This thesis investigates the injunction to experiment in the social sciences and, more specifically, geography. This is both a geography of certain ways of thinking experiment, and an exploration of how particular strands of geographical thinking are being re-imagined and reworked as experimental under the influence of ideas and practices from within and beyond the discipline. Against the backdrop of recent debates about the status of experiment, it poses a number of key questions about what it means to be experimental, how experimental practices emerge and travel, and how these processes are inflected by the organization and atmospheres of particular sites of experimentation. These questions are addressed through a form of attentive participation at four key sites: The SenseLab and the Topological Media Lab in Montreal, the Institut für Raumexperimente in Berlin, and FoAM in Brussels. Based upon these encounters, and drawing upon the work of a range of exemplary experimentalists, the thesis develops the argument that there are new spaces of experiment which are worthy of such examination as part of a renewal of experimentation within geographical thinking. As such, the thesis outlines the logics of these forms of experiment and proposes the notion of ecologies of experiment. It also speculates on the possibilities for re-imagining what constitutes a geographical experiment, foregrounding the necessity of reactivating experiment as an ongoing ethos that needs careful cultivation and tending.

Au croisement des sciences sociales et du cinéma, de la recherche et de la pratique artistique, cette thèse comprend deux volets : un film et un texte.Tourné au cours d'une recherche de cinq années en immersion dans les quartiers populaires de la ville des Mureaux, à proximité de l'usine Renault de Flins, le film De cendres et de braises (long-métrage documentaire) propose un portrait, à la fois sensible et politique, de cette banlieue ouvrière en mutation. Allant à la rencontre de ses habitants, il nous invite à écouter leurs paroles. Qu'elles soient douces, révoltées ou chantées, au pied des tours de la cité, à l'entrée de l'usine ou à côté d'un feu, celles-ci révèlent des subjectivités aussi bien intimes que politiques.Le texte, qui accompagne le film, contextualise le terrain de la recherche. Nourri du récit des habitants rencontrés, il revisite l'histoire de ces quartiers, à la croisée de l'histoire ouvrière, de l'immigration et de l'urbanisation. Il revient sur l'expérience et la fabrication du film, et notamment, sur la mise en scène de la parole et ses enjeux. Proposant une approche à la fois pratique et théorique du cinéma documentaire, cette recherche-création s'interroge ainsi sur les contours et les possibles d'un cinéma de recherche. Là où un « partage du sensible » (Rancière) pourrait permettre d'autres formes de politique. / At the intersection of social sciences and cinema, research and artistic practice, this PhD thesis has two components: a film and a text.Shot during a five years immersion research in the neighborhoods of Les Mureaux town (France), close to Renault factory in Flins, the film Ash and Ember (documentary feature film) offers a poetic and political portrait of this working-class suburb. Meeting his inhabitants, it invites us to listen to their words. Be it soft, rebellious or sung, down the buildings, at the entrance of the factory, or next to a fire, they reveal both intimate and political subjectivities.The text accompanying the film contextualizes the field of research. Nourished with life stories of Les Mureaux people, it revisits the history of these neighborhoods, at the crossroads of labor, immigration and urbanization history. It reviews the experience and the making of the film with the inhabitants, and in particular, the “mise en scène” of theirs words and its stakes.As a practical and theoretical approach of documentary filmmaking, this research-creation examines the contours and possibilities of a research cinema. When a "sharing of the sensitive"(Jacques Rancière) could allow other forms of politics.

In this thesis I explore writers and their writing practices as embodied, contingent, and affected by aesthetic environments and contemplative practices. I discuss contemplative practices as techniques for recognizing the co-dependent origination of the self/world, and as tools for disrupting the trifurcation of body, mind and word. I explore the written word’s role in the continuous production of new meaning, and as part of the continuous production of new “selves” for writers, and readers. I use narrative auto-ethnography to situate myself as a researcher, sensory ethnography and interviews to profile four practicing writers, and arts-informed Research-creation to document my own writing and contemplative practices. I also consider whether a post-pedagogy view of educational research might produce/allow space for more creative approaches to educational theorizing.

abstract: Given the profound influence that schools have on students’ genders and the existing scholarly research in the field of education studies which draws clear implications between practices of schooling and sanctioning and promoting particular gender subjectivities, often in alignment with traditional norms, I conduct a critical ethnography to examine the practices of gender in one eighth grade English language arts (ELA) classroom at an arts-missioned charter school. I do this to explore how ELA instruction at an arts charter school may provide opportunities for students to do gender differently. To guide this dissertation theoretically, I rely on the process philosophy of Erin Manning (2016, 2013, 2007) to examine the processual interactions among of student movement, choreography, materiality, research-creation, language, and art. Thus, methods for this study include field notes, student assignments, interviews and focus groups, student created art, maps, and architectural plans. In the analysis, I attempt to allow the data to live on their own, and I hope to give them voice to speak to the reader in a way that they spoke to me. Some of them speak through ethnodrama; some of them speak through autoethnography, visual art and cartography, and yet others through various transcriptions. Through these modes of analysis, I am thinking-doing-writing. The analysis also includes my thinking with fields – the fields of gender studies, qualitative inquiry, educational research, English education, and critical theory. In an attempt to take to the fields, I weave all of these through each other, through Manning and other theorists and through my ongoing perceptions of event-happenings and what it means to do qualitative research in education. Accordingly, this dissertation engages with the various fields to reconsider how school practices might conceive the ways in which they produce gender, and how students perceive gender within the school space. In this way, the dissertation provides ways of thinking that may unearth what was previously cast aside or uncover possibilities for what was previously unthought. / Dissertation/Thesis / Doctoral Dissertation Educational Leadership and Policy Studies 2019

In this thesis I explore writers and their writing practices as embodied, contingent, and affected by aesthetic environments and contemplative practices. I discuss contemplative practices as techniques for recognizing the co-dependent origination of the self/world, and as tools for disrupting the trifurcation of body, mind and word. I explore the written word’s role in the continuous production of new meaning, and as part of the continuous production of new “selves” for writers, and readers. I use narrative auto-ethnography to situate myself as a researcher, sensory ethnography and interviews to profile four practicing writers, and arts-informed Research-creation to document my own writing and contemplative practices. I also consider whether a post-pedagogy view of educational research might produce/allow space for more creative approaches to educational theorizing.

Cette thèse de doctorat en littérature et arts de la scène et de l’écran examine les écritures scéniques de la catastrophe humaine dans le théâtre contemporain. Elle explore les dynamiques qui sous-tendent la représentation de la barbarie au sein de formes spectaculaires marquées par une forte dimension visuelle. Divisé en deux volets – un premier, critique et un second, pratique –, le travail s’articule d’abord autour d’un corpus composé de trois spectacles : Kamp du collectif Hotel Modern, Rwanda 94 du Groupov et Rouge décanté signé par Guy Cassiers. En observant les oeuvres à la lumière de la complexité et en les abordant à l’aide d’une approche systémique,l’étude tente de révéler les mouvements – esthétiques, perceptifs et thématiques – qui animent ces écritures hétérogènes. La seconde partie de la thèse rend compte d’un processus d’expérimentation mené dans l’espace scénique. Ce dernier, consacré à esquisser une création artistique originale, questionne les mémoires occidentales du génocide des Tutsi du Rwanda.L’expérience pratique fait écho à plusieurs des problématiques soulevées par l’investigation critique et propose une autre forme de réflexion, menée directement sur le plateau. / This doctoral thesis in performing arts looks into scenic writings of human disasters incontemporary theatre. It examines dynamics underlying the representation of barbarism withinspectacular forms imprinted with a visual dimension. Split into two parts – a first one, critical anda second one, practical -, the work is firstly structured around a corpus composed of three shows :Kamp of the Hotel Modern group, Rwanda 94 of Groupov and Rouge décanté by Guy Cassiers.Through the observation of the works in the light of the complexity and by analysing it with asystemic approach, the study attempts to reveal the moves – aesthetic, perceptive and thematic –that drive these heterogeneous writings. The second part of the thesis deals with a process ofexperimentation led in the scenic space. The latter, dedicated to outline an original artisticcreation, questions occidental memories on the Tutsi genocide in Rwanda. The practicalexperience echoes back to several issues raised by the critical investigation and proposes anotherform of reflection, directly led on the stage.

Le cirque, qui combine des disciplines et des esthétiques des plus disparates et expose les corps dans des postures extrêmes, est un art composite et excessif : profondément hybride. Cette thèse, que nous consacrons plus spécifiquement aux scènes acrobatiques, entend étudier un processus de création en articulant théorie et pratique : celui de l’hybridation de l’acrobatie avec les arts du texte (écrit et parole) grâce à l’analyse d’un corpus de spectacles acrobatiques narratifs et parlés, créés entre 2004 et 2016 par des compagnies de cirque dans des espaces scéniques variés (chapiteau, rue ou scènes de théâtre) et qui mettent en scène des fictions. L’hybridation dont ces formes font l’expérience, assez rare sur des scènes circassiennes contemporaines françaises pourtant foisonnantes, nous permet d’approfondir l’étude de plusieurs questions qui animent la création acrobatique actuelle : celle de la poétique de l’acrobatie que sous-tend la quête des dramaturgies circassiennes, de la composition des formes, et par conséquent celle de l’auctorialité dans les formes acrobatiques. C’est bien le mouvement de transformation d’un art et des représentations qu’il véhicule que nous cherchons à saisir, ainsi que les présupposés qui sous-tendent l’affirmation de la légitimité du cirque sur les scènes contemporaines. Comment les transformations que le texte imprime à l’art vigoureux et fragile de l’acrobatie, et réciproquement, permettent-elles de repenser les modalités de composition d’une forme acrobatique ? Quelles visions du monde les acrobates ont-ils à partager ? Quels mondes à inventer et à représenter ? Le texte et la parole imposent de repenser les corporéités acrobatiques en même temps que les logiques de composition des créations : ils participent au renouvellement des scènes circassiennes qui affinent et affirment par ce biais leur point de vue sur le monde. / The circus, which combines the most disparate disciplines and aesthetics and exposes the bodies in extreme postures, is a composite and excessive art: deeply hybrid. Articulating theory and practice, this thesis devoted to acrobatic scenes intends to study process of creation: specifically the hybridization of acrobatics with the arts of text (writing and talking) based on a corpus of narrative and spoken acrobatic performances created between 2004 and 2016 by circus companies in various scenic spaces (tent, street or theater scenes) and which stages fictions. However this hybridization is quite rare in abounding French contemporary circus scenes, these scenic experiences has allowed us to deepen the study of several questions that animate nowadays acrobatic creation: poetics of acrobatics that underlies the quest for circus dramaturgies, composition of forms and consequently that of auctoriality in acrobatic forms. Indeed, this thesis aim to study the movement of transformation of an art and its representations, as well as the presuppositions that underlie the affirmation of the legitimacy of circus performances on contemporary scenes. How do the transformations, which the text imparts to the strong and fragile acrobatics arts, and vice versa, implies to rethink the composition modalities of an acrobatic show? What visions of the world do acrobats have to share? What worlds do they have to invent and represent? Text and speech impose to rethinking acrobatic corporeities along with the logic of the composition of the creations: they participate in the renewal of the circus scenes which refine and affirm their point of view on the world.

LIVE BED SHOW is an autoethnographic practice as research thesis exploring the apparent theoretical impossibility of reconciling the "unbridgeable gaps" of traumatic memory within autobiographical performance. Embracing an embodied poetics of failure, LIVE BED SHOW considers the possibility of employing the "ghosts" and "echoes" inherent to vinyl turntablism as a tool to represent traumatic memory in autobiographical performance. In doing so, it tests Karen Jürs-Munby's hypothesis that post-traumatic experience might share an affinity with the fragmented, non-linear, and repetitive structure of postdramatic performance.

Comment la mise en œuvre de processus biologiques et techniques, dialoguant au sein d’un dispositif artistique, contribue t-elle « en pratique » à l’élaboration d’un « milieu associé » nécessaire dans notre contexte technoscientifique actuel ?Notre identité, qui se définit dans une double expérience biologique et culturelle du monde (E. Morin), semble aujourd’hui mise en tension par l’existence d’un « milieu dis-socié » (B. Stiegler) fragilisant l’élaboration individuelle et collective. Dans son approche du vivant et de la technique, le contexte technoscientifique actuel favorise ce sentiment de discontinuité : malgré une proximité physique grandissante, les opérations qui rassemblent ces deux entités semblent en effet occulter l’expérience sensible et significative qu’elles suscitent. S’appuyant sur une pratique personnelle, mise en regard d’un état de l’art, cette thèse d’artiste envisage de soigner cette relation, en la mettant « à l’œuvre » au cœur du dispositif artistique : le « médium » artistique sera envisagé comme un « milieu associé » (G. Simondon) capable de lier forme et structure, éléments naturels et techniques, expériences physique et psychique.Par sa qualité à concilier action, matérialité, perceptibilité et signification, l’approche artistique du processus s’offre comme hypothèse de recherche choisie : Les œuvres-processus instaurent ainsi un dialogue opératoire et significatif entre des processus vitaux et techniques, constituant un corpus d’œuvres et de projets interdisciplinaires dans lesquelles scientifiques, ingénieurs et artistes collaborent. Parmi eux, une expérience d’apprentissage épigénétique intitulée Éducation à la danse pour 8 plantes Télégraphe, une recherche autour des stromatholites qui explore le caractère mythologique de la biominéralisation et l’esthétique du geste technique ; ou encore le Temporium, une sculpture-laboratoire créant des images vivantes et qui cristallise plusieurs aspects de ce travail de recherche : le passage de la recherche à l’œuvre, les contraintes d’un matériau vivant, le double défi technique et esthétique du projet et l’autonomie de l’œuvre en exposition. La description et l’analyse de cette recherche « par la pratique » serviront de terreau pour répondre à notre problématique, sous une forme plus théorique, abordant autant les enjeux esthétiques de l’œuvre-processus que les potentiels du contexte de recherche en art qui accompagne sa création.Par son esthétique du devenir, sa qualité de milieu physico-symbolique, l’œuvre-processus déploie une activité relationnelle qui contribue non-seulement à une expérience esthétique associante, mais ouvre aussi le lieu d’exposition à un nouveau rôle sociétal. Si elle apparaît initialement comme une contrainte, la technicité de l’œuvre-processus pourra être source d’individuation pour son praticien. Cette dimension instrumentale ouvre également des pistes de valorisation hors du champ artistique, aidée par le caractère interdisciplinaire des projets. Sur un plan plus immatériel, cet écosystème de recherche pluriel contribue aussi à l’expression d’une « singularité collective » et à l’élaboration d’une « fabrique du commun ». Néanmoins ponctuée d’échecs, cette recherche pointe ses fragilités en révélant certaines limites de l’artiste-chercheur face aux contraintes du milieu artistique actuel.Ce constat nous mènera à prendre en compte l’ « écologie » de ce projet, l’œuvre-processus apparaissant comme un support privilégié pour la création d’un système, visant à travailler ensemble les dimensions mentales, environnementales et sociales qui caractérisent l’expérience humaine. / How does the implementation of biological and technical processes, dialoguing in the context of an art 'dispositif', contribute in practice to the elaboration of an 'associated milieu' necessary to our current technoscientific context? Our identity, defined by both a biological and a cultural experience of the world (E. Morin) is today called into question with the existence of a 'dissociated milieu' (B. Stiegler) disrupting the individual and the collective construct. In it’s approach to the living and technology, the current technoscientific context favours a feeling of discontinuity. Despite a growing physical proximity, the process that brings together these two entities appears to be masking the sense and significant experiences they also provoke. Grounded within my artistic practice and put into the perspective of the state of the Arts, this artist doctoral thesis has as goal to heal this relationship, putting it “at work” at the heart of the artistic context: the artistic 'medium' will therefore be considered as an 'associated milieu' (G. Simondon) able to connect shape and form, natural and technical elements, mental and physical experiences.Thanks to its capacity to draw action, materiality, perceptibility and signification together, the artistic approach of the 'processus' is a research hypothesis of choice: the 'œuvres-processus' establish an operative and meaningful dialogue between life and technical processes, thus composing a corpus of interdisciplinary projects and works, in which scientists, engineers and artists collaborate. Among them, a learning experience based on epigenetics called 'Teaching Dance to 8 Telegraph Plants'; a research on the topic of stromatolites that explores the mythological aspect of biomineralization and the aesthetics of the technical gesture; or furthermore the 'Temporium', a sculpture-laboratory which creates living images and also brings together several aspects of this research: the transition from the research to the artwork, the constraints of a living material, the technical and aesthetic challenges of the project, and the autonomy of the exhibited work. The description and analysis of this practice-based research will serve as groundwork to tackle the issue raised here —in a more theoretical manner— meanwhile equally addressing the aesthetic stakes of the 'process-work' and the potentials of the research context in art that comes with its creation.Through its aesthetic of the becoming, its quality as a physical and symbolical medium, the 'process-work' unfolds a relational activity that contributes not only to an associating aesthetic experience, but also opens the exhibition space to a new societal role. Initially appearing as a constraint, the technicality of the work-process may become a source of individuation for its practitioner. This instrumental aspect opens additionally onto new opportunities outside the artistic field, eased by the interdisciplinary nature of the projects. On a more intangible level, this pluralistic research ecosystem also contributes to the expression of a 'collective singularity' and to the elaboration of a 'fabric of the common'. Nevertheless punctuated by unavoidable failures, this research uncovers as well its own weaknesses, by revealing certain limits the artist-researcher has when faced with the constraints the current artistic context presents.This analysis reveals the necessity to take into account the 'ecological’ aspect of this project, the 'process-work' appearing as a support of choice for the creation of a system, aiming to work together the mental, environmental and social dimensions that characterize the human experience.

I denna uppsats utforskas hur vi kan förstå och arbeta med materialet papper i gymnasieskolans bildämne på ett sätt som lyfter fram papprets materiella egenskaper, tillverkning, återvinning och hållbarhet. Med hjälp av research-creation som forskningsmetod organiseras sammanlagt nio forskningshändelser som vill öppna upp för olika praktiker och sätt att förstå papper i bildämnet. Forskningshändelserna analyseras med hjälp av en nymaterialistisk tolkningsram och med begreppen response-ability och materiell litteracitet. I studien synliggörs hur användningen av papper i bildundervisningen innefattas av en variation av olika slags papper, konstnärliga uttryckssätt och tekniker. I studien framkommer att förståelsen för papprets tillverkning, återvinning och hållbarhet försvåras då bildämnets genomgripande kursplan inte nämner eller tar upp dessa begrepp. Bildlärare och elevers intresse för papper kan dock skapa rum och förutsättningar för att moment som berör papprets tillverkning, återvinning och hållbarhet tas upp i bildundervisningen. Med hjälp av en nymaterialistisk ingång till en praktik med papper framträder hur olika substanser, kroppar och material samverkar i papprets materiella egenskaper och tillverkningsprocess. I denna praktik och förståelse synliggörs hur papper som material är process-baserad och relationell. I denna förståelse öppnas möjligheterna till att förstå och se kontakter och bindningar som finns mellan papper, material, växter och miljöer. Med hjälp av begreppet response-ability aktualiseras också etiska och moraliska frågor kopplade till praktiker med material och papper.