Zugl.: Gießen, Univ., Diss.

(Constance) Stanzie Tooth’s thesis exhibition titled, Hand to Ground, explores ideas of origin; both the mythology of a personal origin as well as the origins of painting and representation. Interrogating the history of landscape painting, the exhibition skews notions of identity by reconsidering representations of the landscape. Inspired by Margaret Atwood’s novel Surfacing, and paired with reminiscences of her childhood in rural Ontario, Tooth’s paintings unfold oblique narratives of a communion with land. These questions of personal ecology are filtered through an intense material expression, reinforcing the idea of coming into being. The exhibition was on view at the Karsh Masson Gallery in Ottawa from August 1st to September 10th, 2015.

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This dissertation argues that the British philosopher, novelist and social critic William Godwin (1756-1836) used literary depictions and discussions of book-reading to negotiate public debates about the nature of the human mind. It takes an intellectual-historical approach to Godwin's representation of communications media, using this to illuminate the wider cultural significance of book-reading in Romantic-period Britain. I ultimately claim that for Godwin, the book-object became a literary presence and a conceptual tool by which he expressed and defended his belief in the reality and necessity of intellectual perfectibility. My first three chapters set the groundwork for this argument by exploring Godwin's treatment of 'The Matter of the Reader' (Chapter One), 'The Ethics of Novel-Reading' (Chapter Two), and 'The Discipline of Reading' (Chapter Three). As Godwin engaged with debates about materialism, literary form and education, he negotiated inherited ambivalence about the nature of the human mind and the conditions necessary for its vitality. Godwin's writing about reading exposes a fundamental tension that runs throughout his corpus: he consistently invested confidence in the mind and idealised its operation, yet was simultaneously preoccupied by theorising major threats to its development. My final two chapters argue that Godwin's writing about the book as a material medium provided an ongoing response to this tension. I show that his comparative evaluations of 'Social Media' (Chapter Four) and his literary rendering of books in terms of 'Bodies and Monuments' (Chapter Five) were contributions to debates about the powers of truth, death, and cultural memory. I conclude that Godwin used the book-object as a gesture of faith in the necessary perfection of human minds. This dissertation remaps Godwin's contribution to British culture by drawing attention to the crucial role book-reading played in his philosophy, fiction, essays and correspondence. In doing so, it highlights a rich vein of enquiry opened up by the growing 'interdiscipline' of media history: the cultural figuration of books and reading.

Il est peu de notions aussi vastes que celle du non-savoir, mais le flou du caractère nécessairement négatif de sa définition s’accompagne tout de même du sentiment que la source de ce qui ne peut qu’être déterminé négativement par la pensée (non, cela n’est pas le savoir) ne peut qu’être positive. Notion à l’applicabilité infinie, parce qu’en elle vient s’abîmer tout ce qui ne peut tenir dans l’espace de la maîtrise relative à ce dont on peut dire : je sais de quoi il s’agit. Est non-savoir tout ce qui se rapporte au bouillonnement pulsionnel de la vie et à l’échéance fatale de la mort. Ce qui pousse l’homme au meurtre, au génocide, à la guerre et à la violence révolutionnaire se confond avec un contenu affectif et identitaire qui ne peut être ramené au savoir sans laisser de reste. Mais tenter de comprendre ce qui échappe à l’entendement est cela même qui relance sans cesse la réflexion comprise comme cœur du savoir. Le savoir se montre ainsi sous une extrême dépendance face à son Autre. À la lumière de cette hypothèse devant beaucoup aux découvertes de la psychanalyse, le présent mémoire s’est donné pour objectif de jeter un regard frais sur quelques grandes tensions sociopolitiques de l’Histoire; mais il a d’abord fallu évaluer philosophiquement la possibilité d’un concept de non-savoir. Des champs identitaires majeurs — révolutions totalitaires ou démocratiques, bouleversements ou synergies culturelles — sont ainsi analysés sous l’angle d’une économie pulsionnelle qui s’inscrit dans une interaction perpétuelle avec ce qui s’ébauche ici comme une économie du rapport entre non-savoir et savoir. Est ainsi produite une esquisse des rapports possibles entre la vie pulsionnelle de l’homme, le savoir institutionnel et le monde sociopolitique. / Few notions are as vast as that unknowing; but the imprecise nature of its definition is nonetheless accompagnied by the implication that what offers itself only negatively to the mind has a positive source. The applicability of the notion of unknowing is infinite; it swallows up all that resists the mastery indicated by statements about that which is. Unknowing encompasses all that belongs to the boiling drive of life and to the faceless moment of death. What leads human beings to murder, to genocide, to war and to revolutionnary violence is bound up with an affective content of identification that cannot be subsumed by knowledge without leaving a residue. Yet attempting to understand what exceeds the mind’s grasp serves as the motor of mental reflection at the heart of knowledge production itself. In this sense, knowledge is inescapably dependent on its « other ». In light of this hypothesis drawn from the domain of psychoanalysis, this thesis aims to reexamine the conceptual underpinnings of basic sociopolitical tensions in History. The conceptual impetus driving major identity movements — such as totalitarian or democratic revolutions and cultural disruptions or synergies — is analysed in terms of a libidinal or drive-oriented economy which is in perpetual interaction with what this thesis characterizes as an economy of the relation between knowing and unknowing, between knowledge and its negation.

Ce mémoire porte sur la poétique du fragmentaire dans trois ouvrages de Pierre Michon, soit "Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" et "Corps du roi". Plus qu’une préoccupation d’ordre formel, le fragmentaire y apparaît avant tout comme un champ de tensions, qui se manifeste à la fois sur le plan narratif, discursif et énonciatif. Une approche essentiellement poétique, à la jonction de la linguistique, de la rhétorique et de la narratologie, permet de réfléchir au fragmentaire dans ses effets, mais aussi dans ses affects. La recherche s’articule autour de trois grands axes : la généricité, la discontinuité et la représentation. Dans un premier temps, le fragmentaire est abordé par le prisme de la généricité, qui se traduit, dans l’œuvre de Michon, par une oscillation constante entre le biographique et le romanesque. La tension entre continuité et discontinuité est ensuite étudiée : marquée par les répétitions et variations, elle se manifeste à la fois sur le plan formel (le recueil) et stylistique (la syntaxe, les figures de style). Cette tension est également à comprendre sur le plan temporel, par une prédilection pour l’instant plutôt que pour la durée. Finalement, ce mémoire interroge la répercussion du fragmentaire sur la notion de représentation, qui subit alors un infléchissement : le récit n’est plus envisagé comme représentation, mais comme figuration, cette notion étant à comprendre à la fois comme posture énonciative et dans son rapport à l’image. La figuration est étudiée à partir des scènes romanesques essaimées dans les récits du corpus. / This thesis focuses on the poetics of the fragmentary in the work of Pierre Michon ("Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" and "Corps du roi"). More than a concern of a formal nature, the fragmentariness is first and foremost an area of tensions, revealed through narrative, discursive and enunciative schemes. A poetic approach, at the junction of linguistic, rhetoric and narratology, enables to reflect on the fragmentariness in its effects, but also in its affects. The research is structured around three axes : genericity, discontinuity and representation. The fragmentariness is first discussed through the lens of the genericity which, in the work of Michon, constantly oscillate between the biographical and the novelistic. The tension between continuity and discontinuity is then studied. Marked by repetitions and variations, this tension presents itself in the formal and stylistic forms. It is also to be understood on a temporal level, with a preference for instantaneity rather than for continuity. Finally, this thesis questions the impact of the fragmentariness on the notion of representation, which undergoes a reorientation : the story is no longer considered as a representation, but as a figuration, which is to be understood both as an enunciative position and in its relation to image. The figuration will be studied from the scenes punctuating Michon’s work.

Cette étude a pour objet l’ensemble de l’oeuvre de l’artiste afro-américaine Kara Walker, de 1994 à 2009. Fondé sur une approche pluridisciplinaire qui fait intervenir les Études américaines, les Études afro-américaines, l’histoire de l’art et l’esthétique, ce travail met au jour la récurrence de la violence dans l’oeuvre. Mettant en concurrence les propos de l’artiste et ses créations, il tente de dégager les constantes et les évolutions d’une oeuvre qui s’appuie sur une esthétique de la cruauté, et repose sur l’équilibre fragile entre la beauté et l’horreur. L’oeuvre de Walker ayant fait l’objet d’une controverse qui a joué un rôle important dans l’exégèse prolifique produite sur les créations de l’artiste, les tenants et les aboutissants de cette réception polarisée sont examinés. Compte tenu du succès immédiat de Walker, devenue en quelques années seulement une star sur la scène artistique établie, il était nécessaire de réfléchir aux conditions et aux causes de ce succès. À partir de la notion de stratégie figurative, ce travail se concentre sur les différentes manières dont l’artiste explore les représentations produites et relayées par la culture dominante. Les œuvres du début de sa carrière, ses installations de papiers découpés, sont ainsi analysées comme la mise en question du principe même de représentation. Utilisant la figure humaine et l’histoire comme des trompe-l’œil pour souligner la persistance de ces représentations dans l’imaginaire collectif et particulier, les installations jouent sur l’écart entre le désir d’interprétation du regardeur et sa frustration constante. Au milieu des années 2000, un infléchissement de l’oeuvre de l’artiste se produit ; il nous paraît particulièrement saillant dans les créations réalisées dans le sillage de la rétrospective de milieu de carrière de Walker (2007-2008). Il se traduirait par une réflexion sur la possibilité de représenter la violence exercée contre des disparus réels sans la transformer en spectacle. En conséquence, la construction du corps noir en tant que site spectaculaire dans la culture occidentale, ainsi que certains exemples de réponses, de ripostes émanant de Walker et d’autres artistes contemporains, sont envisagés dans ce travail. Ce dernier aboutit à l’examen des oeuvres où la figuration est mise en crise par le risque du spectacle ou compensée par l’incorporation de l’artiste, dans des oeuvres à la fois exceptionnelles et emblématiques du parcours de Walker, lequel atteste une tension constante entre la conscience du gouffre entre les sphères artistique et sociopolitique, et la tentative de créer un art politique. / This work presents a survey of the work of African-American artist Kara Walker, from 1994 to 2009. Based on a multidisciplary approach conjoining American Studies, African-American Studies, art history and aesthetics, it underlines violence as a recurrent feature in Walker’s work. Confronting the artist’s statements and her works, we try to expose the constant threads and the evolutions of a work grounded within an aesthetics of cruelty, and precariously balanced between beauty and horror. Because Walker’s art has been the object of a controversy, which significantly impacted the prolific exegesis on her work, the tenets of such polarized reception are analyzed here. Given Walker’s immediate success – she became a star on the mainstream art scene in but a few years – a reflection on the conditions and causes of her success were also required. Starting from the notion of figurative strategy, this work focuses on the different ways in which the artist has explored representations produced and circulated within dominant culture. Her early works – her paper cutouts – are thus analyzed as questioning the very notion of representation. Using the human figure and history as illusionistic devices in order to expose how such representations endure within the collective and particular unconscious, Walker’s installations work within the gap between the viewer’s desire for interpretation and its constant frustration. In the mid-2000s, a new orientation within Walker’s work may be witnessed – most obviously in the pieces made in the aftermath of her mid-career retrospective (2007-2008). According to us, such a turn shows through a reflection on the possibility of representing violence as perpetrated on the bodies of actual beings without turning it into a spectacle. Thus, both the construction of the black body as a spectacular site in Western culture and the responses and counterstrategies from Walker as well as other contemporary artists to that issue, are also the objects of our investigation. This enables us to understand how the specter of the spectacle looms over some of Walker’s pieces between 2007 and 2009, throwing figuration into crisis. Both emblematic of and discrepant within Walker’s general practice, those pieces testify to the way her work evinces a constant tension between the awareness of the gap between the realm of art and the sociopolitical sphere, and the attempt to make political art.

Les arts de la marionnette contemporains interrogent les liens entre geste plastique et geste dramatique, redéfinissant les principes et les enjeux de l’acte de figuration. Les créations issues de ces expériences ont ouvert la voie à une difficile désignation de l’objet-marionnette fixe, matériel et unique, ne permettant plus d’envisager la spécificité marionnettique suivant la dualité entre humains et objets. Consacrée aux « présences de la marionnette contemporaine », la thèse examine la marionnette comme figure et lieu d’une mise en friction des matières, des corps humains, des espaces et des médiums ondulatoires (sons et lumières). Une telle figure, se refusant à toute fixation dans le visible, les formes et les corps, met en drame son procès de défiguration. La spécificité marionnettique tient alors à la persistance d’une présence dramatique, discontinue et fragile, malgré la dislocation du lien entre les deux corps de la figure (matériel et virtuel). Prenant appui sur un corpus central d’oeuvres contemporaines (des Ateliers du spectacle, du Clastic Théâtre, de Phia Ménard, du Morbus Théâtre, de La Mue/tte, de Marta Pereira, des Rémouleurs, de Benjamin Verdonck et de Gisèle Vienne), ainsi que sur de nombreuses installations, expositions et créations scéniques, qui dessinent un aperçu synchronique des marges du champ marionnettique, cette recherche analyse les effets de circulation et de spatialisation des présences dramatiques, découlant de cette défiguration marionnettique. Il s’agit d’y interroger le déploiement d’une écriture spectrale, par la mise en tension de l’opacité d’objets bruts et corps inanimés et de l’évanescence de figures dématérialisées. Suivant une approche esthétique et poïétique, la recherche examine à la fois les principes techniques d’élaboration de ces figures « entre » les corps, leur potentiel dramaturgique de mise en vision du rêve, de la folie, du doute et de l’hallucination, et le type de regard spectatoriel qu’implique le devenir défiguré de la marionnette contemporaine. / Contemporary puppetry reinvents the relationship between dramatic and plastic gestures, inviting us to reconsider the principles and the implications of the act of figuration. The performing art works, generated by these experiences, avoid the designation of a fixed, material and unique puppet-object, so that a binary approach, opposing humans and objects, is no longer sufficient to consider the specificity of puppetry arts. Addressing the “presences of the puppet”, the thesis examines the puppet as a figure and a place for frictions between materials, bodies, spaces and wave mediums (lights and sounds). Such a figure, refusing tobe fixed in the visible, in the forms and the bodies, dramatizes its own disfigurement. Thus, the specificity of puppetry is the persistence of a fragile and discontinuous dramatic presence, despite the dislocation of the two bodies of the figure (material and virtual). Built on a central body of performing art works (by Les Ateliers du spectacle, the Clastic Théâtre, Phia Ménard, the Morbus Théâtre, La Mue/tte, Marta Pereira, the Rémouleurs, Benjamin Verdonck and Gisèle Vienne), and extending to other theatrical creations, installations and exhibitions, which offer a synchronic view on the margins of contemporary puppetry, this research examines the effects of circulation and spatialization of dramatic presence, which derive from the puppet disfigurement. The question is how the artists develop a spectral stage approach, based on the tension between the opacity of inert and inanimate objects and the evanescence of dematerialized figures. From an aesthetic and poïetic perspective, the research looks at the technical principles of the conception of a figure “in between” the bodies and objects, and its dramaturgical capacity to make visible the dream, the madness, the doubt, the hallucination. Finally it considers the specificity of the spectators’ position and work in front of such disfigured puppets.

Il est peu de notions aussi vastes que celle du non-savoir, mais le flou du caractère nécessairement négatif de sa définition s’accompagne tout de même du sentiment que la source de ce qui ne peut qu’être déterminé négativement par la pensée (non, cela n’est pas le savoir) ne peut qu’être positive. Notion à l’applicabilité infinie, parce qu’en elle vient s’abîmer tout ce qui ne peut tenir dans l’espace de la maîtrise relative à ce dont on peut dire : je sais de quoi il s’agit. Est non-savoir tout ce qui se rapporte au bouillonnement pulsionnel de la vie et à l’échéance fatale de la mort. Ce qui pousse l’homme au meurtre, au génocide, à la guerre et à la violence révolutionnaire se confond avec un contenu affectif et identitaire qui ne peut être ramené au savoir sans laisser de reste. Mais tenter de comprendre ce qui échappe à l’entendement est cela même qui relance sans cesse la réflexion comprise comme cœur du savoir. Le savoir se montre ainsi sous une extrême dépendance face à son Autre. À la lumière de cette hypothèse devant beaucoup aux découvertes de la psychanalyse, le présent mémoire s’est donné pour objectif de jeter un regard frais sur quelques grandes tensions sociopolitiques de l’Histoire; mais il a d’abord fallu évaluer philosophiquement la possibilité d’un concept de non-savoir. Des champs identitaires majeurs — révolutions totalitaires ou démocratiques, bouleversements ou synergies culturelles — sont ainsi analysés sous l’angle d’une économie pulsionnelle qui s’inscrit dans une interaction perpétuelle avec ce qui s’ébauche ici comme une économie du rapport entre non-savoir et savoir. Est ainsi produite une esquisse des rapports possibles entre la vie pulsionnelle de l’homme, le savoir institutionnel et le monde sociopolitique. / Few notions are as vast as that unknowing; but the imprecise nature of its definition is nonetheless accompagnied by the implication that what offers itself only negatively to the mind has a positive source. The applicability of the notion of unknowing is infinite; it swallows up all that resists the mastery indicated by statements about that which is. Unknowing encompasses all that belongs to the boiling drive of life and to the faceless moment of death. What leads human beings to murder, to genocide, to war and to revolutionnary violence is bound up with an affective content of identification that cannot be subsumed by knowledge without leaving a residue. Yet attempting to understand what exceeds the mind’s grasp serves as the motor of mental reflection at the heart of knowledge production itself. In this sense, knowledge is inescapably dependent on its « other ». In light of this hypothesis drawn from the domain of psychoanalysis, this thesis aims to reexamine the conceptual underpinnings of basic sociopolitical tensions in History. The conceptual impetus driving major identity movements — such as totalitarian or democratic revolutions and cultural disruptions or synergies — is analysed in terms of a libidinal or drive-oriented economy which is in perpetual interaction with what this thesis characterizes as an economy of the relation between knowing and unknowing, between knowledge and its negation.

Ce mémoire porte sur la poétique du fragmentaire dans trois ouvrages de Pierre Michon, soit "Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" et "Corps du roi". Plus qu’une préoccupation d’ordre formel, le fragmentaire y apparaît avant tout comme un champ de tensions, qui se manifeste à la fois sur le plan narratif, discursif et énonciatif. Une approche essentiellement poétique, à la jonction de la linguistique, de la rhétorique et de la narratologie, permet de réfléchir au fragmentaire dans ses effets, mais aussi dans ses affects. La recherche s’articule autour de trois grands axes : la généricité, la discontinuité et la représentation. Dans un premier temps, le fragmentaire est abordé par le prisme de la généricité, qui se traduit, dans l’œuvre de Michon, par une oscillation constante entre le biographique et le romanesque. La tension entre continuité et discontinuité est ensuite étudiée : marquée par les répétitions et variations, elle se manifeste à la fois sur le plan formel (le recueil) et stylistique (la syntaxe, les figures de style). Cette tension est également à comprendre sur le plan temporel, par une prédilection pour l’instant plutôt que pour la durée. Finalement, ce mémoire interroge la répercussion du fragmentaire sur la notion de représentation, qui subit alors un infléchissement : le récit n’est plus envisagé comme représentation, mais comme figuration, cette notion étant à comprendre à la fois comme posture énonciative et dans son rapport à l’image. La figuration est étudiée à partir des scènes romanesques essaimées dans les récits du corpus. / This thesis focuses on the poetics of the fragmentary in the work of Pierre Michon ("Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" and "Corps du roi"). More than a concern of a formal nature, the fragmentariness is first and foremost an area of tensions, revealed through narrative, discursive and enunciative schemes. A poetic approach, at the junction of linguistic, rhetoric and narratology, enables to reflect on the fragmentariness in its effects, but also in its affects. The research is structured around three axes : genericity, discontinuity and representation. The fragmentariness is first discussed through the lens of the genericity which, in the work of Michon, constantly oscillate between the biographical and the novelistic. The tension between continuity and discontinuity is then studied. Marked by repetitions and variations, this tension presents itself in the formal and stylistic forms. It is also to be understood on a temporal level, with a preference for instantaneity rather than for continuity. Finally, this thesis questions the impact of the fragmentariness on the notion of representation, which undergoes a reorientation : the story is no longer considered as a representation, but as a figuration, which is to be understood both as an enunciative position and in its relation to image. The figuration will be studied from the scenes punctuating Michon’s work.