Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2015-05-13T15:44:44Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_Ana Cecília Vieira Soares_VERSÃO FINAL (1).pdf: 4047947 bytes, checksum: 8d5ebee368a0c201a0bf0d5611a3733b (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2015-05-14T14:25:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_Ana Cecília Vieira Soares_VERSÃO FINAL (1).pdf: 4047947 bytes, checksum: 8d5ebee368a0c201a0bf0d5611a3733b (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-14T14:25:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO_Ana Cecília Vieira Soares_VERSÃO FINAL (1).pdf: 4047947 bytes, checksum: 8d5ebee368a0c201a0bf0d5611a3733b (MD5) / A presente pesquisa foi desenvolvida no âmbito do Mestrado em Dança do Programa de Pós-Graduação em Dança da Universidade Federal da Bahia e tem como mola propulsora pensar o corpo/dançarino com deficiência e seu acesso à arte. Estudamos a presença da pessoa com deficiência na cena artística da dança tomando como ponto de partida a observação da obra coreográfica GROTOX. De autoria do Prof. Ms. José Henrique Amoedo Barral, a coreografia foi interpretada pelo Grupo Dançando com a Diferença, da Ilha da Madeira/Portugal, em parceria com a Casa da Música, da Cidade do Porto/Portugal, dentro do Festival Ao Alcance de Todos, no ano de 2009. Como proposta metodológica definimos analisar criticamente a obra tendo como referencial os preceitos da Crítica Genética, bem como os estudos em Processos de Criação defendidos por Cecília de Almeida Salles. Nossa análise observa a forma pela qual o corpo/dançarino com deficiência é mostrado nessa elaboração cênica, especificamente: quais as possibilidades de dança apresentadas, se a estética do “corpo coitadinho” ou um trabalho de investigação do movimento, se a proposição de uma estética construída por esse corpo com deficiência. O GROTOX tem “o belo e o feio” como tema, e segundo o coreógrafo em sua pesquisa artística recorreu aos livros de Umberto Eco: A história da beleza (2010) e A história da Feiura (2007). Partindo dessa referência buscamos entender as relações que se estabeleceram no processo de criação da obra, bem como as relações estabelecidas em cena entre as singularidades dos corpos dançantes. Nessa busca trouxemos para compor o referencial teórico de nossa pesquisa: a Teoria Corpomídia (GREINER/KATZ, 2004), o conceito de Multidão (HARDT/NEGRI, 2005) e o conceito de Corpo Sitiado (CORREIA, 2007).

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-06-09T12:38:12Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-06-13T17:37:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-13T17:37:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) / Esta dissertação apresenta uma reflexão acerca da ocorrência de um modo de composição nomeado “instalação coreográfica” por artistas e críticos da cena paulistana da dança contemporânea na primeira década do século XXI. O ponto de partida da pesquisa foi o trabalho Vestígios da coreógrafa paulistana Marta Soares, embora o resultado escrito não se restrinja a uma análise monográfica sobre a obra. O principal desafio metodológico desse estudo foi encontrar uma maneira de dissertar a respeito de um jeito de compor um pensamento em dança que fugisse à descrição ilustrativa ou ao ímpeto por uma definição teórica. O foco da discussão está, assim, nas interlocuções entre dança e artes visuais inscritas no campo da dança contemporânea, identificadas na instalação coreográfica pela hipótese de que nessa forma compositiva opera um dispositivo crítico de relação entre obra e contexto de existência. As noções de limiar (BENJAMIN, 2007) e zona de transitividade (BRITTO, 2008a) foram fundamentais para circunscrever a hipótese deste trabalho.

Este trabalho apresenta uma autoetnografia em diálogo com os artistas que participaram da ópera coreográfica: \"Aniversário e Morte de Queen Mary II\", no NUO-Ópera Laboratório. Portanto, o objetivo desta investigação é descrever, narrar, contextualizar e situar o processo desta obra concebida especialmente para o NUO-Ópera Lab. Faremos isso, a partir das memórias dos artistas, que participaram, e de material audiovisual, trazendo as falas dos autores integrantes do NUO-Ópera Lab. que não são narradores/depoentes/produtores de dados/interlocutores da pesquisa, mas, assinam a autoria desse trabalho conosco. Os processos práticos/reflexivos desta obra artística e deste texto nos levam a acreditar que a ópera tem várias camadas. E são nessas muitas camadas que a riqueza da ópera habita. Não é nem o texto, nem a música, nem a dança, mas sim, a ação que está nesta amálgama. A ópera é o teatro da ação, na perspectiva do transgênero. Passamos a entender o que é ópera e como se dá a direção em ópera, através do processo transdisciplinar que acontece no NUO-Ópera Lab. Esse processo como um todo, artístico reflexivo, proporcionou turning points pessoais, ou seja, cada integrante envolvido no processo achou insights pessoais, dando sentidos e significados próprios; e turning points grupais, coisas que foram mais gerais e coletivas. / This Masters work introduces an autoethnography in connection to all artists who have participated on the opera choreography entitled \"Anniversary and Death of Queen Mary II\", which was performed at NUO-Opera Laboratory. Therefore, the aim of this research is to describe, narrate, contextualize and situate the process under the aforementioned opera work especially developed to NUO-Opera Lab. Herein, we will achieve this objective by bringing artists memories who were part of the personnel in the play and all audiovisual material enlightening all the author\'s lines who belonged to NUO-Opera Lab, who were not narrators / deponents / data producers / research interlocutors, but who share the authorship of this paper with us. The practical and reflexive processes of that artistic play and also this paper lead us to believe that opera has several layers. And it is in those many layers in where the opera\'s treasure lives. It is neither in the text, nor in the music or dance, but the action that is in this amalgam instead. An opera is the action of a theatrical play from the perspective of transgender. As a result, we start understanding what opera is and how the direction of an opera occurs at NUO-Opera Lab. This process as a whole, artistic reflexive, afforded personal turning points, i.e. each member of the play involved in this process had found personal insights, opening to self senses and meanings, while the group\'s turning points resulted into a more general and shared the ones.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2018-04-02T13:59:48Z No. of bitstreams: 1 Guilherme Fraga DISSERTAÇÃO.pdf: 7923811 bytes, checksum: 247e75914639880181fb0f9de1fbe1fa (MD5) / Approved for entry into archive by Setor de Periódicos (per_macedocosta@ufba.br) on 2018-04-03T18:26:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Guilherme Fraga DISSERTAÇÃO.pdf: 7923811 bytes, checksum: 247e75914639880181fb0f9de1fbe1fa (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-03T18:26:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guilherme Fraga DISSERTAÇÃO.pdf: 7923811 bytes, checksum: 247e75914639880181fb0f9de1fbe1fa (MD5) / Esta pesquisa visa investigar atualizações do conceito de coreografia na contemporaneidade, explorando concepções e procedimentos de composição que emergem da dança digital. Nesse sentido, defende a hipótese de que a articulação entre dança e tecnologia digital pode promover a percepção de alguns entendimentos sobre coreografia. Para fundamentar essa proposição, optou por levantar alguns dos rastros históricos ligados a esse conceito e aos procedimentos de composição em dança, discutindo suas implicações na dança digital. A partir das bibliografias utilizadas, observa que noções de coreografia já existentes sofreram atualizações a fim de se adequarem aos modos de operar oriundos da interface com o digital, conforme aponta Birringer (2008a). Como exemplos que confirmam essa hipótese, apresenta os conceitos de pós-coreografia, de Birringer (2008a), de coreografia digital interativa, de Pimentel (2010), de coreografia distribuída nas acepções, de Naugle (2002) e Schulze (2005), e de coreografia transmídia, de Jürgens (2013). Junto a essas conceituações, usa configurações em dança digital para contribuir com o desenvolvimento das reflexões propostas neste estudo, privilegiando criações de artistas brasileiros. Ressalta que, embora essas construções teórico-práticas atualizem o conceito de coreografia, vestígios de noções anteriores, como aquelas propostas por Arbeau (1589) ou Feuillet (1701), encontram-se diluídos na dança digital. Dessa forma, compartilha das proposições teóricas de Britto (2008), compreendendo que as transformações que ocorrem tanto na dança quanto na coreografia se articulam no mundo como um sistema cultural, em que as trocas de informação se dão por contaminação.

A partir da perspectiva de uma pesquisa em arte sob o viés autoetnográfico, este memorial propõe uma análise reflexiva do processo de composição de uma coreografia de dança do ventre hibridizada à poética da coreógrafa Eva Schul. Desse modo, tem-se por objetivo compreender como a dança do ventre pode ser matriz de movimento para uma composição contemporânea em dança. Os estudos em "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY, SELLERS-YOUNG, 2003; 2005) e a perspectiva pós-colonialista de autores como Edward Said (2007) e Homi Bhabha (2010) forneceram referencial teórico para propor uma abordagem não eurocêntrica da dança do ventre, a qual postula que todas as danças são potentes artisticamente, independente de sua origem. Imersa na prática das aulas de dança contemporânea de Eva Schul, conhecendo sua poética, vivenciando sua técnica e inspirada pela antropofagia (ANDRADE, 1924; 1928, DANTAS 2008), a pesquisadora encontrou o caminho para alcançar a hibridação desejada (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012). A poética de Eva Schul permitiu inserir conceito e reflexão na coreografia e relacionar os movimentos clássicos da dança oriental a procedimentos de composição em dança contemporânea. A criação coreográfica apresentada buscou problematizar o orientalismo que vê a dança do ventre de forma imutável através do tempo. Neste estudo compreendeu-se que, para inserir a dança do ventre em uma perspectiva contemporânea, é preciso subverter a visão orientalista associada a esta dança e refletir sobre a ambiguidade da bailarina de dança do ventre a qual, se por um lado, é mostrada como um ser exótico para apreciação, por outro lado é muitas vezes limitada a um objeto sensual passivo. / From the perspective of a research in art by the auto-ethnographic view, this memorial proposes an reflexive analise of the composition process of a hybridized belly dance choreography with the poetic of the choreographer Eva Schul . By this way, it seeks to understand how can belly dancing be movement matrix for a contemporary dance composition. Studies in "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY; SELLERS - YOUNG, 2003; 2005) and the post colonial perspective of authors like Edward Said (2007) and Homi Bhabha (2010), provided a theoretical framework to propose a non-eurocentric approach to belly dance, from which all dances are artistically potent regardless of their origin. Immersed in the classes of Eva Schul, learning her poetic, experiencing her technique and inspired by anthropophagy (ANDRADE, 1924 1928; DANTAS, 2008), the researcher found the way to achieve the desired hybridization. (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012) The poetic from Eva Schul allowed to insert into the composition concept, reflection and to connect the classical movements of oriental dance to a compositional procedures of contemporary dance. The choreography presented sought to problematize the orientalism that sees belly dance as an immutable form throughout the times. In this study it was understood that to place belly dance in a contemporary perspective, it is necessary to subvert the orientalist vision associated with this dance and reflect on the ambiguity of the belly dancer who, if on one hand, is shown as an exotic being to be appreciated, on the other is often viewed only as a passive sensual object.

Submitted by Cássia Domingos (cadomingos3@hotmail.com) on 2015-03-30T23:41:56Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PDF Final.pdf: 4179290 bytes, checksum: 4925ff3edfdbd760ca28c0310ef2d3ad (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2015-04-06T11:59:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PDF Final.pdf: 4179290 bytes, checksum: 4925ff3edfdbd760ca28c0310ef2d3ad (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-06T11:59:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PDF Final.pdf: 4179290 bytes, checksum: 4925ff3edfdbd760ca28c0310ef2d3ad (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia (FAPESB) / Esta dissertação tem como objetivo apresentar um olhar sobre a trajetória feita pelo grupo Maracatu Nação Pernambuco (fundado em 1989, na cidade de Olinda – PE) entre as ruas e o palco. O grupo, que é composto por artistas cênicos, faz releituras do maracatu-nação, importante manifestação popular pernambucana, tanto através de cortejos nas ruas como por meio de espetáculos pensados para o palco. As noções chave discutidas neste trabalho são: cultura, tradição, espetacularidade, ritual, festa, nação e dramaturgia coreográfica. Então, após uma exposição conceitual preliminar, este trabalho trata do maracatu-nação, da sua tradição nas ruas e das transformações pelas quais passou e tem passado. Em seguida, este texto se dedica ao surgimento do grupo Maracatu Nação Pernambuco nas ruas, assim como à sua atuação nos shows das domingueiras (evento promovido pelo grupo). Finalmente, esta dissertação aborda o trabalho do Maracatu Nação Pernambuco pelo viés dos seus espetáculos elaborados para o palco, confrontando suas apresentações nas ruas com seus espetáculos no palco, dialogando com a noção de dramaturgia coreográfica e levantando alguns dados sobre a repercussão do trabalho do grupo. Além destes conteúdos, esta dissertação traz como apêndice uma entrevista feita com dois fundadores do grupo que é objeto desta pesquisa.

Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-21T18:25:43Z No. of bitstreams: 1 Tese Waldete-Brito 26 fev.pdf: 1833654 bytes, checksum: b2567f158db0441344957fc31b701d4a (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-25T12:49:45Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese Waldete-Brito 26 fev.pdf: 1833654 bytes, checksum: b2567f158db0441344957fc31b701d4a (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-25T12:49:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese Waldete-Brito 26 fev.pdf: 1833654 bytes, checksum: b2567f158db0441344957fc31b701d4a (MD5) / A presente tese consiste na análise estética e reflexiva do uso da improvisação na dança, a partir dos procedimentos e encenação do espetáculo O Seguinte é Isso, apresentado desde 2007, pela Cia. Experimental de Dança Waldete Brito. Investiga-se este processo para desvelar a maneira como os intérpretes-criadores servem-se dos recursos da improvisação na dança e o modo subjetivo de slecionar e reorganizar o repertóri de movimento a cada nova situação surgida na imprevisibilidade da cena. O conceito de improvisação coaduna-se com o pensamento de Nachmanovitch, que afirma ser este movimento um recurso autêntico e indispensável à criatividade, um fazer cujo sentido se organiza por si mesmo. Para compreender a multuplicidade criativa gerada na particularidade deste procedimento aberto a novos arranjos coreográficos, elegeu-se a Fenomenologia da Percepção de Merleau-Ponty. Esta escolha permite revelar de modo particular a interface estética criativa que permeia a improvisação dos intérpretes-criadores, a partir da percepção consciente de si mesmo e do lugar no qual o espetáculo se constrói. Para o estudo do Processo Criativo foi fundamental a abordagem de Cecília Salles, pela compreensão da diversidade dos mecanismos individuais na construção do percurso coreográfico deste trabalho, assim como o Acaso Artísticos proposto por Fayga Ostrower e o conceito de Bricolagem sob a ótica de Joe Kincheloe, em que um dos princípios basilares é entender a multiplicidade de discursos e os modos de produção do conhecimento na inter-relação sujeito e ambiente, multiplicidade esta que se materializa esteticamente por mrio da dialética polifônica de um coletivo de artistas com vivencias corporais em diferentes estéticas coreográficas. Sublinha-se como opções metodológicas a pesquisa-ação, em função do seu aspecto social que possibilita pesquisadores e participantes compartilhare ideias e ações. A etnopesquisa se delineia como o procedimento de observação das circunstâncias determinadas e indeterminadas pela autonômia criativa dos intérpretes-criadores. As entrevistas realizadas com os participantes deste processo cênico somadas as observações via vídeo dos ensaios e apresentações serviram para análise da dramaturgia geral e encontrar respostas aos questionamentos desta pesquisa. Conjectura-se que o intérprete-criador, à medida que exercita os recursos da improvisação, desenvolve certa capacidade criativa e uma veloz habilidade de autopercepção cênica das situações que ocorrem à sua volta. / Cette thèse est l’analyse esthétique et reflexive de la utilisation de l’improvisation em danse, depuis de procédures de création et mise-en-scène du spetacle O Seguinte é Isso, présenté depuis 2007, par Cia. Experimental de Dança Waldete Brito. Ce processus a été étudié pour reveler comment interprétes-créateurs s’utilisent des ressources de l’improvisation em danse, et de façon subjective pour sélectioner et réorganiser le répertorie du mouvement, de chaque nouvelle situation qui a surgi dans l’imprévisibilité de la scéne. Le concept d’improvisation c’est function de la pensée de Nachmanovitch, qu’assure que ce mouvement est un recours authentique et indispensable à la créativité, une production créative dont le sens s’organise lui-même. Pour comprende la multiplicité créative généré das la particularité de cette procédure ouverte à de nouveaux arrangements choréographiques, on a élu la Phenoménologie de La Perception de Merleau-Ponty. Ce choix permet de révéler l’interface esthétique-créative, qui fait partie de l’improvisation des interprètes-créateurs, depuis la perception consciente de lui-même et d’oú le spectacle est construit. Pour l’étude du Processus Créatif était essentiel d’aborder Cecilia Salles, par la compréhension de la diversité des mécanismes individuels dans la construction de l’itinéraire choréographique de ce travail, ainsi que l’Hasard Artistique, tel que proposé par Fayga Ostrower et le concept de Bricolage, du point de vue de Joe Kinchloe, em que le príncipe fondateur est de comprendre la multiplicité des discours est des modes de production des connaissances dans l’inter-relation entre le sujet et l’environnement. Multiplicité que se matérialise esthétiquement à travers la dialectique polyphonique d’un collectif d’artistes ayan vécu expériences corpolles em différents esthétiques chorégraphiques. On souligne comme options méthodologiques la recherche-action, en function de l’aspect social qui permet aux chercheurs et participants partager des idées et actions. L’ethno-recherche est délinée comme la procédure d’observation des circonstances déterminées et indéterminées, par l’autonomie créative des interprétescréateurs. Les interviews avec les participants de ce processus scénique, ajoutées aux observations à travers la vídeo, des répétitions et des spectacles, a permis d’analyser la dramturgie general et trouver des réponses à ces questions de cette recherche. Il est considéré que l’interpréte-créateur, une fois qu’exerce les ressources de l’improvisation développe une certaine capacité créative, et une compétence rapide d’auto-perception scénique, des situations qui se produisent autour de lui-même.

A partir da perspectiva de uma pesquisa em arte sob o viés autoetnográfico, este memorial propõe uma análise reflexiva do processo de composição de uma coreografia de dança do ventre hibridizada à poética da coreógrafa Eva Schul. Desse modo, tem-se por objetivo compreender como a dança do ventre pode ser matriz de movimento para uma composição contemporânea em dança. Os estudos em "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY, SELLERS-YOUNG, 2003; 2005) e a perspectiva pós-colonialista de autores como Edward Said (2007) e Homi Bhabha (2010) forneceram referencial teórico para propor uma abordagem não eurocêntrica da dança do ventre, a qual postula que todas as danças são potentes artisticamente, independente de sua origem. Imersa na prática das aulas de dança contemporânea de Eva Schul, conhecendo sua poética, vivenciando sua técnica e inspirada pela antropofagia (ANDRADE, 1924; 1928, DANTAS 2008), a pesquisadora encontrou o caminho para alcançar a hibridação desejada (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012). A poética de Eva Schul permitiu inserir conceito e reflexão na coreografia e relacionar os movimentos clássicos da dança oriental a procedimentos de composição em dança contemporânea. A criação coreográfica apresentada buscou problematizar o orientalismo que vê a dança do ventre de forma imutável através do tempo. Neste estudo compreendeu-se que, para inserir a dança do ventre em uma perspectiva contemporânea, é preciso subverter a visão orientalista associada a esta dança e refletir sobre a ambiguidade da bailarina de dança do ventre a qual, se por um lado, é mostrada como um ser exótico para apreciação, por outro lado é muitas vezes limitada a um objeto sensual passivo. / From the perspective of a research in art by the auto-ethnographic view, this memorial proposes an reflexive analise of the composition process of a hybridized belly dance choreography with the poetic of the choreographer Eva Schul . By this way, it seeks to understand how can belly dancing be movement matrix for a contemporary dance composition. Studies in "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY; SELLERS - YOUNG, 2003; 2005) and the post colonial perspective of authors like Edward Said (2007) and Homi Bhabha (2010), provided a theoretical framework to propose a non-eurocentric approach to belly dance, from which all dances are artistically potent regardless of their origin. Immersed in the classes of Eva Schul, learning her poetic, experiencing her technique and inspired by anthropophagy (ANDRADE, 1924 1928; DANTAS, 2008), the researcher found the way to achieve the desired hybridization. (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012) The poetic from Eva Schul allowed to insert into the composition concept, reflection and to connect the classical movements of oriental dance to a compositional procedures of contemporary dance. The choreography presented sought to problematize the orientalism that sees belly dance as an immutable form throughout the times. In this study it was understood that to place belly dance in a contemporary perspective, it is necessary to subvert the orientalist vision associated with this dance and reflect on the ambiguity of the belly dancer who, if on one hand, is shown as an exotic being to be appreciated, on the other is often viewed only as a passive sensual object.

A partir da perspectiva de uma pesquisa em arte sob o viés autoetnográfico, este memorial propõe uma análise reflexiva do processo de composição de uma coreografia de dança do ventre hibridizada à poética da coreógrafa Eva Schul. Desse modo, tem-se por objetivo compreender como a dança do ventre pode ser matriz de movimento para uma composição contemporânea em dança. Os estudos em "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY, SELLERS-YOUNG, 2003; 2005) e a perspectiva pós-colonialista de autores como Edward Said (2007) e Homi Bhabha (2010) forneceram referencial teórico para propor uma abordagem não eurocêntrica da dança do ventre, a qual postula que todas as danças são potentes artisticamente, independente de sua origem. Imersa na prática das aulas de dança contemporânea de Eva Schul, conhecendo sua poética, vivenciando sua técnica e inspirada pela antropofagia (ANDRADE, 1924; 1928, DANTAS 2008), a pesquisadora encontrou o caminho para alcançar a hibridação desejada (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012). A poética de Eva Schul permitiu inserir conceito e reflexão na coreografia e relacionar os movimentos clássicos da dança oriental a procedimentos de composição em dança contemporânea. A criação coreográfica apresentada buscou problematizar o orientalismo que vê a dança do ventre de forma imutável através do tempo. Neste estudo compreendeu-se que, para inserir a dança do ventre em uma perspectiva contemporânea, é preciso subverter a visão orientalista associada a esta dança e refletir sobre a ambiguidade da bailarina de dança do ventre a qual, se por um lado, é mostrada como um ser exótico para apreciação, por outro lado é muitas vezes limitada a um objeto sensual passivo. / From the perspective of a research in art by the auto-ethnographic view, this memorial proposes an reflexive analise of the composition process of a hybridized belly dance choreography with the poetic of the choreographer Eva Schul . By this way, it seeks to understand how can belly dancing be movement matrix for a contemporary dance composition. Studies in "World Dance" (FOSTER, 2009; SHAY; SELLERS - YOUNG, 2003; 2005) and the post colonial perspective of authors like Edward Said (2007) and Homi Bhabha (2010), provided a theoretical framework to propose a non-eurocentric approach to belly dance, from which all dances are artistically potent regardless of their origin. Immersed in the classes of Eva Schul, learning her poetic, experiencing her technique and inspired by anthropophagy (ANDRADE, 1924 1928; DANTAS, 2008), the researcher found the way to achieve the desired hybridization. (CANCLINI, 2011; LOUPPE, 2012) The poetic from Eva Schul allowed to insert into the composition concept, reflection and to connect the classical movements of oriental dance to a compositional procedures of contemporary dance. The choreography presented sought to problematize the orientalism that sees belly dance as an immutable form throughout the times. In this study it was understood that to place belly dance in a contemporary perspective, it is necessary to subvert the orientalist vision associated with this dance and reflect on the ambiguity of the belly dancer who, if on one hand, is shown as an exotic being to be appreciated, on the other is often viewed only as a passive sensual object.

Este memorial aborda procedimentos de composição coreográfica a partir da análise musical. Propõe, em âmbitos teórico e prático, um ambiente de criação que utilize ferramentas de análise e composição musical como recursos para a organização de células de movimento corporal. Para tanto, toma-se por fonte de experimentações e reflexões uma composição coreográfica chamada Coisas Pelo Ar, para pianista e bailarina, construída com base na peça homônima para piano solo, de Bruno Angelo. O diálogo possível entre o discurso coreográfico e o discurso musical estrutura a metodologia de ensaio e de criação da peça, que consiste, em um primeiro momento, em realizar uma análise do ciclo original de cinco pequenas peças para piano. Em um segundo momento, é organizada a composição coreográfica em parceria com a bailarina Fernanda Boff, e pensada a encenação da peça de música e dança como um todo. Essa trajetória de pesquisa é complementada com a coleta de dados do processo de criação, que inclui: registro das análises sobre a partitura da música, vídeos dos ensaios e a construção de um diário de bordo onde são registradas e interpretadas a evolução dos ensaios de criação, os depoimentos espontâneos dos artistas envolvidos e as reflexões sobre cada um desses encontros. Os principais questionamentos que surgem a partir da reflexão sobre a prática abarcam os conceitos de composição, interpretação, análise musical e processo de criação. / This memorial addresses choreographic composition procedures drawn from musical analysis. The author proposes, from theoretical and practical perspectives, a creative environment that conjugates musical analytical and compositional tools as resources for the organization of corporal movement cells. For this purpose, a choreographic composition called Coisas Pelo Ar, for pianist and dancer, based on homonymous piece for solo piano by Bruno Angelo, is used as source of experimentation and critical reflection. The possible dialogue between choreographic and musical discourse mark out the methodology for the piece’s rehearsal and creation, which consists, in a first moment, of an analysis of the original cycle of miniatures for piano. As a second moment, the choreographic composition is organized in partnership with the dancer Fernanda Boff, resulting in the staging of the piece of music and dance as a whole. This research trajectory is complemented by the data collection from creative process, which includes: inventory of analysis of the music score, recorded videos of rehearsals and live performances of the piece, and a field journal where the evolution of creative sessions, as well as spontaneous statements and reflections on each of this sessions, are recorded and interpreted. The main inquiries that arise from this reflection upon creative practice involve the concepts of composition, interpretation, musical analysis and creative process.