Este trabalho é um estudo sobre o poeta Luís de Camões como personagem teatral em três obras: Frei Luís de Sousa, de Almeida Garrett; Que farei com este livro, de José Saramago e Tu, só tu, puro amor..., de Machado de Assis. Em Frei Luís de Sousa será abordado o Camões mítico, pois quando se passa a história, durante o período filipino, este já está morto, só é lembrado através de Telmo. É o símbolo da pátria. No capítulo Camões: uma personagem do imaginário popular, será apresentado o Camões como personagem de Literatura de Cordel, sendo feita uma breve comparação com outras personagens como João Grilo.Em Que farei com este livro? será estudado um Camões totalmente desiludido com a pátria na tentativa de publicar Os Lusíadas. Em Tu só, tu, puro amor..., será visto um Camões romântico sofrendo de amores por uma dama da corte.Em cada uma das obras, estudaremos os aspectos da abordagem do poeta português de acordo com o contexto de época de seus respectivos autores / This is a short research about the poet Luís de Camões as a theatrical character in three plays: Frei Luís de Sousa, by Almeida Garrett; Que farei com este livro, by José Saramago and Tu só, tu, puro amor..., by Machado de Assis.In Frei Luís de Sousa it will be broached the mythical Camões, because when the story goes by, during the Filipe Age in Portugal, the poet is already dead, he is only remembered by Telmo. He is a symbol of the fatherland.In the chapter Camões: a character of the popular imaginary, Camões will be introduced as a character of the Literature of Cordel, making a short comparison with other characters like João Grilo.In Que farei com este livro? it will be studied a Camões totally disappointed with his fatherland when he tries to publish his work Os Lusíadas.In Tu só, tu, puro amor, it will be seen a romantic Camões that is suffering for a lady of the Court.In each one of those works, we are going to study the approach aspects of the portuguese poet, in accordance with the age context of their respective authors

A exibição da peça teatral, ou da cena histórica, Um sarau no Paço de São Cristóvão, produzida por Paulo Setúbal a pedido da Liga das Senhoras Católicas de São Paulo, no Teatro Municipal em 1926, em duas apresentações, que se tornaram quatro devido ao sucesso de público nos apresenta uma grande interrogação: o que queria a elite cafeeira e republicana paulista com um elogio a figura da primeira imperatriz do Brasil, menos de quarenta anos após o fim do Império? Era um projeto de governo? Um projeto de país e de cultura? Era apenas diversão, já que os atores eram todos amadores e pertencentes às famílias da elite? Quais os possíveis significados deste espetáculo, que obteve muito sucesso de público e grande exposição na imprensa paulistana, para a História e a memória de São Paulo e do Brasil? / The theater play (or historical scene) Um sarau no Paço de São Cristóvão exhibition, produced by Paulo Setúbal as a request of the Catholic Ladies League of São Paulo, at Teatro Municipal de São Paulo in 1926, in two presentations, which became four due to the successful audience, proposes such a question: what was the objective of the republican coffee producing elite praising Brazils first empress figure, less than forty years after empire ending? Was it a project of government? Of country and of culture? Was it just an amusement considering the actors were non-professional and belonged to the families of the elite? Which can possibly mean this show, which were successful in audience and was widely covered by São Paulos press, to the History and to the memory of São Paulo and Brazil?

O presente trabalho pretende compreender os modos de subjetivação pelos quais atores tornam-se sujeitos de sua prática musical. O material empírico desta pesquisa são as narrativas dos profissionais das artes cênicas que executam vocal e instrumentalmente as trilhas sonoras de seus espetáculos ao vivo. Foram obtidas, por meio de entrevistas, narrativas individuais com dois participantes e uma entrevista coletiva de seu grupo de trabalho. A abordagem teórica apoia-se nos fundamentos da pesquisa narrativa, principalmente no aporte de Jerome Bruner (2002; 2000) e nos estudos sobre discurso, saber e sujeito de Michel Foucault. A análise dos dados foi realizada com uma inspiração na perspectiva arqueológica foucaultiana, que entende o discurso como prática radicalmente histórica, inseparável das relações de poder, da produção de saber e da produção de sujeitos e subjetividades. As reflexões deste estudo permitiram compreender que a constituição musical do ator é condição inevitável para sua prática profissional; igualmente, que a subjetividade inscrita na apropriação da experiência musical, ao longo da vida, ocorre como cuidado de si e prática de si, e se torna fundamental para o aperfeiçoamento do ofício do ator e para a constituição de si mesmo. / This work intends to understand the modes of subjectivation through actors become subjects of their musical practice. The research’s empirical material is the narratives of the drama professionals who perform their plays’ soundtracks in live by using voice and instruments. Narratives were collected through individual narrative interviews with two participants and a collective interview with their work group. The theoretical approach is narrative inquiry fundamentals, particularly Jerome Bruner (2002; 2000) contribution and Michel Foucault studies of discourse, knowledge and subject. The data analysis was inspired by the foucauldian archaeological perspective, that considers discourse as a radically historic practice, inseparable of power relationship, knowledge production and production of subjects and subjectivities. Reflections from this study allowed comprehending that actor musical constitution is inescapable condition for his professional practice; that subjectivity registered in the musical experience appropriation along the life takes place like care of the self and practice of the self, and it becomes fundamental for the actor’s craft improvement and selfconstitution.

O presente trabalho pretende compreender os modos de subjetivação pelos quais atores tornam-se sujeitos de sua prática musical. O material empírico desta pesquisa são as narrativas dos profissionais das artes cênicas que executam vocal e instrumentalmente as trilhas sonoras de seus espetáculos ao vivo. Foram obtidas, por meio de entrevistas, narrativas individuais com dois participantes e uma entrevista coletiva de seu grupo de trabalho. A abordagem teórica apoia-se nos fundamentos da pesquisa narrativa, principalmente no aporte de Jerome Bruner (2002; 2000) e nos estudos sobre discurso, saber e sujeito de Michel Foucault. A análise dos dados foi realizada com uma inspiração na perspectiva arqueológica foucaultiana, que entende o discurso como prática radicalmente histórica, inseparável das relações de poder, da produção de saber e da produção de sujeitos e subjetividades. As reflexões deste estudo permitiram compreender que a constituição musical do ator é condição inevitável para sua prática profissional; igualmente, que a subjetividade inscrita na apropriação da experiência musical, ao longo da vida, ocorre como cuidado de si e prática de si, e se torna fundamental para o aperfeiçoamento do ofício do ator e para a constituição de si mesmo. / This work intends to understand the modes of subjectivation through actors become subjects of their musical practice. The research’s empirical material is the narratives of the drama professionals who perform their plays’ soundtracks in live by using voice and instruments. Narratives were collected through individual narrative interviews with two participants and a collective interview with their work group. The theoretical approach is narrative inquiry fundamentals, particularly Jerome Bruner (2002; 2000) contribution and Michel Foucault studies of discourse, knowledge and subject. The data analysis was inspired by the foucauldian archaeological perspective, that considers discourse as a radically historic practice, inseparable of power relationship, knowledge production and production of subjects and subjectivities. Reflections from this study allowed comprehending that actor musical constitution is inescapable condition for his professional practice; that subjectivity registered in the musical experience appropriation along the life takes place like care of the self and practice of the self, and it becomes fundamental for the actor’s craft improvement and selfconstitution.

Identificação e reconstituição das preceptivas da prática cênica no século XVI italiano a partir da análise exegética do \"Tratado sobre as cenas\", pertencente à obra Da arquitetura e Perspectiva do arquiteto e preceptor bolonhês Sebastiano Serlio. O esquadrinhamento dos três gêneros de cenas antigos - tragédia, comédia e sátira -, normatizados por Serlio a partir do escrito vitruviano sobre arquitetura, tem em vista modificações e adequações consoantes à proposição da \"cena moderna\", cuja matéria baseia-se na pintura e na arquitetura, das quais se distingue ao compor assunto próprio às artes cênicas. A cena, perspectiva e tridimensional, ornada com relevos e materiais diversos, é caracterizada por volumes com os quais as personagens interagem, tornando-se espaço próprio à ação cênica, conveniente com o gênero e aparatos. Estendendo-se além da preceituação e confecção dos aparatos cênicos, amplia o ingenium arquitetônico, pela prescrição de ações corporais distintas na figura de personagens em movimento, qualificando matéria da representação cênica, mesmo que ainda não reconhecida como arte autônoma. / Identification and reconstitution of the precepts of stagecraft in the Italian sixteenth century, from the exegetical analysis of the \"Treaty on the scene\", belonging to the work Of architecture and perspective, of the bolognese architect and preceptor, Sebastiano Serlio. The scrutinizing of the three ancient genres of scenes - tragedy, comedy and satire - normalized by Serlio from Vitruvius writing about architecture, aim modifications and adaptations according to the proposition of the \'modern scene\', whose subject matter has its foundations in painting and architecture, from which it distinguishes itself by being proper subject to the performing arts. The scene, three-dimensional and perspective, adorned with reliefs and various materials, is characterized by volumes with which the characters interact, becoming appropriate space to stage action, convenient to the genre and apparatuses. Extending beyond the preception and confection of scenic devices, amplifies the architectural ingenium, by prescribing distinct corporal actions in the figure of characters in motion, qualifying it as matter of scenic representation, even if not yet recognized as autonomous art.

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The purpose of this action-research study is to explore a new pedagogical tool for myself as a teaching artist: Applied Design. My ideas around Applied Design are rooted in the field of Creative Drama, and grew out of a desire to explore theatrical design in the same process-centered way that Creative Drama explores informal and improvisational drama techniques. To this end, I attempt to determine how the use of Applied Design affects both student engagement and student understanding when applied as an interdisciplinary tool to Language Arts curriculum. For the purposes of this study, I introduced Applied Design as a discovery teaching methodology through a one-week Language Arts unit in a local fourth grade classroom. I collected data from the students, their classroom teacher and myself through questionnaires, written work and personal observation. As I examined the data, I discovered positive relationships between Applied Design and both student engagement and student understanding. Students responded to the discovery teaching methods enthusiastically, and embraced each design project with a dedication that appeared to inspire students to push through difficult moments in effort to complete each given task. Although the length of the study and amount of data generated limited my ability to draw widespread conclusions, the evidence suggests that further study in the applications of Applied Design is merited. This study also begins to discuss what such future study might look like, in effort to push the exploration of Applied Design forward. Ultimately, this action research study reinforced my conviction that process-centered theatrical design can serve as a useful tool for myself as a teaching artist, and inspired me to move forward in my understanding and exploration of its applications.

The purpose of this work is to explore how Luigi Pirandello’s Enrico IV (1922) and Miguel de Unamuno’s El hermano Juan o el mundo es teatro (1929) utilize metatheatrical strategies to create plays that constantly question the juxtaposition, and yet the fluidity, of reality and fiction. Through a similar existential search, which is guided by a Sartrean psychoanalytic approach, the protagonists endure a transformation that reveals contrasting results: Enrico remains entrapped in his theatrical portrayal of Henry IV. Conversely, Don Juan frees himself from societal restraints that had portrayed him as a trickster through centuries of literary tradition. In these plays, authority becomes an ever-shifting device that persistently moves from the author, to the characters, and finally to the audience, affecting their own freedom, intended in the Sartrean sense, and being.

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Made available in DSpace on 2016-04-28T19:34:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Murillo Marques.pdf: 1120159 bytes, checksum: 4d59ab4f8bd91b33daa03df17547d388 (MD5) Previous issue date: 2016-02-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The actor is the main agency in the theater, as without his theatrical action, the play is incomplete. By adapting a written text to an oral genre, the actor aims to establish a verisimilitude relation between the playwright's forged dialogue and spoken language. This way, the theatrical text, despite from seeming as an everyday speech, it is a literary production, structured and unfinished, inasmuch as it foresees the action and active voice of the actor for its attainment. Therefore, considering the perspective of converting written texts to oral genre, the present research will be based in the intersection between socio interactionist studies on Oral Literary, Conversation Analysis, Sociolinguistics, Psycholinguistics and the practical and theoretical work strands with the text on Theatrical Arts, so that it will evidence the linguistic, semantic, syntactic and prosodic mechanisms used by the actor when converting written genre to oral genre. To the present remark, the analyzed corpus will the class on Verbal Expression from the Drama Art School, institution founded by Alfredo Mesquita in 1948, which since this date contributes to graduating actors that are part of a Modern National Theater scenario / O ator é o principal agente do teatro, sem sua ação cênica, a obra teatral fica incompleta. Ao retextualizar um texto escrito para a modalidade oral, o ator pretende estabelecer uma relação de verossimilhança entre o diálogo forjado pelo dramaturgo e a língua falada. Dessa maneira, o texto de teatro, apesar de parecer com a fala cotidiana, é uma obra literária, estruturada e inacabada, pois pressupõe a ação e a voz viva do ator para a sua efetivação. Portanto, tendo como base a perspectiva de transposição do texto escrito para o oral, a presente pesquisa se apoiará na intersecção entre os estudos sociointeracionistas sobre Oralidade Literária, Análise da Conversação, Sociolinguística e Psicolinguística e as vertentes práticas e teóricas de trabalho com o texto nas Artes Cênicas, para, assim, evidenciar os mecanismos linguísticos, semânticos, sintáticos e prosódicos utilizados pelo ator ao transpor a modalidade escrita para a modalidade oral. Para tal observação, tomamos como corpus de análise a disciplina de Expressão Verbal da Escola de Arte Dramática, instituição fundada por Alfredo Mesquita em 1948 e que desde então contribui para a formação de atores que compõem o panorama de um Moderno Teatro Nacional