A tese procura compreender quais ações sociais estão presentes na recepção e produção de obras de arte contemporânea. O ponto de vista da etnometodologia é de que os processos de interação são originários e formais, pois o sujeito fenomenológico não se percebe, é sempre o outro para o qual se dirige. E, ao mesmo tempo, as ações sociais e interpretações são orientadas por métodos (pressupostos e subentendidos) compartilhados entre agentes. Para investigar estes métodos, deve-se situá-los no contexto de uso, as circunstâncias concretas, que os tornam observáveis e relatáveis (accountable) por meio de operações de visibilização e/ou ocultamento, antecipação e/ou aguardo. A etnometodologia observa as ações sociais em situações rotineiras, nas quais os agentes lançam mão do conhecimento que compartilham e esperam que os outros façam o mesmo. É quando se age sem pensar. As artes são frequentemente analisadas segundo as diferenças produzidas nas relações cotidianas, oferecendo outros olhares e deslocamentos para o que já é habitual. Não negamos esta condição, mas compreendemos também que a observação de artes não se dá fora do mundo social. Cotidianamente, os agentes utilizam recursos de identificação das circunstâncias em que se encontram, do interlocutor com quem interage e do ambiente onde se insere. O que significa que estes recursos estão disponíveis a qualquer pessoa e são levados para o interior de galerias e museus, à revelia de observadores, artistas e instituições. Para qualquer um que ocupe a posição de observador da obra, as circunstâncias concretas da recepção (a obra, o texto da crítica, a fala do artista, a ação dos outros visitantes, etc.), exigem, deste agente, operações semelhantes às utilizadas no cotidiano. Estas operações foram investigadas nas entrevistas com público e artistas, nas quais se buscou reconhecer quais recursos e métodos compartilhados com a obra, o público, os outros artistas e a crítica, eles lançam mão quando ocupam as posições de observador ou produtor de obras de arte. / The thesis seeks to identify the social actions present in the reception and production of contemporaty art. According to ethnomethodology, the interaction processes can be classified as both originative and formal, because the phenomenological subject does not perceive itself, it always addresses to someone else. Moreover, social actions and interpretations are guided by methods (implied and expected) shared among agents. Those methods should be investigated in the context of use, the actual circumstances that make them observable and reportable (accountable) through operations of visualization and/or concealment, forwardness and/or retention. Ethnomethodology observes the social actions in everyday situations, in which agents make use of the shared knowledge and hope that others do the same thing. It is when one acts without thinking. Works of art are often analyzed by the differences they produce in everyday life, introducing other perspectives to what is usual. We dont deny that carachteristic, but we also understand that art observation belongs to the social world. In everyday life, the agents use action resources to investigate the actual circunstamces, auditors and locations. Therefore, those resources are available to anyone and are taken inside galleries and museums regardless of those institutions, the public and the artists. The actual circumstances of reception (the work of art, the critics text, the artists speech, the other visitors actions, etc.) demands of anyone in the observer role procedures similar to those of everyday life. In the interviews with the public and the artists, we tried to identify, through the discourses, which resources and methods are shared with the work, the public, other artists and criticism.

Un sistema de información geográfica (SIG) se define como un conjunto de datos, métodos y herramientas diseñadas para actuar de manera lógica y coordinada para capturar, guardar, analizar (en una base de datos geográfica, BDG), transformar y presentar la información geográfica y la de sus atributos, con el fin de satisfacer varios propósitos, esta base de datos comprende datos espaciales y datos no espaciales. El presente estudio, es una aplicación de los sistemas de información geográfica, a la gestión de las obras de arte de un proyecto de carretera, mediante la elaboración de un sistema integrado mapa - base de datos, para su rápida consulta y eficiente administración. Es decir se puede describir como un inventario, ordenamiento de diversas actividades y procesos constructivos en las obras de arte y drenaje, tales como la construcción de muros de sostenimiento, cajas de toma, cabezales de salida, aliviaderos, sub drenes, emboquillados, zanjas de coronación, bordillos, cunetas entre otros, que se ejecutaron en el proyecto de la carretera Tingo María - Aguaytia, en una 1ra etapa de construcción que empieza en el Km 15+000 y culmina en el Km 38+000. De esta forma se puede proporcionar la ubicación, describir, clasificar y monitorear en tiempo real los diversos sistemas de drenaje, obras de concreto armado, inventario de deslizamientos y derrumbes, evaluación de sectores críticos como asentamientos y desprendimiento de plataforma, zonas de inestabilidad de taludes, zonas de carcavamiento, así como también interpretar los costos respectivos de las diferentes actividades de obra y el debido mantenimiento de vía, además de otras actividades que involucra el proyecto, de una manera sistematizada.

[ES] Esta tesis propone un análisis de los desafíos que plantea la compleja relación entre el público y las obras de arte contemporáneo, tanto en el plano conceptual como en el material. En particular, con esta investigación se ha procurado juntar la perspectiva de la conservación, tradicionalmente centrada en las necesidades de las obras, con la de la educación y la mediación cultural, tradicionalmente centrada en las necesidades de los visitantes. A través de un estudio exploratorio en los campos de la conservación, museología, historia del arte, educación y museografía, se han analizado los procesos que influyen en la pérdida de valor de la especificidad de la obra de arte, y en la consiguiente dificultad de indagación de sus significados por parte del público. Al respecto se ha estudiado y valorado el potencial de la conservación como campo de conocimientos capaz de responder a esta dificultad, y de proporcionar al público las herramientas teóricas necesarias para el análisis y la comprensión de las obras. Con respecto a la perspectiva centrada en las exigencias del público, el estudio destaca la necesidad, para todos los profesionales museísticos, de reconocer las características de los diversos tipos de público y los medios de investigación existentes en el ámbito de los estudios sobre los visitantes. En cuanto a la perspectiva de las obras, la tesis analiza las posibles consecuencias físicas y conceptuales causadas por la falta de comprensión del significado de las obras por parte de los visitantes, así como los medios y estrategias adoptados por los museos, que puedan, según los casos, desafiar o facilitar la relación entre el público y las obras. Por último, el estudio alienta el desarrollo de aquellas experiencias en las que se pueda concretar una colaboración conjunta entre las profesiones de la conservación y los profesionales de educación, tanto a nivel teórico como práctico, con el fin de favorecer la comprensión de las obras de arte contemporáneo. El estudio ha sido conducido mediante la exploración de numerosos métodos de investigación, viajando a través de la consulta de una amplia gama de fuentes, desde publicaciones científicas, hasta artículos de prensa, entrevistas con profesionales de conocidos museos europeos, encuestas en línea y producción de vídeos / [CA] Aquesta tesi proposa un anàlisi dels reptes que planteja la complexa relació entre el públic i les obres d'art contemporani, tant en el pla conceptual com en el material. En particular, amb aquesta investigació s'ha procurat ajuntar la perspectiva de la conservació, tradicionalment centrada en les necessitats de les obres, amb la de l'educació i la mediació cultural, tradicionalment centrada en les necessitats dels visitants. A través d'un estudi exploratori en els camps de la conservació, museologia, història de l'art, educació i museografia, s'han analitzat els processos que influïxen en la pèrdua de valor de l'especificitat de l'obra d'art, i en la consegüent dificultat d'indagació dels seus significats per part del públic. Respecte d’això s'ha estudiat i valorat el potencial de la conservació com a camp de coneixements capaç de respondre a aquesta dificultat, i de proporcionar al públic les ferramentes teòriques necessàries per a l'anàlisi i la comprensió de les obres. Respecte a la perspectiva centrada en les exigències del públic, l’estudi destaca la necessitat, per a tots els professionals museístics, de reconèixer les característiques dels diversos tipus de públic i els mitjans d'investigació existents en l'àmbit dels estudis sobre els visitants. Pel que fa a la perspectiva de les obres, la tesi analitza les possibles conseqüències físiques i conceptuals causades per la mancança de comprensió del significat de les obres per part dels visitants, així com els mitjans i estratègies adoptades pels museus, que puguen, segons els casos, desafiar o facilitar la relació entre el públic i les obres. Finalment, l'estudi encoratja el desenrotllament d'aquelles experiències en què es puga concretar una col·laboració conjunta entre les professions de la conservació i els professionals d'educació, tant a nivell teòric com pràctic, per tal d'afavorir la comprensió de les obres d’art contemporani. L'estudi ha sigut conduït mitjançant l'exploració de nombrosos mètodes d'investigació, viatjant a través de la consulta d'un àmplia gamma de fonts, des de publicacions científiques, fins a articles de premsa, entrevistes amb professionals de coneguts museus europeus, enquestes en línia i producció de vídeos. / [EN] This thesis proposes an analysis of the challenges posed by the complex relationship between the public and contemporary artworks, both on a conceptual and material level. In particular, this research has sought to bring together the perspective of conservation, traditionally focused on the needs of the artworks, with the perspective of education and cultural mediation, traditionally focused on the needs of the visitors. Through an exploratory study in the fields of conservation, museology, history of art, education and museography, we have analysed the processes that influence the loss of value of the specificity of the artwork, and the consequent difficulty for the public to inquire into its meanings. In relation to this issue, the investigation studied and valorised the potential of conservation as a field of knowledge able to respond to this difficulty and provide the public with the theoretical framework and tools necessary for the analysis and understanding of the artworks. As far as the perspective focused on the needs of the public, the study also highlighted the need for museum professionals to recognize the variety of visitor characteristics and valorised the existing and the existing research tools in the field of visitor studies. With respect to the artworks-centered perspective, the thesis analyses the possible physical and conceptual consequences caused by visitors' lack of understanding of the meaning of the works, and the means and strategies adopted by museums, which may, depending on the cases, challenge or facilitate the relationship between the public and the artworks. Finally, the study encourages the development of those experiences in which a joint collaboration between conservation professionals and museum education professionals can be achieved, both on a theoretical and practical level, with the aim of fostering the understanding of contemporary artworks. The study was conducted through the exploration of numerous research tools, including interviews with professionals from well-known European museums, online surveys and the production of two short videos, and the consultation of a wide range of sources, from scientific publications to press articles. / [IT] Questa tesi propone un'analisi delle sfide poste dal complesso rapporto tra pubblico e opere d'arte contemporanea, sia a livello concettuale che materiale. In particolare, questa ricerca ha cercato di coniugare la prospettiva della conservazione, tradizionalmente incentrata sulle esigenze delle opere, con quella dell'educazione e della mediazione culturale, tradizionalmente incentrata sulle esigenze dei visitatori. Attraverso uno studio esplorativo nei campi della conservazione, della museologia, della storia dell'arte, dell'educazione e della museografia, sono stati analizzati i processi che influenzano la perdita di valore della specificità dell'opera d'arte e la conseguente difficoltà per il pubblico di indagarne i significati. Sono state inoltre studiate e valorizzate le potenzialità della conservazione come campo di conoscenza in grado di rispondere a questa difficoltà e di fornire al pubblico gli strumenti teorici necessari per l’analisi e la comprensione delle opere. Per quanto riguarda la prospettiva incentrata sulle esigenze del pubblico lo studio evidenzia la necessità per tutti i professionisti del museo di riconoscere le caratteristiche dei vari tipi di pubblico e i mezzi di ricerca esistenti nel campo degli studi sui visitatori. Rispetto alla prospettiva incentrata sulle opere, la tesi analizza le possibili conseguenze fisiche e concettuali causate dalla mancata comprensione da parte dei visitatori del significato delle opere, e i mezzi e le strategie adottate dai musei, che possono, a seconda dei casi, mettere in discussione o facilitare il rapporto tra il pubblico e le opere. Lo studio, infine, incoraggia lo sviluppo di quelle esperienze in cui si possa concretizzare una collaborazione congiunta tra professionisti della conservazione e professionisti dell’educazione museale, sia a livello teorico che pratico, con l'obiettivo di favorire la comprensione delle opere d'arte contemporanea. Lo studio è stato condotto attraverso l'esplorazione di numerosi strumenti di ricerca, dalle interviste a professionisti di noti musei europei, ai sondaggi online e alla realizzazione di due brevi video, sino alla consultazione di fonti molto diverse, dalle pubblicazioni scientifiche agli articoli di stampa. / Parisi, F. (2020). El público y las obras de arte contemporáneo: un análisis de la relación entre la función educadora y conservadora del museo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/148196

Submitted by Luanda de Moura (moonmoura@hotmail.com) on 2012-06-15T19:40:17Z No. of bitstreams: 1 mecenato atores objetos e praticas.pdf: 4291329 bytes, checksum: 0996ce39efd9c4ecf6beb4d63a521158 (MD5) / Approved for entry into archive by Rafael Aguiar (rafael.aguiar@fgv.br) on 2012-10-04T17:20:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 mecenato atores objetos e praticas.pdf: 4291329 bytes, checksum: 0996ce39efd9c4ecf6beb4d63a521158 (MD5) / Approved for entry into archive by Marcia Bacha (marcia.bacha@fgv.br) on 2012-10-08T17:33:32Z (GMT) No. of bitstreams: 1 mecenato atores objetos e praticas.pdf: 4291329 bytes, checksum: 0996ce39efd9c4ecf6beb4d63a521158 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-10-08T17:33:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 mecenato atores objetos e praticas.pdf: 4291329 bytes, checksum: 0996ce39efd9c4ecf6beb4d63a521158 (MD5) Previous issue date: 2012-03-30 / Esta pesquisa analisa o encontro de um grupo de pessoas empenhadas na organização do Museu de Arte de São Paulo, desde a sua inauguração no ano de 1947 até a primeira exposição internacional de parte do seu acervo em 1953 no Musée de l’Orangerie, em Paris. Convocamos os registros do idealizador do museu, Assis Chateaubriand, de seus diretores Pietro Maria Bardi e Lina Bo Bardi e dos mecenas que contribuíram financeiramente para a aquisição dos quadros, Geremia Lunardelli, Sinhá Junqueira, Drault Ernanny, Orozinho Roxo Loureiro, Yolanda Penteado e Jacques Pilon para encontrar possíveis motivações e justificativas que permitem compreender o empreendimento do MASP enquanto parte de um amplo projeto de modernidade encampado por agentes, empresas e governos nacionais e internacionais.

Submitted by Julia Baker Valls Pereira (juliabvp@gmail.com) on 2018-06-11T19:04:13Z No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) / Approved for entry into archive by Diego Andrade (diego.andrade@fgv.br) on 2018-07-02T18:56:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-16T20:23:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) Previous issue date: 2016-09-09 / The text analyzes one of agents from the art market: the commercial gallery. It was a conscious choice to work with only one gallery and, through this, to understand its microcosms. Beginning with the review of the main authors that work with sociology of art, it was possible to delineate which agents belonged to the field of art and how its relations could happen. The first chapter summarize the theories used through the work, and brings the history of the commercial galleries in Rio de Janeiro. The next two chapters will concentrate in the object of this study: the story of the gallerist Laura Marsiaj and her experiences in the work of art galleries. The construction of these chapters was based in a vast research in newspaper archives, field research and interviews with some important elements from the art’s field that had different connections with Laura. The focus of this dissertation is to create a case study of an art gallery and, through it, see how the relations in the art market occur. / O trabalho analisa um dos agentes do mercado de artes: a galeria comercial. Foi uma escolha trabalhar apenas com uma galeria e entender seu microcosmos. Partindo de uma análise dos principais autores a tratar do tema de sociologia da arte, foi possível delimitar os agentes pertencentes ao campo das artes e como suas relações são traçadas. O primeiro capítulo sintetiza as teorias utilizadas assim como discorre sobre a história das galerias no Rio de Janeiro. Os dois seguintes capítulos se concentram no objeto de estudo dessa dissertação: a história da galerista Laura Marsiaj e de suas experiências como galerista no Rio de Janeiro. A construção dos capítulos se deu a partir de pesquisas em acervos de jornais, pesquisa de campo e entrevistas com sujeitos do campo das artes que possuíam ligações de diferentes âmbitos com Laura. O objetivo da dissertação é realizar um estudo de caso da galeria e, através dele, ver como ocorrem as relações na esfera do mercado de artes.

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A preservação e o restauro de obras de arte de períodos recentes em espaços públicos conformam o tema da pesquisa, que tem como objetos as obras de Mary Vieira no Brasil localizadas em Belo Horizonte, Brasília, Poços de Caldas e São Paulo. (Monovolume: liberdade em equilíbrio; Polivolume: ponto de encontro; Boate Azul e Polivolume: conexão-livre, respectivamente). O restauro, como ato de cultura, deve ser calcado em reflexões teórico-conceituais que balizam intervenções técnicooperacionais, sempre guiadas pela própria obra a ser restaurada. A dissertação apresenta, pois, uma investigação da produção da artista, com especial atenção à sua contribuição para se pensar o espaço público; bem como uma revisão dos aportes teóricos disponíveis no campo da restauração, sobretudo no que diz respeito às novas problemáticas colocadas pelas produções moderna e contemporânea. Com o objetivo de registrar o estado atual de conservação das obras citadas e refletir sobre possíveis intervenções, a pesquisa busca evidenciar a existência de uma unidade metodológica, que pode conduzir trabalhos em obras de arte e arquitetura, antigas e recentes. / The subject of the research is preservation and conservation of art from recent periods in public spaces with a focus on works by Mary Vieira in Brazil located in the cities of Belo Horizonte, Brasília, Poços de Caldas and São Paulo (Monovolume: liberdade em equilíbrio; Polivolume: ponto de encontro; Boate Azul and Polivolume: conexão-livre, respectively). Conservation as an act of culture, should be tackled through theoretical and conceptual reflections as well as technical and operational measures,always guided by the work to be restored. The dissertation therefore presents an investigation of the artist\'s production, with special attention to its contribution to a public space; and a review of the available theoretical contributions in the field of conservation, especially in regard to the new problems posed by modern and contemporary productions. In order to register the current condition of the mentioned works and wonder about possible interventions on them, this research seeks to demostrate the existence of methodological unit, that may lead to further studies on works of art and architecture, either recent and old.

A preservação e o restauro de obras de arte de períodos recentes em espaços públicos conformam o tema da pesquisa, que tem como objetos as obras de Mary Vieira no Brasil localizadas em Belo Horizonte, Brasília, Poços de Caldas e São Paulo. (Monovolume: liberdade em equilíbrio; Polivolume: ponto de encontro; Boate Azul e Polivolume: conexão-livre, respectivamente). O restauro, como ato de cultura, deve ser calcado em reflexões teórico-conceituais que balizam intervenções técnicooperacionais, sempre guiadas pela própria obra a ser restaurada. A dissertação apresenta, pois, uma investigação da produção da artista, com especial atenção à sua contribuição para se pensar o espaço público; bem como uma revisão dos aportes teóricos disponíveis no campo da restauração, sobretudo no que diz respeito às novas problemáticas colocadas pelas produções moderna e contemporânea. Com o objetivo de registrar o estado atual de conservação das obras citadas e refletir sobre possíveis intervenções, a pesquisa busca evidenciar a existência de uma unidade metodológica, que pode conduzir trabalhos em obras de arte e arquitetura, antigas e recentes. / The subject of the research is preservation and conservation of art from recent periods in public spaces with a focus on works by Mary Vieira in Brazil located in the cities of Belo Horizonte, Brasília, Poços de Caldas and São Paulo (Monovolume: liberdade em equilíbrio; Polivolume: ponto de encontro; Boate Azul and Polivolume: conexão-livre, respectively). Conservation as an act of culture, should be tackled through theoretical and conceptual reflections as well as technical and operational measures,always guided by the work to be restored. The dissertation therefore presents an investigation of the artist\'s production, with special attention to its contribution to a public space; and a review of the available theoretical contributions in the field of conservation, especially in regard to the new problems posed by modern and contemporary productions. In order to register the current condition of the mentioned works and wonder about possible interventions on them, this research seeks to demostrate the existence of methodological unit, that may lead to further studies on works of art and architecture, either recent and old.

SILVA, Hermínia Maria Lima da. As práticas intertextuais hiperestéticas em obras de conteúdo bíblico. 2016. 280f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Letras Vernáculas, Programa de Pós-graduação em Linguística, Fortaleza (CE), 2016. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-01-30T13:09:23Z No. of bitstreams: 1 2016_tese_hmlsilva.pdf: 7309277 bytes, checksum: 14ea007bd1820ac07ce814aa9d73723c (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-01-30T16:32:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_tese_hmlsilva.pdf: 7309277 bytes, checksum: 14ea007bd1820ac07ce814aa9d73723c (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-30T16:32:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_tese_hmlsilva.pdf: 7309277 bytes, checksum: 14ea007bd1820ac07ce814aa9d73723c (MD5) Previous issue date: 2016 / This research was done, in the broader sense, to review Genette’s (2010) theoretical proposal of hyper-aesthetic intertextual practice and, in the strict sense, to propose a new theoretical and methodological framework for future analyses of such intertextual phenomenon. For this purpose a corpus composed of non-verbal texts was analyzed: thirty pairs of biblical-themed works of art created between the 15th and 21st century, from the Renaissance to Contemporaneity. This research also aimed to detect whether there were more cases of capture or subversion of meaning among the derivative works of art in comparison to the verbal biblical text source. In the belief of the possibility to define new categories to investigate hyper-aesthetic intertextual practice, in addition to those already identified by Genette (2010), justified the analysis. Therefore the Comparison Analysis Method of Art Works by Feldeman (2012) was adopted as well as the analysis scheme proposed by Barthes (1986), and the concepts of capture and subversion registered by Charaudeau and Maingueneau (2004). The analysis revealed significant findings, among them notably: 1ª) the need to change the terminology used by Genette (2010) for the intertextual occurrences; 2ª) acceptance of the idea, already pointed out by other researchers, that the allusion is a constitutive occurrence of intertextual derivational occurrences; 3ª) the definition of two new categories for the hyper-aesthetic practice, austerism and transfiguration, in addition to the three already identified by Genette (2010), transposition, parody and travesty; and 4ª) the predominance of capture occurrences among the analyzed art works and the founding biblical text. This research may likely contribute to further studies of the phenomenon of intertextuality, especially to the dialogue between non-verbal texts, which still lacks a greater in-depth study, but has been proven to be a very fertile field. / Esta pesquisa vem, em sentido amplo, rever a proposta teórica de Genette (2010) para as práticas intertextuais hiperestéticas e, em sentido estrito, propor um novo quadro teóricometodológico para futuras análises desse tipo de fenômeno intertextual. Com este intuito, partiu-se da análise de um corpus composto por textos não verbais, trinta pares de obras de arte de temática bíblica produzidas entre os séculos XIV e XXI, do Renascimento à Contemporaneidade. À pesquisa interessou também observar se, entre as obras derivadas, ocorreram mais casos de captação ou subversão de sentido em relação ao texto-fonte verbal bíblico. A análise justifica-se pelo fato de acreditar-se na possibilidade de definição de novas categorias para investigar as práticas intertextuais hiperestéticas, além daquelas já apontadas por Genette (2010). Para tanto, adotou-se o Método de Análise Comparativa entre Obras de Arte, de Feldeman (2012) e, junto a ele, invocou-se o esquema de análise proposto por Barthes (1986), assim como os conceitos de captação e subversão registrados em Charaudeau e Maingueneau (2004). A análise revelou constatações significativas, entre as quais se destacam: 1ª) Necessidade de alteração da terminologia utilizada por Genette (2010) para as ocorrências intertextuais; 2ª) Admissão da ideia já apontada por outros pesquisadores de que a alusão é uma ocorrência constitutiva das ocorrências intertextuais derivacionais; 3ª) Definição de duas novas categorias para as práticas hiperestéticas, austerismo e transfiguração, além das três já apontadas por Genette (2010), transposição, paródia e travestimento; e 4ª) Predominância de ocorrências de subversão na relação entre as obras analisadas e o texto bíblico fundador. Acredita-se que a investigação da pesquisa ora apresentada possa vir a contribuir com os estudos do fenômeno da intertextualidade, em especial, em um campo ainda carente de aprofundamento, o qual vem se mostrando muito fértil: o diálogo entre textos não verbais.

Made available in DSpace on 2014-06-12T23:15:05Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo5714_1.pdf: 681174 bytes, checksum: 1e05e4fc96d3f842d5cf289fca6aafa2 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Este trabalho analisou o lugar da obra de arte no pensamento sobre a emancipação de Theodor W. Adorno. Nosso objetivo foi apontar os elementos emancipatórios que Adorno identificou na obra de arte. Para tanto, buscamos entender como a obra de arte oferece resistência a dois processos que, neste autor, se apresentam como fortes empecilhos à configuração de uma sociedade emancipada. Em primeiro lugar, temos o fracasso da promessa de emancipação do esclarecimento, entendido como o amplo processo em que a razão suplantará o mito, mostrando-se como a maneira mais eficiente para libertar os homens do medo e garantir sua autoconservação. Tendo a autoconservação como objetivo, a razão (instrumental) promoverá um progressivo distanciamento do homem em relação à natureza (interna e externa), reduzindo-a a condição de objeto de manipulação e domínio. Tendo em vista que a promessa deste processo é a emancipação humana, Adorno questiona como a sociedade esclarecida pôde ser palco de acontecimentos tão bárbaros como o Holocausto: assassinato sistemático dos judeus e de outras minorias sociais. Além disso, o fracasso desta promessa é visível na medida em que, o esclarecimento, ao invés de levar a uma sociedade emancipada, conduziu a uma sociedade administrada. Tal sociedade consiste no segundo forte empecilho à emancipação, uma vez que se caracteriza pela paralização da crítica em diversos âmbitos da sociedade. É o que Adorno observa em relação à indústria cultural. Com ela, a cultura, que outrora servia como espaço de transcendência e de crítica das condições dadas, se vê reduzida à glorificação do existente. Como a indústria cultural transforma as obras de arte em mercadorias integrais, uma primeira condição de potencial emancipatório na arte é a sua autonomia. A autonomia da arte pode ser considerada um elemento emancipador, uma vez que oferece resistência à razão instrumental que busca atribuir a tudo uma função na autoconservação da sociedade. Por sua vez, algumas obras de arte autônomas apresentam um outro elemento emancipador que é o da permanência da crítica na sociedade administrada. Tais obras, além de autônomas, são autênticas, porque se recusam a reconciliar as contradições que surgem em seu interior dando testemunho do estado não reconciliado da sociedade, ao mesmo tempo em que expressam a condição de sofrimento do indivíduo no capitalismo tardio. Por fim, no que diz respeito à relação do artista com o material artístico, temos um terceiro elemento emancipador que caracteriza as obras de arte autênticas: elas fornecem uma modalidade de relação entre sujeito e objeto alternativa àquela em que o sujeito domina o objeto, presente no esclarecimento. Na esfera da obra de arte autêntica, sujeito (artista) e objeto (material) entram numa relação de mediação recíproca. Neste aspecto, obras de arte autênticas estão no centro do pensamento da emancipação de Adorno por prefigurar a reconciliação com a natureza que ele viu como condição da verdadeira emancipação humana