O presente trabalho tem a intenção de, primeiramente, estudar a guitarra elétrica como interface de composição e improvisação através da utilização de novas tecnologias digitais na música experimental; em um segundo momento, propõe uma composição musical utilizando alguns aparatos tecnológicos acoplados à guitarra. Essas ferramentas foram escolhidas após um extensivo mapeamento individual e através de experimentações de suas potencialidades do processamento sonoro quando abordadas com o instrumento. O material composicional foi posteriormente construído a partir de observações e reflexões do autor sobre o uso do instrumento enquanto interface no diálogo com as novas tecnologias digitais presentes na computação móvel. O trabalho traz também o registro autoetnográfico do período de pesquisa de algumas das ferramentas digitais selecionadas quando em uso com a guitarra elétrica e o processo de composição e registro da peça proposta, além de sua posterior análise. Em sua conclusão, são apresentadas, portanto, as observações e reflexões desta interação do instrumento e suas novas formas de instrumenticidade quando acoplado ao computador. / This work intends to, first, study the electric guitar as composition and improvisation interface through the use of new technology in experimental music; in a second moment, proposes a composition using some technological devices attached to the electric guitar. These tools were chosen after an extensive mapping individual trial and through its sound processing capabilities when addressed with the instrument. The compositional material was subsequently constructed from observations and author\'s reflections on the use of the instrument as an interface in dialogue with the new technologies available in mobile computing. The work also brings an auto-ethnography record of the research period of a few digital tools selected when in use with the electric guitar and the writing process and recording of the piece proposed, and its subsequent analysis. In its conclusion, therefore presents the observations and reflections from this interaction of the instrument and its new forms of instrumentness when attached to the computer.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-11-06T19:28:24Z No. of bitstreams: 1 MIGUEL FABRICIO DE OLIVEIRA ALVES.pdf: 4255347 bytes, checksum: 47de13ed193e78d6f30026f5b9cfcef0 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-06T19:28:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MIGUEL FABRICIO DE OLIVEIRA ALVES.pdf: 4255347 bytes, checksum: 47de13ed193e78d6f30026f5b9cfcef0 (MD5) Previous issue date: 2018-08-31 / After finally leaving the tour in 1966 at a time when his career reached high levels of public and market, thus causing a certain break with the parameters of the cultural industry, the Beatles began to concentrate their work in the studio producing what the critic considers as their more important works, evidencing a maturation that would show itself from his compositions and arrangements. Such compositions become more complex, representing their passage from commercial pop music to more elaborate, experimental and avant-garde music, exposing influences to various musical currents and references to their experiences with LSD. It is the purpose of this study to analyze the context in which these changes occurred, the relationship of the Beatles to their time, psychedelia, oriental mysticism and avant-garde rock sections. / Após deixarem definitivamente as turnês em 1966, no momento em que sua carreira atingia altos níveis de público e mercado, os Beatles trouxeram certa ruptura com os parâmetros da indústria cultural. O famoso quarteto passou a concentrar seu trabalho no estúdio produzindo o que a crítica considera como suas mais importantes obras, evidenciando um amadurecimento que se mostraria a partir de suas composições e arranjos. Tais composições passam a ficar mais complexas, representando assim sua passagem da música comercial pop para uma música mais elaborada, experimental e de vanguarda. Nestas composições, expõem influências de diversas correntes musicais e referências às suas experiências com drogas e com outras culturas. O objetivo desse estudo é analisar o contexto em que essas mudanças ocorreram, a relação dos Beatles com o seu tempo, com a psicodelia, com o misticismo oriental e com setores vanguardistas da música.

Submitted by Gabriel Francisco Barboza Lemos (gabrielfranciscolemos@gmail.com) on 2018-09-28T13:41:47Z No. of bitstreams: 1 Mestrado_2018_FINAL_PDF.pdf: 17241288 bytes, checksum: aa4adf3c4ab852bf34bf08215205e197 (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) Previous issue date: 2018-07-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Na segunda metade do Século XX, em especial nas décadas de 1960 e 1970, artistas e intelectuais discutiram calorosamente acerca da relação entre a atuação poética (criativa) do artista e sua influência no campo político e ideológico social. Nesse contexto, o compositor inglês Cornelius Cardew (1936 - 1981) se destacou por desenvolver um trabalho composicional e teórico contundente, crítico e autocrítico sobre a vanguarda musical e sua dimensão ideológica. Transitou entre duas das mais influentes orientações estéticas da segunda metade do Século XX, a música de vanguarda e a música politicamente engajada, ambas fundamentais na construção de chaves de leitura acerca da relação entre o compositor e a sociedade ocidental capitalista. Cardew se dedicou no decorrer de toda a década de 1960 na criação e divulgação de obras diretamente influenciadas pela escola americana experimental. Compôs obras que trabalhavam com a aleatoriedade, a improvisação (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) e a notação gráfica, dentre essas, Treatise (1963-7) se destaca. Em 1969, ainda ligado às diretrizes aleatórias e ritualísticas da escola americana, o compositor fundou a orquestra experimental Scratch Orchestra (1969-74). Não obstante, influenciado pelo trabalho de pesquisa feito em conjunto com a orquestra (haja a existência de um núcleo de estudos teóricos chamado de Ideological Group), nos anos seguintes ao encerramento das atividades do grupo, Cardew se engajou na utilização da música como ferramenta na conscientização da luta de classes. Orientado pela linha de pensamento Marxista-Leninista, sua produção teórica e musical dos anos 1970 é marcada por um forte engajamento revolucionário, culminando na publicação do livro Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). Em seus últimos anos de vida, o compositor volta a utilizar a notação tradicional e compõe peças para piano, canções e música coral que, se comparadas à sua produção anterior, configuram-se como outra linguagem musical, operando sob uma chave de leitura híbrida e diametralmente oposta à vanguarda experimental. Marcadas por alusões e citações diretas ao repertório musical revolucionário, erudito e popular, as peças para piano dos anos 1970 indicam uma preocupação com a inteligibilidade do discurso musical e almejam uma clareza semântica que se consubstancia junto do ímpeto político do autor. Nesse sentido, o projeto proposto parte da necessidade de melhor compreender e refletir sobre a produção de Cornelius Cardew como um compositor que personificou contradições radicais na prática musical, na atuação profissional e política de seu tempo. O interesse na pesquisa e no levantamento de dados acerca dessas duas fases de Cardew reside em sua drástica mudança de orientação ideológica – porém, logicamente compreensíveis a partir dos encaminhamentos de sua atuação. Como fundamentação teórica este estudo utiliza-se de uma bibliografia que compreende algumas fontes distintas de análise do objeto em questão. Por sua vez, agrupados em quatro vias teóricas distintas; textos de autoria do próprio compositor, a aplicação desse corpo teórico na análise da música de Cardew, a ideologia marxista aplicada às artes (em especial à música erudita) e, finalmente um conjunto de autores que também abordam a relação entre linguagem e música no Século XX. / In the second half of the twentieth century, especially in the 1960s and 1970s, artists and intellectuals intensify argued about the relationship between the poetic (creative) performance of the artist and his influence on the political and ideological social field. In this context, the English composer Cornelius Cardew (1936 - 1981) stood out for developing a compelling, critical and self-critical compositional and theoretical body of work about the musical avant-garde and its ideological dimension. He transited between two of the most influential aesthetic orientations of the second half of the twentieth century, avant-garde music and politically engaged music, both fundamental in the construction of reading about the relationship between the composer and western capitalist society. Throughout the 1960s, Cardew devoted himself in the creation and dissemination of works directly influenced by the experimental American school. He composed works that worked with randomness, improvisation (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) and the graphic notation – among these, Treatise (1963-7) stands out. In 1969, still attached to the random approach and ritualistic directives of the American school, the composer founded the experimental orchestra Scratch Orchestra (1969-74). Nevertheless, influenced by the research work done in conjunction with the orchestra (strictly related to the theoretical studies group called the Ideological Group), in the years following the closing of the group's activities, Cardew engaged in the use of music as a tool in the awareness of the class struggle. Guided by the Marxist-Leninist line of thought, his theoretical and musical production of the 1970s is marked by a strong revolutionary engagement, which culminates in the publication of Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). In his later years of life, the composer revisits the traditional notation and composes pieces for piano, songs and choral music that, if compared to his previous production, configure themselves as another musical language, operating under a hybrid reading key and diametrically opposed to the experimental vanguard. Marked by allusions and direct quotations to the revolutionary, erudite and popular musical repertoire, the piano pieces of the 1970s indicate a concern with the intelligibility of musical discourse and aim for a semantic clarity that is consubstantial with the author's political impetus. In this sense, the proposed project started from the need to better understand and reflect on the production of Cornelius Cardew as a composer who personified radical contradictions in musical practice, in the professional and political performance of his time. The interest in researching and collecting data on these two phases of Cardew lies in his drastic change in ideological orientation – hence logically understandable from the directions of his trajectory. As theoretical foundation, this study uses a bibliography that includes some different sources of analysis of the object in question. In turn, grouped into four different theoretical lines; texts written by the composer himself, the application of this theoretical body to the analysis of Cardew's music, the Marxist ideology applied to the arts (especially to erudite music) and finally a set of authors who also deal with the relationship between language and music in the 20th century. / FAPESP: 2016/05113-6

A presente dissertação visa repertoriar e fazer uma reflexão sobre obras e performances de música eletrônica experimental que utilizam músicas e gravações de músicas como material musical. Investiga a colagem musical enquanto prática, em suas diversas possibilidades de emprego. Contextualiza o tema, mostrando antecedentes na tradição da música europeia de concerto e nas artes visuais. Traça uma pequena cronologia a partir do repertório e realiza um histórico quanto às tecnologias empregadas. Introduz categorias importantes, como o sampleamento, o plunderphonics, a citação, o plágio e a intermusicalidade. Aborda o conceito de referencialidade e o coloca como importante fator composicional, relacionando-o a noções como reconhecimento, fontes sonoras e musicais, familiaridade, pastiche. Discorre sobre dois subtemas: o trio bricolagem, assemblagem e descolagem e o período pós-moderno. Conclui pensando a relação entre colagem musical e o caráter de incompletude dos artefatos musicais. / This research aims to make a repertoire of and a reflection upon works and performances of electronic experimental music that use music and musical recordings as compositional material. It investigates the practice of musical collage in its several possibilities of use. It starts by contextualizing the theme: showing some antecedents in the european concert music tradition and in the visual arts; making a small chronology from the repertoire and a historical account of the technologies employed. Introduces important categories such as sampling, plunderphonics, quotation, plagiarism and intermusicality. Addresses the concept of referentiality, treating it as an important compositional aspect and relating it with the notions of recognition, sound and musical sources, familiarity, pastiche. Explores two subthemes: the trio bricolage, assemblage, décollage and the postmodern period. In conclusion, thinks about the relation of musical collage and the incompleteness character of musical artefacts.

Os objetos de estudo específicos deste trabalho são as práticas e os processos de criação e performance de música experimental interativa desenvolvidos na última década no ambiente de pesquisas em sonologia da Universidade de São Paulo (USP). Optamos por realizar uma abordagem ampla destes objetos por entender que o contexto sociocultural no qual ocorrem cria as condições para sua realização e é, de alguma forma, refletido em suas produções. O início do trabalho é dedicado aos contextos gerais e são analisadas questões e características relevantes das sociedades contemporâneas, nas quais, dentre diversos outros processos dinâmicos e plurais, se ampliou o foco de estudo sobre as criações artísticas, englobando também o ambiente sociocultural no qual tais produções são desenvolvidas. Em seguida, observamos o contexto específico da área de sonologia da USP, representada atualmente pelo Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom), e sobre como o vínculo entre os participantes (que pode ser estabelecido tanto por afinidades como por questões institucionais), ajuda a formar uma comunidade musical na qual valores estéticos e técnicos são, de algum modo, desenvolvidos. Isto, por sua vez, além de estimular a criação de uma produção artística desta coletividade também permite o compartilhamento, entre os participantes, de ferramentas teóricas que auxiliam na realização de reflexões sobre esta produção. Em um terceiro momento são apresentados os concertos realizados nesta área (como a série ¿Música?), que exibem parte consistente da produção artística realizada neste contexto e são importantes práticas observáveis desta comunidade. São apresentados também alguns exemplos do repertório nos quais o autor do presente trabalho teve participação direta em sua elaboração. Finalmente, a partir deste contexto, são realizadas discussões sobre possíveis relações entre o músico e seu aparato instrumental. Refletimos que este aparato não se trata apenas de ferramentas passivas, mas de componentes tecnológicos que interagem dialeticamente com o criador e/ou performer, alterando seu modo de pensar as atividades de criação e performance / The specific study objects of this work concern the practices and processes of interactive experimental music creation and performance developed in the last decade in the research environment in sonology at the University of São Paulo (USP). We chose to perform a comprehensive approach of these objects for understanding the socio-cultural context in which occur that creates the conditions for its realization and is somehow reflected in their productions. The beginning of the work is devoted to general contexts where some issues and relevant features of contemporary societies are analyzed, in which, among several other plurals and dynamic processes, expanded the focus of study on the artistic creations, also encompassing the socio-cultural environment in which such productions are developed. Then we observe the specific context of the sonology area at USP, currently represented by the Research Center in Sonology (NuSom), and about how the bond between participants (which can be established both by affinities or per institutional issues), helps form a \'musical community\' in which aesthetic and technical values are somehow developed. This scenario besides stimulating the creation of an artistic production of this collective also enables the sharing, between the participants, of theoretical tools that assist in the realization of reflections on this production. In a third moment are presented the concerts held in this area, which exhibit a consistent part of the artistic production held in this context and are important \"observable practices\" of this community. Some examples of repertoire in which the author of this work had direct participation in their preparation are also presented. In conclusion, from this context, discussions are held about possible relationships between the musician and his instrumental apparatus. We reflect that this apparatus is not just passive tools but technological components that interact dialectically with the creator and/or performer, changing his way of thinking the activities of creation and performance

Este trabalho parte da constatação de que existe um lugar em que a música experimental e a arte sonora brasileira se encontram: a gambiarra. Com o objetivo de conhecer as dimensões e fronteiras desse lugar, a jornada desta pesquisa está dividida em três momentos. O primeiro, \"Genealogia da gambiarra\", visa introduzir as características gerais da gambiarra, relacionando-a com aspectos culturais globais e locais. O segundo momento, \"Arte e gambiarra\", aborda a gambiarra por duas perspectivas: \"da arte\" e \"do som\". \"Da arte\" explica como o termo gambiarra deixa de ser uma expressão de uso exclusivo às soluções improvisadas do cotidiano para se tornar presente no fazer e pensar artístico brasileiro, em especial no campo da arte-mídia e midiativismo; \"do som\" ilustra uma série de técnicas e aspectos do experimentalismo sonoro que remetem ao modus opperandi da gambiarra. O terceiro capítulo, \"Artistas do sonoro\", apresenta o repertório que impulsionou a escrita desta tese, o qual torna evidente esse lugar comum entre música experimental e arte sonora brasileira. A jornada termina com a formulação de uma ferramenta de análise que busca evidenciar regimes do sonoro quanto ao uso de materiais e dispositivos técnicos / This work originates from the observation that there is a place in Brazilian society where music and sound art collide: the Gambiarra. In order to trace the dimensions and boundaries of this subject, the journey of this research is divided into three chapters. The first \"Gambiarra\'s genealogy\" introduces the concept and the characteristics of Gambiarra, relating it to global and local cultural aspects. The second \"Art and Gambiarra\" addresses two perspectives: art and sound. The \"art\" perspective explains how the term Gambiarra - which is normally related to the everyday improvisation of solutions from the lack of tools and materials - starts to be a reference in the Brazilian art field, particularly in those of media art and media activism from the beginning of 2000. The \"sound\" perspective illustrates techniques and aspects of experimentation in the field of sound which refers to Gambiarra\'s way. The third chapter, \"Artists\" presents the repertoire that drove the writing of this thesis, which shows the overlap between Brazilian experimental music and sound art. The journey ends by drawing an analytical scheme based on the use of materials and technical devices that allow us to look back at the repertoire from another perspective.

In this text, I aim to provide a critical account of a practice-based process where I composed the pieces: No Future, Futuribile No.2, celycib~, and radiocib~. In this iterative process, practical explorations provided foundations for theoretical development, which in turn, guided the following iteration of the practical work. In addition to this, I will critique the concept of the post-acousmatic, using the theoretical insights that emerged from the iterative process. In presenting the artistic results, I will describe the compositional intentions, the process, the aesthetical decisions I made, and a critical reflection on the results. The outcomes of my compositional journey might be regarded as heterogeneous in terms of musical results, and I strongly regard this occurrence in a positive manner. Despite the heterogeneity of the artistic outcomes, a conceptual framework emerges from the critical reflection on the works, linking them together. The conceptual basis of my work is related to two main aspects: one linked to my interest in political issues, the other to artistic and aesthetic matters. I see the artistic space as an opportunity to stage a potential socio-political scenario, in which different possibilities can be prototyped and explored, showing that a broader horizon of possibility can exists, even if in the confined boundaries of the stage. The artistic and aesthetic matters are related to my interest in acousmatic music. In this text I will show how I frequently make use of acousmatic techniques in a post-acousmatic context, which will be described in the Critical Reflection. The description and the critique of the works will highlight how such techniques contribute to this idea.In this text I will frequently make use of the term acousmatic. I am aware of the ambiguity of using this term, which in my understanding, might refer either to a phenomenon or a music genre (see The Post-Acousmatic section). However, I find it a useful tool to address a set of intentions and compositional strategies, aesthetics, and communities. My political and artistic stands relate to each other through my belief that an experimental approach to arts can contribute, to some extent, to the socio-political context. I regard the compositional approaches developed in relation to the acousmatic condition as the most interesting development in new music of the last century. Nevertheless, in the last decades, a standardized way of composing has emerged from the acousmatic communities. My belief is that this led to a speculation over self-referential aesthetics, and consequently, excluded new audiences to get access to it. On the other side, the absence of acousmatic music is noticeable in the programmes of venues, or the online listeners communities, and therefore, the everyday life of people. My belief is that an experimental approach towards arts, including acousmatic music, might be beneficial for contributing to a less hierarchical society: an experimental attitude in arts is the way to explore a broader horizon of possibility.

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