Made available in DSpace on 2016-04-28T19:58:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Erica Fernanda Brasil Carosia Paulino de Souza.pdf: 4921179 bytes, checksum: e84c84d017fcbfe4da9382c710a93b55 (MD5) Previous issue date: 2011-05-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation examines the role of the allegorical medieval costume Portuguese, Auto da Barca do Inferno (1517) and Auto da Alma (1518) Gil Vicente. As specific objectives, we demonstrate the relationship between clothing and the characters, explain the symbolism of each piece of clothing, and elucidate the Vincentian context, through the clothing, the conflict between the sacred and the profane, the ideological concepts of the sixteenth century Christians In two acts of religious playwright Portuguese. We point out relevant data from the clothing of the sixteenth century, as well as the theoretical background on allegory. We apply the concept, through clothing, to elucidate the conflict between salvation and damnation of the characters in the context of the pieces. We explain the issue from two allegorical modes stylistic or rhetorical allegory constructive (so to speak) and allegory interpretive or hermeneutic (way of understanding). Object of study by numerous researchers, the machine takes a critical look that demands a closer look. Establishes a visual language as relevant as verbal discourse. Reveals information. Expresses ideas. Represents the social and cultural changes. Allows interactions between society. It expresses identity and behavior. However, we observed that the clothing is not synonymous with acquittal or conviction, but joins the allegorical character of the works of playwright Portuguese, who always point to two conflicting realities: human and divine, the immanent and transcendent, individual ethics and social ethics / Esta dissertação de Mestrado analisa a função alegórica do traje medieval português, no Auto da Barca do Inferno (1517) e no Auto da Alma (1518) de Gil Vicente. Como objetivos específicos, buscamos demonstrar a relação entre a indumentária e as personagens; explicar a simbologia de cada peça de roupa, no contexto vicentino e elucidar, por meio do vestuário, o conflito entre o sagrado e o profano e os conceitos ideológicos cristãos do século XVI, nos dois autos religiosos do teatrólogo português. Apontamos dados relevantes do vestuário do século XVI, bem como o panorama teórico sobre alegoria. Aplicamos a conceituação, por meio da indumentária, para elucidar o conflito entre a salvação e a perdição das personagens no contexto das peças. Elucidamos a questão alegórica a partir de duas modalidades estilísticas: alegoria construtiva ou retórica (maneira de falar) e alegoria interpretativa ou hermenêutica (modo de entender). Objeto de estudo de inúmeros pesquisadores, a roupa propõe uma leitura crítica que demanda um olhar atento. Estabelece uma linguagem visual tão relevante quanto o discurso verbal. Revela informações. Exprime ideias. Representa as mudanças sociais e culturais. Permite interações entre a sociedade. Expressa identidade e comportamento. Contudo, observamos que a roupa não é sinônimo de absolvição ou condenação, mas antes alia-se ao caráter alegórico das obras do teatrólogo português, que apontam sempre para duas realidades em conflito: a humana e a divina, a imanente e a transcendente, a ética individual e a ética social

Esta pesquisa teve início durante o trabalho de conclusão de curso do bacharelado em modelagem do Centro Universitário Senac, onde foi abordado o tema Freak show - o entretenimento do século XIX. Foi pesquisado o panorama de seu surgimento e suas características nos tempos áureos, e geradas a criação e a confecção de três bustos e três looks para personagens do freak show vitoriano, os gêmeos siameses xifópagos isquiópagos, a mulher de três cabeças e quatro pernas e a menina sereia. A pesquisa atual foi iniciada em 2015 no programa de mestrado na Universidade de São Paulo, investigando a contínua existência da instituição até o século XXI e as transformações que a tornaram possível. Este trabalho traz uma pesquisa sobre a indústria do Freak Show, mapeando-a através dos séculos XIX ao XXI. Mostra como se dá a exposição do corpo extraordinário na indústria do entretenimento e em que locais pode ser observado, além de informações sobre como estes corpos são vestidos. Argumentase que existem intenções e benefícios na sociabilização estabelecida através da exibição voluntária do corpo nas diversas formas midiáticas, desenvolvendo formas de comunicação que introduzem suas personas e personalidades enquanto ressaltam ao público os aspectos de sua morfologia extraordinária / This research began during the final project for conclusion of bachelors degree in pattern making at Centro Universitario Senac, which regarded the Freak Show The Entertainment of The 19th Century. It was researched the context of its beginning and its characteristics when the popularity was high, what developed in the creation and making of three dress forms and three garments made for Victorian freak show performers, the Siamese twins, xifopagus isquiopagus, the three headed and four legged woman and the mermaid girl. The present research started in 2015 at University of Sao Paulo masters degree in Textile and Fashion, investigating the ongoing existence of the industry in the 21st century and the changes that made it possible. The present research introduces a research on the Freak Show Industry, mapping it throughout the centuries 19th to 21st. How does the exhibition of the extraordinary body happens inside entertainment industry and which are the places where they can be seen, in addition to informations about how they are dressed. It s argued that there are intentions and benefits in the social interaction established through the voluntary exhibition of the body in multiple media displays, developing manners of communication that introduces their persona and personality, while enhancing aspects of the extraordinary anatomy to the public

Os trajes de cena estudados nesta pesquisa apresentam-se como elementos potenciais para a preservação da Memória do Teatro Brasileiro, especificamente do Teatro Paulistano. Busca-se demonstrar que cada traje pode ser peça fundamental na reconstrução de um espetáculo, o que permite traçar o percurso da História do Teatro. Cada traje de cena cria elementos materiais que podem constituir formas relativamente autônomas de arte, que se apresentam como ferramentas para a preservação da arte teatral e de seu caráter reconhecidamente efêmero. O foco de pesquisa é documentar a memória dos trajes de cena que compõem o figurino teatral, enquanto parte constituinte da encenação. Busca-se discutir a potencialidade de memória e comunicação dos trajes de cena de um recorte do teatro paulistano, demonstrando como o registro documental contribui para a construção da História do Teatro Brasileiro. São abordados os seguintes acervos: o conjunto de trajes do Teatro Lírico de Equipe; amostra do conjunto de trajes do acervo CAC/EAD e o conjunto de trajes do Teatro Popular do Sesi-SP. / Costumes are presented as potential registers for the preservation of the memory of the Brazilian Theater, more specifically the Theater in the city of São Paulo. The aim of this research is to demonstrate that each costume can become a key element for the reconstruction of the course of the history of Theater. Each costume creates material which can constitute forms of art, with certain autonomy. The costumes are presented as tools for the preservation of the art of Theater and its known ephemeral aspect. The main objective of this research is to document the memories of costumes as part of the Theater process. We discuss the potential memory and communication in \'Scene costumes\', which belong to a period of the Theater in São Paulo. It demonstrates that the registry of costumes, considered as documents, contributes for the construction of the history of Brazilian. Three collections will be presented on this work: costumes from Teatro Lírico de Equipe, part of the CAC/EAD\'s collection and the collection of Teatro Popular do Sesi-SP.

Esta pesquisa é uma investigação sobre os trajes de cena utilizados ao longo da vida e carreira da atriz Margarida Max, estrela do teatro de revista, muito famosa no Brasil nas décadas de 1920 e 1930. A partir da definição de uma linha do tempo da vida da atriz, sua atuação profissional foi abordada, traçando-se paralelos com as principais mudanças em relação à emancipação feminina ocorridas nas primeiras décadas do século XX. A investigação dos trajes de cena está centrada principalmente entre os anos de 1925 e 1930, período de produção mais profícuo da Companhia Margarida Max. A hipótese deste trabalho é a de que Margarida Max teria construído sua carreira artística e imagem pessoal em consonância com os ideais de modernidade vigentes à época, de modo que as atividades cênicas que desempenhava como atriz, vedete, cantora, empresária, diretora e figurinista refletiam suas escolhas pessoais e não as de um agenciador ou agente teatral. Acredita-se que uma das ferramentas utilizadas por Margarida Max para abrir espaço na esfera pública e construir uma imagem pessoal estimada foi a capacidade que a atriz tinha para se vestir de acordo com o que era socialmente considerado de bom gosto, além de vestir-se de maneira extravagante e requintada em cena. Foram abordadas questões como as relações entre a figura da vedete e a construção do imaginário feminino, o traje de cena e as estratégias teatrais pertencentes ao universo do teatro de revista e a representação feminina em diversas plataformas, bem como os trajes usados por vedetes e coristas do teatro de revista carioca, na primeira metade do século XX. / This research is an investigation about costumes used throughout the life and career of Margarida Max, a famous Brazilian revue\'s star in the 1920s and 1930s. Starting from a timeline of the actress\'s life, her professional performance was approached and related with the main changes on women\'s emancipation ocurred in the first decades of the 20th century. The costume\'s investigation is mainly focused between 1925-1930, the most plentiful period of Margarida Max\'s Company. The hypothesis of this thesis is that Margarida Max would have built her artistic career and her personal image in the basis of the then current ideals of modernity; therefore, her artistic performance as actress, star, singer, business woman, director and costume designer reflected her personal choices, and not those of an agent. It is believed that Margarida Max\'s hability of dressing both fashionably and according with social parameters, as well as dressing lavishly on stage was used as a tool to get space in the public sphere and to build for herself an image of value. This research also adresses the relations between the starlet figure and the building of female social imaginary; revue\'s costumes and strategies; and women\'s representation on several platforms, as well as costumes used by starlets and chorus girls at revue theater from Rio de Janeiro, during the first half of the 20th century.

São raras as oportunidades para expor um traje de cena fora da cena, em uma exposição na qual seja possível refletir sobre a obra criada, seu processo de trabalho e propostas cênicas, tanto no País quanto no exterior. A maior exposição internacional de performance design acontece, há 58 anos, na República Tcheca, tendo reunido artistas, pesquisadores e estudantes de 90 países, na última edição, em 2015. Durante a Quadrienal de Praga (1967-2015), o Brasil já foi premiado diversas vezes, incluindo o prêmio máximo da PQ: a Triga de Ouro, em 1995 e 2011. Porém, a falta de uma instituição responsável pela organização da participação do País causa instabilidade nas formas curatoriais, além de escassez de verba. Este estudo investiga como o traje de cena do teatro brasileiro é representado na exposição internacional. Um percurso que se faz necessário iniciar na Bienal Internacional das Artes Plásticas do Teatro (1957 a 1973), evento criado como um quadro pertencente à Bienal de São Paulo e que, após sua quinta edição, faria surgir a exposição tcheca. Uma documentação inédita, com amplo resgate documental e iconográfico, compõe esta tese e serve como fundamental objeto de estudo para reconhecer qual a posição do traje cênico nesta trajetória de vinte edições, construída ao longo de 58 anos, para possibilitar a investigação da hipótese desta tese: confirmar se, no histórico da participação brasileira, entre 1987 e 2003 - quando a representação do país esteve aos cuidados do cenógrafo J. C. Serroni - houve algum tipo de preferência curatorial por artistas e/ou trabalhos cujos trajes de cena tenham reforçado uma possível presença de influência na construção da imagem do figurino teatral de acordo com estereótipos da cultura brasileira, em destaque as características estéticas do Carnaval. / There are few opportunities to expose a costume design out of the scene in an exhibition in which to reflect on the work created, their process and scenic proposals, both at home and abroad. The largest international exhibition of performance design happens, during the last 58 years, at the Czech Republic and brought together artists, researchers and students from ninety countries in the last edition in 2015. During the Prague Quadrennial (1967-2015), Brazil has been awarded several times, including with the top prize of the PQ: the Golden Triga, in 1995 and 2011. However, the lack of an institution responsible for organizing the country\'s participation causes instability in curatorial forms, as well as lack of funds. This study investigates how the Brazilian theatrical costume design is represented at the international exhibition. A route that is needed to start with the International Biennial of Visual Arts of Theater (1957-1973), an event created as a frame belonging to the Bienal de São Paulo and, after its fifth edition, would raise the Czech exhibition. An unpublished documentation with extensive documentary and iconographic rescue, makes up this thesis and serves as a fundamental object of study to recognize what position the scenic costume has in this twenty editions\' trajectory, built over 58 years, to enable the research hypothesis of this thesis: confirm that, in the history of Brazilian participation at PQ, between 1987 and 2003 - when the representation of the country was in the care of set designer J. C. Serroni - there was some sort of curatorial preference by artists and / or works that led to the reinforcement of stereotypes of the Brazilian culture, highlighted the aesthetic features of the Carnival.

Os trajes de cena estudados nesta pesquisa apresentam-se como elementos potenciais para a preservação da Memória do Teatro Brasileiro, especificamente do Teatro Paulistano. Busca-se demonstrar que cada traje pode ser peça fundamental na reconstrução de um espetáculo, o que permite traçar o percurso da História do Teatro. Cada traje de cena cria elementos materiais que podem constituir formas relativamente autônomas de arte, que se apresentam como ferramentas para a preservação da arte teatral e de seu caráter reconhecidamente efêmero. O foco de pesquisa é documentar a memória dos trajes de cena que compõem o figurino teatral, enquanto parte constituinte da encenação. Busca-se discutir a potencialidade de memória e comunicação dos trajes de cena de um recorte do teatro paulistano, demonstrando como o registro documental contribui para a construção da História do Teatro Brasileiro. São abordados os seguintes acervos: o conjunto de trajes do Teatro Lírico de Equipe; amostra do conjunto de trajes do acervo CAC/EAD e o conjunto de trajes do Teatro Popular do Sesi-SP. / Costumes are presented as potential registers for the preservation of the memory of the Brazilian Theater, more specifically the Theater in the city of São Paulo. The aim of this research is to demonstrate that each costume can become a key element for the reconstruction of the course of the history of Theater. Each costume creates material which can constitute forms of art, with certain autonomy. The costumes are presented as tools for the preservation of the art of Theater and its known ephemeral aspect. The main objective of this research is to document the memories of costumes as part of the Theater process. We discuss the potential memory and communication in \'Scene costumes\', which belong to a period of the Theater in São Paulo. It demonstrates that the registry of costumes, considered as documents, contributes for the construction of the history of Brazilian. Three collections will be presented on this work: costumes from Teatro Lírico de Equipe, part of the CAC/EAD\'s collection and the collection of Teatro Popular do Sesi-SP.

Esta pesquisa teve início durante o trabalho de conclusão de curso do bacharelado em modelagem do Centro Universitário Senac, onde foi abordado o tema Freak show - o entretenimento do século XIX. Foi pesquisado o panorama de seu surgimento e suas características nos tempos áureos, e geradas a criação e a confecção de três bustos e três looks para personagens do freak show vitoriano, os gêmeos siameses xifópagos isquiópagos, a mulher de três cabeças e quatro pernas e a menina sereia. A pesquisa atual foi iniciada em 2015 no programa de mestrado na Universidade de São Paulo, investigando a contínua existência da instituição até o século XXI e as transformações que a tornaram possível. Este trabalho traz uma pesquisa sobre a indústria do Freak Show, mapeando-a através dos séculos XIX ao XXI. Mostra como se dá a exposição do corpo extraordinário na indústria do entretenimento e em que locais pode ser observado, além de informações sobre como estes corpos são vestidos. Argumentase que existem intenções e benefícios na sociabilização estabelecida através da exibição voluntária do corpo nas diversas formas midiáticas, desenvolvendo formas de comunicação que introduzem suas personas e personalidades enquanto ressaltam ao público os aspectos de sua morfologia extraordinária / This research began during the final project for conclusion of bachelors degree in pattern making at Centro Universitario Senac, which regarded the Freak Show The Entertainment of The 19th Century. It was researched the context of its beginning and its characteristics when the popularity was high, what developed in the creation and making of three dress forms and three garments made for Victorian freak show performers, the Siamese twins, xifopagus isquiopagus, the three headed and four legged woman and the mermaid girl. The present research started in 2015 at University of Sao Paulo masters degree in Textile and Fashion, investigating the ongoing existence of the industry in the 21st century and the changes that made it possible. The present research introduces a research on the Freak Show Industry, mapping it throughout the centuries 19th to 21st. How does the exhibition of the extraordinary body happens inside entertainment industry and which are the places where they can be seen, in addition to informations about how they are dressed. It s argued that there are intentions and benefits in the social interaction established through the voluntary exhibition of the body in multiple media displays, developing manners of communication that introduces their persona and personality, while enhancing aspects of the extraordinary anatomy to the public