Nesta dissertação, buscou-se realizar um estudo histórico e analítico acerca do desenvolvimento da poética e dos processos da música eletroacústica na trilha sonora - principalmente na trilha musical - do cinema de ficção científica norte-americano. A música eletroacústica, a começar por suas primeiras manifestações através dos instrumentos eletrônicos e de técnicas de manipulação de tape magnético, esteve associada, desde o início do cinema sonoro, à ficção científica e ao terror. Na década de 1950, com o início da era de exploração espacial no cinema norte-americano, os sons eletrônicos se associaram ao universo alienígena e às narrativas de futuro. Nos anos seguintes, os gestos e funções indiciais desses primeiros instrumentos foram adaptados aos sintetizadores e às novas gerações de dispositivos eletrônicos. Assim, lentamente se consolidou uma tradição que relacionaria, durante os anos subsequentes, a música eletroacústica às narrativas de suspense, terror e ficção científica. Para entender como se deu a utilização de sons eletrônicos no cinema de ficção científica ao longo do século XX, partimos da exposição de alguns pressupostos metodológicos de análise audiovisual e de música eletroacústica. Estes, por sua vez, serviram como norteadores para as análises realizadas no final da dissertação. Posteriormente, seguimos por dois caminhos: um, cujo objetivo é descrever o desenvolvimento dos processos formadores da poética da música eletroacústica e seu uso no cinema; e outro, onde tentamos delinear o desenvolvimento da trilha sonora de filmes de ficção científica que se apropriaram de elementos advindos da música eletroacústica. No último capítulo, realizamos a análise de quatro filmes de diferentes períodos. Cada filme selecionado pode ser considerado representativo no uso de processos e técnicas da música eletroacústica de sua época; são eles: O planeta proibido (1956), THX 1138 (1971), Tron: uma odisseia eletrônica (1982) e A última profecia (2002). / The electroacoustic music, starting with its first manifestations such as electronic instruments and magnetic tape manipulation techniques, have been associated, since the beginning of movies with sound, to science fiction and horror. In the 50\'s, with the beginning of an era of space exploration in north-american motion pictures, the electroacoustic sounds were definitely associated with the alien\'s universe and futuristic narratives. In the following years, the gestures and functions of those first instruments were adapted to the synthesizers and to the new electronic device generation. Thus, it slowly consolidated a tradition that would relate the electroacoustic music to suspense, horror and science fiction narratives for the subsequent years. In order to understand how the use of electronic sounds in science fiction movie pictures happened during the twentieth century, we will start with the exposure of some methodological assumptions of audio-visual and electroacoustic music analysis. These will, on the other hand, work as guides for the final analysis in the end of this dissertation. Afterwords, we followed through two paths: one of them aimed to describe the developmental processes of electroacoustic music\'s poetic since its origin and its use in the cinema; and for the other path we tried to outline the soundtrack\'s development of science fiction motion pictures that made use of elements coming from electroacoustic music. Each selected movie may be considered representative of its own time in this use of electroacoustic music\'s processes; which are: Forbidden Planet (1956), THX 1138 (1971), Tron (1982) and The Mothman Prophecies (2002).

Esta dissertação tem por objetivo estudar a relação som-imagem nos filmes de animação norte-americanos realizados no período final do cinema silencioso e no início do cinema sonoro. Foram feitos levantamentos históricos sobre o processo de produção do cinema de animação e sobre o processo de criação de suas trilhas sonoras antes e após o advento do som sincrônico. A partir desses levantamentos e da análise de curtas-metragens do final da década de 1920, identificou-se características próprias do cinema de animação tanto em relação ao uso de soluções visuais para sugestões sonoras nos filmes silenciosos quanto à criação de uma relação única entre som e imagem nos filmes sonoros, especialmente nos filmes produzidos por Walt Disney. / The present work aims at studying the sound-image relationship in North American animated films made at the end of the silent era and in the beginning of the sound film era. Historical surveys have been developed about the production process of animated films and about the creative process of their soundtrack before and after the advent of synchronized sound. From these surveys and analysis of short films made at the end of the 1920s, specific traits of animated film have been identified in regard to visual solutions for sound suggestion in silent cartoons as well as the creation of a unique relationship between image and sound in the sound films, especially in Walt Disney\'s films.

Desmistificando a ideia de que música para o cinema e música para as salas de concerto pertencem a universos distintos, na qual a primeira seria inferior à segunda, o presente trabalho propõe a análise musical parcial de duas obras do compositor norte-americano Bernard Herrmann: a Sinfonietta for String Orchestra e a trilha sonora do filme Psycho (Psicose). Ele se desenvolve mostrando a interação e a intersecção do que denominamos domínios da sala de concerto e do meio cinematográfico, analisando essas peças sob a ótica da intertextualidade elemento de forte presença materializado em Psycho pela reutilização de ideias e até mesmo de movimentos integrais da Sinfonietta O trabalho também retrata o desenvolvimento histórico e estético da música para o cinema e discute questões de ordem funcional e formal. É acompanhado de um CD-ROM com os áudios dos trechos analisados e as imagens das sequências do filme que contêm os trechos musicais selecionados para análise. / In this work an attempt is made to demystify the idea that music for film and music for concert halls belong to different universes, where the first would carry less value than the second. The Sinfonietta for String Orchestra and the soundtrack from the movie Psycho, two musical works of the american composer Bernard Herrman, will be partially analyzed. The analysis portrays the interaction and intersection of what we call the domains of the concert hall and the cinema, analizing these scores from the perspective of intertextuality which can be seen through the reuse of ideas and even whole movements from the Sinfonietta within the soundtrack of Psycho. The work also depicts the historical development, aesthetics of music for film and discusses issues of its function and form. It is accompanied by a CD-ROM with audio excerpts and sequences from the film which contains the musical excerpts selected for this analysis.

Desmistificando a ideia de que música para o cinema e música para as salas de concerto pertencem a universos distintos, na qual a primeira seria inferior à segunda, o presente trabalho propõe a análise musical parcial de duas obras do compositor norte-americano Bernard Herrmann: a Sinfonietta for String Orchestra e a trilha sonora do filme Psycho (Psicose). Ele se desenvolve mostrando a interação e a intersecção do que denominamos domínios da sala de concerto e do meio cinematográfico, analisando essas peças sob a ótica da intertextualidade elemento de forte presença materializado em Psycho pela reutilização de ideias e até mesmo de movimentos integrais da Sinfonietta O trabalho também retrata o desenvolvimento histórico e estético da música para o cinema e discute questões de ordem funcional e formal. É acompanhado de um CD-ROM com os áudios dos trechos analisados e as imagens das sequências do filme que contêm os trechos musicais selecionados para análise. / In this work an attempt is made to demystify the idea that music for film and music for concert halls belong to different universes, where the first would carry less value than the second. The Sinfonietta for String Orchestra and the soundtrack from the movie Psycho, two musical works of the american composer Bernard Herrman, will be partially analyzed. The analysis portrays the interaction and intersection of what we call the domains of the concert hall and the cinema, analizing these scores from the perspective of intertextuality which can be seen through the reuse of ideas and even whole movements from the Sinfonietta within the soundtrack of Psycho. The work also depicts the historical development, aesthetics of music for film and discusses issues of its function and form. It is accompanied by a CD-ROM with audio excerpts and sequences from the film which contains the musical excerpts selected for this analysis.

Submitted by Giselly Moraes (xltrama@gmail.com) on 2016-10-13T17:47:56Z No. of bitstreams: 1 Tese Giselly Lima de Moraes.pdf: 21360570 bytes, checksum: 87cd75b7c0de4149fa653fd086d8a74e (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2016-10-17T16:30:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese Giselly Lima de Moraes.pdf: 21360570 bytes, checksum: 87cd75b7c0de4149fa653fd086d8a74e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-17T16:30:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese Giselly Lima de Moraes.pdf: 21360570 bytes, checksum: 87cd75b7c0de4149fa653fd086d8a74e (MD5) / CAPES / Esta tese trata da emergência da literatura digital para crianças com enfoque nas possíveis contribuições da trilha sonora de appbooks como mediadora da leitura de narrativas literárias. O trabalho oferece, inicialmente, um panorama da literatura infantil digital disponível na internet e em lojas virtuais para dispositivos móveis como celulares e tablets. Parte da análise de aplicativos majoritariamente baseados em livros ilustrados, buscando apresentar uma pauta de referência para o estudo dos recursos sonoros desses aplicativos e, deste modo, identificar formas de articulação entre os sons e a narrativa. A pauta foi construída a partir do entrecruzamento entre conceitos provenientes dos campos do audiovisual, das narrativas digitais, e dos estudos da narrativa literária, com o propósito de explicitar como os elementos da trilha sonora – música, voz e ruídos - ajudam a construir o relato do ponto de vista do discurso e da história. Estes dados foram analisados também à luz de uma experiência de leitura de aplicativos literários com seis sujeitos, crianças que frequentam os anos iniciais do ensino fundamental em uma escola da província de Barcelona, Espanha. Esta experiência de escuta, bem como a análise dos aplicativos, referenciada na pauta elaborada, revelam, como resultado da investigação, um potencial didático dos recursos sonoros para problematizar conhecimentos literários dos leitores, como também para tornar observáveis recursos narrativos importantes para a construção de sentido.

O som e a imagem constroem a narrativa no cinema. Efeitos sonoros, diálogos, música e o silêncio ‐ junto com a imagem ‐ compõem e transmitem significado à obra cinematográfica na sua totalidade. Tendo como objeto de estudo o curta‐metragem De Lá pra Cá, do cineasta Frederico Pinto, o presente trabalho cartografa os sons que compõem sua trilha sonora e verifica seu papel na narrativa fílmica a partir do conceito de Paisagem Sonora, em duas de suas dimensões, a acústica e a Psicoacústica. Objetiva‐se perceber em que medida a Paisagem Sonora influencia dramática e narrativamente na obra cinematográfica. Metodologicamente, após cartografar o som do curta‐metragem De Lá Pra Cá, identificou‐se as Paisagens Sonoras existentes no filme e seus papéis na construção narrativa. A cartografia e a análise sonora das cenas decompõem os sons do filme em seus diferentes atributos, possibilitando sua compreensão em diversos níveis. A análise e posterior interpretação da cartografia sonora de De Lá pra Cá permitiram concluir que diferentes Paisagens Sonoras o constituem, havendo uma predominância das hi‐fi sendo em alguns momentos contrapostas pelas lo‐fi. A Paisagem Sonora dá ritmo, provoca emoções, evoca sentimentos, gera tensões, tendo um importante papel narrativo. / The sound and image build a narrative film. Sound effects, dialogue, music and silence ‐ along with the image ‐ compose and transmit meaning to film in its entirety. With the short film De Lá pra Cá, of the filmmaker Frederico Pinto, as object of study this work makes a map of the sounds that compose its soundtrack and verifies its role in film narrative based on the concept of Soundscape in two of its dimensions, acoustics and Psychoacoustics. The objective is to verify how the Soundscape influences the drama and narrative of the film. Methodologically, after mapping the sound of the short film De Lá pra Cá, we identified the existing Soundscapes in the film and their roles in narrative construction. The mapping and analysis decompose the sounds of the film in its different attributes, allowing its understanding on several levels. The analysis and subsequent interpretation of the mapping of sounds of the De Lá pra Cá film allowed to conclude that it’s made by different Soundscapes, with a predominance of hi‐fi,and at times opposed by the lo‐fi. The Soundscape gives rhythm, triggers emotions, evokes feelings, generates tensions, having an important narrative role.

Submitted by Maike Costa (maiksebas@gmail.com) on 2017-03-10T13:59:34Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8953311 bytes, checksum: 11a1725cde889b19a5c091731e42b037 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-10T13:59:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8953311 bytes, checksum: 11a1725cde889b19a5c091731e42b037 (MD5) Previous issue date: 2016-03-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Miklós Rózsa claimed to keep a "double life": composer of concert music versus composer of films soundtrack. In this paper, we sought to answer questions such as: would have the composer really a "double life" articulated this way? His work would have a consistent poetic of music, common to both genres to which the composer had dedicated himself? It is known that Rózsa had the Hungarian folk music as basis for his music. To better understand them was made a profound bibliographic research on the subject, in which several articles of Hungarian musicologists were used in order to give more consistency to it. With the aim of to see if Rózsa maintained the same musical poetic in both genres, were realized several comparative analyzes of the composer's works, both in his movies soundtracks as in his concert music, to cover all productive periods of the composer (opus 1-1927 to opus 45- 1989), period which he also worked in several companies and composed for various filmic genres (drama, fantasy, comedy, noir, thriller, epic, among others). Prior to the preparation of this work, there was the assumption that the composer would have a consistent musical poetics in the two musical genres to which he was dedicated. Thus, another question would arise: Did Rózsa innovate the Hollywood filmic music or did he adapt himself to it? To answer this question, it was necessary also to investigate the characteristics of the soundtracks of Hollywood movies before the arrival of the Hungarian composer to the Californian district. / Miklós Rózsa afirmava possuir uma “vida dupla”: compositor de música de concerto versus compositor de trilha sonora de filmes. No presente trabalho, buscamos responder a questões como: teria mesmo o compositor uma “vida dupla” articulada dessa maneira? Sua obra teria uma consistente poética musical, comum a ambos os gêneros aos quais o compositor se dedicara? Sabe-se que Rózsa tinha a música folclórica húngara como base para as suas músicas. Para melhor compreendê-las foi feita uma profunda pesquisa bibliográfica sobre o assunto, na qual foram utilizados diversos artigos de musicólogos húngaros, a fim de dar mais consistência à pesquisa. Com o intuito de comprovar se Rózsa mantinha a mesma poética musical em ambos os gêneros, foram realizadas diversas análises comparativas de obras do compositor, tanto de suas trilhas sonoras para filmes quanto de suas músicas de concerto, de modo a cobrir todos os períodos produtivos do compositor (do Opus 1 - 1927 ao Opus 45 - 1989), período em que trabalhou também em diversas produtoras e compôs para diversos gêneros fílmicos (drama, fantasia, comédia, noir, suspense, épicos, entre outros). Antes da elaboração do presente trabalho, havia a hipótese de que o compositor teria, sim, uma poética musical consistente nos dois gêneros musicais aos quais se dedicou. Sendo assim, surgiria outra questão: Rózsa inovou a música fílmica hollywoodiana ou adaptou-se a ela? Para responder a esta pergunta, foi necessário também investigar as características das trilhas sonoras dos filmes de Hollywood antes da chegada do compositor húngaro ao distrito californiano.

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:46:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabrizio Di Sarno.pdf: 1414929 bytes, checksum: 2d0361e38e0a0c44208eedb54c9ec08e (MD5) Previous issue date: 2011-12-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O objetivo desta pesquisa é estudar o papel do Teremin (considerado o primeiro instrumento musical eletrônico da história) na trilha sonora do cinema norteamericano. Para tanto, procuramos fazer um levantamento desde o princípio de seu uso na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Constatamos cinco momentos cruciais do uso do Teremin nesta cinematografia: os três primeiros compreendem, respectivamente, as décadas de 1930, 1940 e 1950; no quarto período, iniciado em 1966, o uso do instrumento entra em decadência ao perder a força de representação que vinha tendo até então; o quinto período tem início no princípio dos anos 90, neste momento o uso do instrumento é recuperado pelo cinema norte-americano sob uma nova perspectiva. O Teremin é visto de duas maneiras nesta pesquisa: 1) como instrumento melódico; 2) como produtor de efeitos sonoros. Nos dois casos procuramos entender as estratégias utilizadas pelas trilhas sonoras que levam a representação do estranho, do desconhecido, do monstruoso. O percurso histórico do instrumento pelo cinema norte-americano aponta para motivações que o fazem lugar ideal para representar efeitos sonoros que tem seu uso associado a um território governado por fenômenos inexplicáveis. O processo de representação ao qual o Teremin foi associado acompanha um período histórico singular, que vai do nazi-fascismo, passa pela Guerra Fria e desemboca na queda do muro de Berlim. No entanto, no início dos anos 60, o instrumento perde seu poder de sedução no momento em que, por exemplo, as viagens espaciais começam a se tornar realidade. Além de catalogar os filmes mais importantes que fazem uso do Teremin como instrumento melódico ou como instrumento responsável pela execução de efeitos sonoros, estudamos os tipos de uso do som do instrumento, para que se possa entender a sua influência no imaginário cinematográfico norte-americano.

O som e a imagem constroem a narrativa no cinema. Efeitos sonoros, diálogos, música e o silêncio ‐ junto com a imagem ‐ compõem e transmitem significado à obra cinematográfica na sua totalidade. Tendo como objeto de estudo o curta‐metragem De Lá pra Cá, do cineasta Frederico Pinto, o presente trabalho cartografa os sons que compõem sua trilha sonora e verifica seu papel na narrativa fílmica a partir do conceito de Paisagem Sonora, em duas de suas dimensões, a acústica e a Psicoacústica. Objetiva‐se perceber em que medida a Paisagem Sonora influencia dramática e narrativamente na obra cinematográfica. Metodologicamente, após cartografar o som do curta‐metragem De Lá Pra Cá, identificou‐se as Paisagens Sonoras existentes no filme e seus papéis na construção narrativa. A cartografia e a análise sonora das cenas decompõem os sons do filme em seus diferentes atributos, possibilitando sua compreensão em diversos níveis. A análise e posterior interpretação da cartografia sonora de De Lá pra Cá permitiram concluir que diferentes Paisagens Sonoras o constituem, havendo uma predominância das hi‐fi sendo em alguns momentos contrapostas pelas lo‐fi. A Paisagem Sonora dá ritmo, provoca emoções, evoca sentimentos, gera tensões, tendo um importante papel narrativo. / The sound and image build a narrative film. Sound effects, dialogue, music and silence ‐ along with the image ‐ compose and transmit meaning to film in its entirety. With the short film De Lá pra Cá, of the filmmaker Frederico Pinto, as object of study this work makes a map of the sounds that compose its soundtrack and verifies its role in film narrative based on the concept of Soundscape in two of its dimensions, acoustics and Psychoacoustics. The objective is to verify how the Soundscape influences the drama and narrative of the film. Methodologically, after mapping the sound of the short film De Lá pra Cá, we identified the existing Soundscapes in the film and their roles in narrative construction. The mapping and analysis decompose the sounds of the film in its different attributes, allowing its understanding on several levels. The analysis and subsequent interpretation of the mapping of sounds of the De Lá pra Cá film allowed to conclude that it’s made by different Soundscapes, with a predominance of hi‐fi,and at times opposed by the lo‐fi. The Soundscape gives rhythm, triggers emotions, evokes feelings, generates tensions, having an important narrative role.

Esta dissertação tem por objetivo estudar a relação som-imagem nos filmes de animação norte-americanos realizados no período final do cinema silencioso e no início do cinema sonoro. Foram feitos levantamentos históricos sobre o processo de produção do cinema de animação e sobre o processo de criação de suas trilhas sonoras antes e após o advento do som sincrônico. A partir desses levantamentos e da análise de curtas-metragens do final da década de 1920, identificou-se características próprias do cinema de animação tanto em relação ao uso de soluções visuais para sugestões sonoras nos filmes silenciosos quanto à criação de uma relação única entre som e imagem nos filmes sonoros, especialmente nos filmes produzidos por Walt Disney. / The present work aims at studying the sound-image relationship in North American animated films made at the end of the silent era and in the beginning of the sound film era. Historical surveys have been developed about the production process of animated films and about the creative process of their soundtrack before and after the advent of synchronized sound. From these surveys and analysis of short films made at the end of the 1920s, specific traits of animated film have been identified in regard to visual solutions for sound suggestion in silent cartoons as well as the creation of a unique relationship between image and sound in the sound films, especially in Walt Disney\'s films.