El Haber desarrollado por más de 30 años la actividad cineclubística en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, nos va a permitir describir y explicar la importancia de la difusión, y la trascendencia del arte cinematográfico en la comunidad universitaria y sus muchas implicancias. El estudio comprende cuatro capítulos, y las conclusiones y recomendaciones; pero antes explicamos las necesarias precisiones en relación al uso indistinto de las denominaciones que hacemos del Cine Club; para evitar posibles confusiones. Es así, que Cine Club de San Marcos, es el nombre con el que se inició, y denominó las actividades en el campus universitario. Así como, Cine Arte de San Marcos, el nombre posterior y denominación de las presentaciones en locales externos, como el Auditorio del Ministerio de Trabajo. Por ello, muchos lo conocían como Cine Club Arte de San Marcos, que es la unificación de ambas denominaciones, y que utilizaremos para entender una función más completa.

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«Nos gusta la no-ficción porque vivimos en tiempos ficticios». Con esta frase Michael Moore pretende explicar el enorme éxito que los documentales han tenido en la última década, en especial los suyos en los que, con su particular estilo, expone crudamente las debilidades de la sociedad norteamericana. / Tesis

En el siguiente trabajo de investigación se abordará la visión del cine sobre la escuela en Argentina y una breve exposición de las políticas educativas del período comprendido entre 1940 y 2006. El análisis está restringido al cine nacional y la educación escolar en Argentina.

La animación, gracias a los precursores cinemáticos y con el posterior impulso de Winsor McCay, surge como «una forma de expresión artística en movimiento», que se abren en dos vertientes. En la primera, Walt Disney instituyó una forma de producción sistematizada de animación incorporando nuevas tecnologías que le dieron a la animación un nuevo valor artístico; sin embargo este modelo de animación estaba nublado por intereses comerciales. La segunda vertiente, encabezada por la National Film Board of Canadá y Norman McLaren, rechaza el «modelo Disney» estética y temáticamente; proponiendo a cambio una forma de «animación independiente» basada en la manifestación personal, la experimentación de técnicas y el desarrollo de una temática adulta y contra cultural. Actualmente, éstas devinieron en la animación comercial y la animación independiente respectivamente; y aunque no existe una línea clara que las diferencia, hay ciertos criterios a considerar que van desde los modos de producción (número de artistas, presupuestos, exhibición y metrajes), los intereses artísticos (técnicas, libertad creativa) y enfoques conceptuales (temáticas, estructuras narrativas). La animación de autor tiene sus orígenes en el «cine de autor» pues comparten sus bases conceptuales. Y además, sus autores se definen por su visión personal del mundo, el uso de símbolos, y su amplio espectro artístico. Uno de los aspectos visuales más interesantes es el uso de diversas técnicas artesanales o experimentales, además de las tradicionales. Técnicas de animación a base de materiales como el carboncillo, la tinta china, la acuarela, el óleo, entre otras, los cuales definen el estilo del artista; y cómo la técnica (la forma) complementa el mensaje (el concepto) que cada artista quiere trasmitir, dándole un nuevo significado y valor a la obra de animación. Por otro lado, se estudian los fundamentos narrativos de animación como el guión, el storyboard, el desarrollo de personajes y la música; y cómo la correcta arquitectura de estos fundamentos permitirá crear una animación con una historia coherente, visualmente fluida, personajes con personalidad y una atmosfera que sea coherente con el concepto de la animación. Finalmente, se explora la función de la animación de autor como forma de arte en la sociedad. Su dinamismo le da un gran poder de influencia para trasmitir un mensaje y de ello una gran responsabilidad con el público espectador. El último capítulo analiza a dos autores de animación independiente: Michael Dudok de Wit con Father and Daughter y Bill PIympton con More Sex & Violence. Dudok de Wit se caracteriza por su trazo en tinta y fondos de acuarela la capacidad expresiva de sus personajes, por al liricidad de sus extensos paisajes y por el manejo de metáforas visuales. Y del otro lado, a Bill PIympton lo define el carácter crítico e irónico y sin censura de sus animaciones, el trazo a lápiz, la maleabilidad de sus personajes; y su cuestionamiento, a manera de sátira, de las normas de conductas y la moral de la sociedad. / Tesis

Busca comprender cómo se manifiestan y qué expresan las representaciones de lo grotesco en el discurso fílmico de Caídos del cielo. Interpreta la película en relación a la realidad referida en su discurso fílmico y la comprende como representación cinematográfica de una nación. Plantea la siguiente hipótesis: las representaciones de lo grotesco en el discurso fílmico de Caídos del cielo se manifiestan de acuerdo a una estética realista con presencia de lo simbólico y expresan aquellas relaciones conflictivas a nivel social, cultural y afectivo experimentadas por la nación peruana en el espacio urbano de Lima hacia fines de la década de 1980. Utiliza una metodología ad-hoc que comprende la recontextualización de la realidad referida en el discurso fílmico y la fenomenología del discurso fílmico. Emplea como herramientas metodológicas a la fenomenología de los símbolos del imaginario donde se considera la vía semántica y a la genealogía de la representación del otro-femenino en la modernidad. / Tesis

Memoria (arquitecto) / El presente proyecto tiene como directriz los lineamientos básicos de la Universidad de Chile, que son la búsqueda de soluciones a problemáticas sociales, sustentadas en el principio de equidad social y en el fortalecimiento de la identidad nacional. En la investigación de un proyecto que aporte a la nación en temáticas culturales, donde la identidad, el patrimonio y el progreso cultural se hagan presentes, se ha escogido trabajar en torno al cine chileno. Esto, dado que ella resulta ser una de las áreas menos consideradas al momento de financiar proyectos por parte de realizadores, escuelas y entidades ligadas al tema. En tal sentido, constituye un verdadero desafío el buscar mecanismos que puedan dar salida a esta situación y de esta manera potenciar un arte que trabaja directamente con temas que reflejan nuestra: idiosincrasia, identidad y en definitiva constituyen un reflejo de nuestra realidad. Resultando específicamente el cine un mecanismo que puede contribuir fuertemente al futuro de la nación, en la medida que se entienda este “registro de imágenes” como un instrumento fortalecedor de la memoria colectiva de Chile. La falta de interés a que se hace mención en el párrafo anterior, está dada porque tanto para el Estado como para privados el trabajar en el tema conlleva un alto costo con pocas posibilidades de rentabilidad, fenómeno que ha variado tras la aparición de formatos más económicos. Pese a ello, realizar cine en Chile sigue siendo un desafío y más aún un riesgo. Por tales razones parece pertinente plantearse cuáles pueden ser los aportes que la arquitectura consigue hacer al cine nacional. Así, el cine nacional plantea un doble desafío en términos arquitectónicos, por un lado existe el compromiso de carácter programático de proporcionar un espacio que reúna las etapas del cine para buscar la retroalimentación de tales instancias como soporte a la producción, enseñanza y difusión del producto cinematográfico. Y por otro lado aportar un lugar en el que el público se vincule con la actividad hasta ahora hermética para el ciudadano común.

Memoria para optar al título profesional de Periodista / En los años que median entre 1993 y el 2003, el cine nacional ha experimentado transformaciones fundamentales, tanto en su forma como en su contenido. Una serie de hechos han dado lugar a un enérgico renacer del cine chileno, luego de los oscuros y poco productivos años de la dictadura. El aporte gubernamental a través del Fondart y de Corfo, diversos premios internacionales, el apoyo del público, la creación de nuevas salas de exhibición, la introducción de nuevas temáticas y el uso de tecnologías de punta son todos elementos que definen lo que podríamos llamar “el cine chileno del siglo XXI”. De allí que sea especialmente importante registrar aquel período particular en el desarrollo de este arte/industria, cuya importancia para el desarrollo cultural, social e incluso económico del país es ya una realidad evidente en el Chile de principios del siglo XXI. El presente trabajo pretende ser un registro de las inquietudes, los problemas y los logros que el cine chileno ha experimentado en estos diez años. Esta investigación busca también cumplir un rol documental, puesto que es poco lo que se ha escrito hasta hoy sobre el cine chileno contemporáneo. Debido al fundamental momento que se está viviendo, es necesario crear herramientas que permitan, en el futuro, tener memoria de estos trascendentales eventos. Dar cuenta de estas transformaciones, a la vez que registrar las experiencias personales de un grupo de cineastas que pertenecen al actual “movimiento” del cine chileno, será de mucho valor para quienes en el futuro quieran formarse una idea tanto del desarrollo del cine en este período como de ciertas características de la sociedad chilena de principios del siglo XXI.

El objetivo del presente artículo es reconstruir el universo político, social y cultural del grupo Chaski con el fin de analizar el tipo de discurso subyacente que influyó en sus dos únicas representaciones cinematográficas: Gregorio y Juliana. De esta manera, «[l] o interesante del estudio radica en que para analizar las dos representaciones cinematográficas del grupo fue necesario el ubicarse en el espaciotiempo en el que se desarrollan sus historias, para así poder calificar y descifrar el contenido (mensaje) de sus realizaciones» (Jarvie, 1985). El artículo se divide en cuatro secciones: la primera identifica al grupo dentro de la generación de 1960 y su propuesta cultural cinematográfica / la segunda refiere a la cinematografía nacional de los años ochenta, caracterizada por representar un cine «social» / la tercera presenta un análisis de las películas, y finalmente, la cuarta corresponde a las conclusiones.

De las imágenes del mundo al mundo de las imágenes. Documentación y análisis de los escritos de Joan Fontcuberta como aproximación a la Teoría de la Fotografía. Esta investigación analiza la obra teórica de Joan Fontcuberta, en el periodo comprendido entre 1984 y 2013, como paradigma de la reflexión imbricada con la práctica artística en el ámbito fotográfico español, y propone una genealogía conceptual que sintetiza lo esencial en la evolución de su pensamiento así como las principales influencias sobre las que se construye, con la intención de establecer las bases para una investigación posterior que formule una nueva metodología para la Teoría de la Fotografía que progrese de las ideas a los autores. Persigue dos objetivos principales: 1.1. Conocer y estudiar la evolución de la obra teórica de Joan Fontcuberta como paradigma de la reflexión imbricada con la práctica artística en el ámbito fotográfico español. 2. Construir, sobre la obra teórica de Fontcuberta, un modelo conceptual que sirva como aproximación a una nueva metodología de la Teoría de la Fotografía. La metodología que hemos utilizado se basa en la investigación previa que realizamos para la Tesis de Máster, La obra teórica de Joan Fontcuberta. Una aproximación al estado de la cuestión (2009), en la cual establecimos un estado de la cuestión bibliográfica, que ha sido actualizado exclusivamente en lo que a monografías se refiere, adaptándolo al estándar internacional APA. También hemos actualizado las Fichas de los Proyectos fotográficos de Fontcuberta que realizáramos entonces, incorporando nuevos trabajos y adaptando su contenido para facilitar su uso como material de consulta. En cuanto al análisis de los textos, nos basamos en una interpretación condicionada de la hermenéutica a nuestros objetivos, desentrañar e interpretar los elementos que aparecen en los escritos de Joan Fontcuberta con el objetivo de poner en clave las referencias intelectuales, literarias o estéticas que conforman su universo. Una adaptación metodológica en la cual perfilamos con más precisión el planteamiento del análisis realizado en la Tesis de Máster y lo orientamos de forma preferente a su aplicación didáctica, esforzándonos por reunir las citas esenciales de los textos, extraer las ideas fundamentales de su pensamiento contenidas en los mismos y destacar las principales influencias en la cimentación de su reflexión, obligándonos a limitar nuestro objeto de estudio en torno a sus propios escritos y relegando otras posibilidades, como la indagación sobre sus influencias encubiertas o la influencia que su obra ha tenido en otros creadores, a una investigación posterior. Las conclusiones las hemos expresado en forma de un mapa conceptual, que lleva por título Arboris Fontcuberta. Genealogía conceptual (1984-2013), disponible en línea <https://prezi.com/nz-iijk22jkm/>, el cual resulta imposible de traducir a una expresión verbal condensada, pero la idea principal que concluye esta investigación es que a través de la obra teórica de Fontcuberta, que sintetiza numerosas referencias, es posible construir un modelo didáctico que permita abordar la Teoría de la Fotografía progresando de las ideas a los autores. / This research analyses the theoretical framework of Joan Fontcuberta, in the period between 1984 and 2013, as a paradigm of the reflexion intertwined with the artistic practice in the Spanish photographic field, and proposes a conceptual genealogy that synthesises the essential in the evolution of his thinking as well as the main influences on which it is built with the intention to establish the foundations for a later research to formulate a new methodology for the Theory of Photography which progresses from the ideas to the authors. It aims at two main objectives: 1- To know and to study the evolution of the theoretical framework of Joan Fontcuberta as a paradigm of the thought intertwined with the artistic practice in the Spanish photographic field. 2- To build, on the theoretical framework of Fontcuberta, a conceptual model as a new methodology approach to Theory of Photography. The methodology we have used is based on the previous research we did for the Master Thesis, The Theoretical Framework of Joan Fontcuberta. An Approach to the Current Status (2009), in which we established the status of the literature issue, which has been updated only as far as monographs are concerned, adapting it to the international standard APA. We have also updated the Cards of Fontcuberta Photographic Projects we made, incorporating new works and adapting its content to facilitate their use as reference material. As far as the analysis of the texts is concerned, we rely on a conditional interpretation of hermeneutics to our objectives: unravelling and interpreting the elements that appear in the writings of Joan Fontcuberta with the aim of implementing the intellectual, literary or aesthetic references that form his universe. A methodological adaptation in which we outline more precisely the approach of the analysis made in the Master Thesis and preferentially guiding it to its didactic application, striving for collecting the essential quotes from the texts, extracting the main ideas of his thought contained in the same and highlighting the main influences on the foundation of his reflexion, forcing us to limit our subject of study around his own writings and setting aside other possibilities, such as the inquiry of his undercover influence or the influence his work has had on other artists, to further research. The conclusions have been expressed in the form of a concept map, entitled Arboris Fontcuberta. Conceptual genealogy (1984-2013), available online <https://prezi.com/nz-iijk22jkm/> that it is impossible to translate into a condensed verbal expression. The final conclusion of this research, therefore, is that by means of the theoretical framework of Fontcuberta, that synthesizes numerous references, it is possible to build a didactic model, which allows an approach to the Theory of Photography progressing from ideas to the authors.