the genre of mélodie, with the prose melody and treatment of piano as an equal partner of voice line, is clearly demonstrated. With this contribution, Massenet should be recognized as the most influential composer to the climatic time of French mélodie led by Fauré, and Debussy, and Duparc.

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The objective of this dissertation, inspired by performance experience, was to establish the similarities in the use of recitative style in the music of Claudio Monteverdi and Giuseppe Verdi. To achieve this objective, their use of recitative style was examined through comparative analysis of four scenes from their operas: “Arianna's Lament” from L'Arianna and “Disprezzata regina” from L'incoronazione di Poppea by Monteverdi, and “Condotta ell'era in ceppi” from Il trovatore and “Judgment Scene” from Aida by Verdi. The examination of the similarities included a discussion of the following: (a) the historical influences and cultural backgrounds of the composers; (b) general similarities in their compositional approaches to recitative style; (c) comparable characteristics of the dramatic recitative style in the early Baroque monody and in Verdi's operas; (d) similarities in musical characterization and expression of affective and emotional content through stylistic musical devices; (e) similarities in the composers' approaches to vocal and acting issues with special emphasis on the problems of diction; and (f) some related performance-practice issues. A discussion of the poetic lament and the influence of its form and content on musical setting was also a part of this research. The comparative research revealed numerous similarities in the historical circumstances influencing Monteverdi's and Verdi's choice of musical styles; their motivation; formal and stylistic characteristics of their dramatic recitative scenes; their choice of libretto; their use of the elements of lament; their musical treatment of emotional content of the text; and their prerogatives in vocal and acting issues. Numerous similar characteristics were also established regarding vibrato, tempo, rhythm, and ornamentation in the performance practice of the early Baroque recitative soliloquy and Verdi's dramatic recitative scenes. The similarities of the four scenes' functions, topics, form, and characterization through devices of musical style indicated a fundamental continuity in the development of Italian opera from its inception to the end of the nineteenth century.