Orientador: Antonio Augusto Arantes Neto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-07-13T20:10:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guimaraes_AntonioCarlosMachado_M.pdf: 2424395 bytes, checksum: a9951002b0464ac3f7d3af1f5a11ccf4 (MD5) Previous issue date: 1985 / Resumo: Não informado / Abstract: Not informed / Mestrado / Mestre em Antropologia Social

Orientador: Márcio Benchimol Barros / Banca: Yara Borges Caznók / Banca: Anna Hartmann Cavalcanti / Resumo: Em Do Belo Musical, Hanslick se detém em uma pormenorizada análise do que seja propriamente o belo na música. Para tanto, antes de enunciá-lo, o autor tece duras críticas à perda de autonomia da música que se verificava largamente em sua época. A referida perda de autonomia se evidenciava através da fruição estética predominante, a qual se traduzia como um mero voltar-se para o sentimentos e "imagens" supostamente suscitados e representados pela música. A essa particular espécie de fruição estética Hanslick denomina de fruição patológica, posto que tal espécie de fruição privilegia outra coisa que não exclusivamente a relação e concatenação entre os sons. Enquanto isso, em seus últimos anos de atividade filosófica e, particularmente, com O Caso Wagner, Nietzsche nos presenteia com uma análise excepcionalmente original e minuciosa do procedimento wagneriano na música, identificando-o com o que ele conceitua como décadence artística, sendo esta mero sintoma de uma outra espécie primordial de décadence, a saber, a fisiológica. O presente trabalho ambiciona estabelecer um ponto de contato firme entre o fruir patológico tal como Hanslick o compreende e o conceito de décadence em sua completude. Mais ainda, pretende-se, mediante a perspectiva da décadence, estabelecer a causa prima da fruição patológica diagnosticada por Eduard Hanslick. / Abstract: In Vom Musikalisch-Schönen, Hanslick dwells on a detailed analysis of what is beautiful in music. To this end, before expressing it, the author criticizes the loss of autonomy of music that was widely verified in his time. The aforementioned loss of autonomy was evidenced by the prevailing aesthetic fruition, which was translated as a mere turning to the feelings and "images" supposedly aroused and represented by music. To this particular kind of aesthetic fruition Hanslick calls the pathological fruition, since such a kind of enjoyment privileges something other than exclusively the relation and concatenation between sounds. Meanwhile, in his later years of philosophical activity and particularly with Der Fall Wagner, Nietzsche presents us with an exceptionally original and thorough analysis of the Wagnerian procedure in music, identifying it with what he conceptualized as artistic décadence, being this mere symptom of another primordial species of décadence, namely, physiological. The present work aspires to establish a firm point of contact between the pathological fruition as Hanslick understands it and the concept of décadence in its completeness. Moreover, it is intended, through the perspective of décadence, to establish the primary cause of the pathological fruition diagnosed by Eduard Hanslick. / Mestre

Títulos de Licenciado en Psicología y Psicólogo / El presente estudio evaluó la posible relación entre la existencia de rasgos de personalidad relativamente estables entre aquellos adolescentes que escuchan y prefieren un determinado estilo musical por sobre otros y, a su vez, determinar si existen diferencias en cuanto a dichos rasgos de personalidad entre los adolescentes que escuchan distintos estilos musicales

Resumo: O propósito deste trabalho foi o de compreender o comportamento dos consumidores de música, segundo o modelo de Cadeias Meios-Fim, o autoconceito dos consumidores e a atitude dos mesmos frente à música. Foi optado por um estilo de música popular relacionado aos consumidores jovens, o new metal. A coleta de dados foi desenvolvida em Curitiba, com consulta aos consumidores dividida em duas etapas. A primeira etapa foi conduzida de forma qualitativa com 9 entrevistas em profundidade com consumidores de música. A segunda etapa quantitativa, compreendeu uma amostra de 240 entrevistas com questionários aplicados aos consumidores de música new metal. A abordagem do consumo com base no modelo de Cadeias Meios-Fim, possibilitou verificar as relaçoes associativas entre os valores pessoais dos consumidores, os benefícios e os atributos percebidos na música new metal, segundo a Técnica Padrão de Associação. O resultando foi apresentado num mapa com as probabilidades de ocorrência das relações entre as variáveis. A abordagem do consumo com base nos construtos autoconceito, atitude e resposta afetiva possibilitou a obtenção, pela técnica de Análise Fatorial, de dimensões relacionadas à caracterização dos consumidores: (a)competência, (b)segurança, (c)rebeldia e (d) seriedade, no caso do primeiro construto, e de dimensões relacionadas à caracterização da percepção da música pelos consumidores: (e)represenação individual, (f)influência emocional e (g)expressão social, no caso do segundo construto; e (h)encantamento, (i)irritação, (j)vergonha, (l)desânimo e (g)culpa, no caso do último construto. Ambas as abordagens serviram para explicar a relação entre os consumidores e a música consumida. Através de um modelo de Classes Latente, foi proposta uma tipologia dos consumidores de música new metal, baseado na hieraquia da importância dos valores pessoais e descrita segundo os construtos autoconceito, atitude e resposta afetiva. A tipologia resultou em dois grupos de consumidores. O grupo dos "amistosos", com baixa identificação com o new metal, está relacionado aos valores pessoais, relações calorosas e ser respeitado. Este grupo está associado a dimensão influência emocional e a dimensão segurança. O grupo dos "cuidadosos" com alta identificação com o estilo de música new metal, está relacionado dimensão desânimo e a dimensão competência. Este grupo é formado pelos indivíduos que consomem música new metal motivados pela característica estimulante do som. Esse grupo externalizar por meio da música, seus sentimentos sem que precisem fazê-lo por si próprio.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação em Música em Contexto, 2012. / Submitted by Luiza Silva Almeida (luizaalmeida@bce.unb.br) on 2013-07-09T16:13:10Z No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / Approved for entry into archive by Leandro Silva Borges(leandroborges@bce.unb.br) on 2013-07-15T16:12:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-07-15T16:12:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / O termo Choro, primeiramente serviu para designar uma formação instrumental, posteriormente, um estilo interpretativo e finalmente um gênero musical. Embora o emprego do termo, apenas como forma de designar uma formação instrumental, já não seja aceito desde o começo do século XX, as noções do Choro como gênero e estilo, sempre estiveram muito próximas. Isso se deve a importância do estilo interpretativo dos Chorões para compreensão do Choro. Essa característica particular de interpretação e assimilação do material musical possibilitou ao chorão a apropriação de outros gêneros e estilos tão diversos como o rock inglês dos Beatles, ou composições dos períodos clássico e romântico. O presente trabalho busca compreender essas apropriações, esse “toque de Midas”. Para tanto, inter-relaciona a teoria das tópicas propostas por Hatten, Agawu, Ratner e Monelle, com a teoria de “fricção de musicalidades” e o cruzamento entre os conceitos de tópicas e figura propostos por Piedade, com o intuito de desenvolver uma compreensão do Choro como uma manifestação da musicalidade brasileira capaz de transitar entre as concepções de gênero e estilo e de se apropriar de outras musicalidades. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The term Choro, first served to designate an instrumental formation, then an interpretative style and finally a musical genre. Although the use of the term only as a way to designate an instrumental formation has no longer been accepted since the early XXth century, the notions of Choro as genre or style have remained very close. This particular feature of interpretation and assimilation of musical material, allow the choro musician to undertake the appropriation of other genres and styles as diverse as the beatles English rock, or compositions of the classical and romantic periods. This paper seeks to understand these appropriations, which this "Midas touch" enables. Therefore, it interrelates the theories on musical topics proposed by Hatten, Agawu, Ratner and Monelle, with the theory of musical frictions and the intersection between the concepts of topics and figure as proposed by Piedade, in order to develop an understanding of the Choro as a manifestation of Brazilian musicality capable of transitioning between the concepts of genre and style and to appropriate other musicalities.

Orientador: Mauricy Matos Martin / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T06:39:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MarunFilho_Nahim_D.pdf: 13727351 bytes, checksum: 0bb7bec0d4eb4b37be7ec66b3e66f592 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho demonstra as relações entre os 51 Exercícios de Johannes Brahms (1833-1897) e seu estilo pianístico. Estabelece uma ponte entre o repertório de concerto e a antiga aspiração dos intérpretes pela virtuosidade técnica, focando a obra de Johannes Brahms que, segundo muitos autores, sintetiza a história do piano. Para fundamentar a busca do depuramento técnico através de exercícios específicos, no primeiro capítulo traçamos um histórico da prática e composição deste gênero, desde os primórdios do teclado até a época de Brahms. Em seguida, mencionamos o envolvimento do compositor com o ensino e a técnica do piano, além de considerações sobre seu estilo ao escrever para este instrumento. Seguimos analisando algumas diferentes edições existentes no mercado editorial. Trabalhamos com as edições originais e também com as revisões de Ettore Pozzoli e Isidor Phillipp. Elaboramos alguns conselhos técnicos juntamente com um guia contendo as expressões mais comuns da fisiologia do movimento, com a finalidade de situar o leitor no desenvolvimento da última parte do trabalho. Finalmente, comentamos cada um dos 51 Exercícios de Brahms, apontando seu objetivo principal, orientando sua prática e sugerindo alguns exercícios adicionais. Nessa seção trazemos ainda vários excertos da literatura pianística desse compositor para se estabelecer a funcionalidade de cada um dos 51 Exercícios. Estes exemplos favorecem a aplicação dos movimentos estudados e aprofundam o leitor no estilo e na técnica pianística do compositor / Abstract: This Thesis explores the 51 Exercises of Johannes Brahms (1833-1897) relating to his unique compositional style for piano. His Exercises synthesize the whole history of piano technique. Thus, we intend to establish a connection between this work and his concert repertoire with the search for keyboard virtuosity of earlier interpreters. The initial chapters go through the history of piano technique, since early attempts of keyboard virtuosity till the publication of the 51 Exercises. We explore Brahms concerns with performance and teaching activities, as well as his craftsmanship involving compositions for piano. Following, we comment various editions of this work and the remarks of their editors, such as Ettore Pozzoli and Isidor Philipp. Photographs illustrate common movements which performers use during their activities and we provide practicing advices for this specific work. Finally, there are many remarks about each one of the 51 Exercises, such as their purpose, guidance for mastering their difficulties and additional exercises as well. The relationship with Brahms literature for piano is also pointed out in this section through excerpts from his solo piano music, chamber music with piano, and both concertos for piano and orchestra. And these could also work very well as further exercises. To understand the relationship between the piano language of Brahms and his technique is to comprehend a great deal of the Keyboard History / Doutorado / Doutor em Música

Orientador(a): Sonia Regina Albano de Lima / Banca: Flavio Apro / Banca: Liliana Harb Bollos / Banca: Marcos Pupo F. Nogueira / Banca: Alberto T. Ikeda / Resumo: Esta pesquisa bibliográfica tem como objeto de análise o termo "gênero musical", considerando-se a multiplicidade de função e significado com que ele é empregado nos diferentes repertórios e a dificuldade em conceituá-lo de forma unívoca. Para cumprirmos com esses objetivos, realizamos um levantamento bibliográfico com o intuito de identificar e descrever o conceito de gênero musical em suas diversas e multifacetadas abordagens, além de verificar a sua evolução no contexto histórico-musical. Foram coletados 33 artigos de revistas científicas de diversas áreas de conhecimento. Com este levantamento, percebemos que fatores históricos, culturais, estéticos e sociais interferem na sua classificação. Também ficou patente a inexistência de gêneros puros, tanto no repertório erudito como no popular e na música de tradição oral. Verificamos que em determinadas áreas de conhecimento o seu sentido estético não é prioritário, em função de uma política mercantil de vendagem e distribuição da produção musical. Concluímos que os gêneros musicais são voláteis em sua essência e têm sido empregados de forma diferenciada e multifacetada. Avaliar os seus múltiplos usos e o destino que eles obtêm nas diversas áreas de conhecimentos pareceu-nos uma tarefa necessária. De certo modo, a pesquisa aqui realizada ampliará as reflexões acerca das diferentes necessidades que conduzem às classificações musicais. Serviram de fundamentação teórica para esta investigação os textos de G. Denizeau, J. Zamacois... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This bibliographic research aims to analyze the term "musical genre", considering the multiplicity of function and meaning with which it is used in different repertoires and the difficulty in conceptualizing it in a univocal way. In order to fulfill these objectives, we carried out a bibliographical survey with the purpose of identifying and describing the concept of musical genre in its various and multifaceted approaches, as well as verifying its evolution in the historical - musical context. A total of 33 articles were collected from scientific journals of different areas of knowledge. With this survey, we perceive that historical, cultural, aesthetic and social factors interfere in its classification. It also became clear that there are no pure genres, both in the popular and classical repertoire and in oral tradition. We also find out that in certain areas of knowledge, the aesthetic sense is not a priority due to a commercial policy of selling and distributing the musical production. We conclude that musical genres are volatile in their essence and have been used in a differentiated and multifaceted way. Assessing their multiple uses and the purpose they gain in the various areas of knowledge seemed to us to be a necessary task. In a way, the research carried out here will amplify the reflections on the different needs that lead to musical classification. The texts of G. Denizeau, J. Zamacois, F. Fabbri, and others were the theoretical basis for this research. The research... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Denise Hortência Lopes Garcia / Dissertação ( mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T08:05:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Weiss-Santos_KlausSebastian_M.pdf: 25328955 bytes, checksum: e64f05dc52ca92dcc0794ff330b93124 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A constante preocupação de como propiciar ao aluno de piano uma visão mais ampla do fazer musical, mais relacionada com a sua época, com o indivíduo, incita a investigação por aquilo que possa expandir essas perspectivas. Nesse sentido, é importante haver pesquisas que promovam, com o intuito de difusão e estudo aprofundado, obras musicais que apresentam preocupação com a iniciação a uma linguagem musical contemporânea à época. Ao deparar-se com a coleção de 162 peças progressivas para piano de Ernst Widmer - o Ludus Brasiliensis - essas questões emergem e surge a necessidade de esclarecimento de sentidos e significados dessa música. Neste estudo, o objetivo é revelar sentidos e significados da música de Widmer a partir da apresentação e discussão dos elementos estilísticos da peça nº 162 concatenação do Ludus Brasiliensis. A última peça da coleção, concatenação, apresenta um painel de tendências estéticas e procedimentos técnicos diversificados que sintetizam a proposta de todo o Ludus Brasiliensis. Ela é representativa do repertório para piano no Brasil dos anos 60, do estilo do compositor e do local em que foi escrita. Para o entendimento da peça, foi conduzida uma proposta de análise da mesma, observando as considerações analíticas propostas por LaRue (1989). A metodologia está basicamente dividida em três etapas: em um primeiro momento, foram levantadas questões a fim de situar o texto musical na produção do compositor e no contexto daquele período. Em seguida, foi realizado um estudo descritivo dos elementos musicais da peça baseado em três níveis analíticos: macro, média e micro-análise. Finalmente, foi realizada a síntese e reflexão crítica dos dados coletados. Em termos de resultados, na macroanálise, as questões analisadas na partitura revelaram o aspecto mosaico da peça, no qual elementos celulares presentes no fragmento inicial pervadem toda a obra. As diferentes seções e partes estão concatenadas por elementos de coerência, mas não é possível pensar que a peça se sustenta em parâmetros de unidade, uma vez que as dicotomias não são resolvidas. A relação é mais paradoxal que dialética. Em relação às estruturas médias, foi possível verificar a adaptação de estruturas formais relacionadas ao objetivismo neoclássico. Na microanálise, foi verificado que o emprego de síncopes e de determinados padrões rítmicos, associado ao uso de uma harmonia modal, claramente demonstra a referência regional proposta por Widmer. O estudo mostrou como o ecletismo estilístico, aliado a ideia de miscigenação, de concatenação, revelou-se nessa obra como um programa estético e técnico, e como a perspectiva didática de Widmer resultou em uma abordagem consistente e rica / Abstract: The recurrent preoccupation of how to provide to the student of piano a broader view of the process of making music, which is more related to its time, with the individual, fosters the investigation about what could expand those perspectives. In this sense, it is important to have research that promote, with the intention of diffusion and deep study, musical works that present the preoccupation with a musical language initiation contemporary to the epoch. When we face the collection of 162 progressive pieces to piano from Ernst Widmer - the Ludus Brasiliensis - those questions emerge and it is stated the necessity of enlightenment of senses and meanings of this music. In this study, the objective is to reveal meanings and senses of the music from Widmer since the presentation and discussion of stylistic elements of the piece number 162 concatenação of Ludus Brasiliensis. The last piece of the collection, concatenação, presents a panel of the esthetical tendencies and diversified technical procedures that synthesize the proposal of all Ludus Brasiliensis. It is a representative piece of the repertoire for piano in the Brazil of the 60s, of the style of the composer and of the place where it was written. To the understanding of the piece, a proposal of stylistic analysis of the piece was conducted, observing the analytical considerations proposed by LaRue (1989). The methodology is basically divided into three steps: firstly, some questions were stated to situate the musical text in the composer's production and in the context of that period. Then, a descriptive study of the musical elements of the piece was done based on three analytical levels: macro, middle and micro analysis. Finally, a synthesis and critical reflection of the data collected was done. In terms of results, in the macroanalysis, the analyzed questions in the score revealed the mosaical aspect of the piece, in which cellular elements present in the initial fragment pervade all the work. The different sections and parts are concatenated by coherence elements, but it is not possible to think that the piece is based on parameters of unit, since the dichotomies are not solved. The relation is more paradoxal than dialectic. In relation to the middle structures, it was possible to verify the adaptation of formal structures related to the neoclassic objectivism. In the microanalysis, the use of syncopation and of determined rhythmic patterns, associated to the use of a modal harmony, clearly demonstrate the regional reference proposed by Widmer. The study has shown how the stylistic eclecticism, allied to the idea of miscegenation, of concatenation, was revealed in this musical work as an esthetical and technical program, and, how the didactic perspective of Widmer resulted in a consistent and rich approach / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música

Orientador: Antonio Rafael Carvalho dos Santos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T14:14:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zagury_Sheila_D.pdf: 30979505 bytes, checksum: ce7c600191ad8121332839c65369fdce (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente trabalho apresenta um estudo a respeito dos grupos dedicados à música instrumental popular que surgiram no Rio de Janeiro a partir da década de 1990 e as suas contribuições musicais para o choro. Tais conjuntos buscaram inovar o fazer musical do choro, ao trazer mudanças nos arranjos de grandese clássicos do gênero assim como suas possíveis inter-relações deste com outros gêneros musicais. Tendo em vista a busca pela sua abordagem na criação e práticas musicais, selecionamos quatro representantes desta geração de conjuntos cariocas. Para contextualizar tal objeto de pesquisa, foram elaboradas compilações de significados para os termos choro, gênero e estilo musicais. A partir da observação das suas trajetórias e do seu material musical, foi possível constatar as propostas de mudança dos grupos estudados no repertório usual do choro e outras modificações, como a inserção de outros repertórios estranhos ao âmbito deste gênero, tanto nos seus arranjos como na escolha de obras que, a princípio não pertenceriam a este universo. As análises musicais, os levantamentos dos termos citados e a execução de alguns dos arranjos destes grupos, (assim como outros elaborados pela autora deste trabalho, a partir da década de 1990) fizeram com que algumas questões tomassem corpo. Assim, trouxemos discussões já travadas por vários pesquisadores a cerca de algumas representações que envolvem o choro, como o significado de "grupo de choro" e como a identidade nacional se relaciona com este universo da música instrumental brasileira. Tais reflexões colaboraram na busca de uma visão mais crítica do nosso assunto. A percepção dos processos de hibridação com outros mundos musicais e como estes foram elaborados são os resultados desse estudo. Esperamos que este venha contribuir para os estudos de análise e prática da música popular brasileira / Abcstract: This research presents a study of the groups devoted to Brazilian instrumental music that emerged in Rio de Janeiro in the 1990s and their musical contribuition to choro. Those groups had seeked to innovate musical making that evolves choro, in the form of changes within the repertoire¿s arrangements of this musical genre and also possible interactions with other genres. In search of an approach to musical creation and performance, we have made a selection of four among these ensembles. To put this subject in context, we have made an inventory for the meanings of the expression choro, and also a discussion about musical genre and style. By observing their history and musical material, it was possible to perceive their proposed changes to the standard choro repertoire and other modifications, such as the inclusion of works that are distant from the choro realm. These procedures were detected in the arrangements as well as in the groups¿ choices of repertoire, which could come from outside the choro universe. The musical analysis, the investigation of the meaning given to "choro", the musical genre and style¿s debates and the performance of some of the group¿s arrangements (as well as other arrangements written by this author the 1990s) have given rise to some issues. Discussions already underway by other researchers were brought in to our study, such as the representations that have evolved regarding choro: the meaning of "choro group" and how national identity relates to this Brazilian musical world. These considerations have aided in the search to a more critical point-of-view to this survey. Perceived hybrid procedures with other musical worlds and how they were developed are the results of this research. We hope that it will contribute to further analysis and performance studies of Brazilian popular music. / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutora em Música

Orientador: Paulo Augusto Castagna / Banca: Vitor Gabriel de Araújo / Banca: Carin Willing / Resumo: A fuga dupla foi um fenômeno essencialmente do século XVIII até meados do século XIX, introduzido em Portugal, e conseqüentemente no Brasil, a partir da italianização da cultura musical portuguesa promovida por D. João V. Encontra-se em arquivos brasileiros e portugueses fugas duplas de diversos compositores italianos como Domenico Scarlatti (1685 - 1757), Giovanni B. Pergolesi (1710 - 1736), David Perez (1711 - 1778), Niccolò Jommelli (1714 - 1774) e Giuseppe Totti (? - 1832). Também compuseram fugas duplas músicos portugueses como José Joaquim dos Santos (1747 - 1801), João José Baldi (1770 - 1816), André da Silva Gomes (1752 - 1844) e Marcos Portugal (1762 - 1830); e brasileiros como Luiz Álvares Pinto (1719 - 1789) e José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). O objetivo desta pesquisa é demonstrar a evolução desta forma musical no repertório luso-brasileiro dos séculos XVIII e XIX. Para isso, além de serem analisadas uma série de vinte e cinco obras compostas pelos músicos acima mencionados, também foram estudados nove tratados musicais dos seguintes autores: Friedrich Wilhelm Marpurg (1718 - 1795), Giambattista Martini (1706 - 1784), Francisco Ignacio Solano (1720 - 1800), Johann Georg Albrechtsberger (1735 - 1809), Angel Moriggi (? - ?), André da Silva Gomes, Antonin Rejcha (1770 - 1783), Luigi Cherubini (1760 - 1842) e Hilarión Eslava (1807 - 1878). Esta forma fugal, presente no repertório luso-brasileiro, de extrema importância para a nossa história musical, permanece, até hoje, pouco conhecida, existindo poucos estudos modernos e até mesmo edições críticas de música portuguesa e brasileira onde ela esteja presente / Abstract: The double fugue was essentially a phenomenon of the 18th to the middle 19th centuries, introduced in Portugal, and consequently in Brazil, since the Italianization of the Portuguese musical culture promoted by Don João V. Double fugues from several Italian composers such as Domenico Scarlatti (1685 - 1757), Giovanni B. Pergolesi (1710 - 1736), David Perez (1711 - 1778), Niccolò Jommelli (1714 - 1774) and Giuseppe Totti (? - 1832), can still be found in Brazilian and Portuguese archives. Also composed double fugues Portuguese musicians like José Joaquim dos Santos (1747 - 1801), João José Baldi (1770 - 1816), André da Silva Gomes (1752 - 1844) and Marcos Portugal (1762 - 1830); and Brazilians like Luiz Álvares Pinto (1719 - 1789) and José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). The aim of this research is to demonstrate how this musical form evolved in the Portuguese and Brazilian repertoire during the 18th and 19th centuries. For this purpose, besides of analyzing twenty five musical works from the above mentioned composers, nine musical treatises were studied from the following authors: Friedrich Wilhelm Marpurg (1718 - 1795), Giambattista Martini (1706 - 1784), Francisco Ignacio Solano (1720 - 1800), Johann Georg Albrechtsberger (1735 - 1809), Angel Moriggi (? - ?), André da Silva Gomes, Antonin Rejcha (1770 - 1783), Luigi Cherubini (1760 - 1842) and Hilarión Eslava (1807 - 1878). This musical form, found in the Portuguese and Brazilian repertoire, of extreme importance for our musical culture, remains, even now, little known, existing just a few modern studies and critical editions of Portuguese and Brazilian music where it can be found / Mestre