This report analyzes André Breton’s particular brand of travel-writing that emerges from his four-month-long trip to Mexico in 1938 (“Memory of Mexico” from the Minotaure journal, a “Portrait of Frida Kahlo,” and the speech “Visit with Leon Trotsky”). I show how these writings, to a great extent, poeticize the Mexican landscape, rendering it as a “primitive,” innate expression of the surrealist spirit. I also question how surrealist ethnographic practices, as defined in James Clifford’s The Predicament of Culture, might feed into Breton’s poetic elaboration of his travels. In the last section, I examine Breton’s collaboration with Leon Trotsky, “Manifesto for an Independent Revolutionary Art.” Breton and Trotsky declare art to be entirely free from all social constraints imposed from above—it is an aggressive anti-Stalinist document. I discuss how Breton’s more poetic writings of the period—these travelogues I have mentioned—also constitute an attempt to put into practice this manifesto’s creed. As depicted in Breton’s writings, the Mexican landscape itself realizes a type of alternative Marxism—one not beholden to strict historical-materialist doctrine. / text

La présente étude a pour objet d’examiner les écrits d’André Breton sur l’art et d’éclairer l’importance des recherches opérées sur l’image dans les principales questions abordées par l’écrivain entre les premières années de sa carrière et la fin de la seconde guerre mondiale. Si le surréalisme a commencé comme un mouvement littéraire, il va de soi que les arts plastiques n’ont pas tardé à y occuper une place essentielle. De toute évidence, les succès du surréalisme en matière d’art plastique sont encouragés par la passion vive et constante de Breton lui-même en ce domaine. Les œuvres d’art ont souvent été pour Breton autant d’occasions d’écriture. Une part de ces textes est généralement considérée comme relevant de la critique d’art. Cependant les réflexions de l’écrivain sur l’art ne se limitent pas au genre critique. Certains essais et les récits autobiographiques rendent compte d’événements étonnants suscités par les œuvres d’art. La question artistique peut en outre prendre la place principale dans les textes argumentatifs et théoriques.Les écrits de Breton peuvent être situés dans la grande filiation de la modernité poétique, de Baudelaire à des contemporains comme Jacques Dupin ou Bernard Noël. Ces textes mettent en jeu le rapprochement et la concurrence entre poésie et peinture. Le propos de l’écrivain ne vise pourtant pas à accorder la supériorité à l’expression verbale plutôt qu’à la représentation visuelle ou vice-versa, mais à faire remarquer l’entrelacement du langage et de l’image. Breton s’efforce en outre de mettre à profit l’entrecroisement hiérographique de l’écriture et de l’image. Loin de chercher à dégager une conception cohérente de l’écrivain concernant les arts plastiques, notre analyse s’efforce de montrer comment les images visuelles ont au contraire pour objet de déstabiliser l’écriture de Breton et de la remettre en cause. Dans la première partie, nous nous pencherons sur les réflexions de Breton sur l’art au cours des années 1920, dont le développement traverse les frontières génériques des textes. Dans la partie suivante, nous constaterons qu’une place plus importante est accordée dans les années 1930 aux recherches sur les représentations visuelles, qui concernent alors directement les préoccupations principales de l’écrivain : le problème porte sur le désir inconscient, sa révélation et sa réalisation. Tandis que les tableaux sont susceptibles de mettre en place un nœud entre réalité et rêverie, l’ « objet surréaliste » consiste à déplacer sans cesse la frontière de ceux-ci. La dernière partie sera consacrée à l’apport des représentations visuelles dans la conception du « mythe surréaliste », qui occupe la place principale dans les préoccupations du groupe aux cours des années 1940. Le recours aux produits de l’imaginaire collectif n’empêche pas de profiter du caractère polyphonique des images pour en révéler le caractère mystificateur. En suivant ainsi l’évolution des recherches de Breton sur l’art plastique dans l’ordre chronologique, nos analyses voudront montrer que l’activité de Breton autour de l’art visuel entretenaient un rapport étroit avec l’écriture. L’intérêt conjoint pour les arts plastiques et pour la poésie n’aboutit pas à proclamer la suprématie de l’une sur les autres, encore moins à prétendre à la fusion des deux domaines. Inséparable de l’écriture, mais toujours en dehors ou plutôt en marge de celle-ci, les représentations visuelles ont pour effet de remettre les écrits en question en perturbant la lecture. Or, un tel décalage suppose incontestablement la participation du lecteur-spectateur qui, dans son embarras devant cette double incohérence, est convié à se mêler au jeu des textes et des images. L’écrivain s’efforce ainsi d’inviter le lecteur-spectateur à l’intérieur des champs surréalistes, en lui proposant de vivre la même expérience que lui. / The purpose of this study is to examine the writings of Andre Breton on the arts between the first years of his career and the end of The Second World War. If Surrealism began as a movement of literature, it goes without saying that arts have occupied an essential place in this group. Obviously, the success of the surrealism in the field of art is encouraged by the passion of Breton in this area. The art works inspired Breton to write many texts. A part of these texts is generally regarded as “art critic”. However the reflections of the writer on the art is not confined to this genre. Some essays and autobiographical stories tell episodes created by the art works. In addition, the artistic question may take the main place in the argumentative and theoretical texts.The writings of Breton may be located in the filiation of the modern poetry, from Baudelaire to contemporary poets as Jacques Dupin or Bernard Noël. These texts discuss the competitive relation between poetry and painting. The texts of Breton don’t try to give the superiority to the verbal expression rather than to the visual representation or vice versa, but to point out the interlacing of language and image. Far from seeking to find a coherent concept of the writer concerning the field of art, our analysis tries to show how the visual images have influence on the writing of Breton. In the first part, we will focus on the reflections of Breton on the art in the 1920s, the development of which crossed the borders of genres of texts. In the next part, we will find that a more important place is given in the 1930s to research on the visual representations, which then relate directly the main concerns of the writer : unconscious desire, its revelation and realization. The last part will be devoted to the contribution of visual representations in the “myth of Surrealism”, which occupied the important place in the concerns of the group during the 1940s. Following the evolution of Breton’s reflections on the plastic art in chronological order, our analysis will show that the activity of Breton around the visual art had a close relationship with his writing. The interest both for the plastic arts and for the poetry does not lead to proclaim the supremacy of one over the other, still less to pretend to the fusion of the two areas. Inseparable from the writing, but always outside or rather at the margin of the wrigting, the visual representations have the effect of putting the writings in question. However, such a discrepancy between texts and images implies the participation of the reader-spectator who, is invited to magnetic field of the Surrealism.

The first part of my thesis will be about poet Zbyněk Havlíček's life and work. The work is mostly based on his heritage which is deposit in LA PNP in Prague in Strahov. The first chapter will describe the poet's personality in the view of his mother Marie and in the other part Havlíček's friends - Robert Kalivoda, Vratislav Effenberger and Josef Vyskočil - will comment his life. The second chapter will talk primarily about Havlíček's interpretation of surrealism. In this chapter I will also mention Havlíček's perception of the greatest surrealist André Breton. The last chapter will shortly introduce Zbyněk Havlíček 's poetics. The second part of the thesis will offer collection of his heritage (printed matters, manuscripts, correspondence) which is deposited in LA PNP in Prague in Strahov.

Cette thèse apporte des éléments de description et d’analyse du registre littéraire que constitue l’humour noir. Elle s’appuie sur les réflexions développées par André Breton dans son Anthologie de l’humour noir (1966), tout en les resituant au sein des théories surréalistes et en démontrant que l’auteur construit un registre parfaitement adapté à la défense de ses opinions sur l’art et la modernité. La sélection effectuée par l’Anthologie peut alors être abordée sous un nouvel angle et étudiée d’un point de vue littéraire : l’humour noir peut ainsi être défini comme un registre bipolaire, reposant sur la confrontation entre deux tendances, l’une herméneutique et l’autre terroriste, mais qui interrogent toutes deux la valeur des discours tenus sur le monde. Les manifestations littéraires de l’humour noir peuvent ainsi être analysées, de même que les évolutions que connaît le registre à la suite de la Seconde Guerre mondiale. L’humour noir gagne en effet en popularité au sein des médias et les auteurs qui vont avoir recours à ce registre vont prendre en compte sa proximité avec des genres littéraires peu légitimes. Ces évolutions du registre sont étudiées à travers les œuvres de trois auteurs : Joyce Mansour, Roland Topor et Jean-Pierre Martinet. Leurs récits reposent sur des procédés similaires qui visent dans l’ensemble à déstabiliser les schémas narratifs traditionnels. Ainsi, l’humour noir interroge le lecteur sur ses habitudes de lecture et rompt le contrat passé avec l’auteur afin de remettre en cause l’idée d’une communauté possible à travers le partage – inégal – d’une culture et d’une langue communes. L’humour noir postule ainsi l’existence d’une communauté introuvable par la littérature, au sein de récits qui revendiquent leur illégitimité. / This dissertation offers new elements for the description and the analysis of the literary register that is dark humour. It is based on the considerations that André Breton developed in his Anthologie de l’humour noir (1966), and at the same time, it replaces them within the surrealist theories, in order to demonstrate that the author creates a register perfectly suited to the defence of his opinions about art and Modernity. The selection that is made in the Anthologie can henceforth be approached with a fresh eye and analyzed from a literary point of view : dark humour would then be defined as a bipolar register, built on a confrontation between two tendencies, a hermeneutic one and a terrorist one, but which both question the value of the speeches that pretend to represent reality. The literary features of dark humour can thus be analyzed, as well as its evolutions after the Second World War. Indeed, at that time, dark humour becomes more popular in the media, and the authors who use it take into account its acquaintances with literary genres that lack legitimacy. The evolutions of the register are studied through the work of three writers : Joyce Mansour, Roland Topor and Jean-Pierre Martinet. Their narratives follow similar patterns which, on the whole, aim to dismantle the traditional narrative schemes. Thus, dark humour questions the reader about his reading habits and breaks the contract entered into with the author, in order to call into question the possibility of a community unified by the – unequal – share of a common culture and language. Dark humour thereby postulates the existence of a community that cannot be found by literature, within narratives that claim their illegitimacy.

Ce travail a pour objet l'histoire du surréalisme pendant l'entre-deux guerres (1921-1941 ). À travers l'étude de nombreuses revues d'époque et des écrits d'André Breton, de Georges Hugnet, de David Gascoyne, il s'agit de mettre en lumière la façon dont les surréalistes se sont faits les acteurs de leur propre histoire. Cette construction mémorielle, parfois critiquée par certains surréalistes (notamment René Crevel), explique sans nul doute les tensions et les conflits qui agitent le groupe. Durant les années 1930, nombreux sont les historiens de l'art et écrivains à assister et à commenter la formation du groupe surréaliste. Le rôle de Christian Zervos, celui de René Huyghe et de Marcel Raymond est évoqué, tout comme les apports plus marginaux de Carl Einstein, de Benjamin Fondane et de Walter Benjamin. Ce processus de réification d'un mouvement qui entend écrire sa propre histoire n'a pas pour seul théâtre la France et l'Europe. Plusieurs historiens de l'art, marchands et galeristes américains ont joué un rôle capital dans la reconnaissance du surréalisme. Les écrits de James Thrall Soby, de James Johnson Sweeney tout comme les initiatives d'Alfred Barr ou de Julien Levy ont été sondés et interrogés pour bien montrer la dimension planétaire du mouvement. / This work is dedicated to the history of surrealism du ring the inter-war period (1921-1944). Through the study of many periodicals and the writings of André Breton, Georges Hugnet, David Gascoyne, it highlights how surrealists have made themselves the actors of their own history. This memorial construction, sometimes criticized by some surrealists (especially René Crevel), undoubtedly explains the tensions and conflicts that shake the group. Du ring the 1930s, many art historians and writers attended and commented on the formation of the surrealist group. The role of Christian Zervos, René Huyghe and Marcel Raymond is evoked, as are the more marginal contributions of Carl Einstein, Benjamin Fondane and Walter Benjamin. This process of commodification of a movement that intends to write its own story does not only take place in France and in Europe. Many American art historians, merchants and galleries have played a major role in recognizing surrealism. The writings of James Thrall Soby, James Johnson Sweeney, as well as Alfred Barr or Julien Levy's initiatives show the planetary dimension of the movement.

博士(芸術学) / Doctor of Philosophy in Art Theory / 同志社大学 / Doshisha University

Notre étude porte sur le « mythe des Grands Transparents » présenté par André Breton (1896-1966) pour la première fois dans les « Prolégomènes à un troisième manifeste du surréalisme ou non » en 1942. La première partie de la thèse s’attache à démontrer les conditions de la naissance de ce mythe. Le chef du mouvement surréaliste élargit sa perspective poétique à travers sa propre pratique artistique, élargissement nécessaire à la perception de ces êtres hypothétiques. Dans la deuxième partie, nous montrons que notre mythographe développe discrètement leurs images dans ses textes poétiques, développement qu’il annonce subrepticement dans les « Prolégomènes ». Au début, ce sont surtout les Grands Transparents du « type guerre », marqués par le feu, qui sont principalement décrits dans ses poèmes ; cependant, ceux de la chance, qui participent de l’eau, apparaissent ultérieurement pour « repassionner » la vie humaine. C’est ainsi que le mythe est progressivement approfondi dans l’imaginaire bretonien. La troisième partie éclaircit d’abord la pensée mythique élaborée par Breton. En effet, il décrit ce qu’il appelle le « mythe collectif » en 1935, ainsi que le « mythe nouveau » en 1942 ; ces deux mythes ont ceci de commun qu’ils se développent à travers les œuvres d’art. Cependant, tandis que le premier peut faire l’objet d’une opération consciente, nous ne pouvons pas intervenir intentionnellement dans le second. Nous nous appuyons sur cette pensée bretonienne du mythe pour montrer comment le mythe des Grands Transparents se diffuse publiquement à la faveur de l’automatisme de la genèse mythique. Pour déclencher cet automatisme, Breton évite consciemment d’expliquer le mythe en détail ; de plus, il juxtapose, mais sans le préciser, trois modèles différents d’existence des Grands Transparents dans les « Prolégomènes » : « modèle inclusion », « modèle étranger » et « modèle mimétisme ». À chaque tentative d’interprétation, le mythe apparaît quelque part parmi ces trois centres de gravitation. De nombreuses variantes du mythe se produisent et se transmettent en dedans ainsi qu’en dehors du mouvement surréaliste par l’automatisme de la genèse mythique. Notre travail nous permet d’affirmer en conclusion que le mythe des Grands Transparents ne cesse de conserver une actualité certaine aux yeux de Breton même après la Seconde Guerre mondiale. / Our study focuses on the “myth of the Great Invisibles” presented by André Breton (1896-1966) for the first time in the “Prolegomena to a Third Manifesto of Surrealism or Else” in 1942. The first section of the thesis demonstrates the conditions of the birth of this myth. The leader of the surrealist movement expands his poetic perspective through his own artistic practice; this expansion is necessary to allow the perception of these hypothetical beings. In the second section, we show that our mythographer quietly develops their images in his poems, as he announces in the “Prolegomena”. Initially, it was the Great Invisibles of the “war type”, marked by fire, which were mainly described in his poems; however, those who preside over “luck”, marked by water, appear later to channel the people’s frustration, which the routine work of capitalistic society accumulated in their subconscious. Thus, the myth is gradually deepened in Breton’s imagination. The third section elucidates his specific mythical thought. Indeed, he starts to mention the “collective myth” in 1935 and the “new myth” in 1942; these two myths both develop through works of art. However, while the former can be an object of a conscious operation, we cannot intervene intentionally in the second. After that analysis, we note also that the myth of the Great Invisibles is publicly diffused thanks to the automatism of the myth’s growth. To trigger this automatism, Breton consciously avoids explaining in detail the myth; instead, he juxtaposes the three different models of existence of the Great Invisibles in the “Prolegomena”: “inclusion model”, “foreign model” and “mimesis model”. At each attempt to interpret the myth, the image of the Great Invisibles appears somewhere among these three centers of gravity. Many variations of the myth occur and are transmitted both inside and outside of the surrealist movement, following the automatism of the myth’s growth. In conclusion, we find that the myth of the Great Invisibles remains relevant in Breton’s eyes even after World War II.

Si c’est le futurisme et le Dadaïsme qui sont mis de l’avant dans la plupart des publications sur l’histoire de ce que l’on nomme la performance, l’impact du surréalisme est encore et toujours laissé de côté. En nous appuyant sur les recherches de Roselee Goldberg et Adrian Henri, il s’agit de mettre en lumière la contribution des surréalistes à l’art dit de performance. Précisément, nous reconstruisons et analysons les évènements éphémères que les surréalistes organisent dans la foulée de l’inauguration de leurs grandes expositions internationales : l’Acte manqué mis en scène pour l’Exposition internationale du surréalisme (1938), Prière de toucher, l’objet performatif réalisé pour Le Surréalisme en 1947, puis Festin inaugural et l’Exécution du testament du Marquis de Sade, tous deux planifiés pour l’Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (E.R.O.S.) en 1959. Après l’étude détaillée de ces évènements, il s’agit de les mettre en parallèle avec les expérimentations des artistes se vouant à l’art de la performance des années 1960/1970. Sans affirmer que ce genre d’œuvres est surréaliste, l’objectif est de montrer que certains enjeux et questions auxquelles le groupe s’intéresse se trouvent reflétés dans l’époque de l’âge d’or de la performance. / Although Futurism and Dadaism are credited for their experiences with different forms of performance, only few art historians acknowledge Surrealism’s influence. Building on the work of RoseLee Goldberg and Adrian Henri, the purpose of this thesis is to shed light on Surrealism’s contribution to what is globally known as Performance Art. We reconstruct, study and analyze the ephemeral events organized by the surrealists for their international exhibitions that took place in Paris: the Acte manqué presented at the opening of the Exposition internationale du surréalisme (1938), Prière de toucher, a performative object created for Le Surréalisme en 1947, and Festin inaugural as well as the Exécution du testament du Marquis de Sade, both organized for the Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (E.R.O.S.) in 1959. After a detailed analysis of these events, we then discuss their possible links to Performance Art of the 1960s/1970s. Our aim is not to state that the experimentations of that time period are inherently surrealist, but – in order to show the importance of the surrealist ephemeral events – , we point out that some issues and questions that posed the French avant-garde group, images even, were mirrored in Performance Art of the 1960s/ 1970s.

Cette thèse s’interroge sur les anthologies d’écrivain, un objet littéraire très intéressant, mais encore insuffisamment étudié à ce jour. Nous entreprenons dans un premier chapitre d’esquisser le champ théorique dans lequel se situe notre analyse en évoquant brièvement les théories du canon littéraire avant de nous tourner vers la notion de ‘musée’ qui guide notre interprétation dans la suite de ce travail. Notre corpus est constitué de six auteurs, trois de langue française (André Gide, Paul Éluard et André Breton) et trois de langue allemande (Hugo von Hofmannsthal, Rudolf Borchardt et Walter Benjamin). Dans la partie centrale de notre travail, nous analysons et interprétons les anthologies (de poésie et prose) que ces auteurs ont publiées dans des buts très différents. Nous observons que pour les auteurs de langue allemande, c’est la notion de ‘nation’ qui se trouve au centre de leur travail éditorial ; il s’y agit donc de l’effort, né d’un sentiment de crise et absence de cadre identitaire dans les années 1920/30, d’établir un sentiment d’appartenance à quelque chose qui unirait les Allemands. Du côté des Français nous observons aussi une impression de crise, cependant essentiellement différente, et une concentration sur le champ littéraire dans leur travail éditorial. À la fin, nous essayons de relier ces aspects à l’idée du musée de la littérature dans toute sa variété, telle qu’elle se présente dans nos anthologies. / In this thesis, we study an object which, despite the great interest it presents, only little attention has been paid: anthologies of authors. In our first chapter, we try to define the theoretical field which determines our reflections by outlining, in the first place, the most important aspects of literary theories concerning the canon and, in a second step, exploring the notion of ‘museum’ that will guide our reflections throughout our paper. Our corpus includes three French-speaking and three German-speaking authors (André Gide, Paul Éluard and André Breton on the French side, and Hugo von Hofmannsthal, Rudolf Borchardt and Walter Benjamin on the German/Austrian one). Analyzing and interpreting their collections of poetry and prose, assembled with very different objectives, constitutes the core of our study. We observe that for the German-speaking authors, it’s the concept of ‘nation’ that takes the most prominent place in their work; deriving from a sentiment of crisis in the 1920s and 30sand of the lack of an identity frame that could unite Germany. Whilst a great part of their editorial work consists in an effort to establish that idea of a common German identity, the French authors on the other hand, confronted with a substantially different consciousness of crisis, try to develop a more literary solution. At the end of our study, we try to unite the different aspects of our interpretation by refining the idea of a “museum of literature” as it presents itself in the texts analyzed.

The essay is a theoretical analysis on genre, based on André Breton's views on black humor. Breton is believed to be the person who is the mind behind the term "black humor", but his views on black humour have not – as far as I’m concerned – been applied in a film-scientific context. There is no cohesive view of the genre concept, as reflected in four selected genre theorists' texts that I selected. Texts that also have been published in various decades. The disposition for my essay is to begin by clarifying the definition of “black humour” by Breton and then highlight the key ideas of Leo Braudy, Thomas Schatz, Rick Altman and David Bordwell. In the end, I will try to interpret the ways in which black humor can be formed as a genre of its own. My conclusion is that there is no clear answer to how black can be formed as its own genre, but on the other hand there are a number of critical perspectives on the genre concept. Together, all theorists demonstrates complex relationships between ideological roots and present-day added significance. In the final discussion, I argue that there is a need to continue studying more about "black humor" by adding additional relevant dimensions and linking them to genre theory.