This dissertation presents, for the first time, a freestanding account of notions of time and temporality as seen in the visual arts of the late Archaic and Classical Greece and contextualizes it within the larger cultural history of time. There is a growing consensus among scholars regarding a societal shift in fifth-century Greek attitudes towards time, from the authority of the past to the uncertainties and the immediacy of the present. This dissertation explores such changing notions of time in the visual tradition in four different ways: firstly through the personification of the key notion of kairos, which embodies on many levels the manifestation of this new temporality; secondly by investigating the emergent interest of the "historical present" in the artistic subject matter of the so-called Historienbilder; thirdly through a detailed investigation of new pictorial strategies in Greek vase painting that carry specific temporal attributes, by focusing on the motifs of jumping, lifting and dropping; and lastly, by dissecting the anatomy of the popular motif of "erotic pursuits" in vase painting, which embodies the sensory nature of this new temporality that hinges upon the notion of suspense and delay. These investigations employ a new phenomenological framework that centers on the "embodied viewer", connecting the temporality as understood by the viewer with that which is portrayed in the object, bringing together the visible temporality in art and the experienced temporality of the society, which the viewer inhabits. This framework is first sketched out by offering a phenomenological reading of a full 3-D digital reconstruction of the Lysippan Kairos. Such changes in the notion of time in the visual arts, seen as early as the late sixth century BCE and fully manifest in the Classical period, is also put into relief by a brief examination of analogous literary techniques, with a focus on the case of Aeschylus.

O autor pergunta, a partir da iconografia da Guerra de Tróia, pelo lugar da guerra no imaginário ateniense durante os séculos VI-V a.C.. O corpus da pesquisa é constituído por 248 vasos áticos referentes a nove cenas: 1) Armamento de Aquiles; 2) Partida de Aquiles; os duelos entre 3) Páris e Menelau, 4) Enéias e Diomedes, 5) Ájax e Heitor, 6) Aquiles e Heitor, 7) Aquiles e Mêmnon; os retornos de guerreiros mortos em batalha: 8) Sono e Morte carregando o corpo de Sarpédon e 9) Ájax carregando o corpo de Aquiles. Os recortes espacial, Atenas, e cronológico, séculos VI-V a.C., foram feitos devido à escolha deliberada dos vasos áticos e ao surgimento e desaparecimento do tema nesse período. Partindo dos pressupostos de que há uma relação entre imagens e sociedade e de que as imagens são construções do imaginário social, que permitem uma aproximação às representações coletivas, o autor propõe ser a Guerra de Tróia um elemento constitutivo do imaginário ateniense nos séculos VI-V a.C. e remeter sua iconografia às representações dos atenienses sobre a atividade guerreira em seu próprio tempo. As imagens pintadas da Guerra de Tróia, antes de serem ilustrações de um evento do passado, são manifestações da imagem que a cidade de Atenas faz de si mesma em relação à guerra. Presente na memória coletiva dos atenienses, a Guerra de Tróia é um acontecimento, no qual a cidade fundamenta seus valores, sua sociedade e os respectivos papéis de seus cidadãos. Em suma, a guerra, antes de ser uma atividade restrita aos guerreiros, envolve toda a cidade, isto é, os não guerreiros, entre os quais, a mulher e o homem idoso, pais do guerreiro, ocupam um lugar preponderante. / From the iconography of the Trojan War, the author asks about the place of the war in the Athenian imaginary in the sixth and fifth centuries B.C. The corpus of the research is composed of 248 attic vases about nine scenes: 1) The arming of Achilles; 2) The departure of Achilles; the duels: 3) Paris fighting Menelaos, 4) Aeneas fighting Diomedes, 5) Ajax fighting Hector, 6) Achilles fighting Hector, 7) Achilles fighting Memnon; the returns of the dead warriors in battle: 8) Sleep and Death carrying the body of Sarpedon, and 9) Ajax carrying the body of Achilles. The choice of space, Athens, and chronological period, 6th and 5th centuries B.C., was based on a deliberate option for the attic vases and on the appearance and disappearance of the theme in this period. Based on the assumptions that there is a relationship between images and society and that images are constructs of the social imaginary, allowing an approximation to collective representations, the author proposes that the Trojan War is a constituent element of the Athenian imaginary in the sixth and fifth centuries B.C. and that its iconography refers to the representations of Athenians on the war activity in their own time. The Trojan Wars painted pictures, rather than being illustrations of an event from the past, are manifestations of the image that the city of Athens makes about itself, concerning the war. The Trojan War is an event in the collective memory of the Athenians, upon which the city establishes its values, its society and the respective roles of its citizens. In short, that war, rather than being an activity restricted to warriors, concerns the whole city, namely, the non-warriors, among them, the woman and the old man, the warriors parents, who hold an important place.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Paris 1, 2000. / Bibliogr. p. 17-18. Notes bibliogr. Index.

Because of their abundance and because of the insight into the ancient world offered by the depictions on their decorated surfaces, Attic painted ceramics are an extremely valuable source of material evidence. Knowing the identities and personalities of the artists who painted them not only helps us understand the paintings, but also helps in the process of dating them and, in the case of sherds, reconstructing them. However, few of the artists signed their wares, and the identities of the artists have to be revealed through a close analysis of the style in a process called attribution. The vast majority of the attributions of archaic Attic vases are due to John Beazley whose monumental works set the stage for the dominance of attribution studies in the scholarship of Greek ceramics for most of the 20th century. However, the number of new scholars trained in this arcane art is dwindling as new avenues of archaeological research have gained ascendency. A computer-aided technique for attribution may preserve the benefits of the art while allowing new scholars to explore previously ignored areas of research. To this end, the present study provides a theoretical framework for computer-aided attribution, and using the corpus of the Princeton Painter - a painter active in the 6th century BCE - demonstrates the principal that, by employing pattern recognition techniques, computers may be trained to serve as an aid in the attribution process. Three different techniques are presented that are capable of distinguishing between paintings of the Princeton Painter and some of his contemporaries with reasonable accuracy. The first uses shape descriptors to distinguish between the methods employed by respective artists to render minor anatomical details. The second shows that the relative positions of cranial features of the male figures on black-figure paintings is an indicator of style and may also be used as part of the attribution process. Finally a novel technique is presented that can distinguish between pots constructed by different potters based on their shape profiles. This technique may offer valuable clues for attribution when artists are known to work mostly with a single potter. / Thesis (Ph.D.)-University of KwaZulu-Natal, Durban, 2009.

Thesis (doctoral)--Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn, 1980. / Includes bibliographical references (p. 152-165).

Thesis (M.A.)--Kent State University, 2009. / Title from PDF t.p. (viewed April 22, 2010). Advisor: Fred Smith. Keywords: Baby Jaguar; Chaak; Maya ceramic painting; Yum Cimil; Codex Vessels. Includes bibliographical references (p. 86-90).

L'œuvre de Joyce Mansour est la trace foudroyante, voire inquiétante, du principe surréaliste des « vases communicants» : imprégnation de l'écrit par les blessures de la vie tapies dans l'inconscient; empreinte du désir, de la mort, d'un souffle vital indomptable, mais désespéré. Parallèlement, elle témoigne de l'emprise du visuel sur son écriture de chair en érigeant ce « miroir du désir» qui installe une résonance intime entre sa poésie et les œuvres de ses amis artistes. Dans leurs collaborations, ils se subliment, s'exaltent, se commentent, s'illustrent les uns les autres. À leur façon, ils partagent les mêmes angoisses, commettent les mêmes transgressions, exercent la même liberté. L'art et l'écrit se répondent. Cette thèse cherche à suivre le parcours symbiotique entre les images, les mots et la vie, qui traverse l'œuvre de Joyce Mansour. Il se révèle dans la collection d'œuvres d'art océanique qu'elle a constituée avec son mari, Samir Mansour ; dans les Objets méchants qu'elle crée à partir de matériaux récupérés, glanés ou achetés au BHV ... et qui expriment un besoin d'exalter la vie quotidienne, en extraire son essence afin d'échapper au piège de l'ennuie; dans les affinités électives entre elle et ces artistes qui nourrissent ses œuvres, comme elle nourrit les leurs. Ce « miroir du désir» est à la fois singulier - l'expression de la destinée d'une poétesse hantée par la mort et ses traumatismes - et collectif, puisqu'il semble répondre au paysage fantasmagorique d'une génération assoiffée de liberté, mais hantée, comme Joyce Mansour, par les charniers des guerres successives et révoltée par la non-vie des vivants. / Joyce Manour 's work is a striking, sometimes anguishing example of Breton's concept of « communicating vessels » : the subconscious's hidden wounds seep into her writing leaving traces of desire, death and an inextinguishable yet desparate will to live. Parallel to this, the very visual, camal nature of her words provides a « mirror of desire » which enables the intimate echoing between her poetry and the works of her artist friends. Through their collaborations, they sublimate, enhance, comment on and illustrate each other. Each in their own way, they share the same anguish. commit the same transgressions, exercise the sa me freedom. Art and poetry connect deeply. This thesis aims to follow the symbiosis between images, words and experiences which characterises Joyce Mansours work. It reveals itself in the collection of Oceanic art she built up with her husbanc, Samir Mansour ; in the Objets méchants she created using material gleaned from scrapyards or bought at the BHV ... which express a need to intensify daily life, seek its essence in order to escape tedium ; in the elective affinities she shares with with the artists that enrich her works, as she does theirs. This « mirror of desire» is both personal - an expression of the poetess' s destiny, haunted by death and its traumas - and collective, as it seems to reflect the phantasmagorical landscape of a generation hungry for freedom, but haunted, like Joyce Mansour, by the mass graves of successive wars, and in rebellion against the non-life of the living.

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1. Problèmes et limites. L'étude des céramiques régionales (les céramiques non attiques) pose au chercheur des problèmes particuliers, notamment pour l'attribution des vases. En Béotie, où les artisans empruntèrent à d'autres ateliers des éléments divers, aussi bien pour la forme que pour le décor des vases, il est parfois ardu de différencier la production locale de la production étrangère. Certains vases ne peuvent donc pas être attribués à un atelier en tenant compte uniquement de critères stylistiques, dans les cas litigieux, seule une analyse de l'argile peut nous renseigner. Les influences extérieures sur la céramique béotienne depuis le style géométrique jusqu'au style à figures rouges, originent de l’Attique, de Corinthe, de l’Eubée, de la Laconie et de la Grèce de l'Est. L'impact de tous ces centres de production ne fut pas égal. L'Attique, région sise au sud de la Béotie et principal producteur de céramique depuis l'époque archaïque jusqu'à la fin de l'époque classique, marque la céramique béotienne plus qu'aucun autre centre de production étranger. Dans le cadre de notre recherche, seule l'influence attique sera étudiée. Une étude globale des influences étrangères serait une trop vaste entreprise dans le cadre d'une thèse de maîtrise. Parmi les nombreux vases béotiens appartenant à des groupes ou attribués à des peintres, il était nécessaire d'établir un corpus. Les vases à figures noires ont été choisis de préférence aux vases à figures rouges parce qu'ils constituent un ensemble quantitativement plus important et que jusqu'ici, la recherche a davantage été orientée vers ce groupe et les a mieux fait connaître. La céramique béotienne à figures noires comprend cinq groupes majeurs de vases : le groupe de l'oiseau-cheval, des danseurs béotiens, des vases géométricisants, des lékanai orientalisantes et le groupe plus disparate des vases tardifs, sans compter plusieurs vases attribués à des peintres ou à des ateliers mais non rattachables à un groupe particulier. L'étude pouvait porter sur un de ces groupes, ou sur une forme spécifique de vase, sans tenir compte de l’appartenance à un groupement : cette dernière possibilité a été retenue. La décision fut prise principalement à cause de l'impossibilité qu'il y aurait eu de réaliser une étude morphologique sérieuse de plusieurs vases béotiens et attiques, vu l'état sommaire de certaines publications. Rappelons, par exemple, que dans la plupart des fascicules du Corpus Vasorum Antiquorum, les profils des vases ne sont pas donnés et que les dimensions mentionnées sont souvent incomplètes ; cela rendait difficile, voire même caduque, l'étude de certaines formes. Nous avons donc opté pour l'étude de la lékanè, forme qui connut en Béotie une remarquable popularité. Notre corpus comprend des vases qui s'échelonnent sur une cinquantaine d'années, soit de 570 à 520. Les premiers appartiennent à un groupe mineur, celui de la lékanè du Louvre CA 3667, il ne réunit que deux lékanai peu connues mais intéressantes, il date des environs de 570 ; le second, le groupe des lékanai orientalisantes rassemble 55 vases et date de 550 à 520. De plus, sans toutefois les étudier dans les détails, nous parlerons, tout au moins en ce qui concerne la forme des lékanai, du groupe des vases géométricisants, daté de 560 à 550. Notre étude aura donc pour but d'étudier les influences de la céramique attique sur une forme de vases béotiens : les lékanai. L'analyse permettra de déterminer jusqu'à quel point les artisans béotiens ont puisé chez leurs voisins et de quelle façon les éléments étrangers ont été intégrés à leur céramique. 2. La méthodologie Dépendant du type de céramique étudié, les approches varient énormément; nous avons choisi d'utiliser la méthode développée par J.D.Beazley. Le célèbre céramologue n'a pas expliqué dans un traité théorique sa façon de procéder; pour la comprendre, il faut faire appel à ses travaux, surtout à ses premiers articles et à ses catalogues. La méthode de Beazley consiste à étudier la forme du vase, l'iconographie, la composition du décor, le style du dessin et finalement les éléments décoratifs secondaires. Notre étude est divisée en cinq chapitres : un de présentation, trois d'analyse et un dernier qui apporte des renseignements complémentaires. Il est apparu nécessaire de présenter un historique des études concernant les deux groupes de vases de manière à mieux connaître le long cheminement qu'ont dû effectuer plusieurs de ces vases, attribués à toutes sortes d'ateliers, avant d'être reconnus comme béotiens. Seront également mentionnées les diverses théories émises sur la situation et la datation des groupes. Finalement, notre classification des lékanai sera exposée, elle a été conçue de façon à ce qu'on puisse y intégrer toutes les lékanai sans tenir compte des attributions antérieures. L'analyse des influences sera effectuée en trois phases : la première traitera des influences sur la forme et la composition du décor, la seconde de l'influence dans le choix et l'arrangement du décor principal et la troisième, du style du dessin. Le schéma général des analyses est le suivant : les vases béotiens sont décrits puis des comparaisons, permettant de voir s'il y a bien eu des influences, sont établies avec des vases attiques. Le dernier chapitre permettra d'évaluer l'importance des importations de céramique attique en Béotie et d'exposer le problème de la datation des lékanai. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2012

Thesis (MPhil)--Stellenbosch University, 2013. / ENGLISH ABSTRACT: During the fifth century BCE there were three defining periods in Athenian history that challenged its society: the Persian Wars (490 – 479 BCE); Periclean Athens (mid-fifth century); and the Peloponnesian War (431 – 404 BCE). As the development of identity is a reactionary process, these three periods had a profound effect on the Athenian identity and led to the redefinition of this self-image along the primordialist models. Two premises are combined in this study. Firstly that comparisons to contrary ethnicities are vital to the development of identity, and secondly that the visual articulation of an identity is essential to the reinforcement and maintenance of this self-image. This can be applied to the development of Athenian identity during the fifth century BCE as reflected in Attic vase painting. Through a study of the "other" imagery produced in this century, with special attention given to Amazons, it is possible to see the development and nature of the Athenian identity during each of the three periods. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Tydens die vyfde eeu vC was daar drie omskrywende periodes in Atheense geskiedenis wat hul samelewing uitgedaag het: die Persiese Oorloë (490 – 479 vC); Perikleiese Athene (mid-vyfde eeu); en die Pelopponiese Oorlog (431 – 404 vC). Omdat die ontwikkeling van identiteit 'n reaksionêre proses is, het hierdie drie periodes 'n diepgaande indruk op die Atheense identiteit gehad en het bygedra tot die herdefiniesie van hierdie selfbeeld volgens die primordialis modelle. Twee stellings word gekombineer in hierdie studie. Eerstens dat vergelykings aan teenoorgestelde etnisiteite essensieel is vir die ontwikkeling van identiteit, en tweedens, dat die visuele artikulasie van 'n identiteit noodsaaklik is vir die versterking en onderhoud van die selfbeeld. Dit kan toegepas word by die ontwikkeling van Atheense identiteit gedurend die vyfde eeu vC soos in Attiese vaas versiering uitgebeeld is. Deur middel van 'n studie van die "ander" beelde geskep in die eeu, met spesiale aandag aan Amasone, is dit moontlik om die ontwikkeling en karakter van die Atheense identiteit gedurend elk van die drie periodes te verstaan.