Mon projet a pour objet le contexte communautaire des jeunes des Premières Nations au Québec. Le projet cherche à valoriser une démarche identitaire chez ces jeunes afin de la déployer et de la partager avec d'autres jeunes ainsi qu'avec leur communauté. Pour ce faire, j'ai conçu un atelier photographique évoquant le photovoice, ainsi qu'une plateforme internet favorisant l'échange, la créativité, l'apprentissage et surtout, une reconnaissance culturelle entre différentes communautés des Premières Nations éloignées géographiquement. Cet atelier et la mise en réseau qui en découle aliient à la fois des nouvelles technologies très accessibles et une démarche artistique (la photographie et son exposition) qui prend en compte le vécu et la mémoire des jeunes des Premières Nations, tout en permettant une appropriation singulière de leur culture. Cette interaction appelle à l'implication de différents partenaires : les éducateurs, les chercheurs-créateurs, les enseignants et bien sûr les jeunes des Premières Nations. Ma recherche théorique et pratique a fait naître un médium pour rapprocher des jeunes au sein d'une population éclatée géographiquement. La mise en contact qui en découle offrira des possibilités de rencontre avec l'autre, à la fois semblable et différent; une conscientisation individuelle et collective d'une histoire et d'un quotidien qui offre à ces jeunes une occasion de transformer leur inscription dans leur vie sociale et culturelle.

Ce mémoire sonde les origines de ma pratique; de l'articulation des concepts et inspirants d'une pratique transdisciplinaire. Il relate l'entièreté de mes deux ans à la maîtrise en art. Il est construit dans l'idée du Parcours; oscillant entre mes projets antérieurs et L'Allégorie du Membre Fantôme, mon projet final. Ce dernier, démontre bien l'aboutissement de la pensée métacognitive qui naît à l'intérieur de ma recherche- création. Mon mémoire trouve sa structure grâce à une articulation théorique, où les projets se greffent de façon chronologique, subissant des renversements temporels qui questionnent la transversalité de ma démarche créatrice. Né dans un questionnement entre l'art sonore et l'art visuel, ce parcours a donné lieu à différentes finalités telles que l'environnement sonore, le dispositif, le livre d'artiste et Y installation. Ma démarche s'articule entre les médiums et traite de la transformation de ceux-ci. J'ai tenté de définir cette relation grâce à des termes tels que : sensorialite', synesthésie, trans- sensorialité et transdisciplinarité. L'Allégorie du membre fantôme c'est tout ce qui vibre en nous que l'on ne peut percevoir. L'écriture comme une geste qui ausculte l'espace interne qui fait résonner en soi les parties connues et inconnues qui nous habitent. C'est une histoire qui sonde l'identité, entre les femmes dont je porte la chair (ma mère et ma grand-mère) et les événements qui ont marqués ma vie. C'est aussi la quête d'une présence perdue que je cherche à incorporer. L'art peut-il être une façon de sublimer la perte? Le premier chapitre se trouve à être l'entrée à l'intérieur d'un système qui traite du terme de ré(ai)sonance. AUSCULTER LE CORPS, fait le parallèle entre les multiples sens du mot ré(ai)sonner, entre la pensée qui articule une référence mémorielle (raisonner) et le domaine de l'acoustique, principalement traitant de l'état d'écoute (résonner). Dans ce chapitre, je ferai également le parallèle entre deux théoriciens et praticiens de l'art audio : Raymond Murray Schafer et Pierre Schaeffer, qui m'ont fait prendre conscience des différents niveaux d'écoute qui existent entre le en direct et l'enregistré, ce dernier qui met en rapport la mémoire et le geste d'archivage. Le deuxième chapitre : MORCELLEMENT DE L'ÊTRE, traite de la notion du corps sonore et corps sans organes de Deleuze à travers la polymorphie/phonie de l'être, produit à l'intérieur d'un état de transe. Il fait donc le parallèle entre la pratique de plusieurs disciplines et d'un questionnement plus personnel sur l'être multiple, engendrant la notion de corps morcelé/propre de Lacan et de membre fantôme. Le troisième chapitre : LA TRANSVERSALITÉ DES SENS, traite de l'espace et du temps, entraînés par un questionnement sur une pratique transdisciplinaire à.'installation articulée grâce à un métalangage allégorique.

Ce mémoire porte sur la mélancolie, ses origines, son influence dans l'art et dans ma pratique artistique. Dans ce mémoire, je situe mon travail par rapport à l'histoire de l'art, où la mélancolie est un thème récurrent, de l'Antiquité à l'Art actuel. Mes recherches m'ont amenée à examiner la conception de la mélancolie de médecins, d'artistes, d'écrivains, de poètes et de philosophes tels Hippocrate, Caspar David, Charles Baudelaire, Gérard de Nerval, Sigmund Freud, Walter Benjamin et plus près de moi, d'artistes qui m'inspirent : Sophie Calle pour son désir de conjurer l'angoisse de l'absence , Bill Viola pour ses ?uvres sur le mystère de la vie et la mort, Betty Goodwin pour son travail sur le deuil et ses ?uvres empreintes d'angoisse, d'incertitude. Mes recherches m'ont démontré la vision occidentale de la mélancolie : la dépression, le « spleen », la « bile noire » le « burn-out », mais également celle de l'Orient : le Wabi- Sabi, la beauté des choses imparfaites, la simplicité, les détails de la vie, l'acceptation du temps qui passe. Cette démarche m'a également permis de définir ma propre vision de la mélancolie, laquelle prend forme dans ce mémoire et dans l'exposition Le cardinal s'endort quand la lune est pleine. Il s'agit aussi et surtout d'une quête spirituelle d'un état plus grand que nous et plus grand que l'art : Vinstemps.

By combining examples of contemporary toy art, illustration, device art, digital artistic practices and through views of my own I will question the significance and development of traditional art in contemporary art creation and its impact on the my art. The article consists of three parts: In the first chapter, I will emphasize the embodiment of Chinese traditional art in Dunhuang art through the Dunhuang example. I will analyze how Dunhuang Buddhist art was formed and describe the architectures, sculptures and murals in Dunhuang Grottoes. For the murals, I will focus on the figure murals and story murals. Finally I will summarize the characteristics of Dunhuang art and its impact on contemporary art. In Chapter II, I will analyze contemporary illustration art, toy art and device art through art works of artists such as Yoshitomo Nara and Maywa Denki from Japan, of contemporary China such as Perk studio from China, and Mars-1 from America. In Chapter III, I will introduce my own art works as well as my own artistic views. For artistic views, I will analyze the importance of traditional art in contemporary art, the importance of art innovation and the way to carry on traditional art and create contemporary art works. Finally, I will present my own thoughts through art creation and the conclusion for the art study.

Observation comme outil de contemplation L'observation comme une méthode de la perception personnelle devant les choses qui me semblent privilégiées. L'observation comme une action de ma relation avec l'art et ma vie. L'observation comme une réflexion sur la place des individus dans l'environnement urbain. L'observation comme un regard timidement porté vers les situations qui passent, tout comme le temps. L'observation comme une prise de position critique sur ma situation en tant qu'individu. L'observation comme un état de conscience de sa présence dans un lieu. L'observation comme un constat sur le temps. L'observation comme un constat sur les formes qui structurent notre champ visuel. L'observation comme une documentation. Documentation du quotidien Je suis un documentariste de la vie quotidienne. Je suis un documentariste du temps qui passe. Je suis un documentariste par mon vécu en tant qu'individu. Je suis un documentariste par ma présence et ma perception de mon entourage. Je suis un documentariste des faits et gestes de ceux que j'observe.

Ma recherche-création invite à une réflexion sur le rapport esthétique/dramatique. Je m'intéresse principalement à la représentation de mises en scène photographiques narratives sous forme de tableaux vivants. Afin de parvenir à mon objectif qui tente d'utiliser l'attraction comme méthode d'introspection, je m'interroge sur la relation qui existe entre les réalités sociales et la beauté esthétique, entre l'histoire individuelle et collective, entre la prose et la poésie. La construction de mes images est stimulée tout d'abord par des histoires réelles reliées à ma propre vie qui sont ensuite reproduites et réinterprétées par des mises en scène inspirées de certains tableaux, de sculptures, de poésies et de photographies contemporaines. Ma recherche-création tourne autour de cinq thématiques : l'amour, la sexualité, la toxicomanie, la prostitution ainsi que la mort. Mon questionnement est principalement axé sur l'union du laid associé à des sujets dramatiques et du beau en rapport à l'harmonie et à la poésie. C'est-à-dire que j'unifie des sujets souvent insolites ou marginaux en contraste avec une approche visuelle se rapprochant de certains critères précis au niveau de l'esthétique tirée de l'histoire de l'art. Je tente d'utiliser des archétypes communs, des récits avec lesquels la plupart d'entre nous peuvent s'identifier. Je conceptualise mes images photographiques en passant par une stratégie visuelle attractive pour qu'ensuite le spectateur s'attarde à l'intériorité du sujet. Je cherche à sensibiliser ce dernier en passant par des sujets qui touchent l'ensemble d'une collectivité en créant des compositions originales et évocatrices. Je considère mon travail comme un miroir tendu à notre génération, voire comme un répertoire ré-enchanté de mes expériences passées et actuelles. Considérant que: «Le drame est une forme moderne d'expression qui s'adapte perpétuellement à la sensibilité de chaque époque» (Nathalie Macé-Barbier, 1999), j'utilise le réalisme qui est propre à susciter le pathétique qui est une dimension essentielle de celui- ci, ïl est intéressant de voir qu'à chaque époque, on peut redéfinir le pathétisme en lien avec la modernité du temps.

À toi, lecteur, je veux par cet essai faire mémoire de cette pensée du cinéma qui m'accompagna tout le long de ma maîtrise. Prends bien le temps de le lire, il n'est pas majeur en soi, mais il a déjà le mérite d'être authentique, et de différer de ceux que tu auras lus. Ce mémoire relate les épisodes d'un film, Matière première, qui, ni fiction ni tout à fait documentaire, fait l'expérience d'une réinscription générale des concepts d'écriture tout au long des différents modes de production cinématographique. Objet d'écriture, le film pose d'abord l'étape du filmage comme première phase d'écriture (chapitre I), puis celle du montage comme seconde phase d'écriture (chapitre II). L'expérience de cette conception du cinéma intimement liée aux conditions de production du film est ainsi à l'origine des problématiques théoriques de cet ouvrage, où l'attitude du filmeur conduit à la cueillette d'images descriptives, et où le film, au final, propose une véritable mosaïque de textures plutôt qu'une succession d'actions. De telle sorte que mon film, à l'inverse de l'image narrative classique, n'a plus rien à prouver par la scénarisation : il ne comporte ni réponse ni conclusion, mais invite plutôt les spectateurs à s'identifier avec les détails du quotidien. Ainsi, en septembre dernier, de l'année 2005, la première image de Matière première (qui n'apparaîtra jamais dans le film) se laissait prendre par ma caméra ; ce même septembre, mais en 2007, le dernier clic de souris se laissait entendre : assemblées, mes images n'en formaient plus qu'une, le film était enfin autonome, libéré de mon emprise. Matière première se présente donc comme un essai documentaire de 26 minutes ; il est le fruit de trois années de création dont l'une fut entièrement consacrée à son filmage. Trois années parsemées de trous, certes, mais avant tout teintées d'acharnement, de questionnements, de réflexions, de quelques réponses, mais surtout de plusieurs belles questions. Tel est mon univers cinématographique, où le créateur, parti filmer à la recherche d'une histoire, s'aperçoit que les images s'associent d'elles-mêmes, et vibrent entre elles afin de livrer leur propre discours.

Ce travail de recherche-création constitue une quête de la mobilité en toute chose, ce besoin de croire, devant cette humanité peuplée d'insensés, qu'il m'est possible d'architecturer la fatalité comme lieu des possibles. Le contenu de ce mémoire pose un regard théorique et poétique sur le projet THÉO, TAUREAU ET TURQUOISE : FAIRE TOMBER LES OISEAUX, alliant vidéo, installation et décors. L'oeuvre comme architecture d'instant dramatique agence une petite épopée poétique admettant la précarité, les oppositions internes et les voix multiples pour éviter Punivocité et pour retrouver la mobilité du sens des choses. Le présent texte écrit et décrit ma posture devant la fatalité, à priori un sentiment de désenchantement, en proposant une réflexion théorique sur la création, traversée par Pémotivité contenue dans ce sentiment. Par cela il est possible de cerner une dynamique de création et une pratique artistique qui s'applique à la fois à contenir, confondre et confronter l'émotion du désenchantement. Je propose ainsi l'articulation d'une oeuvre en tant que lieu poétique d'où s'élève le bruit magnifique des voix plurielles, qui s'accordent et se désaccordent sans relâche, et ceci, en guise de promesse de vie devant la lourdeur de la fatalité et des événements dramatiques. Le premier chapitre cerne le portrait du sentiment de désenchantement en tant qu'expérience personnelle face à la fatalité et aux événements dramatiques. Dès lors, pour me permettre de définir l'oeuvre en tant que construction de sens et de possibilités et comme système conflictuel : précaire et tendu, je définis des thèmes et concepts inhérents au motif du désenchantement, qui provoquent et agencent mon travail de création. Dans le second chapitre, nous verrons comment la-notion de conflit traverse l'oeuvre, en fait une oeuvre conflictuelle, un lieu de la mobilité admettant la confrontation poétique et sémantique. Ainsi, j'évoque les concepts de polyphonie (Mikhaïl Bakhtine) et de révolte (Julia Kristeva), afin de définir l'oeuvre conflictuelle comme un discours constitué de multiples voix qui s'accordent et se désaccordent sans relâche. En fait, nous verrons que l'oeuvre conflictuelle, tout en abordant la fatalité, agence un récit en constante redéfintion, dont les sens sont sans cesse remobilisés. Enfin, au sein du troisième chapitre, il sera question de l'oeuvre conflictuelle THÉO, TAUREAU ET TURQUOISE : FAIRE TOMBER LES OISEAUX. Nous verrons comment l'instant dramatique, sous forme de récit filmique, de la chute des oiseaux par trois enfants désenchantés s'agence dans une architecture alliant la vidéo, l'installation et le décor. Il sera question de ce lieu des possibles négligeant la distance entre images filmées et matérialisées. Aussi, nous verrons les différentes voix composant ce récit poétique, ces morceaux d'épopée bavards et tendus rendant la fatalité contenue dans l'oeuvre en constante redéfinition.

Je suis animée d'un désir d'atteindre des couches inhabituelles de réalité et fascinée par ce qui semble étrange et familier à la fois. Dans ma production, que ce soit en peinture, en dessin ou en photo, cette fascination me pousse à créer des lieux clos où s'installe une tension. J'ai peint pour éveiller des choses sans histoire et sans nom, des Figures avec une présence, qui enclenchent un mécanisme de remémoration qui reconduit chacun à l'énigme de l'existence. La Figure, telle que Gilles Deleuze l'a développée, y est une forme sensible permettant d'accéder à une autre façon de voir. L'objet de ma recherche est un questionnement au niveau théorique sur les relations qu'entretiennent entre eux les concepts de Figure et d'inquiétante étrangeté. Je m'intéresse à leur manifestation matérielle et plastique dans le langage pictural. C'est une réflexion qui conduit à se pencher sur l'influence de notre inconscient. Ce qui a été enfoui, croyances anciennes, infantiles, animistes, ressurgit de façon picturale. Hanté par le sentiment d'inquiétante étrangeté, mon travail cherche, à travers la peinture, le dessin et la photographie, les manifestations d'angoisses: le double, la mémoire, la mort, et bien d'autres innommables. Il se forme alors des espaces de réflexion, sur des oeuvres et sur nous-mêmes, qui s'opposent à l'achevé valorisé à outrance dans notre société fanatique du plein. Le vide me plaît. La Figure, une dépouille, un vêtement abandonné et une photographie ramènent à la même impression : une absence témoignée par une présence. Quelque chose était là qui n'y est plus; reste une trace qui est autre chose et qui crie l'absence. Par le visage et la vie qui y est contenue, la recherche d'identité et la mémoire, je tente de me situer par rapport aux productions contemporaines et dans l'histoire générale. Je remonte d'abord aux origines du portrait pour comprendre son essence, puis reviens à notre époque pour analyser le rôle mythique des photographies de famille et leurs fonctions. Ces dernières constituent des vecteurs d'inquiétude pour les oeuvres de cette recherche. J'y ai puisé une domesticité mêlée de malaise que j'ai exacerbée. Je me positionne ensuite par rapport au travail de Diane Arbus et de Christian Boîtanski. J'explore la notion de Figure à travers le philosophe Gilles Deleuze et tente de la situer dans ma production. Deux lectures des oeuvres de l'exposition Veilleurs sont proposées. L'inquiétante étrangeté et son lien avec l'enfance sont sondés. L'enfance, avant-poste de la réalité, lien privilégié avec un monde animiste et inquiétante étrangeté, déni de la raison adulte et resurgissement de croyances primitives. Je réfléchis également à la photographie et à ma façon de l'utiliser dans une recherche en peinture et en dessin. L'énigme de l'existence demeure le fondement de mes gestes.

Le présent ouvrage se veut un parcours dans le domaine des technologies de l'information et des communications via les installations d'arts médiatiques. L'artiste élabore le concept de sortir de l'écran en se l'appropriant. Le spectateur-usager devient alors, par le geste, déclencheur d'événements et il évolue dans le discours de l'artiste en interagissant dans le cadre de mises en scène artistiques, rendant compte du corps toujours présent dans l'image. Ainsi, on laisse place à une aire de jeu publique, une aire transitionnelle où l'échange sert à activer un contact, une réflexion, un questionnement. L'installation d'arts médiatiques présuppose que Faction du corps, geste actif dans le déroulement de l'oeuvre, orienterait l'expérience esthétique et augmenterait les chances de résolutions conceptuelles. L'interactivité y est explorée en tant que force active utilisée comme moyen d'action.