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Titre de l'écran-titre (visionné le 14 août 2023) / Ce mémoire en recherche-création conceptualise les espaces liminaux pour matérialiser la dépression à l'écran dans un effort d'adapter au cinéma The Bell Jar (1963) de Sylvia Plath, un roman semi-autobiographique dans lequel Plath fait la chronique de sa dépression pendant ses premières années à l'université. Le mémoire consiste en un essai qui explore comment les espaces liminaux peuvent être conceptualisés à l'écran pour matérialiser ce qu'on ressent physiquement et émotionnellement lorsqu'on est en dépression, ainsi qu'un « volet création » composé de cinq séquences et d'une scène d'un scénario adapté du roman The Bell Jar. La partie recherche est divisée en deux chapitres. Le premier présente la liminalité et les espaces liminaux tels qu'ils sont théorisés dans les Rites de passage (1909) d'Arnold van Gennep et offre un aperçu de la dépression dans The Bell Jar. Le deuxième chapitre présente trois approches originales pour conceptualiser les espaces liminaux afin qu'ils rendent la dépression plus accessible dans un format cinématographique. Nous expliquons ici la théorie qui sous-tend la matérialisation de la dépression à l'écran et décrivons comment elle se traduit à l'écran à l'aide d'extraits du roman. Le « volet création » du mémoire consiste en une partie d'un scénario : cinq séquences de scènes et une scène seule (scène 5) illustrant comment chaque théorie facilite la matérialisation de la dépression à l'écran. Ce « volet création » est imbriqué dans la partie recherche afin de mieux illustrer comment la théorie, le scénario et la cinématographie de la scène s'emboîtent. Le scénario illustre comment la conception théorique des espaces liminaux se traduirait dans un format filmique. Les deux scènes scénarisées pour chaque approche théorique sont ensuite analysées en fonction de la théorie présentée. Chaque section se focalise sur une approche théorique et explique comment elle informe l'esthétique de l'espace liminal dans les scènes ou séquences. Étant donné que l'objectif du mémoire est de conceptualiser les espaces liminaux, le scénario sera plus descriptif de ses éléments visuels à l'écran que riche de ses dialogues. Le mémoire cherche à présenter une approche plus nuancée de la représentation de la dépression à l'écran que ce que nous avons l'habitude de voir au cinéma. La dépression au cinéma est souvent explorée à des fins de narration, ou secondaire à l'enjeu principal (Side Effects, The Virgin Suicides, Little Miss Sunshine), ou fait partie d'une critique plus large sur des enjeux de société (Prozac Nation, Girl Interrupted). Certains de ces films traitant de la dépression présentent une esthétique et des techniques cinématographiques qui indiquent une volonté d'extérioriser les émotions complexes du personnage à l'écran sans avoir recours à des dispositifs linguistiques tels que la narration en voix off. Un objectif fisheye, « objectif photographique ayant une distance focale très courte et donc un angle de champ très grand » (Ang, Toute la photo, 150), est parfois utilisé pour matérialiser la tristesse, l'engourdissement, ou pour désorienter le spectateur. Ce mémoire s'éloigne de ces représentations de la dépression au cinéma et explore comment les espaces liminaux au cinéma peuvent matérialiser les émotions complexes et parfois incongrues qu'Esther éprouve dans The Bell Jar. Les scènes scénarisées dans la partie création brossent le portrait d'une maladie qui influence le processus cognitif et le rapport qu'à le personnage avec son environnement. Nous avons développé trois approches différentes pour conceptualiser les espaces liminaux à l'écran, chacune visant à élucider différentes facettes de la dépression d'Esther. Les deux premières explorent la désorientation, un symptôme moins préjudiciable, tandis que la troisième approche tente de matérialiser les idées suicidaires du personnage. Ce mémoire met en évidence la capacité du cinéma à transmettre des nuances sensorielles et émotionnelles, et s'ancre dans une conviction défendue par les études cinématographiques selon laquelle la représentation mène à la démocratisation, ce qui, dans le cadre de ce travail, équivaut à une meilleure compréhension de la dépression. / This mémoire en recherche-création conceptualizes liminal spaces to materialize depression on-screen through an adaptation of Sylvia Plath's The Bell Jar (1963), a semi-autobiographical novel in which Plath chronicles her depression during her early college years. The thesis consists of an essay that explores how liminal spaces can be conceptualized on-screen to materialize depression on a physical and an emotional level, as well as a « volet création » consisting of five sequences and one scene of a screenplay adapted from the novel The Bell Jar. The essay is divided into two chapters. The first introduces liminality and liminal spaces as they are theorized in Arnold van Gennep's Rites of passage (1909) and provides an overview of depression in The Bell Jar. The second chapter presents three original approaches to conceptualizing liminal spaces so that they render depression more accessible through a cinematic format. In this chapter, I explain the theoretical basis behind materializing depression on-screen and then, I describe how it translates on-screen using excerpts from the novel. The creative section of the thesis consists of a partial screenplay: five sequences and one single scene (scene 5) illustrating how each theory can help materialize depression on-screen. This « volet création » is interwoven with the research section to better illustrate how the theory, screenplay, and cinematography of the scene fit together. The screenplay illustrates how the theoretical conception of liminal spaces would translate to a filmic format. The two scenes scripted for each theoretical approach are then analyzed in terms of the theory presented. Each section focuses on a theoretical approach and explains how it informs the aesthetics of the liminal space in the scenes or sequences. Given the thesis's objective in conceptualizing liminal spaces, the screenplay will be more descriptive of its on-screen visual elements than rich in dialogue. The thesis seeks to present a more nuanced approach to the representation of depression on-screen than what we are used to seeing in cinema. Depression in film is often explored for narrative purposes, or secondary to the main thematic (Side Effects, The Virgin Suicides, Little Miss Sunshine), or as part of a broader critique of social or political issues (Prozac Nation, Girl Interrupted). Some of these films that engage with depression display an aesthetic and cinematographic techniques that indicate a desire to exteriorize the character's complex feelings on-screen without resorting to linguistic devices such as voice-over narration. A fisheye lens, « an ultra-wide-angle lens that produces strong visual distortion intended to create a wide panoramic or hemispherical image » (Ang, Fundamentals of Modern Photography, 146), is sometimes used to materialize sadness, numbness, or to disorient the viewer. This thesis departs from such representations of depression in film and explores how liminal spaces in film can materialize the complex and sometimes incongruous emotions Esther experiences in The Bell Jar. The scenes in the « volet création » depict an illness that influences the character's cognitive process and her relationship with her surroundings. We have developed three different approaches to conceptualizing liminal spaces on-screen, each approach aiming to elucidate different facets of Esther's depression. The first two explore disorientation, a less detrimental symptom, while the third approach attempts to materialize suicidal ideation. This thesis highlights the capacity of cinema to convey sensory and emotional nuances and is rooted in a belief held within cinema studies that representation leads to democratization, which, in our framework, equates to a better understanding of depression.

Made available in DSpace on 2014-12-17T15:06:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JoseMTJR_DISSERT.pdf: 1250053 bytes, checksum: 1c2730a4bd584ab86c235050f38b5f11 (MD5) Previous issue date: 2011-09-23 / This dissertation aims at investigating the book Ariel (1965), written by Sylvia Plath, as a kind of performative and ritual poetry that fragments and reconstructs the personal experience, manipulating the memory of the autobiographical body as a way to rehearse and restore subjectivity. We propose that, in Ariel, the hyperbolic, transcendent and parodic transfiguration of real episodes, used as literary substance, corrupts and subverts the specular idea of a confessional truth usually related to the writer s work. Our objective is to examine signs of confluence between Sylvia Plath s poetry and performance art, departing from de idea that the spectacularization of the self, the exhibition of private rituals, the theatricalization of autobiographical circumstances and the undressing of one s craziness and vulnerability are mutual procedures to the poet and the perfomer. Simultaneously unfolding between the inside and the outside of the poem, Sylvia Plath s real suicide and the death and rebirth rituals performed in the literary text appear as symbolic elements that might reveal the performer s liminal space, where reality and representation coexist, and where the performative testimony does not frame only the real subject s body but also his/her infinite possibilities of being restored through art. / Esta disserta??o prop?e investigar a escritura do livro Ariel (1965), de Sylvia Plath, como um tipo de poesia perform?tica e ritual que fragmenta e reconstr?i a experi?ncia privada, manipulando a mem?ria do corpo autobiogr?fico como forma de ensaiar e restaurar a subjetividade. Nossa proposta assume que, em Ariel, a transfigura??o hiperb?lica, par?dica e transcendente de epis?dios reais, utilizados como mat?ria liter?ria, subverte e corrompe a id?ia especular de uma verdade confessional habitualmente relacionada ? obra da escritora. Nosso objetivo ? examinar pontos de conflu?ncia entre a poesia de Sylvia Plath e a performance art, partindo da id?ia de que espetaculariza??o do self, a exibi??o de rituais ?ntimos, a teatraliza??o de circunst?ncias autobiogr?ficas e o desnudamento da loucura e da vulnerabilidade do sujeito, s?o procedimentos comuns ? poeta e ao performer. Desdobrando-se simultaneamente entre o dentro e o fora do poema, o suic?dio real da poeta e os ritos de morte e ressurrei??o performados no texto liter?rio afiguram-se como elementos simb?licos capazes de revelar o espa?o liminar do performer, onde o real e a representa??o coexistem, e onde o testemunho perform?tico n?o emoldura apenas o corpo real do sujeito mas suas infinitas possibilidades de restaura??o atrav?s da arte.

Cette thèse de doctorat a pour but d’analyser l’œuvre des poètes américaines Anne Sexton et Sylvia Plath à l’aune des études féminines et de genre en s’attachant à la question du mythe et du désenchantement. Plath et Sexton ont été étiquetées « poètes confessionnelles » ; il s’agit dans un premier temps de comprendre les mécanismes sur lesquels repose cette appellation qui participe de la construction de mythes autour des deux poètes et de les déconstruire. Plath et Sexton se sont connues à la fin des années 50, s’influençant l’une l’autre. Elles ont en commun une poétique du désenchantement, de leurs poèmes « confessionnels » à leurs réécritures de contes de fées et de mythes que l’on peut qualifier d’ « anti-contes ». Si leur style poétique diffère, les thèmes qu’elles abordent se répondent en écho, du trauma incestueux au corps féminin, de la femme au foyer à la représentation dichotomique de « la femme » en Madone et putain. Nous abordons ces sujets dans un deuxième temps en les reliant aux notions de voile et de pudeur. L’injonction à la pudeur provient en partie de la scène poétique bostonienne des années 50 à 70, de l’influence puritaine du poète Robert Lowell et des critiques misogynes. Cette étude s’applique dans un troisième temps à relier littérature et société en mettant en lumière l’influence du contexte patriarcal et poétriarcal sur et dans l’œuvre de Plath et de Sexton. / This Ph.D. thesis analyzes the literary works of American poets Anne Sexton and Sylvia Plath in light of Women’s and Gender Studies and considers the notions of myth and disenchantment. Plath and Sexton were labeled “confessional” poets; this study’s first section seeks to understand the underlying mechanisms of this appellation and how it participated in the construction of myths around the two poets and also aims to deconstruct these myths. Plath and Sexton met at the end of the ‘50s and influenced each other. Their poetics of disenchantment are a common trait in their literary works, from their “confessional” poems to their rewriting of fairy tales and myths which may be called “anti-tales.” Although their poetic styles differ, the themes they pursue are similar, from the incestuous trauma to the female body, from the American housewife to the representation of women through the Madonna/slut dichotomy. In this thesis’s second section, these topics are scrutinized and considered in relation to the notions of veil and modesty. Appeals for modesty stem in part from the Bostonian poetic stage of the 50s-70s, the puritan influence of New England poet Robert Lowell and the misogynistic critics of the time. This study’s third section links literature and society and emphasizes the influence of patriarchal and “poetriarchal” context on and in Plath’s and Sexton’s poetry and prose.

La presente tesis es una lectura comparada de los diarios de la autora estadounidense Sylvia Plath (1932-1963) y los diarios del escritor peruano José María Arguedas (1911- 1969) que forman parte de su novela póstuma El Zorro de Arriba y el Zorro de Abajo. Mediante el análisis comparado busco estudiar la presencia de la melancolía en la escritura autobiográfica y su trayectoria hacia una forma de sublimación ante la primera pérdida del sujeto, es decir, la pérdida materna. La representación de la melancolía en la escritura autobiográfica ofrece una entrada en la constitución del yo. El diario nos brinda además un espacio vasto en donde tanto el rol del autor como el rol del lector son redefinidos en el campo literario. El diario y la escritura autobiográfica son un género problemático en la era postmoderna ya que estamos en un tiempo en el que, como lo señalan las teorías post-estructuralistas, el texto toma vida propia, separándose de la idea del autor como autoridad máxima e indiscutible de la obra. Como consecuencia, queda en la autobiografía una ficción del sujeto. Habiéndose disuelto el “yo” en el texto, y el texto en el aire, muchos críticos han anunciado, así como la muerte del autor, la muerte de la escritura autobiográfica. Sin embargo, como explica James Olney en su estudio “Autobiography and the cultural movement” el atractivo especial de la autobiografía para los lectores contemporáneos está relacionado con la fascinación con el yo y su profundidad, sus infinitos misterios y, con una profunda ansiedad por el ser y la vulnerabilidad de esta entidad que nunca llegamos a ver, tocar, o sentir por completo.

I believe that poetry has survived for thousands of years because it provides people with a transpersonal connection that they can't find elsewhere. I look for poetry that is more than an emotional expression, more than witty word play, and more than an interesting observation. I want poetry to give me that inspirational spark, that glimpse into a world beyond my own. Poems that succeed in doing this force me into a perspective that I haven't previously imagined by yoking together two or more seemingly disparate elements. This tension between the old elements and the new link between them creates energy for the poem. This poetic nexus contributes to the transpersonal experience that I seek.

Ce mémoire comporte deux grands axes en rapport avec le motif de la dérobade. Il s’agit d’étudier ce mouvement dans le texte, qui signale un retrait, une protection, ou une autre forme d’action dans mon écriture et chez deux auteures du XXe siècle, Marina Tsvetaeva (1892-1941) et Sylvia Plath (1932-1963). Dans la première partie de ce mémoire, je présente le fruit de ma création intitulé Marées d’Iris, un roman par tableaux qui regroupe récits, dessins et poèmes. Iris, la protagoniste qui parle au « je », est en proie à un étouffement quotidien. Ce roman par tableaux cherche à figurer ses dérobades à différents moments de sa vie. La partie réflexive de ce mémoire s’offre comme une analyse comparée des mouvements de dérobade dans l’écriture de Marina Tsvetaeva et Sylvia Plath. Y seront abordés les écrits intimes Vivre dans le feu : confessions, publié en 2005 aux éditions Robert Laffont, et Journaux 1950-1962, publié en 1999 chez Gallimard. Les mouvements de la dérobade seront appréhendés à partir d’analyses thématiques et formelles, suivant l’hypothèse que la dérobade sert d’exutoire à l’étouffement, en plus d’offrir une solution aux angoisses identitaires et amoureuses. Deux récits serviront ensuite à l’exploration des traits de la dérobade dans l’écriture fictionnelle, afin de déterminer leur incidence sur Ma mère et la musique de Marina Tsvetaeva, recueil publié en 1979 aux éditions l’Âge d’Homme, et La cloche de détresse de Sylvia Plath, roman publié en 1972 chez Gallimard.

In the tradition of academic satire, Lady Lazarus is the fictional biography of the daughter of American rock musicians. In her late teens she rises to fame as confessional poet, who, despite only publishing one collection of poems during her brief life, becomes an overnight sensation. Author Andrew Altschul is satirizing academia’s need to be a part of popular culture and in doing so, privileges the ability to use controversy and conventional beauty to sell books as opposed to creating quality art. By focusing on how the author uses Hans Robert Jauss’ horizons of expectations, unreliable narrators, anecdotes in biography and the economics of fame as a deciding factor in academia, the author has created a dense and punitive opinion of academia’s inclusion of popular culture into its world.

Virginia Woolf and Sylvia Plath are two well-known women writers of the twentieth century who committed suicide. The narratives created by their deaths have in some instances become as important as the canonical work they produced. In an effort to understand their motivations and struggles, critics and the public alike have sometimes reduced these women to victims of the patriarchy, mental illness, or even themselves. Beginning with my own discovery of this issue in the legacies of Plath and Woolf combined with my personal dealings with suicide in my family, I recount how I lost these two women as exemplary figures because of their choice to commit suicide. I then take a look at what others have said about their deaths and how it has affected their legacies as writers. Finally, I take a look at Woolf’s Mrs. Dalloway and Plath’s The Bell Jar for an alternate perspective on suicide. Through this journey, I recount how I have been able to regain my respect for these two talented women by considering multiple viewpoints and acknowledging the nuance inherent in any account.

MIRRORS is a cycle of songs composed for soprano voice and piano using five poems by Sylvia Plath. The work features the creation of a protagonist and tells a chronological story through the arrangement of the five poems colored and unified by the manipulation of a thematic twelve-tone row.