Juntoudeunisso investiga possíveis relações entre práticas cênicas desenvolvidas no ambiente escolar e procedimentos da produção artística contemporânea, mediante a reflexão sobre um projeto pedagógico realizado pela pesquisadora junto a crianças de quarta série do Ensino Fundamental, numa Instituição Educacional da Rede Privada de Porto Alegre. A análise entretece descrições de uma performance do artista Elcio Rossini e de duas intervenções urbanas elaboradas pelos alunos, depoimentos concedidos por algumas das crianças participantes e teorizações a partir de autores como Lehmann, Pupo e Desgranges, para citar alguns. Como marcas do trabalho, destacam-se: o caráter processual, a reflexão sobre o processo criativo, a radicalização da experiência de criar coletivamente, as aproximações com elementos presentes na denominada cena pós-dramática, o trânsito entre diferentes formas de expressão artística e a preocupação com o “lugar” do espectador na cena contemporânea. Ao refletir sobre questões motivadoras do projeto realizado, traçando relações entre propostas desenvolvidas na escola e conceitos presentes em investigações cênicas contemporâneas, o texto insere-se no debate sobre a presença do fazer teatral nas instituições escolares em geral. / Juntoudeunisso examines possible connections between scenic practices developed at the school environment and contemporary artistic productions by pondering over a pedagogical project developed by the researcher in a fourth grade group of a private elementary school in Porto Alegre. The analysis proposed by this research interweaves descriptions of an Elcio Rossini’s performance and two city interventions designed by the students, some students’ testimonials and theory based on Lehmann, Pupo, Desgranges, among others. Some highlighted features of this research are: the emphasis in the process, the radicalization of the collective creation experience, the connective tissue of postdramatic scene elements, the concern with the spectator’s role in the contemporary scene, the transition among different ways of artistic expression and the creative process reflection. This research is inserted in the debate about the presence of contemporary scenic investigations of the scenic practices in schools through reflection about some triggering questions of the project analyzed and through relating activities developed in school to concepts found in contemporary theatrical investigations.

Augusto Boal e José Celso Martinez Corrêa foram artistas que protagonizaram momentos de singular importância na história do teatro brasileiro nas décadas de 1960 e 1970. Apesar da significativa diferença no trabalho artístico entre os dois, eles transitam por categorias semelhantes e decisivas para aquela geração que deu novos rumos para a modernização do teatro no Brasil. Com este trabalho, buscou-se acompanhar as formulações estéticas e políticas dos dois diretores após o golpe civil-militar de 1964. Tomou-se como base a discussão sobre a fratura histórica ocasionada pela ditadura no campo da arte engajada e os impasses decorridos dela. A partir daí, a tese analisa alguns espetáculos, o tipo de trabalho criativo e principalmente o material teórico e reflexivo produzido por Boal e Zé Celso a partir de 1967, quando ambos iniciam um processo de reavaliação sobre as tentativas de resistência no campo de teatro político. A proposta foi de tentar compreender a linha de pensamento que leva-os até as formulações vanguardistas do começo da década de 1970, os caminhos de resistência e enfrentamento sugeridos por eles e, fundamentalmente, o tipo de travamento histórico que suas posições sofreram no Brasil. Por fim, o trabalho apresenta uma pesquisa sobre os anos de exílio de ambos, quando tiveram a chance de trabalhar em ambientes marcados por forte agitação social fora do país. Foi no exílio que as formulações de Boal e de Zé Celso ganharam novos sentidos críticos que, por sua vez, proporcionaram um ângulo diverso para compreender o trabalho realizado no Brasil entre 1964 e o começo da década de 1970. / Augusto Boal and José Celso Martinez Corrêa were artists who performed moments of singular importance in the history of Brazilian theater in the 1960s and 1970s. In spite of the significant difference between their artistic work, they moved through similar and decisive categories for that generation that gave new directions for the modernization of theater in Brazil. With this work, we sought to follow the aesthetic and political formulations of the two directors after the civil-military coup of 1964. The discussion was based on the historical fracture caused by the dictatorship in the field of the engaged art and the impasses that followed. From that point on, the thesis analyses some of the shows, the kind of creative work and, mainly, the theoretical and reflexive material produced by Boal and Zé Celso from 1967, when both began a revaluation process on attempts at resistance in the field of political theater . The proposal was to try to understand the line of thought that leads them to the avant-garde formulations of the early 1970s, the ways of resistance and confrontation suggested by them and, fundamentally, the type of historical locking that their positions suffered in Brazil. Finally, the paper presents a survey of the years of exile of both, when they had the chance to work in an environment marked by strong social unrest abroad. It was in exile that the formulations of Boal and Zé Celso gained new critical senses that, in turn, provided a diverse angle to understand the work done in Brazil between 1964 and the early 1970s.

Submitted by Fabiano Vassallo (fabianovassallo2127@gmail.com) on 2017-05-02T17:42:33Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) DISSERTAÇÃO CRUZADO, ALFONSO R.- MESTR.EST. DE LITERATURA.pdf: 1278583 bytes, checksum: 07ca09b8ee541ea95fd9d5882eb4e0e8 (MD5) / Approved for entry into archive by Josimara Dias Brumatti (bcgdigital@ndc.uff.br) on 2017-05-09T15:51:41Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) DISSERTAÇÃO CRUZADO, ALFONSO R.- MESTR.EST. DE LITERATURA.pdf: 1278583 bytes, checksum: 07ca09b8ee541ea95fd9d5882eb4e0e8 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-09T15:51:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) DISSERTAÇÃO CRUZADO, ALFONSO R.- MESTR.EST. DE LITERATURA.pdf: 1278583 bytes, checksum: 07ca09b8ee541ea95fd9d5882eb4e0e8 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Nesta dissertação serão analisados os conflitos derivados da articulação heterogeneidade-violência-modernização nos sainetes tragicômicos que vão de finais do século XIX até a terceira década do século XX. O recorte de “sainete tragicómico” surge da classificação de Osvaldo Pellettieri (2008) que inclui o sainete dentro de um microssistema teatral específico (1890-1930). Essa classificação serve para colocar o sainete em uma teoria geral do sistema teatral argentino como um subsistema teatral popular. Para conseguir o objetivo principal, em primeiro lugar, será feita uma apresentação do gênero sainete vinculando-o ao sistema teatral rio-platense e ao universo social em que surgiu, além de avaliar o estado da questão nos estudos sobre o mesmo. Em uma segunda instância, se aprofundará a análise, focalizando o tema da violência como violência sobre o popular entre as décadas de 1900-1930, abordando, primeiramente, o precursor mais importante do gênero, Nemesio Trejo (1862-1916). Dele, serão trabalhadas as peças Libertad de Sufragio (1894) e Los políticos (1897), procurando entender seu tratamento da violência política a partir dos trabalhos de David Viñas (1967; 1973; 1977; 1996) e Sirena Pellarolo (1997; 2010). Imediatamente depois, será trabalhado o problema da violência em Carlos Mauricio Pacheco (1881–1921) em três décadas diferentes; assim, se analisarão as peças Los disfrazados (1906), El cabaret (1914) e Los piratas (1923), vinculando violência e heterogeneidade (cultural, de gênero e de classe), baseado nos trabalhos críticos de Bosch (1969), Bossio (1966), Carella (1957), Dubatti (2012), Gallo (1958), Lena Paz (1961, 1962, 1963), Pellarolo (1997, 2010, 2011), Pelletieri (2002, 2008), Puccia (1993), Rama (1988, 1992) e Viñas (1973, 1986,1996,1997) / En esta disertación serán analizados los conflictos derivados de la articulación heterogeneidad-violencia-modernización, en los sainetes tragicómicos que van de finales del siglo XIX hasta la tercera década del siglo XX. El recorte de sainete tragicómico surge de la clasificación de Osvaldo Pellettieri (2008) que incluye al sainete dentro de un microsistema teatral específico (1890-1930). Esta clasificación sirve para colocar el sainete en una teoría general del sistema teatral argentino como un subsistema teatral popular. Para conseguir el objetivo principal, en primer lugar se hará una presentación del género sainete vinculándolo con el sistema teatral rioplatense y con el universo social en que surgió, además de evaluar el estado de la cuestión en los estudios sobre el mismo. En segunda instancia, se profundizará el análisis enfocando el tema de la violencia como violencia sobre lo popular entre las décadas de 1900-1930, abordando en primer lugar al precursor más importante del género, Nemesio Trejo (1862-1916). De él, serán trabajadas las piezas Libertad de Sufragio (1894) y Los políticos (1897), para entender su tratamiento de la violencia política a partir de los trabajos de David Viñas (1967; 1973; 1977; 1996) y Sirena Pellarolo (1997; 2010). Inmediatamente después será trabajado el problema de la violencia en Carlos Mauricio Pacheco (1881–1921) en tres décadas diferentes. Para eso, se analizaran las piezas Los disfrazados (1906), El cabaret (1914) y Los piratas (1923) vinculando violencia e heterogeneidad (cultural, de género y de clase), con base en los trabajos críticos de Bosch (1969), Bossio (1966), Carella (1957), Dubatti (2012), Gallo (1958), Lena Paz (1961, 1962, 1963), Pellarolo (1997, 2010, 2011), Pelletieri (2002, 2008), Puccia (1993), Rama (1988, 1992) y Viñas (1973, 1986,1996,1997)

Esta pesquisa busca, desde uma abordagem etnográfica e autoetnográfica, apresentar uma cartografia diacrônica do devir criativo e artístico do Grupo Teatro Escambray de Cuba, através das obras criadas a partir de pesquisas sobre as particularidades de seus espectadores (população camponesa) imersos em circunstâncias históricas, políticas, econômicas e geográficas que foram evoluindo e se modificando ao longo de cinquenta anos desde sua fundação em 1968 até 2018, e que dão mostra das distintas etapas do processo revolucionário levado a cabo na ilha caribenha desde 1959. O Grupo Teatro Escambray se tornou um marco no teatro cubano e no marco de teatro de grupo na América Latina por ter abandonado o contexto urbano como lugar de criação , para encarar a relação com um espectador não experimentado que vive no campo e que - no início de um período de mudanças no processo político de Cuba - enfrentou profundas contradições; uma nova maneira de criar que ecoou no chamado movimento de Teatro Nuevo na ilha e que dialogou com diferentes processos de criação em grupo que ocorreram na década de 1960 em países como Colômbia, Brasil, Uruguai e Argentina, entre outros. Esta cartografia diacrônica do Grupo Teatro Escambray foi abordada desde uma viagem íntima e pessoal da pesquisadora em uma espécie de intercambio e y retroalimentação donde tanto o objeto de estudo, como quem o estuda, experimentam as vicissitudes da mudança. / This research seeks, from an ethnographic and self-ethnographic approach, to present a diachronic cartography of the creative and artistic evolution of the Escambray Theater Group of Cuba, through the works created, from research on the particularities of its spectators (peasant population), with historical, political, economic and geographical circumstances that have evolved over fifty years since its founding in 1968 until 2018, which also show the different stages of the revolutionary process that has taken place on the Caribbean island since 1959. The Escambray Theater Group has marked a milestone within the Cuban theater and in the context of group theater in Latin America for having abandoned the urban context as a place of creation, to face the relationship with an inexperienced spectator who lives in the countryside and who - at the beginning of a period of changes within the political process of Cuba - faced deep contradictions; a new way of creating that echoed in what was called the New Theater movement on the island and that echoed with different group creation processes that took place in the 1960s in countries such as Colombia, Brazil, Uruguay and Argentina, among others. This diachronic cartography of the Escambray Theater Group has been approached from the intimate and personal journey of the researcher in a sort of exchange and feedback where both the object of study, and who studies it, experience the vicissitudes of change.

Esta pesquisa busca, desde uma abordagem etnográfica e autoetnográfica, apresentar uma cartografia diacrônica do devir criativo e artístico do Grupo Teatro Escambray de Cuba, através das obras criadas a partir de pesquisas sobre as particularidades de seus espectadores (população camponesa) imersos em circunstâncias históricas, políticas, econômicas e geográficas que foram evoluindo e se modificando ao longo de cinquenta anos desde sua fundação em 1968 até 2018, e que dão mostra das distintas etapas do processo revolucionário levado a cabo na ilha caribenha desde 1959. O Grupo Teatro Escambray se tornou um marco no teatro cubano e no marco de teatro de grupo na América Latina por ter abandonado o contexto urbano como lugar de criação , para encarar a relação com um espectador não experimentado que vive no campo e que - no início de um período de mudanças no processo político de Cuba - enfrentou profundas contradições; uma nova maneira de criar que ecoou no chamado movimento de Teatro Nuevo na ilha e que dialogou com diferentes processos de criação em grupo que ocorreram na década de 1960 em países como Colômbia, Brasil, Uruguai e Argentina, entre outros. Esta cartografia diacrônica do Grupo Teatro Escambray foi abordada desde uma viagem íntima e pessoal da pesquisadora em uma espécie de intercambio e y retroalimentação donde tanto o objeto de estudo, como quem o estuda, experimentam as vicissitudes da mudança. / This research seeks, from an ethnographic and self-ethnographic approach, to present a diachronic cartography of the creative and artistic evolution of the Escambray Theater Group of Cuba, through the works created, from research on the particularities of its spectators (peasant population), with historical, political, economic and geographical circumstances that have evolved over fifty years since its founding in 1968 until 2018, which also show the different stages of the revolutionary process that has taken place on the Caribbean island since 1959. The Escambray Theater Group has marked a milestone within the Cuban theater and in the context of group theater in Latin America for having abandoned the urban context as a place of creation, to face the relationship with an inexperienced spectator who lives in the countryside and who - at the beginning of a period of changes within the political process of Cuba - faced deep contradictions; a new way of creating that echoed in what was called the New Theater movement on the island and that echoed with different group creation processes that took place in the 1960s in countries such as Colombia, Brazil, Uruguay and Argentina, among others. This diachronic cartography of the Escambray Theater Group has been approached from the intimate and personal journey of the researcher in a sort of exchange and feedback where both the object of study, and who studies it, experience the vicissitudes of change.

Ao final do século XX, o teatro de pesquisa como prática artística tornou-se teatralmente verossímil, culturalmente aceitável e economicamente possível na cidade de São Paulo. Esta dissertação de mestrado procura investigar que condições possibilitaram a consolidação de tal expediente teatral. Uma geração de criadores jovens formados no final dos anos 1980 contribuiu para instaurar novos modos de produção cênica na cidade. Para realizar a análise da cena paulistana na década de 90 do século XX, detenho-me em dois grupos formados no período: o Teatro da Vertigem e a Cia. de Teatro Os Satyros. Analiso a trajetória de cada um dos grupos e busco evidenciar como contribuíram, cada um a seu modo, para a organização de determinadas práticas teatrais na capital paulistana: o Teatro da Vertigem como grupo originado na universidade, e a Cia de Teatro Os Satyros engajada na manutenção empresarial de suas atividades. Ao longo dos anos 1990 e 2000, foi elaborada uma estrutura de modo a assegurar o teatro da pesquisa: políticas de financiamento público; criação de universidades em artes cênicas; definição de uma agenda para pesquisa de linguagem... Experiência social e convenções teatrais misturaram-se, então, num sistema que se modifica constantemente, gerando novos padrões de criação e de produção artística. / At the end of the 20th century, the research theater as an artistic practice became theatrically plausible, culturally acceptable and economically viable in the city of São Paulo. This masters dissertation tries to investigate what were the conditions that enabled the consolidation of such theater resource. A generation of creators young people graduated at the end of the 1980s helped introduce new scenic production techniques in the city. To analyze the São Paulo scene in the last decade of the 20th century, I focus on two groups from the period: Teatro da Vertigem and Cia. de Teatro os Satyros. I analyze the trajectory of each group and try to show how they contributed, each in its own way, to the organization of certain theater practices in the capital city of São Paulo: the theater group Teatro da Vertigem, coming from the university environment, and the theater group Cia de Teatro os Satyros, engaged in the business management of its activities. Over the years 1990 and 2000, a structure was developed so that research could be done: public funding policies; creation of colleges in performing arts; definition of an agenda for language research and so on. Social experience and theatrical conventions were then combined to form a system that is continuously changing and generating new patterns of creation and artistic production.

Os trajes de cena estudados nesta pesquisa apresentam-se como elementos potenciais para a preservação da Memória do Teatro Brasileiro, especificamente do Teatro Paulistano. Busca-se demonstrar que cada traje pode ser peça fundamental na reconstrução de um espetáculo, o que permite traçar o percurso da História do Teatro. Cada traje de cena cria elementos materiais que podem constituir formas relativamente autônomas de arte, que se apresentam como ferramentas para a preservação da arte teatral e de seu caráter reconhecidamente efêmero. O foco de pesquisa é documentar a memória dos trajes de cena que compõem o figurino teatral, enquanto parte constituinte da encenação. Busca-se discutir a potencialidade de memória e comunicação dos trajes de cena de um recorte do teatro paulistano, demonstrando como o registro documental contribui para a construção da História do Teatro Brasileiro. São abordados os seguintes acervos: o conjunto de trajes do Teatro Lírico de Equipe; amostra do conjunto de trajes do acervo CAC/EAD e o conjunto de trajes do Teatro Popular do Sesi-SP. / Costumes are presented as potential registers for the preservation of the memory of the Brazilian Theater, more specifically the Theater in the city of São Paulo. The aim of this research is to demonstrate that each costume can become a key element for the reconstruction of the course of the history of Theater. Each costume creates material which can constitute forms of art, with certain autonomy. The costumes are presented as tools for the preservation of the art of Theater and its known ephemeral aspect. The main objective of this research is to document the memories of costumes as part of the Theater process. We discuss the potential memory and communication in \'Scene costumes\', which belong to a period of the Theater in São Paulo. It demonstrates that the registry of costumes, considered as documents, contributes for the construction of the history of Brazilian. Three collections will be presented on this work: costumes from Teatro Lírico de Equipe, part of the CAC/EAD\'s collection and the collection of Teatro Popular do Sesi-SP.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 77550.pdf: 1528021 bytes, checksum: b4fd8e931b49a466507efdcd89e8bd65 (MD5) Previous issue date: 2007-11-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study looks at theatre reception in the area of education. The focus of the investigation was the response of the audience to the performance Auto da Índia (Curitiba/PR): both by children of a public secondary school and adults who attended to one of its presentation. The understanding that theatre in education needs to balance the attention to the production and the reception is the main objective of this proposal. Studies of theories of reception were carried out in order to raise problems and questions. The Theory of the Aesthetic Reception, by Hans Herbert Jauss was identified as the key framework to the field work. The methodology included the analysis of former researches related to teachers training, interviews with director of the performance, and a questionnaire to gather the audience response to the presentation they had just attended. The concept of Horizon of Expectations was considered the key aspect of the data analysis. The concluding notes point both to the divergent readings of the performance by spectators with similar backgrounds, and to the role of the questionnaire to mediate the debate on reception in the classroom context. / Esta dissertação objetiva realizar um estudo sobre a recepção na área do ensino do teatro. Para a execução dela foi desenvolvida uma experiência sobre a recepção de uma peça teatral, envolvendo alunos da educação básica e público espontâneo. Se a recepção é um dos pólos do ensino do teatro, constatou-se por meio de entrevistas, as dificuldades do professor do Estado do Paraná quanto aos processos e às estratégias para trabalhar a recepção de espetáculos e a recepção de atividades teatrais em sala de aula. A investigação se valeu de um questionário que discriminou os principais eixos da montagem e suas respectivas características, para fazer um levantamento dos aspectos da encenação que causaram maior impacto no público. A fundamentação teórica esteve centrada na Estética da Recepção, especialmente no conceito de Horizonte de expectativas, desenvolvido por Hans Robert Jauss. Para tanto, realizou-se uma série de entrevistas com a encenadora do espetáculo Auto da Índia (Curitiba/2006), sobre o qual foi construído o questionário. O cruzamento dos dados revelou que as respostas mais significativas apontadas pelos espectadores não coincidiu com as expectativas da encenadora. Ao comparar os dois grupos pesquisados, comprovou-se que o espectador teve impacto em diferentes elementos da encenação. Este resultado permitiu discutir o potencial do uso de um questionário para explicitar as formas distintas de recepção demonstradas por um público. Nesse sentido, comprovou-se que o questionário é um recurso metodológico eficiente para o professor mediar a recepção, prática de fundamental importância para a formação do aluno espectador na área da pedagogia do teatro.

Os trajes de cena estudados nesta pesquisa apresentam-se como elementos potenciais para a preservação da Memória do Teatro Brasileiro, especificamente do Teatro Paulistano. Busca-se demonstrar que cada traje pode ser peça fundamental na reconstrução de um espetáculo, o que permite traçar o percurso da História do Teatro. Cada traje de cena cria elementos materiais que podem constituir formas relativamente autônomas de arte, que se apresentam como ferramentas para a preservação da arte teatral e de seu caráter reconhecidamente efêmero. O foco de pesquisa é documentar a memória dos trajes de cena que compõem o figurino teatral, enquanto parte constituinte da encenação. Busca-se discutir a potencialidade de memória e comunicação dos trajes de cena de um recorte do teatro paulistano, demonstrando como o registro documental contribui para a construção da História do Teatro Brasileiro. São abordados os seguintes acervos: o conjunto de trajes do Teatro Lírico de Equipe; amostra do conjunto de trajes do acervo CAC/EAD e o conjunto de trajes do Teatro Popular do Sesi-SP. / Costumes are presented as potential registers for the preservation of the memory of the Brazilian Theater, more specifically the Theater in the city of São Paulo. The aim of this research is to demonstrate that each costume can become a key element for the reconstruction of the course of the history of Theater. Each costume creates material which can constitute forms of art, with certain autonomy. The costumes are presented as tools for the preservation of the art of Theater and its known ephemeral aspect. The main objective of this research is to document the memories of costumes as part of the Theater process. We discuss the potential memory and communication in \'Scene costumes\', which belong to a period of the Theater in São Paulo. It demonstrates that the registry of costumes, considered as documents, contributes for the construction of the history of Brazilian. Three collections will be presented on this work: costumes from Teatro Lírico de Equipe, part of the CAC/EAD\'s collection and the collection of Teatro Popular do Sesi-SP.

Ao final do século XX, o teatro de pesquisa como prática artística tornou-se teatralmente verossímil, culturalmente aceitável e economicamente possível na cidade de São Paulo. Esta dissertação de mestrado procura investigar que condições possibilitaram a consolidação de tal expediente teatral. Uma geração de criadores jovens formados no final dos anos 1980 contribuiu para instaurar novos modos de produção cênica na cidade. Para realizar a análise da cena paulistana na década de 90 do século XX, detenho-me em dois grupos formados no período: o Teatro da Vertigem e a Cia. de Teatro Os Satyros. Analiso a trajetória de cada um dos grupos e busco evidenciar como contribuíram, cada um a seu modo, para a organização de determinadas práticas teatrais na capital paulistana: o Teatro da Vertigem como grupo originado na universidade, e a Cia de Teatro Os Satyros engajada na manutenção empresarial de suas atividades. Ao longo dos anos 1990 e 2000, foi elaborada uma estrutura de modo a assegurar o teatro da pesquisa: políticas de financiamento público; criação de universidades em artes cênicas; definição de uma agenda para pesquisa de linguagem... Experiência social e convenções teatrais misturaram-se, então, num sistema que se modifica constantemente, gerando novos padrões de criação e de produção artística. / At the end of the 20th century, the research theater as an artistic practice became theatrically plausible, culturally acceptable and economically viable in the city of São Paulo. This masters dissertation tries to investigate what were the conditions that enabled the consolidation of such theater resource. A generation of creators young people graduated at the end of the 1980s helped introduce new scenic production techniques in the city. To analyze the São Paulo scene in the last decade of the 20th century, I focus on two groups from the period: Teatro da Vertigem and Cia. de Teatro os Satyros. I analyze the trajectory of each group and try to show how they contributed, each in its own way, to the organization of certain theater practices in the capital city of São Paulo: the theater group Teatro da Vertigem, coming from the university environment, and the theater group Cia de Teatro os Satyros, engaged in the business management of its activities. Over the years 1990 and 2000, a structure was developed so that research could be done: public funding policies; creation of colleges in performing arts; definition of an agenda for language research and so on. Social experience and theatrical conventions were then combined to form a system that is continuously changing and generating new patterns of creation and artistic production.