Buenos Aires. Metade do século dezenove. Uma política de fomento à imigração européia traz às terras portenhas mais de seis milhões de imigrantes. Ao contrário do que o governo argentino esperava, as que compunham esse cenário não eram pessoas requintadas, conhecedoras de arte e ciência, muito menos mão de obra qualificada. Os imigrantes de pouca instrução e de poucos meios que passaram a fazer parte da população residente nos arrabais portenhos, assolados pela saudade de suas terras, buscando no ambiente prostibulário por uma “natural” comunhão, dão origem ao tango nas últimas décadas do século dezenove. Por volta da mesma época, os irmãos Lumière produzem o invento que chamariam de cinematógrafo, palavra de raiz grega que significa “registro do movimento”. Portanto, percebo o tango e o cinema como expressões contemporâneas, no sentido de que ambas tem sua gênese ao final do mesmo século. Alguns/algumas historiadores/as apontam ainda que o cinema é um dos responsáveis pela valorização do tango e por seu reconhecimento mundial no decorrer do século passado. O que de certa forma sublinha a relação entre o cinema e a história. Sendo assim, esta dissertação de mestrado propõe analisar como os aspectos históricos do tango argentino são representados na película Tango de Carlos Saura. Usando o aporte teórico dos Estudos Culturais e entendendo as produções cinematográficas como artefatos pedagógicos, busco perceber quais são os sentidos produzidos sobre a história do tango argentino na narrativa construída por Saura. Inicio meu exercício analítico com um olhar atento sobre os elementos técnicos de cenário, iluminação e figurino empregados na construção da obra. Somado a isso, a linguagem cinematográfica utilizada por Saura, perceptível por meio dos planos, ângulos e movimentação de câmera, também são aspectos importantes que compreendem a análise. São quatro os momentos históricos do tango representados na película escolhidos para compor esse estudo. O período imigratório, quanto a sua relevância e envolvimento na gênese do tango, os duelos criollos e o tango dançado entre homens, o ambiente prostibulário e o tango entre mulheres e, por fim, o período da ditadura militar argentina em sua relação com o tango. Ao considerar esse último aspecto tento perceber ainda como outras películas abordam a memória do período, em especial quanto a temática do exílio. Por fim, proponho uma análise da dramaturgia da dança executada em cada uma das cenas a fim de perceber o que a linguagem coreográfica nos diz sobre o período que representa. / Buenos Aires. Half of the nineteenth century. A policy to promote european immigration to Buenos Aires brings more than six million immigrants. Contrary to the Argentine government hoped, composing this scenario were not intellectual people, knowledgeable of art and science, much less skilled labor. Immigrants with little education and few resources that have become part of the resident population in arrabais, covered by nostalgia for their land, in the brothel environment looking for a “natural” communion, give rise to tango in the last decades of the nineteenth century. Around the same time, the Lumière brothers produce the invention that would call cinematographer, Greek root word meaning "record of the movement." Therefore, realize the tango and cinema as contemporary expressions, in the sense that both have their genesis at the end of the same century. Some historians the still point that cinema is one responsible for the valuation of tango and its worldwide recognition during the last century. Which I think that somehow emphasizes the relationship between cinema and history. Thus, this dissertation aims to analyze how the historical aspects of Argentine tango are represented in Tango by Carlos Saura. Using the theoretical framework of Cultural Studies and understanding cinema as pedagogical artifacts, I seek to understand what are the meanings produced from the Argentine tango in the narrative constructed by Saura. First of all, my analytical exercise began with a look on technical elements of scenery, lighting and costumes. Added to this, the cinematographic language used by Saura, noticeable through the planes, angles and camera movements are also important aspects that comprise the analysis. There are four historical moments of the tango represented in saura’s movie, chosen to make this study. The period of immigration, as their relevance and involvement in the genesis of the tango, tango-dance executed by men, the brothel environment and tango between women and finally the period of Argentine military dictatorship in its relationship with the tango. In considering this latter aspect still try to understand how other films deal with the memory of the period, especially as the theme of exile. Finally, I propose an analysis of the dramaturgy of dance performed in each of the scenes in order to realize what a choreographic language tells us about the period it represents.

A presente tese de doutorado analisa, em perspectiva comparada, as convergências e divergências entre as dramaturgias do francês Jean Genet e do brasileiro Plínio Marcos, sob o prisma de três tópicos inegavelmente presentes, nelas: a violência, a revolta e a religiosidade. As questões de margem, borda, periferia, ex-centricidade, dissenso etc são abordadas neste trabalho para situar a ideia de outro como o referencial ontológico que sustenta a obra teatral de ambos. As respectivas biografias dos autores em questão, direta ou indiretamente, tem relação com a aura de marginalidade artística atribuída (e até assumida por eles próprios) a sua produção em geral (seus romances, poemas, ensaios e contos). Pode-se dizer que muito da persona que ambos assumiram correspondia às expectativas que os círculos intelectuais engajados tinham em adotar uma figura que viesse a encarnar o papel de autêntico porta-voz do segmento marginalizado da sociedade na qual cada um deles se criou. Ambos gozam de certo status de vanguardistas no caso do metateatro de Genet, na sua atribuída vinculação ao Teatro do Absurdo, e, no caso do hipernaturalismo dramático de Plínio, na sua atribuída (e mesmo confessa) descendência da linhagem criativa de caracteres e motivos do teatro de Nelson Rodrigues. Outro aspecto comum à dramaturgia de Genet e Plínio que abordamos é a problematização de dois espaços alegóricos definidores por excelência do ethos dos tipos humanos que o habitam: a prisão e o prostíbulo. Para tanto, ganham destaque, aqui, Alta vigilância e O Balcão, de Genet, e Barrela e O abajur lilás, de Plínio. Nelas também se verifica a figuração de motivos de inspiração religiosa que, no autor francês, concorrem para uma espécie de sacralização ritual do crime (o que ecoa o ideário de Antonin Artaud) e, no brasileiro, funcionam como um exercício catártico de compaixão à sombra de uma cristandade de feição primitiva que se insinua no tratamento que dá à degradação dos párias sociais que compõem seu universo dramático. Por fim, analisamos comparativamente três peças brasileiras (Pedro Mico, de Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, de Gianfrancesco Guarnieri; e Oração para um pé de chinelo, de Plínio Marcos) tomando como ponto de partida uma situação dramática comum a elas para traçar, assim, as afinidades e distinções de cada qual quanto à abordagem da criminalidade. E, assim, também, poder apontar o tipo de projeto de teatro a que cada uma se vincula, trazendo à tona questões caras ao momento histórico-cultural no qual foram compostas, como a figuração do negro e do favelado na sociedade brasileira / The present doctoral thesis analyses, in comparative perspective, the convergences and divergences between the dramaturgies of french Jean Genet and brazilian Plínio Marcos, through the prism of three topics which are undeniably present in both: violence, revolt and religiousness. The issues of margin, border, periphery, eccentricity, dissent etc are approached in this work in order to situate the idea of other as the ontological framework that supports the theatrical work of both authors. The biographies of both authors, directly or indirectly, are related to the aura of artistic marginality attributed (and even assumed by them) to their production in general (their novels, poems, essays and short stories). One may say that much of the persona assumed by the authors corresponded to the expectations that the engaged intellectual circles had of adopting a character that could embody the role of authentic spokesman of the marginalized segment of society in which each one of them were created. Both authors enjoy a certain avant-garde status in the case of Genets metatheatre, in his assigned binding to the Theater of the Absurd, and, in the case of Plínios dramatic hipernaturalism, in his assigned (and even confessed) ancestry of the creative lineage of characters and motives from Nelson Rodrigues theater. Another common aspect of the drama of Genet and Plínio that has been approached is the problematization of two allegorical spaces that perfectly define the ethos of human types that inhabit them: the prison and the whorehouse. Therefore, the highlights here are Deathwatch and The Balcony, by Genet, and Barrela and O abajur lilás, by Plínio. In all of them there is also the figuration of religion-inspired motifs that, in the french authors case, contribute as a type of ritual consecration of crime (which echoes in Antoin Artauds ideas) and, in the case of the brazilian author, function as a cathartic exercise of compassion in the shade of a primitive Christianity which is insinuated in the treatment given to the degradation of the social outcasts that compose his dramatic universe. Finally, we comparatively analyzed three brazilian plays (Pedro Mico, by Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, by Gianfrancesco Guarnieri; and Oração para um pé de chinelo, by Plínio Marcos) using as a starting point a dramatic situation common to them in order to trace the affinities and distinctions of each one regarding the approach to criminality. And thus, also, be able to indicate the type of theater project to which the authors are linked, bringing up issues that are dear to the cultural-historical moment in which they were composed, like the figuration of the black men and the people who lived in slums in brazilian society

A recriação da comédia paliata de Plauto na literatura dramática portuguesa: um estudo comparativo entre os Anfitriões, de Camões e de Antônio José da Silva, é um trabalho que tem como objetivo estabelecer um termo de comparação entre as estruturas dramatúrgicas da Comédia Paliata de Plauto em suas versões portuguesas, de Luís de Camões e de Antônio José da Silva, discutindo as alterações que sofreu a comicidade dessas peças teatrais em seu caminho histórico, da Antiguidade a Era Moderna, buscando avaliar o seu grau de permanência e de mudança ao longo do tempo. Plauto, em seu processo de criação da comicidade de palavra, de situação e de caráter, tem seu Amphytruo, como obra paradigmática da comédia latina ao criar situações e tipos que se perpetuaram na comédia e a tornaram uma referência para as comédias que vieram a seguir. A obra plautina sobrevive porque há uma, histórica e permanente, reelaboração que protege seus modelos de criação de humor / The re-creation of the comedy paliata of Plauto in Portuguese dramatically literature: a comparative study between the Hosts, of Camões and Antônio José da Silva, it is a work that has as objective to establish a comparison term it enters the dramaturgical structures of the Comoedia Palliata by Plauto and its translations into Portuguese versions, of Luis de Camões and Antônio José da Silva, discussing the alterations suffered by these plays comicality in their Historical path from Ancient Times to the Modern Age, seeking to evaluate the degree of its permanence and change along the time. Plauto, in its process of creation of the comicality of word, situation and character, has its Amphytruo, as paradigmatic workmanship of the Latin comedy when creating situations and types that if had perpetuated in the comedy and had become it a reference for the comedies that had come to follow. The plautina workmanship survives because it has one, historical and permanent, rework that protects its models of mood creation

This doctoral study examines the evolving role of the dramaturg in the British contemporary performance scene from 2000-2015. In 1999, the role was seen in the UK as a luxury, not an essential; now the same companies are working with dramaturgs, often within an academic context, as the funding culture has shifted from Arts Council England to the Academy. This study proceeds through a combination of practice as research and a contextual survey of the role s recent history taken from readings, interviews and a narrative of personal experience. As John Freeman writes, Research is also always re-search: a drawing on one s previous experience and developing this into knowledge . I arrive at new knowledge about the dramaturg s current position in a shifting landscape by inhabiting both the role and the landscape. John Berger suggests that to understand a landscape we have to situate ourselves in it. The doctoral study seeks to do this through practice, research and practice as research. I devised three performances - The Trilogy (2014). Their non-linearity is relevant to the line of investigation I took into the role of the dramaturg today, both inviting and playing the role. The practice as research applies different theoretical models of how a dramaturg operates to a body of theatre work that interrogates the role from different perspectives. The practice asks how dramaturgy might function with or without a dramaturg as an agent for critical feedback or meaning-making by exploring other models such as embedded criticism, work-in-progresses and post-show discussions. The performance work attempts to put the dramaturg onstage and in so doing explores what he / she does as part of the theatre event to make it happen. The project is concerned with making visible the textual trace of dramaturgy within the work. As such, I have written a thesis on the dramaturgy of my practice that questions notions of proximity and distance, objectivity and subjectivity, self and other. The thesis documents how the role has evolved over the last 15 years and argues that it has had a significant, tangible impact on the British contemporary performance scene. Through an understanding of the role, the dramaturg, outside of a traditional writer-director paradigm, becomes an application with which to deconstruct and decode the tropes and contradictions of contemporary performance. I posit that dramaturgs and outside eyes operate in fluid and often undefined spatial territory between writer, deviser, director and dramatist as well as any hyphenated combination thereof - and the doctoral study reflects this fluidity in its style.

A presente tese de doutorado analisa, em perspectiva comparada, as convergências e divergências entre as dramaturgias do francês Jean Genet e do brasileiro Plínio Marcos, sob o prisma de três tópicos inegavelmente presentes, nelas: a violência, a revolta e a religiosidade. As questões de margem, borda, periferia, ex-centricidade, dissenso etc são abordadas neste trabalho para situar a ideia de outro como o referencial ontológico que sustenta a obra teatral de ambos. As respectivas biografias dos autores em questão, direta ou indiretamente, tem relação com a aura de marginalidade artística atribuída (e até assumida por eles próprios) a sua produção em geral (seus romances, poemas, ensaios e contos). Pode-se dizer que muito da persona que ambos assumiram correspondia às expectativas que os círculos intelectuais engajados tinham em adotar uma figura que viesse a encarnar o papel de autêntico porta-voz do segmento marginalizado da sociedade na qual cada um deles se criou. Ambos gozam de certo status de vanguardistas no caso do metateatro de Genet, na sua atribuída vinculação ao Teatro do Absurdo, e, no caso do hipernaturalismo dramático de Plínio, na sua atribuída (e mesmo confessa) descendência da linhagem criativa de caracteres e motivos do teatro de Nelson Rodrigues. Outro aspecto comum à dramaturgia de Genet e Plínio que abordamos é a problematização de dois espaços alegóricos definidores por excelência do ethos dos tipos humanos que o habitam: a prisão e o prostíbulo. Para tanto, ganham destaque, aqui, Alta vigilância e O Balcão, de Genet, e Barrela e O abajur lilás, de Plínio. Nelas também se verifica a figuração de motivos de inspiração religiosa que, no autor francês, concorrem para uma espécie de sacralização ritual do crime (o que ecoa o ideário de Antonin Artaud) e, no brasileiro, funcionam como um exercício catártico de compaixão à sombra de uma cristandade de feição primitiva que se insinua no tratamento que dá à degradação dos párias sociais que compõem seu universo dramático. Por fim, analisamos comparativamente três peças brasileiras (Pedro Mico, de Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, de Gianfrancesco Guarnieri; e Oração para um pé de chinelo, de Plínio Marcos) tomando como ponto de partida uma situação dramática comum a elas para traçar, assim, as afinidades e distinções de cada qual quanto à abordagem da criminalidade. E, assim, também, poder apontar o tipo de projeto de teatro a que cada uma se vincula, trazendo à tona questões caras ao momento histórico-cultural no qual foram compostas, como a figuração do negro e do favelado na sociedade brasileira / The present doctoral thesis analyses, in comparative perspective, the convergences and divergences between the dramaturgies of french Jean Genet and brazilian Plínio Marcos, through the prism of three topics which are undeniably present in both: violence, revolt and religiousness. The issues of margin, border, periphery, eccentricity, dissent etc are approached in this work in order to situate the idea of other as the ontological framework that supports the theatrical work of both authors. The biographies of both authors, directly or indirectly, are related to the aura of artistic marginality attributed (and even assumed by them) to their production in general (their novels, poems, essays and short stories). One may say that much of the persona assumed by the authors corresponded to the expectations that the engaged intellectual circles had of adopting a character that could embody the role of authentic spokesman of the marginalized segment of society in which each one of them were created. Both authors enjoy a certain avant-garde status in the case of Genets metatheatre, in his assigned binding to the Theater of the Absurd, and, in the case of Plínios dramatic hipernaturalism, in his assigned (and even confessed) ancestry of the creative lineage of characters and motives from Nelson Rodrigues theater. Another common aspect of the drama of Genet and Plínio that has been approached is the problematization of two allegorical spaces that perfectly define the ethos of human types that inhabit them: the prison and the whorehouse. Therefore, the highlights here are Deathwatch and The Balcony, by Genet, and Barrela and O abajur lilás, by Plínio. In all of them there is also the figuration of religion-inspired motifs that, in the french authors case, contribute as a type of ritual consecration of crime (which echoes in Antoin Artauds ideas) and, in the case of the brazilian author, function as a cathartic exercise of compassion in the shade of a primitive Christianity which is insinuated in the treatment given to the degradation of the social outcasts that compose his dramatic universe. Finally, we comparatively analyzed three brazilian plays (Pedro Mico, by Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, by Gianfrancesco Guarnieri; and Oração para um pé de chinelo, by Plínio Marcos) using as a starting point a dramatic situation common to them in order to trace the affinities and distinctions of each one regarding the approach to criminality. And thus, also, be able to indicate the type of theater project to which the authors are linked, bringing up issues that are dear to the cultural-historical moment in which they were composed, like the figuration of the black men and the people who lived in slums in brazilian society

A recriação da comédia paliata de Plauto na literatura dramática portuguesa: um estudo comparativo entre os Anfitriões, de Camões e de Antônio José da Silva, é um trabalho que tem como objetivo estabelecer um termo de comparação entre as estruturas dramatúrgicas da Comédia Paliata de Plauto em suas versões portuguesas, de Luís de Camões e de Antônio José da Silva, discutindo as alterações que sofreu a comicidade dessas peças teatrais em seu caminho histórico, da Antiguidade a Era Moderna, buscando avaliar o seu grau de permanência e de mudança ao longo do tempo. Plauto, em seu processo de criação da comicidade de palavra, de situação e de caráter, tem seu Amphytruo, como obra paradigmática da comédia latina ao criar situações e tipos que se perpetuaram na comédia e a tornaram uma referência para as comédias que vieram a seguir. A obra plautina sobrevive porque há uma, histórica e permanente, reelaboração que protege seus modelos de criação de humor / The re-creation of the comedy paliata of Plauto in Portuguese dramatically literature: a comparative study between the Hosts, of Camões and Antônio José da Silva, it is a work that has as objective to establish a comparison term it enters the dramaturgical structures of the Comoedia Palliata by Plauto and its translations into Portuguese versions, of Luis de Camões and Antônio José da Silva, discussing the alterations suffered by these plays comicality in their Historical path from Ancient Times to the Modern Age, seeking to evaluate the degree of its permanence and change along the time. Plauto, in its process of creation of the comicality of word, situation and character, has its Amphytruo, as paradigmatic workmanship of the Latin comedy when creating situations and types that if had perpetuated in the comedy and had become it a reference for the comedies that had come to follow. The plautina workmanship survives because it has one, historical and permanent, rework that protects its models of mood creation

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:30:22Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006-03-31Bitstream added on 2014-06-13T20:20:49Z : No. of bitstreams: 1 tscherne_ms_me_arafcl.pdf: 972514 bytes, checksum: b1c8c28de2f2be5f4dc16aef024afe8c (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Esta dissertação buscou explorar a produção de Luiz Francisco Rebello (n.1924), dramaturgo português, que marcou o início da moderna dramaturgia em seu país, cuja principal contribuição foi a de renovar a linguagem cênica. Para mostrá-la, optou-se por três peças escritas e representadas em diferentes momentos e meios e, sobretudo, com linguagens bem distintas: a primeira, O mundo começou às 5 e 46 escrita em 1946 especialmente para integrar o segundo espetáculo do Teatro-Estúdio do Salitre (1946-1950) - um agrupamento experimental fundado neste mesmo ano por Luiz Francisco Rebello, Gino Saviotti e Vasco de Mendonça Alves - que veio a representar o marco da dramaturgia moderna em Portugal; a segunda peça, intitulada Condenados à Vida de 1963, tematicamente afinada com o Teatro Existencialista, e que nos recursos formais recupera inúmeras técnicas advindas das experiências européias do início do mesmo século; e, por último, o telegrama Todo o Amor é Amor de Perdição, escrito e apresentado em 1990 pela RTP (Televisão Portuguesa), que encerra, não a produção do autor que continua em atividade, mas o objetivo desta pesquisa que foi o de apontar, por meio da evolução dramática de Luiz Francisco Rebello, os aspectos inovadores do seu teatro...

Buenos Aires. Metade do século dezenove. Uma política de fomento à imigração européia traz às terras portenhas mais de seis milhões de imigrantes. Ao contrário do que o governo argentino esperava, as que compunham esse cenário não eram pessoas requintadas, conhecedoras de arte e ciência, muito menos mão de obra qualificada. Os imigrantes de pouca instrução e de poucos meios que passaram a fazer parte da população residente nos arrabais portenhos, assolados pela saudade de suas terras, buscando no ambiente prostibulário por uma “natural” comunhão, dão origem ao tango nas últimas décadas do século dezenove. Por volta da mesma época, os irmãos Lumière produzem o invento que chamariam de cinematógrafo, palavra de raiz grega que significa “registro do movimento”. Portanto, percebo o tango e o cinema como expressões contemporâneas, no sentido de que ambas tem sua gênese ao final do mesmo século. Alguns/algumas historiadores/as apontam ainda que o cinema é um dos responsáveis pela valorização do tango e por seu reconhecimento mundial no decorrer do século passado. O que de certa forma sublinha a relação entre o cinema e a história. Sendo assim, esta dissertação de mestrado propõe analisar como os aspectos históricos do tango argentino são representados na película Tango de Carlos Saura. Usando o aporte teórico dos Estudos Culturais e entendendo as produções cinematográficas como artefatos pedagógicos, busco perceber quais são os sentidos produzidos sobre a história do tango argentino na narrativa construída por Saura. Inicio meu exercício analítico com um olhar atento sobre os elementos técnicos de cenário, iluminação e figurino empregados na construção da obra. Somado a isso, a linguagem cinematográfica utilizada por Saura, perceptível por meio dos planos, ângulos e movimentação de câmera, também são aspectos importantes que compreendem a análise. São quatro os momentos históricos do tango representados na película escolhidos para compor esse estudo. O período imigratório, quanto a sua relevância e envolvimento na gênese do tango, os duelos criollos e o tango dançado entre homens, o ambiente prostibulário e o tango entre mulheres e, por fim, o período da ditadura militar argentina em sua relação com o tango. Ao considerar esse último aspecto tento perceber ainda como outras películas abordam a memória do período, em especial quanto a temática do exílio. Por fim, proponho uma análise da dramaturgia da dança executada em cada uma das cenas a fim de perceber o que a linguagem coreográfica nos diz sobre o período que representa. / Buenos Aires. Half of the nineteenth century. A policy to promote european immigration to Buenos Aires brings more than six million immigrants. Contrary to the Argentine government hoped, composing this scenario were not intellectual people, knowledgeable of art and science, much less skilled labor. Immigrants with little education and few resources that have become part of the resident population in arrabais, covered by nostalgia for their land, in the brothel environment looking for a “natural” communion, give rise to tango in the last decades of the nineteenth century. Around the same time, the Lumière brothers produce the invention that would call cinematographer, Greek root word meaning "record of the movement." Therefore, realize the tango and cinema as contemporary expressions, in the sense that both have their genesis at the end of the same century. Some historians the still point that cinema is one responsible for the valuation of tango and its worldwide recognition during the last century. Which I think that somehow emphasizes the relationship between cinema and history. Thus, this dissertation aims to analyze how the historical aspects of Argentine tango are represented in Tango by Carlos Saura. Using the theoretical framework of Cultural Studies and understanding cinema as pedagogical artifacts, I seek to understand what are the meanings produced from the Argentine tango in the narrative constructed by Saura. First of all, my analytical exercise began with a look on technical elements of scenery, lighting and costumes. Added to this, the cinematographic language used by Saura, noticeable through the planes, angles and camera movements are also important aspects that comprise the analysis. There are four historical moments of the tango represented in saura’s movie, chosen to make this study. The period of immigration, as their relevance and involvement in the genesis of the tango, tango-dance executed by men, the brothel environment and tango between women and finally the period of Argentine military dictatorship in its relationship with the tango. In considering this latter aspect still try to understand how other films deal with the memory of the period, especially as the theme of exile. Finally, I propose an analysis of the dramaturgy of dance performed in each of the scenes in order to realize what a choreographic language tells us about the period it represents.

O teatro trans-ibérico: Raul Brandão e Valle-Inclán tem como objetivo: pesquisar, analisar e comparar a literatura dramática desses dois artistas e escritores contemporâneos; ambos representantes de suas gerações literárias, na península ibérica, e desencadeadores de uma moderna dramaturgia no início do século XX. Antes de apresentar o estudo comparativo do teatro português e espanhol, do início do século XX, faremos observar alguns aspectos históricos e sociais da contínua decadência peninsular deste período, questões que aproximam ambos ainda mais, e que enfaticamente influenciaram na formação dos temas, das concepções artísticas e literárias dos dramas desses dois autores de povos vizinhos. Um painel amplo e detalhado da vida e obra de cada autor, em seu respectivo contexto histórico, fez-se aqui necessário para vislumbrar o percurso realizado por cada um deles e o desenvolvimento de suas respectivas produções literárias. Testemunhas comprometidas com esse período, Raul Brandão e Valle-Inclán, ao término da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), na plenitude literária de suas vidas, decidiram criar uma dramaturgia de vanguarda. Jesus Cristo em Lisboa (Brandão, 1927) e Los cuernos de Don Friolera (Valle-Inclán, 1921) são frutos do inconformismo de uma época conturbada; peças características de um teatro, que apostava em mudanças e, sobretudo, buscavam alguma reação sinestésica de suas respectivas sociedades. Elegemos os dois dramas mencionados, por serem considerados os precursores do teatro moderno, e por se tratarem de peças polêmicas, produções cinematográficas e de difícil encenação. Tratando-se também de estudo comparativo, recolhemos um conjunto de recepções críticas sobre nossos autores e suas respectivas obras dramáticas, em vida tanto quanto postumamente. Por fim, após investigação, conclui-se a respeito das diferenças e semelhanças desta dramaturgia ibérica, presente nas peças de Raul Brandão e Valle- Inclán. / The objective of O teatro trans-ibérico: Raul Brandão e Valle-Inclán is to research, to analyze and to compare those two artists\' dramatic literature and contemporary writers; both representatives of their literary generations, in the Iberian Peninsula, and provocative of a modern theater in the early century XX. Before presenting the comparative study of the Portuguese and Spanish theater, of the beginning of the century XX, we will observe some historical and social aspects of the continuous peninsular decadence of this period, subjects that approximate both still plus, and that emphatically they influenced in the formation of the themes, of the artistic and literary conceptions of those two authors\' of neighboring people dramas. A wide and detailed panel of the life and each author\'s work, in his/her respective historical context, was here necessary to glimpse the course accomplished by each one of them and the development of their respective literary productions. Witness committed with that period, Raul Brandão and Valle-Inclán, in the end of the First World War (1914-1918), in the literary fullness of their lives, they decided to create a vanguard theater. Jesus Cristo em Lisboa (Brandão, 1927) and Los cuernos de Don Friolera (Valle-Inclán, 1921) are the result of the dissatisfaction of a disturbed time; pieces characteristics of a theater, that it bet in changes and, above all, it looked for some reaction synesthésique of their respective societies. We chose the two mentioned dramas, because they are considered the precursors of the modern theater, and because they were controversial pieces, cinematographic productions and of difficult staging. As a comparative study, we collected a group of critical receptions about our authors and their respective dramatic works, in life as much as posthumous. Finally, after investigation, it is concluded regarding the differences and similarities of this Iberian theater, present in Raul Brandão\'s pieces and Valle-Inclán.

Buenos Aires. Metade do século dezenove. Uma política de fomento à imigração européia traz às terras portenhas mais de seis milhões de imigrantes. Ao contrário do que o governo argentino esperava, as que compunham esse cenário não eram pessoas requintadas, conhecedoras de arte e ciência, muito menos mão de obra qualificada. Os imigrantes de pouca instrução e de poucos meios que passaram a fazer parte da população residente nos arrabais portenhos, assolados pela saudade de suas terras, buscando no ambiente prostibulário por uma “natural” comunhão, dão origem ao tango nas últimas décadas do século dezenove. Por volta da mesma época, os irmãos Lumière produzem o invento que chamariam de cinematógrafo, palavra de raiz grega que significa “registro do movimento”. Portanto, percebo o tango e o cinema como expressões contemporâneas, no sentido de que ambas tem sua gênese ao final do mesmo século. Alguns/algumas historiadores/as apontam ainda que o cinema é um dos responsáveis pela valorização do tango e por seu reconhecimento mundial no decorrer do século passado. O que de certa forma sublinha a relação entre o cinema e a história. Sendo assim, esta dissertação de mestrado propõe analisar como os aspectos históricos do tango argentino são representados na película Tango de Carlos Saura. Usando o aporte teórico dos Estudos Culturais e entendendo as produções cinematográficas como artefatos pedagógicos, busco perceber quais são os sentidos produzidos sobre a história do tango argentino na narrativa construída por Saura. Inicio meu exercício analítico com um olhar atento sobre os elementos técnicos de cenário, iluminação e figurino empregados na construção da obra. Somado a isso, a linguagem cinematográfica utilizada por Saura, perceptível por meio dos planos, ângulos e movimentação de câmera, também são aspectos importantes que compreendem a análise. São quatro os momentos históricos do tango representados na película escolhidos para compor esse estudo. O período imigratório, quanto a sua relevância e envolvimento na gênese do tango, os duelos criollos e o tango dançado entre homens, o ambiente prostibulário e o tango entre mulheres e, por fim, o período da ditadura militar argentina em sua relação com o tango. Ao considerar esse último aspecto tento perceber ainda como outras películas abordam a memória do período, em especial quanto a temática do exílio. Por fim, proponho uma análise da dramaturgia da dança executada em cada uma das cenas a fim de perceber o que a linguagem coreográfica nos diz sobre o período que representa. / Buenos Aires. Half of the nineteenth century. A policy to promote european immigration to Buenos Aires brings more than six million immigrants. Contrary to the Argentine government hoped, composing this scenario were not intellectual people, knowledgeable of art and science, much less skilled labor. Immigrants with little education and few resources that have become part of the resident population in arrabais, covered by nostalgia for their land, in the brothel environment looking for a “natural” communion, give rise to tango in the last decades of the nineteenth century. Around the same time, the Lumière brothers produce the invention that would call cinematographer, Greek root word meaning "record of the movement." Therefore, realize the tango and cinema as contemporary expressions, in the sense that both have their genesis at the end of the same century. Some historians the still point that cinema is one responsible for the valuation of tango and its worldwide recognition during the last century. Which I think that somehow emphasizes the relationship between cinema and history. Thus, this dissertation aims to analyze how the historical aspects of Argentine tango are represented in Tango by Carlos Saura. Using the theoretical framework of Cultural Studies and understanding cinema as pedagogical artifacts, I seek to understand what are the meanings produced from the Argentine tango in the narrative constructed by Saura. First of all, my analytical exercise began with a look on technical elements of scenery, lighting and costumes. Added to this, the cinematographic language used by Saura, noticeable through the planes, angles and camera movements are also important aspects that comprise the analysis. There are four historical moments of the tango represented in saura’s movie, chosen to make this study. The period of immigration, as their relevance and involvement in the genesis of the tango, tango-dance executed by men, the brothel environment and tango between women and finally the period of Argentine military dictatorship in its relationship with the tango. In considering this latter aspect still try to understand how other films deal with the memory of the period, especially as the theme of exile. Finally, I propose an analysis of the dramaturgy of dance performed in each of the scenes in order to realize what a choreographic language tells us about the period it represents.