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Stage costume and the representation of history in Britain, 1776-1834 / Costume de scène et représentation de l’histoire en Grande-Bretagne, 1776- 1834Musset, Anne 23 March 2017 (has links)
A travers l’évolution du costume de scène et de sa représentation dans les arts graphiques, la thèse explore les éclairages croisés que jettent l’un sur l’autre le développement du costume de scène historique et la construction d’une pensée et d’une culture historique en Grande-Bretagne, entre 1776 et 1834. L'histoire du costume de scène historique, avant les mises en scène érudites du milieu du XIXème siècle, est généralement évoquée en termes de costumes "Van Dyck" stéréotypés. C'est pourtant dans la deuxième moitié du XVIIIème siècle que se développent l'engouement pour l’étude des antiquités et pour les collections de portraits gravés, l'esthétique du pittoresque et celle du néo-gothique. La période se caractérise également par le succès des romans historiques et le désir général de la part du public d'en savoir plus sur les coutumes – et les costumes – du passé. Cette analyse interdisciplinaire replace le costume de scène dans le contexte plus large de la culture visuelle et historique de la fin du XVIIIème siècle et du début du XIXème. L’étude de documents liés aux théâtres londoniens ainsi que de tableaux, gravures, illustrations, spectacles et expositions a permis de montrer que la représentation du costume de scène historique dans les arts visuels reflète de nouvelles manières de concevoir et de représenter l'histoire, profondément marquées par l'intérêt pour la vie quotidienne des époques passées et l'attention portée à la matérialité du costume. Cette thèse suggère que le costume historique au théâtre et sa représentation dans le portrait d'acteur sous ses nombreuses formes (tableaux, estampes, illustrations…) participèrent au processus plus large de définition de l'art et de l'identité britannique dans la période 1776-1834. / This thesis explores the relationships between stage costume and British historical culture in the period 1776-1834. Until the painstakingly researched antiquarian stagings of the mid-nineteenth century, the history of historical stage costume has typically been described in terms of a stereotyped ‘Van Dyck dress’. Yet the period witnessed the expansion of antiquarianism and portrait print collecting, the development of the Picturesque and Neo-Gothic aesthetics, the success of historical novels and a general desire to know more about the habits and costumes of the past. This interdisciplinary analysis situates stage costume within the wider visual and historical culture of the late eighteenth and early nineteenth centuries. Drawing on theatrical material related to the London theatres as well as paintings, engravings, book illustrations, shows and exhibitions, this study argues that the representation of historical stage costume in the visual arts reflects new ways of conceiving and depicting history, in which interest in the everyday life of past periods and a focus on the material and the visual were fundamental. This thesis suggests that ht historical costume in the theatre and its representation in theatrical portraiture played a role in a broader process that sought to define British art and identity.
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Albert Robida (1848-1926) : un dessinateur fin de siècle dans la société des images / Robida : an Illustrator “fin de siècle” in Nineteenth Century Visual CultureDoré, Sandrine 05 December 2014 (has links)
Au cours d’une carrière amorcée sous le Second Empire et achevée dans les années vingt, Albert Robida (1848-1926) participa à cent sept périodiques et illustra quatre-vingt-quatorze livres. Il acquit une autonomie créatrice par la fondation, en 1880, de son propre journal humoristique, La Caricature, et par la publication de quarante-sept ouvrages écrits et illustrés de sa main. Il exprime, en tant que dessinateur la forte tension entre tradition et modernité palpable dans le monde parisien de l’édition au tournant des XIXe et XXe siècles. Sa notoriété actuelle est principalement due au premier de ses romans d’anticipation Le Vingtième Siècle (1883). Par cette forme originale, Robida livre une satire de son époque, tout en proposant la vision dystopique d’une société régie par la mécanisation. Dans la perspective de l’histoire de l’art, on s’interrogera sur la pratique graphique traditionnelle défendue par Robida, qui pourtant avait si bien entrevu, dès le début des années 1880, le potentiel médiatique des images animées. Afin de résoudre ce paradoxe, sa production graphique a été analysée selon de trois axes de recherche complémentaires. Le premier concerne les mécanismes de diffusion de ses dessins dans le secteur de l’édition, que ce soit à travers la presse, les livres ou les estampes. Le deuxième axe s’intéresse à la singularité de Robida dans la fin de siècle. Il analyse les modes de créations qui lui permirent de se dégager des contraintes inhérentes au monde de l’édition par la mise au point de son propre style de caricature, par l’auto-illustration et par sa participation aux livres de bibliophilie. Le troisième axe cerne les limites que Robida fixait au métier de dessinateur par une enquête orientée vers la peinture, la photographie et le cinéma. / During his career from the Second Empire to 1926, Albert Robida (1848-1926) took an active part in a hundred and seven newspapers and illustrated ninety-four books. He acquired a creative self-sufficiency by founding, in 1880, his own satirical newspaper, La Caricature, and by publishing forty-seven works which he himself wrote and illustrated. His career and his drawings express the strong tension between tradition and modernity in the Parisian world of edition from the end of the nineteenth century to the beginning of the twentieth century. His present fame is mainly due to Le Vingtième siècle (1883), the first of his works of science-fiction. Through this new form, Robida renders a satire of his time, while offering a dystopic vision of a society run by mechanization. Although he foresaw the media possibilities in animated pictures in the early 1880's, he defended his traditional graphic practice which will be examined in the art history angle. To resolve this paradox, his graphic production has been analyzed according to three further axes of research. The first one is about the distribution of his pictures in the publishing sector through newspapers, books or etchings. The second one is focused on the peculiarity of Robida in the “fin de siècle”. It analyses the creative forms which allowed him to free himself from the constraints connected to the publishing sector by focusing on his own style as a caricaturist, on his auto-illustrations and on his participation in books on bibliophilia. The third axis centers on the limits which, as an illustrator, Robida set to his own profession by a research directed towards painting, photography and cinema.
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Un’emozione puramente visuale : film scientifici tra sperimentazione e avanguardia, 1904-1930 / A purely visual emotion : scientific films between experimentation and avant-garde, 1904-1930 / Une émotion purement visuelle : films scientifiques entre expérimentation et avant-garde, 1904-1930Bernabei, Maria Ida 21 June 2017 (has links)
Par sa systématique inclusion au sein de la programmation de salles spécialisées et ciné-clubs qui poussent nombreux tout au long de la deuxième moitié des Années Vingt dans les principales villes d’Europe, le film scientifique se trouve à jouer un rôle déterminant dans la construction de l’avant-garde cinématographique. Notamment en raison des techniques spécifiques qu’il développe, il peut revendiquer sa propre place dans la réflexion sur la spécificité du médium, tout en catalysant la définition de quelques concepts fondamentaux des théories esthétiques de l’époque. Pourquoi l’avant-garde est-elle si magnétiquement attirée par le film scientifique? Comment est-il possible que des films qui ne sont pas de l’art soient entrés, de façon programmatique, dans son horizon esthétique? Après avoir proposé une cartographie du film scientifique et avoir passé en revue sa réception esthétique d'avant-guerre, j’essaye une réponse à cette question, en proposant une “taxinomie de la révélation” à travers laquelle l’objectif cinématographique, potentialisé par les techniques scientifiques, révèle aux avant-gardes les occurrences multiples de ce que Walter Benjamin appellera dans ces mêmes années l’inconscient optique. Cette taxinomie suit deux axes, dont le premier est dédié au Janus constitué du ralenti et de l’accéléré, qui foudroient l’avant-garde en raison de leur capacité à modifier la temporalité en travaillant sur la cadence variable de l’échantillonnage et de la reproduction des photogrammes, et le deuxième traite du rapprochement aux corps et est dédié au film animalier, aux prises de vues sous-marines, à la micro et radiocinématographie. / Systematically included in the screenings of film societies and ciné-clubs emerging in the late Twenties throughout Europe, scientific film took a pivotal role in the construction of the film avant-garde. In particular, through the special techniques that it developed, it carved its own niche in the growing discourse on medi um specificity, catalysing the definition of several key concepts of the aesthetic theories of the time. Why was the avant-garde so magnetically attracted to scientific film? How was it possible that films that are not art could have entered its aesthetic horizon in such a programmatic way? In the first part of the dissertation I propose a cartography of the scientific film, while in the second I review its pre-war aesthetic reception. In the third part I finally try an answer this question, by proposing a “taxonomy of revelation” through which the cinematographic objective, potentiated by scientific techniques, reveals to the avant-garde the multiple occurrences of what Walter Benjamin will call in these same years the optical unconscious. Avant-garde's investigation of the invisible through the powerful eye of cinema is twofold, so the first axis of this taxonomy is dedicated to the Janus made up of slow motion and time-lapse, two techniques that dazzled the avant-garde by virtue of their ability to modify temporality through the different speeds of filmed and and projected frames. On the other hand, since the avant-garde’s eye gradually gazed upon bodies – enveloping, penetrating, sectioning and x-raying them –, the second axis is dedicated to animal and underwater films, microcinematography and x-ray films.
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Les icônes du Vietnam et leur pouvoir : mécanismes de consécration des images photojournalistiques et rhétorique de l'influence des médias depuis la guerre du Vietnam / The icons of Vietnam and their power : the systems of consecration of photojournalistic images and the rhetoric of media influence since the Vietnam WarRouquet, Camille 08 December 2017 (has links)
Cette thèse se penche sur les photographies dites « iconiques » issues des contenus photojournalistiques de la guerre américaine au Vietnam. Au cours de l’histoire moderne, quelques dizaines de photographies documentaires, d’art ou de mode ont été consacrées comme « icônes », un terme qui dénote leurs qualités symboliques ou d’incarnation. Parmi ces images, quatre ont émergé de l’archive visuelle de la guerre du Vietnam. Ces quatre icônes sont des images photojournalistiques au contenu choquant, sensationnel ou violent, qui ont fait l’objet de nombreux rappels dans la presse au cours des décennies post-guerre, ainsi que de remédiations dans divers domaines artistiques. Leur grande renommée a conduit l’historiographie de la guerre et l’imaginaire public à les penser influentes ; ainsi, on pense souvent que ces images ont retourné l’opinion publique pendant le conflit ou causé la défaite. Cette thèse examine de près la relation entre « icône » et « influence » par le biais d’une revue de l’historiographie des médias pendant la guerre du Vietnam et dans sa période de mémorialisation. Si la notion d’influence des images est démentie par certains experts dans des études très précises et documentées, elle continue néanmoins de faire partie de la définition des icônes photojournalistiques et de nombreux contenus médiatiques de nos jours. La spécificité des icônes du Vietnam et leur progression dans la presse des années 1970 aux années2000 sont ici présentées en détail pour expliquer comment ces images sont devenues représentatives de la notion d’influence, et dans quelle mesure les discours médiatiques ont contribué à une éducation par l’icône. L’objectif de cette étude est de montrer que les icônes sont des objets uniques dans leur composition et tout à fait métaphotojournalistiques qui attestent de l’attachement de la discipline à leur adaptabilité et à leur familiarité. Le public américain n’est plus le seul réceptacle de leur symbolisme, et les icônes, du Vietnam comme d’autres contextes,ont désormais atteint un statut international. Par conséquent, les icônes participent, dans l’ère contemporaine, à la problématisation et à la théorisation des études en culture visuelle. / This dissertation focuses on those press photographs from the Vietnam war considered to be “iconic”. In recenthistory, only about 30 or 40 photographs, whether documentary, art, or fashion images, have been consecrated as“icons”, a word that denotes their capacity to symbolize or embody various concepts. Among these images, fourhave surfaced from the visual archive of the Vietnam War. These icons are photojournalistic images whose contentwas considered shocking because of their sensational and graphic nature and which have appeared consistently inthe press since the end of the war and remediated in various artistic fields. Their fame has caused thehistoriographers of the Vietnam War and the public to think of them as influential objects; they have been credited with, or blamed for, turning public opinion against the war or for causing the ultimate defeat of American forces.This dissertation examines closely the relationship between “icon” and “influence” by way of a review of thehistoriography of the media during the Vietnam War and, afterwards, through its memorialization. Even thoughthe notion of influence is refuted by some experts in very precise and well-documented case studies, it remains anintegral part of the definition of photojournalistic icons of media content today. This essay exposes in detail theunique characteristics of the Vietnam icons and their progress in the press from the 1970s to the 2000s so as toexplain how these images have become representative of the influence theory, and to what extent media discoursehas contributed to educating the public by using icons. The aim of this essay is to show that icons have truly unique compositions and are fully meta-photojournalistic objects that testify to the media’s attachment to their adaptability and familiarity. The American public is no longer the only recipient of their symbolism ; icons—from Vietnam andfrom other contexts—have now reached an international status. Consequently, in contemporary times, icons contribute to problematizing and theorizing studies in visual culture.
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Optiques de la fiction. Pour une analyse des dispositifs visuels de quatre romans britanniques contemporains : Time's arrow de Martin Amis, Gut Symmetries de Jeanette Winterson, Cloud Atlas de David Mitchell, Clear de Nicola Barker / Optics of Fiction. Analysing Visual Dispositives in Four Contemporary British Novels : Time’s Arrow by Martin Amis, Gut Symmetries by Jeanette Winterson, Cloud Atlas by David Mitchell, and Clear by Nicola BarkerLeblond, Diane 25 November 2016 (has links)
À l’aube du XXIe siècle, la fiction britannique se trouve aux prises avec des représentations conflictuelles du voir. Inscrite dans le contexte du « tournant visuel », elle rend compte de la place prépondérante que les technologies et médias visuels occupent dans l’espace culturel. Dans le même temps, elle entre en dialogue avec un discours anxieux, qui met en avant l’idée d’une crise du visuel. Privilégié pendant des siècles comme le plus intellectuel et le plus noble des sens, le voir semble devenu l’un des lieux où s’orchestrent la manipulation et le contrôle des citoyens, surveillés et exposés au spectacle du capitalisme tardif. Faisant état de ces inquiétudes, la fiction élabore une poétique et un imaginaire de l’optique dans lesquels un sens trouve cependant à se construire. Contre l’exercice d’une autorité visuelle supposée absolue, elle produit des dispositifs dont le fonctionnement subvertit les processus d’assujettissement visuel, et invente de nouvelles pratiques de subjectivation. Ce travail implique un changement de paradigme dans notre appréhension du voir. À la confrontation dichotomique d’un sujet qui voit et d’un objet visible, notre corpus substitue des scènes de rencontre, dans lesquelles le regard se fait réciproque. L’imaginaire épistémologique qui associait la perception visuelle à une forme de connaissance, et la concevait ainsi comme un processus d’appropriation, laisse alors place à une conception politique et éthique du voir, selon laquelle le sujet émerge sous le regard de semblables dont il est, immédiatement, responsable. Ainsi voir c’est toujours s’offrir au regard de l’autre, et prendre le risque que l’échange prenne un tour inattendu, que la reconnaissance dérape. Cette appréhension de l’expérience visuelle, qui compose avec ses imperfections et envisage le lien réciproque par lequel le sujet et le sens émergent, nous engage à envisager une phénoménologie pragmatique de la lecture. / At the turn of the 21st century, British fiction finds itself negotiating conflicting perceptions of vision. In the context of the “visual turn,” it reflects the increasingly influential role that visual technologies and media play in today’s cultural landscape. At the same time, it addresses anxious accounts of what is often presented as a crisis of the visual. For centuries vision was celebrated as the most intellectual of the senses; today, however, it is more often presented as a key component in practices of manipulation and control. Far from standing as a master of the visible world, the seeing subject appears as subjugated, living as he does under constant surveillance, and among the simulacra of the late capitalist spectacle. While taking such concerns into account, contemporary fiction creates optical dispositives that subvert the mechanisms of visual subjectification, and pave the way for new practices of subjectivation. This calls for a shift in the paradigms used to delineate the workings of vision. The novels we analyse here leave behind optical models defined by the binary separation between seeing and seen, subject and object. What they create instead are visual encounters in which one pair of eyes necessarily meets another. The epistemological understanding of visual perception as a vehicle of knowledge is replaced by a political and ethical interpretation of vision: the seeing subject emerges under the gaze of others, whom he acknowledges as his responsibility. In seeing therefore we run the risk that the encounter might go awry, that recognition might turn into misrecognition. This conception of visual experience emphasises the reciprocal structures of discourse and perception within which subjects and meanings emerge, but also reckons with the imperfections inherent in any interactive exchange between seeing and speaking subjects. It suggests that we engage with the phenomenology of reading through the pragmatics of discourse.
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Intermitências na cultura visual contemporânea : o postal ilustrado e a imagem recreativa / Intermittences dans la culture visuelle contemporaine : la carte postale illustrée et l’image récréative / Intermittences in the contemporary visual culture : the picture postcard and the recreative imageCorreia, Maria da Luz 22 June 2013 (has links)
La culture visuelle contemporaine ne peut pas être comprise sans avoir à l’esprit l’enjeu entre les conditions socio-économiques, les avancées technologiques et les opérations artistiques au cours des deux derniers siècles. C’est en considérant cet enjeu, qu’on s’interroge: Quels sont les rapports entre l'image technique, la parole et le réel? Quels sont les liens entre les différents dispositifs qui composent l’ensemble médiatique actuel? Comment peut-on décrire l'interaction entre les opérations de l’art, le commerce social des images et les valeurs fondatrices de l’institution esthétique (art / pas de l'art, haut / bas, auteur / récepteur, original / copie ...)? Ce questionnement prend une direction plus précise, par le biais de l’étude des images et des usages de la carte postale illustrée au cours des trois premières décennies du XXème siècle et des années 80, 90 et 2000. Concomitante à l'avènement de la photographie et à l’émergence d'un réseau postal de communication mondiale, la carte postale illustrée sera également analysée à partir d’une recollection de ses appropriations artistiques. Malgré l’étendue de l’archive scientifique dédiée à l'iconographie collective, notamment concernant des champs épistémologiques tels que la sociologie de l'imaginaire et les visual cultural studies, pour ne citer que deux exemples récents, il est à notre avis fort nécessaire de relire la théorie de l'image, tout en tenant compte des différents aspects du processus d’appareillement technique de l’image, qui s’ébauche au cours du siècle. XIX avec la photographie et le cinéma, et qui se poursuit aujourd'hui avec les réalités virtuelles et les ambiances numériques de la Web 2.0 ... La présente étude considère ce trajet à partir de deux notions fondamentales : l’idée de récréation et la conception de remédiation. L'image récréative traduit la reconnaissance de la nature paradoxale de l’image et de la technique : celles-ci seraient, d’une part, des entités douées d’”une sensibilité tirée à la manivelle” (Moisés Martins Lemos , 2011), qui se manifesterait sous les formes de l'aliénation et de l'automatisation ; d'autre part, l’image et la technique, une fois appropriées par des tactiques de réinvention, de recomposition et de réparation, deviendraient des instances favorables à l'expérience et à l'affirmation de notre condition historique. À son tour, la notion de remédiation, terminologie suggérée par Bolter et Grusin (2000), présuppose une affirmation de l’interdépendance des medias contemporains ; ceux-ci seraient un ensemble solidaire uni par des liens de collaboration non chronologiques, contraires au schéma séquentiel qui oppose les nouveaux aux vieux médias. Une culture traversée par la récréation et la remédiation est également, comme l’a constaté l’œuvre visionnaire de Walter Benjamin (1991, 1992), une culture où se troublent les frontières entre les statuts de l'auteur et du récepteur, de l’originel et de la copie, de l’high et du low, statuts normatifs artificiels destinés à légitimer le discours de l'institution esthétique. Absentes de notre traversée quotidienne et spontanée de la polymorphie des ambiances visuelles, les dichotomies mentionnées seraient l’objet de nombreuses dérisions artistiques, aujourd'hui paradoxalement assimilées par l’institution esthétique. La carte postale, autrefois protagoniste des grandes expositions universelles, et aujourd'hui omniprésente dans les espaces polyculturelles de l'art moderne et contemporain - dans leurs magasins, leurs salles d’exposition et leurs aires de loisir tels que les cafés, bars et restaurants -, revêt un intérêt particulier... / Understanding contemporary visual culture as a result of the game between socio-economic conditions, technological advances and artistic operations over the past two centuries, we ask ourselves: What are the relationships between image, word and the reality? What are the connections between different devices of the current media context? and the interaction between operations artistic, images’ social commerce and the founding values of the aesthetic institution (art / non art, high / low, author / viewer, original / copy ...)? This broad issue finds a more accurate direction in the analysis of images and uses of the postcard over the first three decades of the century XX and 80, 90 and 2000 and also in the recollection of this artistic media appropriation, inseparable from the advent of photography and installation of a network of world postal communication. We believe that, although the scientific archive about the collective iconography progressively becomes more extensive, particularly with the affirmation of epistemological fields ranging from sociology of the imaginary to the visual cultural studies, just to mention two recent examples, this does not make it unnecessary, on the contrary, it makes it urgent to persistently review the theory of the image, which takes into account different aspects of the same technologization process, started in the century XIX with photography and film, and which continues today with the realities of digital and virtual environments web 2.0 ... The review of this path is drawn in our study with the support of the notions of recreation and remediation. The recreational image corresponds to a paradoxical conception of image and technique as entities that would be, on the one hand, aimed at "a sensitivity pulled by the crank," retaking the expressive formula of Moisés de Lemos Martins (2011), through forms of alienation and automation and, on the other hand, the favourable to the exercise of experience and the affirmation of the historical condition, through reinvention, rearrangement and repair tactics. The notion of remediation, terminology suggested by Bolter & Grusin (2000), requires an understanding of the complex contemporary media as an interdependent whole, united by non-chronological relationships of collaboration and hybridization, which rupture with the linear sequential scheme that distinguishes new and old media. A culture crossed by recreation and remediation tactics is also, as the visionary thought of Walter Benjamin (1991, 1992) glimpsed, a culture where the boundaries between the positions of author and viewer, the status of original and copy and high and low have been weakened, artificial normative categories that were intended to legitimize the discourse of aesthetic institution, but which would remain absent within our daily and spontaneous route of polymorphic visual atmospheres and would be, moreover, object of the most heterogeneous artistic derisions, paradoxically today assimilated by that aesthetics institution. The picture postcard, once the protagonist of universal expositions, today ubiquitous in major policultural centres of modern and contemporary art - in its stores, in their classrooms and in their leisure spaces, such as coffee shops, bars and restaurants - fits our problem in a very particular way: object between art and commerce, with pictures and words, photography vehicle, close relative of cinema, the postal lends itself both to the exploration of a stereotypy of affects and it also offers to tricks, the tricks and the assemblies of its users....
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Intermitências na cultura visual contemporânea : o postal ilustrado e a imagem recreativaCorreia, Maria da Luz 22 June 2013 (has links) (PDF)
La culture visuelle contemporaine ne peut pas être comprise sans avoir à l'esprit l'enjeu entre les conditions socio-économiques, les avancées technologiques et les opérations artistiques au cours des deux derniers siècles. C'est en considérant cet enjeu, qu'on s'interroge: Quels sont les rapports entre l'image technique, la parole et le réel? Quels sont les liens entre les différents dispositifs qui composent l'ensemble médiatique actuel? Comment peut-on décrire l'interaction entre les opérations de l'art, le commerce social des images et les valeurs fondatrices de l'institution esthétique (art / pas de l'art, haut / bas, auteur / récepteur, original / copie ...)? Ce questionnement prend une direction plus précise, par le biais de l'étude des images et des usages de la carte postale illustrée au cours des trois premières décennies du XXème siècle et des années 80, 90 et 2000. Concomitante à l'avènement de la photographie et à l'émergence d'un réseau postal de communication mondiale, la carte postale illustrée sera également analysée à partir d'une recollection de ses appropriations artistiques. Malgré l'étendue de l'archive scientifique dédiée à l'iconographie collective, notamment concernant des champs épistémologiques tels que la sociologie de l'imaginaire et les visual cultural studies, pour ne citer que deux exemples récents, il est à notre avis fort nécessaire de relire la théorie de l'image, tout en tenant compte des différents aspects du processus d'appareillement technique de l'image, qui s'ébauche au cours du siècle. XIX avec la photographie et le cinéma, et qui se poursuit aujourd'hui avec les réalités virtuelles et les ambiances numériques de la Web 2.0 ... La présente étude considère ce trajet à partir de deux notions fondamentales : l'idée de récréation et la conception de remédiation. L'image récréative traduit la reconnaissance de la nature paradoxale de l'image et de la technique : celles-ci seraient, d'une part, des entités douées d'"une sensibilité tirée à la manivelle" (Moisés Martins Lemos , 2011), qui se manifesterait sous les formes de l'aliénation et de l'automatisation ; d'autre part, l'image et la technique, une fois appropriées par des tactiques de réinvention, de recomposition et de réparation, deviendraient des instances favorables à l'expérience et à l'affirmation de notre condition historique. À son tour, la notion de remédiation, terminologie suggérée par Bolter et Grusin (2000), présuppose une affirmation de l'interdépendance des medias contemporains ; ceux-ci seraient un ensemble solidaire uni par des liens de collaboration non chronologiques, contraires au schéma séquentiel qui oppose les nouveaux aux vieux médias. Une culture traversée par la récréation et la remédiation est également, comme l'a constaté l'œuvre visionnaire de Walter Benjamin (1991, 1992), une culture où se troublent les frontières entre les statuts de l'auteur et du récepteur, de l'originel et de la copie, de l'high et du low, statuts normatifs artificiels destinés à légitimer le discours de l'institution esthétique. Absentes de notre traversée quotidienne et spontanée de la polymorphie des ambiances visuelles, les dichotomies mentionnées seraient l'objet de nombreuses dérisions artistiques, aujourd'hui paradoxalement assimilées par l'institution esthétique. La carte postale, autrefois protagoniste des grandes expositions universelles, et aujourd'hui omniprésente dans les espaces polyculturelles de l'art moderne et contemporain - dans leurs magasins, leurs salles d'exposition et leurs aires de loisir tels que les cafés, bars et restaurants -, revêt un intérêt particulier...
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Les visual studies : un champ indiscipliné / Visual studies : an undisciplined fieldDecobecq, Isabelle 24 March 2017 (has links)
Voilà plus d'une génération que les visual studies ont entrepris de bousculer procédures scientifiques et organigrammes universitaires, dans le monde anglo-américain d’abord, puis à l’échelle planétaire. Jouant la porosité des champs du savoir, ce courant de recherches fonctionne à la manière d’une interface où s’échangent et se combinent les charges théoriques et critiques de l’histoire de l’art, du post-structuralisme, des études culturelles et autres area studies, offrant un lieu de convergence inédit pour des pensées dispersées. En embrassant l’imagerie démotique autant que savante, en déconstruisant l’axiologie tacite qui sous-tend de tels partages hiérarchiques, et en interrogeant l’idéologie de tout acte de connaissance, les visual studies assument depuis l’origine une position limite, entre discours savant, activité critique et engagement politique. S’ils peuvent apparaître comme une nouveauté radicale, les travaux groupés sous cette bannière sont symptomatiques d’un mouvement plus général de renouvellement des façons de penser les images et la dimension visuelle du sensible. Au moment où les visual studies bénéficient d’une première réception dans l’espace francophone, cette thèse s’attache à en restituer les fondements épistémologiques et les enjeux actuels, en montrant qu’elles ne forment pas un ensemble homogène d’approches ou de pratiques. Car non seulement il n’existe pas de visual studies « en général », mais ce terme unique recouvre trois niveaux de réalité sensiblement dissociés : une formation académique, une somme de travaux empiriques et théoriques, ainsi qu'un vaste métadiscours sur le champ qui nourrit sa propre mythologie. Par souci de clarté, le plan de la thèse désimbrique ces trois niveaux, et plutôt que de définir ce que sont les études visuelles, s’attache à expliquer ce qu’elles font. En se fondant sur l'étude suivie de textes précis, chacune des sections de la thèse envisage donc l'objet visual studies sous l'un de ses différents aspects : historique, théorique, académique, métathéorique, toutes cs dimensions étant coextensives de ce qui constitue les visual studies de façon globale. / It's been more than a generation since visual studies started to shake up scientific procedures and academic organizational structures, in the Anglo-American world and on a global scale. Working between and across disciplines, this research trend behaves like an interface where art history, poststructuralism, cultural studies and other area studies can meet and combine their critical strengths. By embracing both demotic and scholarly imageries, laying bare the axiology underlying such divisions, and challenging the ideology pertaining to knowledge itself, visual studies take on many guises, either as a scientific discourse, a critical activity or a form of political commitment. However, though often claiming a form of radical novelty, visual studies’ concerns should rather be considered part of a broader shift in the study of the function of images and visuality in contemporary sciences and societies.As visual studies are starting to work their way in the french scientific landscape, this dissertation will expose their epistemological grounds and current stakes, calling attention to the fact that they do not cohere into a consistent set of shared approaches or practices. First, visual studies « in general » do not exist. Second, the term encompasses three aspects only partly overlapping : an academic formation, a body of empirical and theoretical works, and a thriving metadiscourse endlessly feeding the field’s self-mythology. For the sake of clarity, the dissertation will offer to break down these three components. What’s more, rather than trying to define what visual studies actually are, it endeavors to explain what they do. Mostly based on the close reading of a series of texts, each section of the dissertation hence offers to look at visual studies from a specific viewpoint — historical, theoretical, academic or metatheoretical — all aspects constitutive of visual studies as such.
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L'ekphrasis performata : L'ekphrasis d'immagine e di parola nell'opera di Samuel Beckett e nel teatro di Anagoor / L'ékphrasis performée : L'ékphrasis de l'image et de la parole dans l'oeuvre de Samuel Beckett et dans le théâtre de Anagoor / The performed ekphrasis : The ekphrasis of images and of word in Beckett's work and in Anagoor's performancesDe Min, Silvia 04 March 2016 (has links)
Cette thèse se propose de définir l'ékphrasis performée, de la théoriser et de montrer son applicabilité concrète aux études théâtrales. Il s'agit d'un syntagme par lequel nous désignons le point de rencontre entre les possibilités rhétoriques de l'ékphrasis et les moyens du performatif. Cependant, l'ékphrasis ne se réduit guère à une intention purement mimétique, mais elle est toujours l'expression d'un regard aussi distancié que partiel sur le monde. À partir de la théorisation qu'on a réalisée de l'ékphrasis performée, on a élaboré quelques instruments d'analyse dont l'objectif est de comprendre certains aspects de la construction de l'image sur scène, de son utilisation dans le théâtre en général et dans le théâtre contemporain en particulier. La deuxième et la troisième parties de la thèse présentent ensuite deux parcours de recherchedifférentes. Ainsi la deuxième partie est dédiée à l'oeuvre de Samuel Beckett, tandis que la troisième est dédiée au théâtre de Anagoor. Ces deux parties se présentent comme une forme d'application des principes de l'ékphrasis performée. / The aim of this thesis is to develop a theory of performed ékphrasis. This rhetoric figure, generally studied in comparatives studies between literature and visual arts, holds a performative potential. From theory, I have extracted relevant rhetoric tools for an understanding of some aspects of image building on (also contemporary) theatre action. Ékphrasis doesn’t just reply to a mimetic intention but it always returns a partial sight on reality. Following this performed ékphrasis perspective I havefocused on Samuel Beckett’s work and Anagoor’s contemporary performances. / La presente tesi di dottorato si propone di elaborare una teoria dell'ékphrasis performata. L'ékphrasis, categoria retorica normalmente trattata in studi comparativi tra letteratura e arti visuali, ha in sé un potenziale performativo che viene qui dimostrato. In seguito, dalla teoria, sono stati estratti degli strumenti di analisi per la comprensione di alcuni aspetti della costruzione dell'immagine in scena, del suo utilizzo nel teatro in generale e nel teatro contemporaneo in particolare. Poiché si tratta di una tecnica di slittamento tra generi e oggetti di natura diversa, che agisce con operazioni di montaggio e rimontaggio delle immagini (per via discorsiva o visiva), l'ékphrasis non risponde mai a un'intenzione puramente mimetica, ma restituisce sempre uno sguardo parziale sul mondo. In quest'orizzonte si presenta l'approfondimento di due casi emblematici per una concreta dimostrazione dei meccanismi di funzionamento dell'ékphrasis performata: l'opera Samuel Beckett e i lavori della compagnia italiana contemporanea Anagoor.
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Les dessins animés au Chili : syntaxe, circulation et consommation / The TV Cartoons in Chile : syntax, circulation and consumptionDel Villar Muñoz, Rafael 30 November 2015 (has links)
Le but de cette recherche est la description des formes de fonctionnement diégétique-cognitive des dessins animés de la télévision hertzienne au Chili, et leurs conditions de circulation (offre) et consommation pendant l’année 2000. L’analyse du rapport entre la description de la grille de programmation, l’audience (description statistique), les mondes diégétiques et les conditions cognitives présupposées (analyse qualitatif), nous permettra de constater que les dessins animés japonais sont les plus regardés au Chili, même s’ils ne sont pas les plus programmés.Les dessins animés japonais sont complexes : leur construction narrative ne se fait pas au sein d’une histoire linéaire, ils supposent beaucoup de savoirs pour les comprendre, ils ont des structures que les consommateurs doivent appréhender à travers plusieurs médias et supports différents. Nous pouvons donc affirmer que cette préférence est en corrélation avec l’existence de procès cognitifs complexes chez les téléspectateurs, réalité que nous avons pu découvrir grâce à une enquête appliquée à 300 cas différenciés par strate sociale, genre et âge ; ainsi que grâce à une recherche ethnographique qui nous a permis de découvrir d’autres circuits de circulation des objets culturels (grands magasins et magasins spécialisés liés à l’animation). L'étude sociologique et ethnographique de la réception nous a permis de comprendre, entre autres choses, que les jeunes téléspectateurs construisent leur identité autour des dessins animés japonais. Comme le démontre la recherche que nous avons menée, le goût pour l’anime japonais est lié à sa complexité, et en outre, l’attribution de valeur aux savoirs qui s’y rapportent est repérable chez les enfants âgés de 11 ans ou moins, ainsi que chez les adolescents ayant entre 12 et 15 ans. Alors, à travers de la recherche on a découvert une forme de fonctionnement cognitive complexe basée en comprendre hypertextes qu’ils sont possibles de saisir dans les magasins spécialisés, sur l'écran de télévision, dans Internet, en existant l’émergence de deux espaces d'identification: le non lieu de l'animation même et le lieu des magasins spécialisés, réalité de fonctionnement de la consommation de l’animation japonaise de l'époque. Dans le Chili de l’année 2000 il y a d’Internet dans tous les collèges, mais l'ordinateur et l'Internet n'arrive pas à tout les citoyens, seulement aux strates moyennes et haute, et les jeunes dans cette époque font l’usage du cybercafé pour l’acquisition des information sur l’animation, non Facebook, non Twitter, mais, il s’origine un savoir complexe de fonctionnement hypertextuel, préalable à la société des réseaux d'aujourd'hui, Car, la recherche est une contribution à comprendre une phase de transition préalable à la réalité actuelle, il s’agit de la description d’une partie de notre patrimoine culturel.La méthodologie de travail s’est construite autour de trois axes : des outils statistiques, une analyse qualitative des séries et une étude ethnographique des lieux de circulation. / The aim of the research is to describe cognitive diegetic operating modes in cartoons transmitted in open access television in Chile, as well as their traffic conditions (supply) and consumption during 2000. The analysis draws correlations between the scheduler’s description of the programming, the audience (statistical description), and the cognitive worlds and proposed diegetic protocols (qualitative analysis). Such description will allow us to detect that Japanese cartoons are the most popular and that this does not correspond to what most Chilean television channels program. Japanese cartoons are complex; there is no linear storytelling, and instead they require a vast amount of knowledge for comprehension, which their consumers acquire through reading in various supports and media. In this context "the most watched cartoons correspond to those where there is presence of complex cognitive processes," which was detected through a survey (300 cases, differentiated by social class, gender and age) and ethnographic research has allowed us to discover other circuits’ circulation of cultural objects (department stores / specialty stores). This sociological and ethnographic study of reception allowed us to understand how some Japanese cartoons’ young viewers build their identity. The consume of Japanese animation how much one knows about the series with the attribution of a value that strengthens them the construction of their identity, which is more developed to less equal age of 11 years and 12-15 years. The significance of the series in relation to the real world (diegetic world’s presuppositions) is not taken into account by the channels. The taste for Japanese animation allows one to link how much one knows about the series with the attribution of a value that strengthens their identity or indeed constructs it. This is more prevalent in groups aged 11 and below and ages 12-15. The significance of the series in relation to the real world (diegetic world’s presuppositions) is not taken into account by the channels. The design of statistical tools league qualitative research and analysis on the series with ethnographic studies of the circulation of such cultural objects. / El objetivo de esta investigación es la descripción de las formas de funcionamiento diegéticas cognitivas de los dibujos animados de televisión abierta (hertziana), y sus condiciones de circulación (oferta) y consumo durante el año 2000. El análisis de la relación entre la parrilla de programación, la audiencia (descripción estadística), los mundos diegéticos y las condiciones cognitivas presupuestas (análisis cualitativo)nos permite constatar que los dibujos animados japoneses son los más vistos en Chile, incluso cuando no son lo más programado.Los dibujos animados son complejos: su construcción narrativa no se desarrolla al interior de una historia lineal, ellos suponen muchos saberes para comprenderlos, conocimientos que los consumidores deben aprehender a través de medios y soportes diferentes.. Nosotros detectamos que esta preferencia está en correlación con la existencia de procesos cognitivos complejos de los jóvenes espectadores, a través de 300 encuestas diferenciadas por estrato social, género y edad, y a través de una investigación etnográfica que nos ha permitido detectar otros circuitos de circulación de los objetos culturales (grandes tiendas y tiendas especializadas ligadas a la animación). El estudio sociológico y etnográfico de la recepción me ha permitido comprender, entre otras cosas, que los jóvenes espectadores construyen su identidad en torno a los dibujos animados japoneses. Como lo hemos demostrado en la investigación, el gusto por la animación japonesa está ligada a la complejidad y a la asignación de un valor cultural respecto a saber sobre los dibujos animados japoneses en aquellos de edad de 11 años y en aquellos que tienes entre 12 y 15 años.En definitiva, a través de la investigación se ha descubierto una forma de funcionamiento cognitiva compleja basada en comprender hipertextos obstenidos tanto en las tiendas especializadas, en la pantalla de televisión, en Internet, existiendo la emergencia de dos espacios de identificación: el no lugar de la animación misma y el lugar de las tiendas especializadas, realidad de funcionamiento del consumo de animación japonesa de la época, el año 2000, donde si bien en Chile Internet está en todos los colegios, el computador e Internet no llega a cada casa, sólo a los estratos medios, y los jóvenes en dicha época usaban el cibercafé para conectarse y obtener información sobre el animé, sin facebook, ni twitter, se va perfilando un saber complejo de funcionamiento hipertextual, previo a la sociedad en redes de hoy, constituyéndose, entonces, en una contribución a comprender una fase de transición previa a la realidad actual, luego una parte de nuestro patrimonio cultural. La metodología de trabajo se ha construido alrededor de tres ejes: herramientas estadísticas, análisis cualitativos de las series y un estudio etnográfico de los lugares de circulación.
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