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Alors que l'influence des théories optiques de la couleur sur le développement des techniques picturales aux XIXe et XXe siècles a fait l'objet d'études nombreuses, le champ, tout aussi déterminant, de la psychologie de la couleur demande à être exploré plus en avant. Notre recherche porte sur les liens historiques et épistémologiques entre les approches psycho-physiologiques de la couleur - empruntées aux discours de la psychologie expérimentale, de la psychiatrie et des sciences psychiques - et les cultures visuelles, au tournant du XXe siècle. Ce travail explore le pouvoir de conditionnement mental de la couleur, ou «chromomentalisme» : comment la couleur influence l'esprit et plus largement le corps de l'individu en affectant sa capacité de concentration, sa santé ou son humeur. La thèse présente trois grands axes qui correspondent à des déclinaisons différentes des psychologies de la couleur : la couleur-attention, la couleur-énergie et la couleur-émotion. La première partie analyse les dispositifs d'emprise attentionnelle utilisés à la fois en laboratoire et sur scène, la dialectique entre attention et distraction dans les expériences urbaines, et l'essor des psychotechniques de la couleur. La deuxième partie explore les pratiques d'emprise énergétique (le mythe du corps sans fatigue, la neurasthénie) et l'interprétation bio-esthétique de la couleur qui émerge à fois du débat occultiste et expérimental. La troisième partie porte sur le pouvoir de gestion des affects, en mobilisant le débat sur l'empathie et l'éducation des sens, l'esthétique populaire des couleurs, les modes de relation entre harmonies chromatiques et sociales. / Whilst the influence of color optical theories on the development of pictorial techniques in the Nineteenth and Twentieth centuries has been the subject of numerous studies, the field of color psychology needs to be explored further. Our research focuses on the historical and epistemological links between psycho-physiological approaches to color - derived from the discourse of experimental psychology, psychiatry and psychic sciences - and visual cultures at the turn of the Twentieth century. This dissertation explores the power of color as mental conditioning, or «chromomentalism» : how color influences the mind and more broadly the body of the individual by affecting its ability to concentrate, health or mood. The thesis presents three major axes that correspond to multiples aspects of color psychology : color-attention, color-energy and color-emotion. The first part analyzes the attention-grabbing devices used both in the laboratory and on stage, the dialectic between attention and distraction in urban experiences, and the rise of psychotechnics of color (art, cinema, advertising:). The second part explores the oractices of energetic control (the utopian goal of the "body without fatigue", neurasthenia, psychotechnics of energy) and the bio-aesthetic interpretation of color that emerges from occultism and experimental sciences. The third part focuses on the power of color to affect emotion, by questioning the debate on empathy and the education of the senses, the popular aesthetics of colors, the link between chromatic and social harmonies.

La photographie numérique a transformé les comportements sociaux, en devenant un élément important de nos vies quotidiennes. Ne restant pas à l’écart, le milieu de l’art contemporain a suivi cette tendance. La fin des années 1960 marque l’apparition de l’art éphémère, y compris la performance. Сes courants artistiques au 20e siècle ont incité une documentation des œuvres qui est passée par la photographie. Progressivement, elle a pris une position plus forte, intervenant comme support majeur de la création artistique. En documentant ces œuvres, la dimension éphémère de la performance est remplacée par une certaine matérialité qui devient un moyen de posséder ces œuvres. Vanessa Beecroft, une artiste italienne-américaine, est un exemple parfait qui réunit ces tendances et ces paradoxes. Attaquée par les uns qui critiquent son approche qui « exploite » les femmes, elle est glorifiée comme « féministe » par les autres. Sa production artistique efface en effet les frontières entre le monde réel et l’imaginaire, ainsi qu’entre le monde de l’art légitime et celui de la culture populaire, du marché de l’art et du commerce. Dans notre mémoire, nous étudions les photographies prises pendant les performances de Beecroft en tant qu’objets indépendants, ce qui nous permet de pousser l’analyse sociologique de l’œuvre plus loin, démontrant une série de médiations qui sont au cœur de l’œuvre de l’artiste et qui créent la valeur de son œuvre. Enfin, cette analyse nous permet de placer l’œuvre de Beecroft dans un contexte du marché de l’art plus global. / Digital photography has transformed our social behaviour and has become an important part of our daily lives. The contemporary art scene also followed this trend. The late 1960s were marked by the emergence of ephemeral art practices, including performance. These twentieth-century artistic trends prompted an intensified usage of photographic documenting in art. The photographic medium has gradually become a major support for ephemeral artistic creation. The ephemeral dimension of photography has thus become more material, which has in turn allowed possessing these works of art. Vanessa Beecroft, an Italian American artist, is a perfect example of this phenomenon, as her art brings together these tendencies and paradoxes. She has been both criticized for her exploitative approach toward women who participate in her performances and glorified as a feminist artist. Her artistic production erases the boundaries between the real world and the imaginary, as well as between the world of legitimate art and that of popular culture, the art market, and commerce. In my thesis, I study the photographs taken during Beecroft’s performances as independent works of art. This allows me to push the sociological analysis further and to trace a series of mediations that are at the heart of her work and that create the value of these artworks. Lastly, this analysis places Beecroft’s work in the global context of the current art market.

Mémoire en recherche-création / Depuis les années 1920, les discours des publicités de produits menstruels sont rythmés par des normes stigmatisantes. Ces normes s’inscrivent dans un système paradoxal et contradictoire. Ainsi, Josefin Persdotter propose l’emploi du néologisme menstrunormativité, afin de dépeindre ce système qui différencie les bonnes menstruations des mauvaises. Dans les années 1960, divers.e.s artistes et activistes féministes s’approprient les discours menstruels afin de remettre en question les normes s’y trouvant. Au cours des années 2010, une révolution menstruelle et artistique émerge sur la plateforme Instagram et tend à transgresser la menstrunormativité, notamment par l’illustration. Sur Instagram, les marques de produits menstruels se réapproprient les discours féministes et partagent le travail d’illustrateur.rice.s tout en réitérant la menstrunormativité par la diffusion de normes contradictoires. Cette recherche met en lumière la rencontre complexe entre artistes féministes et marques de produits menstruels sur le média social. Ces artistes participent à la déconstruction des normes, tout en prenant part au paradoxe composant les comptes Instagram de ces marques. Au long de cette recherche, j’ai imaginé puis organisé un atelier de création avec une illustratrice féministe, créant principalement autour des menstruations. Cet atelier offrait à l’artiste un espace de réflexion autour des sujets traités par cette recherche, tout en illustrant la manière dont elle percevait l’art/illustration menstruel dans le contexte publicitaire. Ce mémoire tend à participer aux critical menstruation studies, en explorant les stratégies mobilisées par les artistes menstruel.le.s afin de subvertir la menstrunormativité. / Since the 1920s, the discourses of menstrual product advertisements have been punctuated by stigmatizing norms. These norms are part of a paradoxical and contradictory system. Thus, Josefin Persdotter proposes the use of the neologism menstrunormativity, in order to depict this system that differentiates good menstruation from bad. In the 1960s, various artists and feminist activists appropriated menstrual discourses in order to question the norms found therein. During the 2010s, a menstrual and artistic revolution emerged on the Instagram platform and tended to transgress menstrunormativity, particularly through illustration. On Instagram, menstrual brands reappropriate feminist discourses and share the work of illustrators while reiterating menstrunormativity through the diffusion of contradictory norms. This research highlights the complex encounter between feminist artists and menstrual brands on social media. These artists participate in the deconstruction of norms, while taking part in the paradox composing the Instagram accounts of these brands. Throughout this research, I imagined and then organized a creative workshop with a feminist illustrator, creating primarily around menstruation. This workshop offered the artist a space to reflect around the topics addressed by this research, while illustrating how she perceived menstrual art/illustration in the advertising context. This dissertation aims to participate in critical menstruation studies by exploring the strategies mobilized by menstrual artists to subvert menstrunormativity.

Ce mémoire de maîtrise a pour objectif de montrer la construction de la représentation visuelle de « l’indigène » de la région de Cuzco et sa relation avec le discours de « l’authenticité » tel que défini par l’indigénisme, l’anthropologie et le tourisme. Il s’intéresse au rôle que jouent les médias visuels et audiovisuels dans la création d’une image de l’indigène perçu comme « authentique » et d’un discours commun sur les Andes. Les documents visuels étudiés, tous produits par des Péruviens, sont une sélection de photographies prises par Martin Chambi entre 1920-1945, le film Kukuli (1961) coréalisé par les Cuzquéniens Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama et César Villanueva et la publicité touristique de PromPerú, intitulée «Perú: Vive la leyenda» («Pérou : Vis la légende») (2008). Cette analyse fait ressortir la représentation folklorique et anthropologique de l’indigène telle que suggérée par ces documents, qui l’associent principalement avec les origines, la tradition et le passé précolombien. Elle démontre aussi comment les images constituent une alternative à la stratégie représentationnelle proposée par l’indigénisme lettré et offrent un autre regard sur la réalité. Ainsi, les images technologiques montrent des détails qui ne concordent pas avec les stéréotypes culturels et révèlent un monde d’identités plus nuancées. D’autre part, elles créent aussi un espace de collaboration –entre le photographe/cinéaste et leurs modèles– qui permet aux acteurs sociaux marginalisés de participer à leur propre représentation. Enfin, notre recherche établit le lien entre cette image de l’indigène andin et la promotion touristique du Pérou. / This thesis aims to show the construction of the visual representation of "indigenous people" of the Cuzco region and its relation to the discourse of "authenticity" as defined by indigenismo, anthropology and tourism. We are interested in the role of visual and audiovisual media in creating an image of indigenous person perceived as "authentic" and a shared discourse about the Andes. The visual documents we are studying, all produced by Peruvians, include: a selection of photographs taken between 1920-1945 by Martin Chambi, the movie Kukuli (1961) co-directed by cuzqueños Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama and César Villanueva and the tourism advertising by PromPerú entitled "Peru: Live the Legend" (2008). Our analysis highlights the documents’ mainly folkloric and anthropological representation of “indigenous people”, who are associated with origins, tradition and the pre-Columbian past. Our study also examines how the same images are an alternative to the representational strategy of lettered indigenismo, offering another view of reality. Technological images 1) show details not consistent with cultural stereotypes and reveal a more modulated world of identities; 2) create a space for collaboration –between photographer/filmmaker and models– that allows marginalized social actors to participate in their own representation. Finally, we establish the link between this image of Andean Indians and the tourism promotion of Peru. / Esta memoria tiene como objetivo mostrar la construcción de la representación visual del “indígena” de la región de Cuzco y su relación con el discurso de la “autenticidad” definido por el indigenismo, la antropología y el turismo. Nos interesamos en el papel de los medios visuales y audiovisuales en la creación de una imagen del indígena percibido como “auténtico” y de un discurso compartido sobre los Andes. Los documentos visuales que estudiamos fueron producidos por peruanos y son los siguientes: una selección de fotografías de Martín Chambi tomadas entre 1920-1945, la película Kukuli (1961) co-realizada por los cuzqueños Luis Figueroa, Eulogio Nishiyama y César Villanueva y la publicidad turística de PromPerú, titulada “Perú: Vive la leyenda” (2008). Por un lado, este análisis destaca la representación mayormente folclórica y antropológica que estos documentos realizan del indígena, asociándolo con los orígenes, la tradición y el pasado precolombino. Por otro lado, este estudio demuestra cómo las imágenes constituyen una alternativa a la estrategia representativa del indigenismo letrado y ofrecen otra mirada sobre la realidad. Las imágenes tecnológicas 1) muestran detalles que no concuerdan con los estereotipos culturales y revelan un mundo de identidades más moduladas; 2) crean un espacio de colaboración –entre fotógrafo/cineasta y modelos– que permite a los actores sociales marginados participar en su propia representación. Por último, establecemos el vínculo entre esta imagen del indígena y la promoción turística de Perú.

Cette thèse étudie l'illustration de la presse anarchiste française sous la Troisième République. À la fois propagande et témoignage de l'actualité, cette illustration est analysée à la lumière de ses relations complexes avec les médias contemporains, avec lesquels les anarchistes entretinrent des polémiques sur la nature et le rôle de l'art, sur la place des images dans la propagande, sur les pratiques de presse et sur un certain nombre d'enjeux sociopolitiques internationaux. / This dissertation is concerned with an analysis of artistic creations and photographic documents displayed in French anarchist periodicals as efficient techniques of spreading social and political ideas and news. Such a production is contextualized in relation to the contemporary press with which anarchist periodicals engaged in a number of polemical discussions on art conceptions and on political issues, throughout the Third Republic.

La présente thèse étudie la production et la consommation d’images par les révolutionnaires russes avant 1917. L’auteur soutient que l’iconographie révolutionnaire russe émane d’un long processus au cours duquel les révolutionnaires se sont appropriés et ont subverti certaines images et stratégies visuelles, ainsi que leurs moyens de production, déjà disponibles au sein de la culture qu’ils avaient entrepris de transformer. Cette appropriation est comprise comme une tentative d'insuffler une cohérence idéologique à un mouvement révolutionnaire en émergence et, ce faisant, en proie à une relative désorganisation. L’auteur montre comment l’usage de portraits et de stéréotypes visuels joua un rôle important dans la construction de l’identité et de la conscience révolutionnaires, d’une part, et comment un certain imaginaire révolutionnaire fut cristallisé dans la culture visuelle contemporaine, d’autre part. / This dissertation studies the production and consumption of images by Russian revolutionaries prior to 1917. The author argues that Russian revolutionary iconography emanates from a long-term process in which revolutionaries appropriated and subverted the images, means of production and visual strategies already available in their surrounding cultural context. This cultural borrowing is analyzed as an attempt of the revolutionaries to give an ideological coherence to an emerging but still disorganized political movement. The author shows how portraits and visual stereotypes have been fundamental in the construction of the revolutionary identity and consciousness, on one hand, and how a certain revolutionary imagination have been crystallized in the contemporary visual culture, on the other hand.

Publiées dans la Collection des prospects durant la guerre d’Indépendance américaine, les vues d’optique Vuë de la Place capitale dans la Ville basse a Quebec, Vuë de la haute ville a Quebeck, Vuë de la basse Ville a Quebec vers le fleuve St-Laurent, Vuë de la rue des recolets de Quebeck et Vuë de Quebeck gravées par les Allemands Franz Xaver Habermann (1721-1796) et Balthasar Frederich Leizelt (1755-1812) entretiennent des liens ténus avec la configuration réelle de la ville de Québec qu’elles représentent. L’escamotage du paradigme documentaire dans ces images est l’enjeu principal de ce mémoire. Il permet de mettre l’accent sur les contraintes formelles découlant du dispositif optique de lecture utilisé ainsi que sur les modèles culturels concernant la perception du territoire urbain américain ayant prévalu lors de la création et de la réception des cinq vues d’optique à l’étude. L’analyse de la vision fictionnelle du paysage donnera également des indices sur les orientations idéologiques et l’imaginaire du lieu, perçu comme un ailleurs lointain, par un ensemble politique qui n’exerce pas de domination directe sur la colonie installée sur le bord du fleuve Saint-Laurent. / Published during the American Revolution in the Collection des prospects, the perspective views Vuë de la Place capitale dans la Ville basse a Quebec, Vuë de la haute ville a Quebeck, Vuë de la basse Ville a Quebec vers le fleuve St-Laurent, Vuë de la rue des recolets de Quebeck et Vuë de Quebeck were etched by the German engravers Franz Xaver Habermann (1721-1796) and Balthasar Frederich Leizelt (1755-1812). The main goal of this thesis is to show how these five images were perceived as authentic even if the urban scenery that they depict is not topographically accurate. This allows us to highlight the formal constraints stemming from the optical instruments as well as the cultural models prevailing within the dominant perception of the American urban territory at the time of their creation and reception. Analyzing the fictionality of the German engravings also yields clues into the ideological orientations and the collective discourse about Quebec, perceived as a far away land, by a political ensemble which was not exerting direct domination on the colony founded on the shores of the Saint-Lawrence river.

La naissance de la photographie sociale aux États-Unis à la fin du XIXe siècle est contemporaine d'une place nouvelle accordée à l'enfant dans la structure familiale. Le contraste est grand entre l'enfant riche, sacralisé, à l'innocence louée dans les arts, et l'enfant pauvre, souvent exploité mais représenté de façon surtout pittoresque. Tout en mettant l'enfant pauvre au cœur de leurs préoccupations, les réformateurs font usage de la photographie dans une optique de progrès social et d'intervention où texte et image se révèlent indissociables, qu'il s'agisse de Jacob A. Riis, journaliste et photographe à New York à la fin du XIXe siècle et de l'engagement de Lewis W. Hine dans la lutte contre le travail des enfants avec le National Child Labor Committee, dans un contexte de forte immigration, d'industrialisation et d'urbanisation chaotique, ou des photographes de la Farm Security Administration à la fin des années 30 dans le cadre du New Deal. L'enfant est au centre d'une rhétorique qui s'appuie sur la dimension vivante et vraie de la photographie et sur son pouvoir émotionnel et il contribue à la définition d'un genre photographique : le documentaire social, dont le statut évolue sous l'effet de la diversification des modes de diffusion (presse, conférences, expositions, musée). / Social photography was born in the United States at the end of the 19th century at a time when children were beginning to occupy a new place in the family. There is a stark contrast between the rich children, who tend to be sanctified and whose innocence is praised through art, and the poor children, who are often exploited and depicted in a picturesque way. While putting poor children at the heart of their concerns, the reformers used photography as a means to promote social progress, in such a way that text and image prove to be indissociable. Such is the case with Jacob A. Riis, a journalist and photographer who worked in New York at the end of the 19th century, and Lewis W. Hine, through his commitment to the struggle against child labor with the National Child Labor Committee (at a time marked by high immigration, rapid industrialization, and chaotic urbanization), as well as the photographers who worked for the Farm Security Administration at the end of the 1930s within the New Deal. Children are at the heart of a rhetorical system that exploits the vivid and truthful dimensions of photography and its power to move us. They contribute to the emergence of a new genre of photography, social documentary photography, which evolved according to the various ways in which it was disseminated (the press, conferences, exhibitions, and museums). While the cause of children is most often defended and while they maintain their status as subjects in these photographs, the ways in which they are depicted through different means of communication and dissemination sometimes turn them into mere objects.

La présente thèse cartographie et condense l'histoire des relations entre l'art et la télévision au cours du demi-siècle environ durant lequel la télévision maintint sa position de média de masse par excellence dans la société, des années 1950 au tournant du millénaire, jusqu'à la phase de vaporisation des médias récemment apportée par la profusion des technologies numériques et d'Internet. La centaine d'artistes étudiés appartient à différentes générations, des pionniers des années 1960 tels que Nam June Paik, Andy Warhol et divers collectifs de la guerilla television aux figures postmodernistes telles que Dara Birnbaum et General Idea, des artistes issus des années 1990 comme Phil Collins, Christian Jankowski et Matthieu Laurette aux figures émergées au XXIe siècle comme Keren Cytter, Hito Steyerl, Ryan Trecartin et les Yes Men.Les travaux abordés sont des vidéos, installations, performances, interventions et programmes télévisés conçus comme des formes de résistance, d'appropriation et de parodie de la télévision grand public, qui exposent les mécanismes par lesquels le média de masse influence notre perception de la réalité et de nous-mêmes. Les genres et les formats télévisuels les plus populaires sont ciblés : les informations, publicités, soap operas, talk-shows, émissions pour enfants, vidéoclips, téléréalité, divertissements éducatifs et séries télévisées. En permettant de « voir à distance », la télévision produit chez le spectateur un sentiment étrange de déplacement physique. Les travaux étudiés mettent en évidence et tentent de surmonter cette séparation entre les corps factuels et télévisés, qui est aussi une séparation entre réalité et représentation. / The present study maps and condenses the history of the relationships between art and television during the rough half century in which television maintained its position as society’s quintessential mass medium, from the 1950s to the turn of the millennium, through to the phase of vaporization of media recently brought by the profusion of digital technologies and the Internet. The close to one hundred artists discussed belong to different generations, from 1960s pioneers such as Nam June Paik, Andy Warhol and various guerrilla television collectives to postmodernist figures such as Dara Birnbaum and General Idea, from artists emerged in the 1990s such as Phil Collins, Christian Jankowski, and Matthieu Laurette up to figures emerged in in this early XXI century such as Keren Cytter, Hito Steyerl, Ryan Trecartin, and the Yes Men.The works discussed are videos, installations, performances, interventions and television programs conceived as forms of resistance, appropriation and parody of mainstream television, that expose the mechanisms through which the mass medium influences our perception of both reality and ourselves. To be targeted are the most popular television genres and formats including news, commercials, soap operas, talk shows, children's programs, music videos, reality shows, edutainment, and TV series. By allowing to “see at distance,” television produces in the viewer an uncanny feeling of physical displacement. What the works discussed highlight and try to overcome, is that split between factual and televised bodies, that is also a split between reality and representation.