Seminario de investigación para optar al grado de Licenciado en Comunicación Social / La noción de coherencia parece estar lejos de ser un tema de acuerdo entre los especialistas del lenguaje y la comunicación humana; no se ha podido llegar a establecer un punto de vista general ni se han incluido en las investigaciones todos sus componentes. La coherencia es una noción compleja y sus intrincadas relaciones en la interacción humana no nos permite tener una visión clara. Además, parece que la noción de incoherencia no está siquiera considerada como un fenómeno existente en el intercambio comunicacional. Sin embargo, existen dos aspectos en los cuales los investigadores están de acuerdo. En primer lugar, las personas se comunican sobre la base de la coherencia: se asume que el mensaje que una persona transmite a su interlocutor tiene significado, intención, y está enfocado hacia el logro de un objetivo, y que a su vez, el que recibe el mensaje debe proporcionar una respuesta coherente para así completar el intercambio comunicacional. Este estudio intenta dar un paso más allá en el examen de algunos aspectos verbales de la coherencia en el discurso y en particular se trata de investigar la naturaleza del discurso incoherente, a través de la descripción funcional de la coherencia cuando se emplea en la interacción verbal humana; para este fin se analizan dos obras dramáticas, Sabor a Miel, que pertenece al teatro realista, y Esperando a Godot, del género conocido como teatro del absurdo.

Resumo: Clicar acesso eletrônico abaixo / Abstract: Not available

O trabalho busca interpretar as reflexões teóricas de Oduvaldo Vianna Filho sobre teatro e engajamento entre 1958 e 1974 à luz do desenrolar da história do país e dos volteios no desenvolvimento da cultura naquele período. Vianinha, além de participar ativamente de momentos-chave da história do teatro brasileiro, como o Teatro de Arena, o CPC da UNE e o Grupo Opinião, tem uma significativa produção reflexiva sobre este desenvolvimento do teatro dito participante. Seu trabalho especulativo é um dos mais expressivos documentos da história do teatro naqueles anos. Por meio da análise de dois artigos exemplares do pensamento do autor, a saber, Do Arena ao CPC e Um pouco de pessedismo não faz mal a ninguém, escritos em períodos absolutamente distintos, 1962 e 1968, respectivamente, separados pela bruta ruptura de 1964, o trabalho tenta observar a oscilação característica das ideias de Vianna como parte do desenvolvimento truncado e conservador do Brasil. / The study aims to interpret the theoretical reflections of Oduvaldo Vianna Filho about theater and engagement between 1958 and 1974 in the light of the progress of the country\'s history and the spins in the development of culture in that period. Vianinha, besides actively participating in key moments in the history of Brazilian theater, such as Teatro de Arena (Arena Theatre), the CPC (Popular Centre of Culture) of UNE (National Students Union) and Grupo Opinião (Group Opinion), also has a significant reflexive production on the development of the so called participant theater. His speculative work is one of the most significant documents in the history of theater in those years. Through the analysis of two exemplary articles of the author\'s thought, namely, Do Arena ao CPC (From Arena to CPC) and Um pouco de pessedismo não faz mal a ninguém (A little pessedismo does not hurt anyone), written in two completely different periods, 1962 and 1968, respectively, separated by the gross disruption of 1964, this work attempts to observe the oscillation characteristic of Vianna\'s ideas as part of the truncated and conservative development of Brazil.

Les réflexions proposées dans cette thèse proviennent d’un dialogue entre les études théâtrales, l’histoire culturelle et des études relatives à l’imaginaire. La question principale qui se trouve abordée est la relation entre le théâtre et la période de la transition politique chilienne. Durant le premier gouvernement de la post-dictature (1990-1994), le théâtre chilien a connu un renouveau créatif sans précédent. Bon nombre de pièces de théâtre étaient représentées partout, et non pas seulement dans les salles de spectacles. Le théâtre avait une grande importance sociale et bénéficiait d’un large public ainsi que d’une importante couverture de presse. Il était un élément clé dans l’articulation de la société chilienne. Toutefois, les thèmes abordés étaient bien éloignés de la transition politique que connaissait alors le Chili. Il y avait un grand décalage entre ce dont parlait le théâtre et l’importance du processus politico-social vécu à l’époque, processus qui semblait être pourtant articulé dramatiquement. Le président Alywin et Pinochet étaient les protagonistes d’un drame qui engageait la société chilienne tout entière. Chaque action menée par le Président Alywin entraînait des actions de la part de Pinochet qui menaçaient le processus de transition. Si, par nature, un conflit dramatique cherche à se résoudre, dans le Chili des années 90 tous les personnages secondaires - les ministres, les députés, les assesseurs - devaient cependant éviter que le conflit dramatique n’explose. Sans résolution, le récit de la transition n’arrivait pas à se formuler. L’analyse approfondie de quatre spectacles emblématiques réalisés durant cette période - la recherche des sources dramaturgiques, la reconstruction du processus de création et une description détaillée du spectacle, analogue à ce que Geertz appelle une « description dense », permet de comprendre comment le théâtre chilien s’est installé dans le présent, dans un processus de construction de présence scénique, qui était aussi l’affirmation du droit d’être. Le théâtre chilien de la transition a inventé des formes collaboratives de création, il a construit des récits spectaculaires et, de manière inespérée, a réinventé la mise en scène. Le renouveau du théâtre chilien des années 90 s’explique ainsi dans sa relation avec la transition politique. / The ideas proposed in this thesis emerge from a dialogue threading theater studies, cultural history and research on the imagination. The main question addressed is the relationship between theater and the period of the political transition from dictatorship to democracy in Chile.During the first elected government post-dictatorship (1990-1994) Chilean theater experienced an unprecedented creative renewal. Numerous plays were presented in all kinds of locations, not just in theaters. It gained great social importance and enjoyed broad public support as well as mass press coverage, becoming a key element in the articulation of Chilean society.However, the themes explored had nothing to do with the political transition. There was a wide gap between what the theater was talking about and the importance of the political and social processes in development at the time. In fact it was the political process itself that seemed articulated dramatically. President Alywin and Pinochet were the protagonists of a drama that put Chilean society as a whole in danger. Every action taken by President Alywin entailed a reaction by Pinochet that threatened the process of transition.By nature a dramatic conflict needs to be resolved, however, during the '90s in Chile all the secondary characters - Ministers, Members of Parliament and Advisors – centered their mission on ensuring that the it did not explode. Due to the lack of a resolution, the narrative of the transition could not be formulated.An in-depth analysis of four iconic performances during this period through dramaturgical research sources, the reconstruction of the creative process and a detailed description of the shows similar to what Geertz called "thick description, elucidates how Chilean theater embedded itself in the present during the process of constructing a scenic presence, which also served as an affirmation of its right to be.The Chilean theater of the transition period invented collaborative forms of creation, built spectacular stories and, unexpectedly, reinvented the art of staging. The revival of Chilean theater in the 90s is thus explained by its relationship with the political transition.

Buscar uma possível fusão entre elementos midiáticos e a construção do performer. Este é foco da pesquisa, analisar conexões eficientes entre a Performance Corporal e as Tecnologias Midiáticas e Mecânicas, procurando com isso uma experiência de conjunção entre performer e as tecnologias do som, vídeo, luz, cenografia e o espectador. Utilizando-se de teorias da informação, construções visuais e técnicas corporais, pretendemos analisar as diferentes potencialidades de cada elemento envolvido na montagem performática; desde o corpo e suas diversas qualidades até as aplicações e construções permitidas pelas mídias atuais na elaboração de um discurso artístico mais livre e pessoal. Ao mesmo tempo em que sentimos a necessidade de contextualizar historicamente este trabalho em relação ao desenvolvimento artístico nas últimas décadas, buscamos um constante aprofundamento nas diversas linguagens utilizadas (vídeo, luz, som, cenografia, corpo, texto e dança, fotografia, instalação) procurando tornar o trabalho mais autoral em seus resultados. / Trabajo de pesquisa nas inetrsecciones entre cuerpo performatico y tecnologias de comunicacion, con enfasis na construcion de personagens baseados en las interaciones cuerpo-midias.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Basé sur des études de cas et sur des discussions théoriques, cette thèse analyse les rapports entre l'esthétique, la production et la réception d'une partie du théâtre que lon fait à Rio de Janeiro, qui vise à saffirmer au-delà du divertissement. Le critère pour le choix des cas étudiés est l'intelligibilité de la relation entre lesthétique et les contextes socio-économiques, à partir des références et des expériences du chercheur en tant qu'artiste et producteur de théâtre lui-même. L'approche du théâtre comme un phénomène esthétique et culturel qui interagit avec l'environnement socio-économique vaut à la fois pour le théâtre de la contemporanéité et dans ses discussions historiques. L'universalisation de la télévision, labsence de public payant pour les manifestations artistiques et les récentes initiatives de l'État en tant que sponsor de la culture sont envisagées dans ses relations avec la prolifération et la transformation des poétiques théâtrales ; en particulier en ce qui concerne le travail de l'acteur sur la scène, sa formation, sa conception de société et de son propre rôle à son intérieur. Le biais adopté pour aborder ces questions tient à ce quil soit possible de discuter linstabilité actuelle de limites entre lart, la culture et lindustrie culturelle. Les rapports de légitimation réciproque entre l'industrie de la télévision et le théâtre à Rio sont accompagnés depuis sa découverte par le Teatro dos Sete, son apogée dans les années 70 et 80, et dans sa crise subséquente à la fin des années 80, lorsque la symbiose est devenu la concurrence, et la télé a commencé à dicter les règles du marché pour les comédiens. Les performances choisis pour l'analyse dans cette perspective sont précisément O Mambembe, de 1959 et A Maldição do Vale Negro, de 1988. Puis la thèse présente un résumé des observations et des recherches sur la sociologie de la culture, la socio-économie du théâtre et sur les politiques publiques en France. The Flash et Crash Days, de Gerald Thomas, cest le spectacle choisi pour aborder le début de l'ère du sponsoring dans le théâtre à Rio. La dernière partie de la thèse vise à recueillir les résultats obtenus dans les études et dans certaines analyses des discussions en cours sur le théâtre à Rio de Janeiro, en commentant sur les relations possibles entre l'esthétique et le contexte dans la scène expérimentale de la partie sud de la ville, et le changement idéologique, aussi bien que de valeurs, accompagnant la modification encore récente des modes de production. La perspective du théâtre comme entreprise est confrontée à une alternative qui suggère l'ouverture de nouveaux points de vue, par l'inclusion de nouveaux sujets, en tant qune opportunité de rénovation de la scène à Rio / Baseado em estudos de casos e em discussões teóricas, este trabalho analisa as relações entre a estética, a produção e a recepção de uma vertente do teatro produzido no Rio de Janeiro que se propõe manter-se além do entretenimento. O critério para a escolha dos casos estudados é o da inteligibilidade das relações entre estética e contexto sócio-econômico, a partir das próprias referências e vivências do pesquisador enquanto também artista e produtor teatral. A abordagem do teatro como fenômeno estético e cultural que interage com o meio sócio-econômico vale neste trabalho tanto para o teatro da contemporaneidade quanto em suas discussões históricas. A universalização da TV, a falta de público pagante para a arte e a ainda recente resposta do Estado como financiador universal da cultura aparecem aqui intimamente ligadas à proliferação e transformação de poéticas teatrais, principalmente no que concerne ao trabalho do ator em cena, sua formação, e a concepção que ele tem de sociedade e de seu papel dentro dela. Esta mirada a partir do fazer teatral questiona o valor de limites fixos entre arte e indústria cultural, ao sugerir como problemática a definição de arte e cultura na contemporaneidade. As relações de mútua legitimação entre a indústria da televisão e o teatro na cidade são acompanhadas desde a sua descoberta pelo Teatro dos Sete, seu apogeu nos anos 70 e 80, e sua subsequente crise no final da década de 80, quando a simbiose se transformou em competição e a TV passou a ditar as regras do mercado de atores. Os espetáculos escolhidos para análise nesta ótica são justamente O Mambembe de 1959 e A Maldição do Vale Negro, de 1988. Em seguida o texto apresenta um resumo de observações e pesquisas sobre sociologia da cultura, a sócio-economia do teatro e as políticas públicas na França. The Flash and Crash Days, de Gerald Thomas, é o espetáculo escolhido para abordar o início da era dos patrocínios no teatro carioca. A última parte da tese procura juntar os resultados obtidos nos estudos e algumas análises a discussões atuais sobre o teatro no Rio de Janeiro, ao comentar possíveis relações entre a estética e o contexto na cena experimental da zona sul da cidade, e a mudança ideológica e de valores que acompanha a ainda recente mudança de modos de produção. O olhar do teatro como negócio é confrontado por uma alternativa que sugere a abertura de novas perspectivas, através da inclusão de novos sujeitos, como oportunidade de renovação da cena carioca

Orientador: Reynúncio Napoleão de Lima. / Banca: Francisco Cabral de Alambert Junior / Banca: Alexandre Luiz Mate / Resumo: Na presente pesquisa proponho a reflexão sobre a presença de manifestações da cultura popular tradicional como o bumba-meu-boi, o circo, a literatura oral e de cordel, nas obras do grupo Teatro Popular União e Olho Vivo, como elementos estruturais na abordagem de temas de relevância social, tais como greves, conflitos de classe, étnicos e religiosos, alienação. São tomados como base os textos O Evangelho segundo Zebedeu, 1970 e Bumba, meu queixada, 1978; obras representativas dos mais de 40 anos de atividades do grupo nas periferias de São Paulo. Discuto questões significativas para subsidiar o interesse sobre o conceito e prática do Teatro Popular postulado pelo grupo, estabelecendo nexos entre cultura popular tradicional, teatro popular e consciência crítica. Além disso, são abordados aspectos como as formas de produção artística, envolvendo o público ao qual se destina, os locais das apresentações e os elementos que caracterizam a formação do grupo. A atividade do TUOV é uma alternativa significativa de resistência à cultura de massa e o capitalismo pós-moderno, por socializar conhecimento e difundir práticas humanísticas com sua arte teatral. O grupo tem organização semelhante aos grupos de cultura tradicional das comunidades, em que o popular é entendido no sentido de participar da criação, manutenção e divulgação da obra artística. / Abstract: In this research I propose a reflection on the presence of manifestations of popular culture like the traditional bumba-meu-boi, the circus, oral literature and cordel literature, in the works of the group Teatro Popular União e Olho Vivo, as structural elements in addressing issues of social relevance, such as strikes, conflicts of class, ethnics and religious, alienation. Are taken as base the texts O Evangelho segundo Zebedeu, 1970 and Bumba, meu queixada, 1978; representative works of more than 40 years of activities of the group in the outskirts of São Paulo. I discuss significant issues to subsidize the interest on the concept and practice of the Popular Theater postulated by the group, establishing linkages between traditional popular culture, popular theater and critical conscience. Furthermore, are approached aspects such as forms of artistic production, involving the public wich is intended, the locations of the presentations and the elements that characterize the formation of the group. The activity of TUOV is a significant alternative to resistance to culture of mass and post-modern capitalism, for socializing knowledge and disseminate humanistic practices with their theater art. The group is organized similarly to groups of traditional culture of the communities, in which the popular is understood in the sense of participate of the creation, maintenance and dissemination of artistic work. / Mestre

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento / Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays / Mestre

Orientadora: Otília Lizete de O. M. Heinig. / Dissertação (mestrado) - Universidade Regional de Blumenau, Centro de Ciências da Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação.

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