Tesis

We sought to investigate the role of the Planar Cell Polarity (PCP) pathway in neuronal positioning along the Anterior-Posterior (AP) axis of C. elegans, and chose the worm’s DD-type motor neurons as a model. The six DD neurons (DD1-DD6) are evenly spaced in the ventral nerve cord of wild type animals. Here we showed that mutations in core PCP genes caused DD neuron spacing and positioning defects. prkl-1 double mutant combinations with vang-1 and fmi-1 showed a suppression of the more severe prkl-1 single mutant defects, which was evidence of genetic interactions between these PCP components. We also conducted a candidate screen of Frizzled, Dishevelled, Wnt, and ROCK genes, and found that dsh-1/Dishevelled, mom-2/Wnt and let-502/ROCK also played roles in DD neuronal positioning. Both vang-1 and prkl-1 were found to function within the nervous system to guide DD neuronal positioning, and prkl-1 was further identified as playing a cell autonomous role. The origins of observed DD neuron anterior positioning defects were investigated during embryogenesis, in which 1.5 fold stage prkl-1(ok3182) embryos displayed delayed intercalation of the DD neurons. This represents a novel role for the PCP pathway in mediating DD neuronal intercalation.

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Esse estudo trata de seis variações do preto na pintura. O trabalho apresenta telas de Edouard Manet, Vincent van Gogh, Henry Matisse, Iberê Camargo, Eduardo Sued e Pierre Soulages. A pesquisa das obras e procedimentos poéticos desses pintores visa a indicar para diversas maneiras como o preto, não mais usado para o sombreado, se transforma em áreas de cor e como esses campos cromáticos atuam nas pinturas. A análise mostra que a cor preta, na qual há variações de tonalidade e saturação, pode ser usada como um meio de tensão cromática na superfície pictórica, como um elemento expressivo, ou para criar uma nova espacialidade para além do plano do quadro. Vale a pena notar que esses usos não são mutuamente exclusivos e, por exemplo, o preto que cria a tensão cromática pode ser expressivo e criar uma nova espacialidade. / This essay deals with six variations of black in painting. Reaserch on the production and poetic procedures by Eduoard Manet, Vincent van Gogh, Henry Matisse, Iberê Camargo, Eduardo Sued and Pierre Soulages, indicates several manners where black, contrary to its use as a shadowing component, transforms itself in areas of color. The manner in which the cromatic fields act upon the painting is analised and show that the color black, with its variations in tone and depth, may be used as an element of expession; as a means for chromatic tension over the pictures surface or for the production of a new spaciality beyond its surface. These uses are not mutually exclusive and, as where black creates chromatic tension, it may also be expressive and generate a new spaciality.

Esse estudo trata de seis variações do preto na pintura. O trabalho apresenta telas de Edouard Manet, Vincent van Gogh, Henry Matisse, Iberê Camargo, Eduardo Sued e Pierre Soulages. A pesquisa das obras e procedimentos poéticos desses pintores visa a indicar para diversas maneiras como o preto, não mais usado para o sombreado, se transforma em áreas de cor e como esses campos cromáticos atuam nas pinturas. A análise mostra que a cor preta, na qual há variações de tonalidade e saturação, pode ser usada como um meio de tensão cromática na superfície pictórica, como um elemento expressivo, ou para criar uma nova espacialidade para além do plano do quadro. Vale a pena notar que esses usos não são mutuamente exclusivos e, por exemplo, o preto que cria a tensão cromática pode ser expressivo e criar uma nova espacialidade. / This essay deals with six variations of black in painting. Reaserch on the production and poetic procedures by Eduoard Manet, Vincent van Gogh, Henry Matisse, Iberê Camargo, Eduardo Sued and Pierre Soulages, indicates several manners where black, contrary to its use as a shadowing component, transforms itself in areas of color. The manner in which the cromatic fields act upon the painting is analised and show that the color black, with its variations in tone and depth, may be used as an element of expession; as a means for chromatic tension over the pictures surface or for the production of a new spaciality beyond its surface. These uses are not mutually exclusive and, as where black creates chromatic tension, it may also be expressive and generate a new spaciality.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:11:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leticia Felix da Silva.pdf: 10287671 bytes, checksum: be8d7ebd276ccae44ea69ea94f9bd395 (MD5) Previous issue date: 2011-12-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The purpose of this research is to analyze Van Gogh's letters as a communicative act necessary to the artist along his creative path. Starting from the approach of creation as network, the letters are document of process, which record traces of the way traveled by the artist in his creative process. The body of the research is a total of 819 Van Gogh letters, written in between 1872 and 1890, available on Van Gogh's Foundation site, which presents the transcript of all the original documents, translations into English and the fac-símiles. Over the methodological point of view, it was given an empirical treatment to the documents from a critical reading, establishing relationships among the significant issues of the project by the artist. The recurrences led us to the two most relevant aspects: the need for communicational interaction and the importance of color in his artistic path. Thus, these became the research cut, seeking to understand the letters as a communicative way and the way as the color is built along the artist route. This construction is discussed not just over the bias of the materiality and the paint manipulation, but as well over the subjective aspect of his color quest. This work is based on the process theory as construction network, proposed by Salles Cecilia in dialog with the semiotic Peirciana and with Pierre Musso's network conception. There are as well established approaches with Deleuze and Guattari's rizoma concept. The communicative aspects of the letters are approached on Flusser and Foucault's perspectives / A proposta desta pesquisa é analisar as cartas de Van Gogh como um ato comunicativo necessário ao artista ao longo do percurso criativo. Partindo da abordagem da criação como rede, as cartas são documentos de processo, que registram vestígios do caminho percorrido pelo artista em seu processo de criação. O corpus da pesquisa é o total de 819 cartas de Van Gogh, escritas no período de 1872 a 1890, disponíveis no site da Fundação Van Gogh, que apresenta a transcrição de todas os documentos originais, as traduções para o inglês e o fac-símiles. Sob o ponto de vista metodológico foi dado um tratamento empírico aos documentos a partir de uma leitura crítica, estabelecendo relações entre as questões significativas do projeto do artista. As recorrências nos levaram a dois aspectos mais relevantes: a necessidade de interação comunicacional e a importância da cor em seu trajeto artístico. Deste modo, estes se tornaram os recortes da pesquisa, buscando compreender as cartas como meio comunicativo e o modo como a cor é construída ao longo do percurso do artista. Essa construção é discutida não apenas sob o viés da materialidade e da manipulação de tintas, mas também sob o aspecto subjetivo de sua busca pela cor. Este trabalho está fundamentado na teoria de processo como rede em construção, proposta por Cecília Salles em diálogo com a semiótica Peirciana e com o conceito de rede de Pierre Musso. São também estabelecidas aproximações com o conceito de rizoma de Deleuze e Guattari. Os aspectos comunicativos das cartas são abordados nas perspectivas de Flusser e Foucault

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:38:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guilherme Aparecido Costa Alexmovitz.pdf: 678546 bytes, checksum: bb8ef8aef047a8522a2faa45f5e8a7dc (MD5) Previous issue date: 2012-10-23 / Due to the geniality and tragic history of the Dutch painter Vincent van Gogh, psychiatrists, psychologists, and scholars from around the world have written several works in order to explain the suffering that culminated in his suicide. The present work aims to approach that suffering through the existential-phenomenology approach, which allows one to understand the suffering of the painter from his own life experience. A total of one hundred and fifty-six letters sent to his brother Théo, from 1872 to 1880, was analyzed and understood through Martin Heidegger s concept of attunement, which allowed the understanding of suffering as a way of being in the world. From this theoretical framework, I elected three possible forms of the artist s suffering different attunements that were present in several moments of this particular period of his life: the weight of the other, nostalgia, and fanaticism. The result of the analysis pointed to the existential meaning behind the painful Van Gogh s way of being in the world: the search for belonging / Devido à genialidade e à trágica história do pintor holandês Vincent van Gogh, psiquiatras, psicólogos e estudiosos do mundo todo produziram estudos para explicar o sofrimento que culminou em seu suicídio. O presente trabalho objetiva aproximar-se deste sofrimento por meio da abordagem da Fenomenologia Existencial, visando compreender o sofrer do pintor a partir de sua própria experiência de vida. Um total de cento e cinquenta e seis cartas enviadas por ele ao seu irmão, Théo, no período de 1872 a 1880, foi analisado tendo como referência o conceito de tonalidade afetiva, de Martin Heidegger, que permitiu compreender o sofrimento enquanto um modo de estar-no-mundo. A partir deste referencial teórico, foi possível eleger três tonalidades afetivas que se fizeram presentes em vários momentos deste período específico de sua vida: o peso do outro, a nostalgia e o fanatismo. O resultado da análise aponta para o sentido existencial deste modo sofrido de estar no mundo de Vincent van Gogh: a busca pelo pertencimento

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Linguística, Português e Línguas Clássicas, Programa de Pós-Graduação em Linguística, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-08-19T21:01:23Z No. of bitstreams: 1 2016_CristinaAzraBarrenechea.pdf: 10654030 bytes, checksum: 4f8428156d16eda8c903eb7519c2eb00 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-09-06T20:45:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_CristinaAzraBarrenechea.pdf: 10654030 bytes, checksum: 4f8428156d16eda8c903eb7519c2eb00 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-06T20:45:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_CristinaAzraBarrenechea.pdf: 10654030 bytes, checksum: 4f8428156d16eda8c903eb7519c2eb00 (MD5) / A presente tese consiste de uma pesquisa qualitativa e interpretativa realizada na área de Linguagem e Sociedade, na linha de Discursos, Representações Sociais e Textos, no Programa de Pós-Graduação em Linguística da Universidade de Brasília, Brasil. A pesquisa propôs a Tese de que o discurso artístico de Vincent van Gogh é integrado tanto por seu discurso pictórico quanto por seu discurso epistolar. A fim de compreender o discurso artístico de van Gogh no contexto de sua produção discursiva nas duas modalidades, foram analisados os elementos discursivos presentes na produção pictórica e nas cartas que o pintor escreveu acerca de sua produção artística, bem como na análise de sua história de vida. A investigação contou com o aporte de três bases teóricas da Linguística para analisar os corpora pictórico e epistolar: a Teoria Semiótica Social Multimodal (TSSM), que foi empregada para analisar a produção de sentidos nas telas; a Teoria da Linguística Sistêmico-Funcional (LSF), que auxiliou a análise da produção de sentidos nas cartas referentes às telas; e a Análise de Discurso Crítica (ADC) que subsidiou a análise de uma carta na íntegra para a compreensão de aspectos contextuais do discurso artístico. Com o emprego de categorias da TSSM, LSF e ADC e de categorias novas, propostas por esta pesquisa, foram triangulados os dados dos corpora pictórico e epistolar, para descrever as ocorrências e as recorrências de elementos ou estratégias discursivas nos dois gêneros textuais analisados. Na triangulação foram aplicadas novas categorias de análise tais como Gesto Pictórico, Transparência, Inacabamento, Incompletude e Limiar Artístico que constituem uma contribuição desta pesquisa para a área da multimodalidade, em especial para a análise do discurso artístico. A triangulação buscou investigar a colaboração entre elementos discursivos nos dois gêneros pesquisados, observando para isso, se os elementos discursivos encontrados nas telas correspondiam com alguma função desempenhada por elementos encontrados nas cartas. Dessa forma, foi analisado se e como os modos e estratégias discursivas presentes nas cartas ocorreram nas telas; e se e como os modos e estratégias discursivas nas telas ocorreram nas cartas a fim de descrever qual a natureza e função dessas ocorrências. Com a ajuda da triangulação, foi possível descrever a ocorrência dos elementos discursivos visuais que se relacionam com a ocorrência de elementos correspondentes, presentes na análise do Sistema de Transitividade das cartas. As ocorrências observadas na triangulação foram categorizadas como ocorrências de natureza semântica e léxico-gramatical. Na triangulação, foi verificada a ocorrência simultânea de mais de uma categoria na mesma oração e/ou no mesmo construto visual devido à natureza interdependente dos elementos discursivos para construir o sentido e a observação dos padrões de agrupamentos pode indicar as estratégias discursivas presentes tanto nas telas quanto nas cartas. Para sondar as conexões de nexo entre os achados da análise visual com os achados da análise textual, propus alguns caminhos possíveis de comparação: por sentido, por forma e por função. Essas possibilidades foram transpostas para as funções e metafunções visuais e da linguagem, propostas por O’Toole (1994) e por Halliday (2014) e puderam se desdobrar em diferentes combinações de acordo com sua ocorrência e intercorrência. A triangulação trouxe à tona a recorrência da combinação de usos semióticos, o que proporcionou para esta pesquisa construir, preliminarmente, uma visão panorâmica das recorrências do uso conjugado dos recursos semióticos que pode indicar a organização interna da urdidura do discurso artístico de van Gogh. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis is a qualitative and interpretative research conducted at the University of Brasilia’s Graduate Program in Linguistics, on the area of Language and Society in Discourses, Social Representations and texts, in Brazil. This research proposed the thesis that the artistic discourse of Vincent van Gogh is integrated by both his pictorial and his epistolary discourse. In order to understand van Gogh’s art discourse in the context of its production, the research analyzed the discourse’s elements of four paintings and the discourse’s elements of the letters the painter wrote about these paintings, and also, his history of life. The investigation included the input of three Linguistics’ theoretical bases to analyze the pictorial and epistolary data: Multimodal Social Semiotics Theory, (TSSM) which was used to analyze the paintings’ meanings production; Systemic Functional Linguistic Theory (LSF), which helped the analysis of the letters referring to the paintings; and Critical Discourse Analysis (ADC) which supported the understanding of contextual aspects of the artistic discourse by the analysing a full letter. With the employment of TSSM, LSF and ADC categories and the new categories proposed by this research, the pictorial and epistolary data were triangulated to describe the elements or discursive strategies occurrences and recurrences in both modalities. At the triangulation phase, there were applied new analysis categories such as Painterly Gesture, Transparency, Incompleteness and Artistic Threshold that constitute a contribution of this research to the field of multimodality, especially for the study of the artistic discourse. The triangulation sought to investigate the collaboration between discursive elements in both modalities surveyed, watching for this, if the discursive elements found on the paintings corresponded to any function performed by elements found in the letters. In order to describe the nature and function of such occurrences, it was examined whether and how the modes and discursive strategies in the letters occurred on the paintings; and whether and how the modes and discursive strategies on the paintings occurred in the letters. With the aid of triangulation it was possible to describe the occurrence of visual discourse elements that relate to the occurrence of corresponding elements found by the analysis of Transitivity in the letters. The events observed at the triangulation were categorized as instances of semantic and lexical-grammatical nature. Due to the discursive elements that build meaning’s interdependent nature, simultaneous occurrences were verified in the triangulation, in more than one category on the same sentence and /or in the same visual construct. The observation of patterns has shown the discursive strategies both in the paintings and the letters. To probe the connections of the nexus between the visual analysis’ findings with the textual analysis’ findings, the research proposed some possible ways of comparison. These possibilities were based on visual functions proposed by O'Toole (1994) and metafunctions proposed by Halliday (2014) and unfolded in different combinations according to their occurrences. The triangulation has shown the uses’ recurrence of the semiotic combinations, which provided for this research to preliminarily build a panoramic view of the combined semiotic uses that may indicate the warp’s internal organization of van Gogh’s artistic discourse.

La pintura como expresión de lo interior se ha manifestado a lo largo de la historia humana. Si bien en el siglo XX la motivación por el tema de la expresión interior se ha vuelto un criterio central en el arte esto no quiere decir que no se haya llevado a cabo en épocas anteriores. Por ejemplo, las culturas prehispánicas o los pintores de la Edad Media reflejaron la interioridad del hombre de su época en la realización de las formas, los colores, los símbolos, etc., quizá no de la manera que vemos en el siglo XX sino de manera más sutil. La expresión de lo interior se basa en fundamentos innatos a la naturaleza humana como son la individualidad, el sentimiento, las emociones, el deseo de libertad, la angustia vital y la soledad creadora. Esto se da con el contexto histórico y filosófico de cada época. A partir de esta naturaleza es que el hombre ha sentido la necesidad de expresarse: materializando su esencia; es decir permitiendo ver todo lo que lo mueve internamente. Plasma así en sus obras la percepción de la vida mediante el filtro de su interioridad. Bajo esta visión general como expresión interna del ser humano se sustenta esta investigación y el trabajo plástico que se presenta a consideración. La investigación busca definir la expresión de lo interior mediante reflexiones múltiples. Pasa revista a los fundamentos que la sostienen como búsqueda indispensable para materializar la esencia humana.

Dans la seconde moitié du 19ème siècle, des liens particuliers se tissent entre art et médecine : la médecine moderne se tourne vers les œuvres pour y découvrir une clinique, et en retour certains peintres et écrivains se nourrissent de ces nouveaux savoirs pour renouveler leurs pratiques. Mais quand la physiologie prend l’art pour objet, qu’elle analyse les œuvres, leur création et leur réception, l’art peut être loué, ou à l’inverse condamné, et les figures de l’artiste et du médecin tendent à se confondre, ou à s’opposer. Notre travail porte sur ce qui rend possible cette alliance et ces conflits. Nous interrogeons pour cela l’idée de visibilité commune à l’art et à la clinique, le concept de pathologie, et le problème de la norme. Il apparaît alors que la figure de l’artiste anormal, « malade », est un héritage de la mélancolie traditionnelle : sa valeur, qu’elle soit positive ou négative, se comprend toujours dans un contexte spécifique et varie en fonction d’une série de déplacements. Par l’analyse des discours et de quelques œuvres représentatives, nous entendons alors non seulement rendre compte de la physiologie de l’art en France à cette époque, dans ses différentes versions, mais encore montrer qu’elle est un prisme privilégié pour comprendre certaines œuvres. / In the second half of 19th century, specific bonds are forged between art and medicine: the modern medicine turns towards artworks and discovers there a clinic. In return, some painters and writers feed themselves on new knowledges to revitalize their practices. But as physiology takes art as its object, analyzes artworks, creation and reception, art can be praised, or conversely condemned. Thus, the figures of the artist and of the physician tend to join or to oppose themselves. Our work deals with what make this union and these conflicts possible. We address the idea of visibility, common to art and clinic, the concept of pathology, and the problem of norm. Thus, it appears that the figure of the abnormal artist, the “sick artist’’, is a legacy of the traditional melancholy: its value, positive or negative, is always understood in a specific context and changes according to a set of transfers. As we analyse discourses and some representative artworks, we intend not only to give an account of physiology of art as it appears in France at this time, but also to show that it is a privileged prism to understand a certain kind of artwork.