Filmmediet idag är den mest populära formen av masskultur. Med sin världstäckande genomslagskraft och sitt stereotypa porträtterande av verklighet, påverkar filmen världsåskådningen för människor runtom i världen. Ett brinnande ämne i amerikansk film har alltid varit Ryssland, på grund av de politiska motsättningarna och den historiska rivaliteten med USA. Studiens syfte är att undersöka hur Ryssland porträtteras i amerikanska filmer från perioden för presidenterna Dmitrij Medvedevs respektive Barack Obamas första mandatperiod. Frågeställningen för uppsatsen är: hur ser stereotypa föreställningar om Ryssland ut i amerikansk film 2008-2011? Trettiotal filmer med ryska motiv valdes ut för undersökningen och analyserades utifrån de visuella och sociala aspekterna. Resultatet visar på att det förekommer tre skikt av stereotyper om Ryssland: de eviga, som har existerat i hundratals år och spridits av resenärer; stereotyper från epoken för det kalla kriget; och stereotyper om det moderna Ryssland inspirerade av medias nyhetsrapporteringar.

This dissertation addresses the industrial history of American-based celebrity gossip over century, beginning with the first Hollywood stars in the 1910s and reaching into “celebrified” culture of the 2010s. Gossip, broadly defined as discourse about a public figure produced and distributed for profit, can operate within the star’s good graces or completely outside of the Hollywood machine; it can be published in “old media” print and broadcast forms or online and on a phone. Regardless of form, tone, and content, gossip remains a crucial component of the ways in which star images are produced and consumed. The dissertation thus asks: how has the relationship between the gossip industry and Hollywood in general changed over the last century? And what implications do those changes have for stars, those who exploit their images, and media industries at large? / Not available / text

Cette recherche porte sur le langage cinématographique (ou mode de représentation) adopté par Mizoguchi en contraste avec le style classique hollywoodien. Notre hypothèse est que le refus de Mizoguchi de recourir au découpage classique et au gros-plan procurerait au spectateur une expérience de perception qui tendrait à se rapprocher de celle vécue par un spectateur de théâtre ou le témoin d’une action se déroulant dans notre monde physique. Mizoguchi a débuté son métier au début des années 1920. Le cinéma japonais venait tout juste de prendre la voie d’un art nouveau en quittant son statut de simple captation de spectacles théâtraux. L’industrie cinématographique japonaise était alors en incubation marquée par diverses influences occidentales. Nous nous pencherons plus particulièrement sur les questions stylistiques à partir du moment où le cinéma japonais s’engageait dans le parlant en imitant le style classique hollywoodien. Ce cinéma dominant devenait une norme que Mizoguchi décida de ne pas suivre pour préférer un style caractérisé par des plans-séquences. Ce style plus « neutre » et «objectif » allait être encensé par Bazin après la guerre au moment où ce dernier découvrit notamment Welles et Wyler. À partir de plusieurs extraits filmiques, nous analysons le plan-séquence mizoguchien comme substitution à une série de plans rapprochés qui se serait imposé normalement avec le style classique hollywoodien. Et ce, afin de discuter des enjeux de réalisme et de théâtralité soulevés par Bazin. / This research focuses on the film language (or mode of representation) chosen by Mizoguchi in contrast to the Hollywood classical style. Our hypothesis is that Mizoguchi’s refusal to resort to traditional cutting and close-up would give the viewer an experience of perception that would tend to be get closer to the one experienced by a stage audience or viewers witnessing an action taking place in our physical world. Mizoguchi made his entry into the profession in the early 20s. At that time, Japanese cinema just recently became a new art by leaving its status of a mere capture of theatrical performances. The Japanese film industry was being incubated with various Western influences. We will focus specifically on stylistic issues from the moment the Japanese cinema engages in talkies by imitating the Hollywood classical style. This dominant style became a standard practice which Mizoguchi decided not to follow to prefer sequence-shots. The long takes style was to be later praised by Bazin for its neutrality and objectivity when he discovered Welles and Wyler after the Second World War. Through analysis of film excerpts, we compare Mizoguchi’s sequence-shots with cutting that would usually take place with the Hollywood classical style. This is to discuss the issues of realism and theatrics raised by Bazin.

Zugl.: Köln, Universiẗat, Diss.

La première décennie du XXIe siècle est une période charnière dans l’histoire des représentations du vieillir et de l’être vieux. Durant les années 2000, le cinéma hollywoodien offre de nouvelles images du vieillir, moins alarmistes, moins stéréotypées, en somme plus positives. Non plus systématiquement relégué au second plan, le personnage âgé se fait une place parmi les héros hollywoodiens. Le vieillir n’est alors plus dissimulé, mais mis à l’honneur, dans ces films portés par un héros âgé. Par leur présence et leur visibilité dans ce cinéma hautement commercial, ces nouveaux personnages vieillissants signalent un phénomène majeur : durant les années 2000, le vieillir devient commercialement profitable, notamment car se reconnaît dans ces films une génération exceptionnelle par de nombreux aspects, celle des baby-boomers. Par ailleurs, au travers de ces nouvelles représentations du vieillir se fait jour une transformation sociétale plus large avec l’avènement d’un nouveau rapport à la vieillesse, le « vieillir nouveau », qui substitue aux clichés âgistes et à l’idée du vieillir comme déclin un discours positif sur la vieillesse. Cette étude, circonscrite aux films hollywoodiens à succès de la période 2000-2010, propose de mettre en lumière ces nouvelles représentations hollywoodiennes du vieillir et la façon dont le cinéma s’est fait ainsi l’écho de discours innovants sur la question tout en tentant d’offrir sa propre version d’un vieillir nouveau. / The first decade of the 21st century marks a transition in the history of the representations ofaging and old age. In the 2000s, Hollywood started offering new images of aging : less alarmist, less stereotypical, they are, all in all, more positive. As he is no longer pushed in the background,the aging character finds his way amid Hollywood heroes. In those films, which are carried by an old hero, aging is no longer concealed, but it is put in the spotlight. By their mere presence and visibility in such commercial cinema, these new aging characters signal a major shift : in the2000s, aging has become bankable, especially since its new portrayals speak to a generation which stands out on many different levels, the baby boomers. Besides, a wider social transformation shows through these innovative representations of aging, that of a new relationship to aging. “New aging” thus discards ageist clichés and the idea that aging isdeclining, and supplants these conceptions with a positive discourse on aging. This study revolves around popular Hollywood movies released between 2000 and 2010. It offers to shed a light on these new Hollywood representations of aging and on the way cinema has thus echoed innovative discourses on the matter, while attempting to offer its own version of a new outlook on aging.

190 pages / Twenty-first century American cinema is permeated by images of globalization and environmental change. Responding to what Yale researchers have described as a “sea change” in public perceptions of global warming occurring between 2004 and 2007, this dissertation provides the first extended examination of Hollywood’s response to the planet’s most pressing social and environmental challenge – global climate change. Among the most widely distributed and consumed forms of popular culture, Hollywood blockbuster films provide a unique textual window into the cultural logic of ecology during this important turning point in Americans’ perceptions of environmental risk. The term “cultural logic of ecology” is defined as the collective cultural expression of a society’s dominant perceptions and enactments of its relationships with other organisms and their shared bio-physical environments. Surveying the history of climate cinema, my second chapter examines the production and reception contexts of the two films most responsible for renewing public interest in global warming: The Day After Tomorrow (2004) and An Inconvenient Truth (2006). Despite their generic differences, both films combine the formal techniques of melodrama and realism to translate the science of global warming into a moral vernacular. In subsequent chapters, I further intertwine textual and historical analysis to examine other films released during the period that portray aspects of global warming. Considered a children’s film, Happy Feet (2006) employs digital animation to illustrate the ecological impacts of globalization on Antarctica, thus presenting viewers with a more accurate picture of the threats facing emperor penguins than did the documentary March of the Penguins (2005). I next analyze There Will Be Blood (2007) as a critique of patriarchy and natural resource exploitation that resonated with American filmgoers as oil prices were skyrocketing and President George W. Bush admitted “America is addicted to oil.” Consumed on Imax screens and iPods, and as toys, t-shirts, and video games, blockbusters leave massive cultural and carbon footprints. I conclude by arguing that ecocritical scholarship offers the most effective scholarly toolkit for understanding contemporary cinema as a cultural, textual, and material phenomenon. / Committee in charge: Dr. Michael Aronson, Chairperson; Dr. Sangita Gopal, Member; Dr. Louise Westling, Member; Dr. Jon Lewis, Member, from Oregon StateUniversity; Dr. Patrick Bartlein, Outside Member

Le personnage principal féminin actif du film d'horreur voit le jour dans les années 1970. Sa naissance a eu un impact important sur le genre : elle est à l'origine de l'émergence de nouveaux sous genres(le slasher, le woman's horror film, le film d'horreur/mélodrame familial et l'action/horror auquel la série Alien donne naissance dans les années 2000). Ces sous-genres se distinguent par leur structure narrative, leur mode de production et le public auquel ils s'adressent. Chacun d'entre eux accorde du reste son rôle principal à un modèle différent de personnage féminin. Le traitement réservé par ces sous-genres à la question de la relation de leurs protagonistes féminines à la société, à leur corps et à leur sexualité évolue entre 1970 et 2007. Alors que dans les années 1970, la majorité des personnages féminins héroïques du genre étaient des femmes indépendantes, entre 1980 et 1995, elles sont remplacées par des mères sacrificielles, tandis qu'entre 1996 et 2007, les femmes indépendantes refont surface et se mettent à partager le devant de la scène avec des mères-célibataires. La mutation monstrueuse ou héroïque de ces personnages dépend aussi de leur relation à leur corps : celles qui ne parviennent pas à contrôler la "nature transformable" de leur biologie féminine (celles qui tombent enceintes ou qui ont leurs règles) deviennent des monstres, alors que celles qui sont disposées à contenir leur corps, ses mutations et leurs désirs sexuels parviennent à survivre. Notre analyse chronologique de ces sous-genres montre que l'évolution de leur discours sur leurs personnages féminins est due à l'impact que les différents courants féministes qui ont traversé l'histoire des États-Unis et le(s) backlash(s) contre le féminisme ont eu sur le genre de l'horreur. / The birth of the active female main character of the horror film in the 1970s has a significant impact on the genre of horror : this phenomenon prompted the emergence of new sub-genres (the slasher, the woman's horror film, the horror film/family melodrama and the action/horror to whom the Alien series gives birth in the 2000s). These sub-genres differ in their narrative structure, their production mode and the type of audience they address. Each of them grants the leading role to a different type of female character. From 1970 till 2007, the relationship of the female protagonists of horror film to the society in which they live, their body and their sexuality evolves. While in the 1970s, most of the heroic women of the genre are independent women, between 1980 and 1995, they become sacrificial mothers, and from 1996 to 2007, the independent women resurface again but are often single mothers. The ability of these female characters to become heroes or monsters is also affected by their relationship to their body : those who cannot control the "changeable nature" of their biology (i.e. those who become pregnant or have their period) turn into monsters, while those who can contain their bodies and sexual desires survive. The chronological analysis of these sub-genres shows that their discourse on their female main protagonists and the way it evolves are influenced by the different feminist currents that come to birth in the United States from 1970 till 2007 and by the backlash(es) against them.

Partant du constat de l’extraordinaire pérennité de Katharine Hepburn en tant que star hollywoodienne de premier plan, ce travail se propose d’élucider les raisons de ce succès durable en examinant la réception dont l’actrice a fait l’objet aux États-Unis tout au long de sa carrière. À la croisée des star studies et des études de réception, cette étude articule analyse de sa persona (rôles interprétés à l’écran et à la scène, jeu d’actrice et image médiatique) et des traces de sa réception auprès du public états-unien (critiques de professionnels, courriers de fans, sondages, données de box-office, etc.). Grâce à une approche diachronique, les évolutions de son image et de sa réception sont réinscrites dans un contexte socio-historique en perpétuelle évolution, auquel la star a tenté de s’adapter avec plus ou moins de succès suivant les périodes. L’examen des matériaux extra-filmiques participant à la construction de son image ou témoignant de sa réception permettent d’éclairer sous un nouveau jour les performances de Hepburn, analysées dans leur dimension socio-culturelle, esthétique et actorale. Une attention particulière est portée aux dimensions de genre, de classe et de génération de sa persona. / Acknowledging the extraordinary longevity of Katharine Hepburn as a high-profile Hollywood star, this study seeks to shed light on the reasons behind this lasting success by examining her reception in the United States throughout her career. Combining both star studies and reception studies, this thesis articulates the analysis of her persona (her theater and film roles, her acting and media image) with evidence of her reception by the United States audience (critics, fan letters, polls, box-office figures, etc.). Using a diachronic approach, the evolutions of her image and its reception are incorporated within the framework of a socio-historical context in constant evolution, to which Hepburn tried to adapt with differing success depending on the period. The examination of the extra-filmic materials that contribute to her image or testify to her reception allow us to shed new light on Hepburn’s performances, analyzed from a socio-cultural, aesthetic and acting perspective. Special attention is given to the gender, class and age-related dimensions of her persona.

La violence terroriste se définit principalement par le projet politique qui la motive. Or, depuis plusieurs décennies, Hollywood propose des personnages terroristes sans motivations politique avérées. Notre étude montre que la dépolitisation apparente de ces antagonistes particuliers fait entrer la représentation du terroriste dans une politique identitaire complexe dans laquelle le corps du personnage devient le véhicule principal du discours politique et que ce dernier porte principalement sur la renégociation des identités culturelles américaines, notamment sur les questions de races, de genres et de sexualités. À travers une approche historique qui relie en permanence les représentations analysées aux contextes sociologiques et culturels dans lesquels elles apparaissent, cette thèse montre comment Hollywood crée un archétype dont les caractéristiques principales reposent sur sa capacité à assurer une renégociation permanente des catégories identitaires dominantes afin de renforcer leur légitimité et leur hégémonie. En situant la genèse du personnages dans les films d’espionnage de la Guerre froide, cette étude couvre cinq décennies de production hollywoodienne sur le terrorisme et montre ainsi que les attaques du 11 septembre 2001 n’engendrent pas de rupture majeure dans ce domaine mais forcent plutôt l’industrie à abandonner un archétype que la postmodernité a rendu ingérable. / Even though terrorist violence is defined by a manifest political agenda, for decades Hollywood has created terrorist vilains with no specific political motivations. This study argues that the apparent lack of political content in the fictional representations of terrorism is actually compensated by an other political agenda that has to be read onto the bodies of those fictional terrorists and appears chiefly through gender, race and sexuality. Following a chronological approach, this study systematically connects the historical, sociological, and cultural contexts of production in order to highlight how Hollywood constructed an archetypal character of which unique features consist of communicating different speeches that help the dominant American cultural groups to permanently negotiate and strengthen their hegemonic power. After locating its origins in the spy fiction films of the 1960’s, we have studied the representations of terrorism over five decades. We were then able to demonstrate that the attacks of 9/11 were not a critical shift in Hollywood depiction of terrorism but rather forced the industry to leave behind a fictional construction which became unbearable after its emergence in what we have called « a postmodern reality ».

Cette étude propose une analyse de la représentation de la peur dans la société américaine à l’époque du maccarthysme à travers la filmographie de trois réalisateurs contemporains : Alfred Hitchcock, Elia Kazan et Fred Zinnemann. La période charnière de 1946 à 1954 sert de cadre à ce travail. La définition de l'identité américaine était au cœur du mouvement anticommuniste des années cinquante dont l'organe étatique s'appelait la House Un-American Activities Committee (la HUAC), car le fait d'être communiste était considéré comme une activité anti-américaine. C’est pour cette raison que les trois réalisateurs qui ont été choisis pour cette étude sont tous issus de l'immigration, et que la notion identitaire est sous-jacente à ce travail. Le cinéma durant cette période révèle la présence de la peur dans l'esthétique et les scénarii des films eux-mêmes, mais également dans le contexte plus large de l'industrie cinématographique hollywoodienne. La peur fut utilisée dans la société américaine afin d'assurer la docilité du peuple. Tout ce qui concerne la façon dont une société est organisée relève de la politique. Cette étude s’intéresse donc à la fonction politique de la peur ainsi qu’à la façon dont le cinéma a pu être utilisé pour transmettre un message subliminal au public : deux aspects qui sont toujours d’actualité dans la société de nos jours. / The aim of this study is to present an analysis of the manifestation of fear in American society during the period of McCarthyism, and concentrates on the filmographies of three directors contemporary to events: Alfred Hitchcock, Elia Kazan and Fred Zinnemann. The period of transition, 1946 to 1954, provides the temporal framework for this work. Defining American identity was the underlying focus of the 1950s anticommunist movement, which depended on the interventions of the House Un-American Activities Committee (the HUAC), as being a Communist was considered to be an un-American activity. This is why the three directors studied here were all recent immigrants to the United States, and why the notion of identity underlies this study. The cinema of this era shows the presence of fear through the movie esthetics and screenplays, but also in the broader context of the Hollywood cinema industry. Fear was used in American society in order to ensure the docility of the population. Anything which concerns the way in which a society is organized is political. In this way, this study shows the political function of fear as well as the potential use of cinema in order to transmit a subliminal message to the public; two aspects of society which continue to subsist in today's world.