A investigação deste Trabalho consiste em um estudo sobre o diálogo entre o design e a arte na sociedade de consumo contemporânea, denominada como hiperconsumidora. Neste contexto, o produto industrializado tece um diálogo com a atividade artística por meio de associações, cada vez mais comuns, entre o universo da arte e grandes marcas e corporações. Procuramos introduzir este assunto por meio de um percurso histórico do período moderno até o contemporâneo, destacando os momentos mais relevantes em que o diálogo entre design e arte contribuiu para o desenvolvimento dos produtos industrializados. Com o intuito de contextualizar este diálogo em fases, tomamos quatro valores atribuídos às mercadorias: uso, troca, posse e seleção. Enquanto os valores de uso e troca se apresentaram como característicos dos primeiros momentos da civilização de consumo, o surgimento dos valores de posse e seleção são reflexos do hipercosumo, que se desenvolveu no decorrer das últimas quatro décadas. Em específico, o valor de seleção dos objetos nos serviu como fundamento para nossas considerações sobre as relações entre o universo da arte e as grandes marcas. Nesse contexto, o valor de seleção representou a ênfase da indústria no consumidor que, na contemporaneidade, é capaz de articular as informações que lhe vêm das características dos mais diversos produtos e serviços em acordo com suas necessidades e desejos. Assim, num mercado consumidor cujo acirramento da concorrência é cada vez maior, verificamos o emprego de ações que criem diferenciais que sejam únicos e inovadores e que contribuam na construção de valores junto às marcas e produtos. Para tanto, notamos a utilização de alguns recursos, que vão desde o investimento na qualidade estética dos produtos e ambientes, até o emprego de ações envolvendo festivais, intervenções e exposições de arte. Ao considerarmos que verificar estas novas relações consistia em explorar o sistema que as envolve, analisamos o sistema de arte moderna: o Regime de Consumo, como fundamento e, em seguida, a sua transposição para o Regime de Comunicação, o sistema de arte contemporânea. Desta feita, verificamos como o Regime de Comunicação se sustenta no circuito em rede, que é ampliado pelas novas tecnologias da comunicação e é capaz de assegurar o diálogo com as marcas e produtos industrializados. / This works investigation is based on a study that covers the dialog between design and art on the contemporaneous consumer society, known as hyper-consumer. Within this theory, processed products compose a dialog with artistic activity that goes through associations, more usual by the second, among art universe and big brands and companies. We tried to introduce this issue showing the historical path from modern to contemporary periods, highlighting the most relevant moments in which the dialog between design and art contributed to processed products development. In order to bring these dialogs into words, four attributed values to these commodities were adopted: usage, exchange, ownership and selection. While usage and exchange appeared as typical on primary moments of this consumer period, ownership and selection were born from the hyper-consumer era, which has expanded in the past four decades. More specifically, the object selections value was the foundation of our thoughts about the relationship between art universe and big brands. The selection value in this context represented how much emphasis the company is able to apply on its consumer, who nowadays, is capable of vary its needs and process the information that comes from the most different products and services properties. Therefore, on a consumer market in which competition is more and more fearless, we could observe some actions that can be applied in order to create uniqueness and innovation and contribute to build values along with brands and products. To that end, weve been observing some resources that go from products and environments esthetic quality investments to different actions adopted in order to gather artistic activity like concerts, celebrations and shows. As we realized that verifying those new relationships were based on explore the system that surrounds them, we could analyze the modern art system: the Consuming Regime, as the foundation, and then its conversion to the Communication Regime, a contemporaneous art system. From this moment on, we verified how the Communication Regime remains in the net circuit, which is enlarged by new communication technologies and is able to assure the dialog between brands and processed products.

Este trabalho é fruto do questionamento do uso da categoria de jovem arte contemporânea, uma categoria que demanda o novo e a novidade de uma geração de artistas. A partir da suspensão de tal categoria, procuramos adentrar o fenômeno da criação de Inês Moura, artista portuguesa residente no Brasil, considerada jovem pela idade e por margear o circuito da arte contemporânea, do qual almeja participar. Buscamos, assim, durante oito meses, ao frequentar o ateliê da artista e a criação de suas obras, indícios do que poderia ser um possível imaginário de uma geração jovem de artistas atuais que produziram trabalhos artísticos entre os anos de 2009 e 2013. A partir da pesquisa em ateliê selecionamos obras e exposições de Inês Moura que pudemos acompanhar e das quais tínhamos acesso às imagens. Desse modo, o leitor pode ter acesso às obras e exposições das quais acompanhamos o processo. As mesmas imagens foram fragmentadas em formatos fixos ao longo de cada tópico, os quais formam um percurso visual a cada página, que complementa, ilustra e, por vezes, possui sua própria narrativa junto ao texto. Esse texto tem um formado híbrido de discurso escrito e discurso de imagens que se comunicam. Forma que pretende possibilitar ao leitor uma proximidade das obras e exposições da artista Inês Moura. Por fim, é possível identificar, a partir das obras, assim como do que está em obra de uma artista e, talvez, de uma geração, que não há um projeto que busca o novo, são artistas que insistem em nada mais do que participar do circuito da arte contemporânea, o qual persiste em mantê-los na margem e sob a categoria de juventude. / This dissertation is the result of questioning the young contemporary art category, that demands the new and the innovation from an artist generation. After this category\'s suspension we intended to approach the creation phenomenon of Inês Moura, a Portuguese artist resident in Brazil who is considered young due to both her age and her marginal action towards arts circuit, in which she longs to take part. Considering this, during eight months attending weekly the artist\'s studio and her works creation, we have searched traces of what could be an imaginary of a young artists generation, artists who have produced between 2009 and 2013. After deep research in the studio, we have selected some of Inês Moura\'s works and exhibitions that we could see along those eight months and that we also had access to the images. Thus, the reader can have access to the art works and exhibitions that we have attended the process of creation. The same images were fragmented in fixed formats and posed alongside the text. Those images complement, illustrate and sometimes provide their own narrative. This dissertation has a hybrid format, written and illustrated discourse, that communicate with each other. This format intends to give the reader proximity to Inês Mouras works and exhibitions. At last, it is possible to identify, that there is no project that look for the new considering some artistic works and this artists generation. Those are artists that insist in nothing but participate in the contemporary art system and circuit, which persists to maintain them at the margin and under the youth category.

Este trabalho investiga as relações entre a exploração da terra realizada pela prática da mineração e estratégias de produção de memória a partir da proposta de um diálogo artístico na comunidade do bairro Resplendor, na cidade de Igarapé-MG. Esta região de recente urbanização destaca-se, especialmente, pelas transformações da paisagem em decorrência da proximidade com grandes empreendimentos: o centro de arte contemporânea Inhotim; a economia mineradora; a instalação de presídios (Bicas I e II) e a construção de conjuntos habitacionais populares. Partindo de uma série de intervenções nesta localidade realizada em 11 de setembro de 2016, a qual possui no objeto Lembrança de Nhô Tim seu eixo central, propus a elaboração desta publicação impressa de caráter ficcional reunindo registros audiovisuais, documentos, imagens de trabalhos artísticos e depoimentos desta experiência e seus desdobramentos ao longo deste curso de mestrado. Aspira-se ampliar as compreensões artísticas contemporâneas envoltas em práticas capazes de aglutinar aspectos envolvidos com o sistema da arte, o convívio comunitário e com a invenção de memórias. / This work studies the connections between the exploitation of land carried out by the practice of mining and strategies of memory production made from the proposal of an artistic dialogue in the community of Resplendor, in the city of Igarapé- -MG. This region of recent urbanization stands out, especially, considering the transformations of the landscape due to the presence of large enterprises: the Center of Contemporary Art Inhotim; mining economy; installation of the prisons (Bicas I and II) and the establishment of popular housing. Starting from a series of interventions in this location, realized on September 11th 2016, which has the object Souvenir of Nhô Tim as it\'s central axis, I proposed the elaboration of this printed publication which has a fictional character and gathers audiovisual records, documentation, images of art works and testimonies of this experience and its unfolding during the course of this Masters degree program. The aim is to broaden the contemporary art comprehension wrapped in practices capable of agglutinating aspects involved in art systems, community living and with the invention of memories.

Este trabalho investiga as relações entre a exploração da terra realizada pela prática da mineração e estratégias de produção de memória a partir da proposta de um diálogo artístico na comunidade do bairro Resplendor, na cidade de Igarapé-MG. Esta região de recente urbanização destaca-se, especialmente, pelas transformações da paisagem em decorrência da proximidade com grandes empreendimentos: o centro de arte contemporânea Inhotim; a economia mineradora; a instalação de presídios (Bicas I e II) e a construção de conjuntos habitacionais populares. Partindo de uma série de intervenções nesta localidade realizada em 11 de setembro de 2016, a qual possui no objeto Lembrança de Nhô Tim seu eixo central, propus a elaboração desta publicação impressa de caráter ficcional reunindo registros audiovisuais, documentos, imagens de trabalhos artísticos e depoimentos desta experiência e seus desdobramentos ao longo deste curso de mestrado. Aspira-se ampliar as compreensões artísticas contemporâneas envoltas em práticas capazes de aglutinar aspectos envolvidos com o sistema da arte, o convívio comunitário e com a invenção de memórias. / This work studies the connections between the exploitation of land carried out by the practice of mining and strategies of memory production made from the proposal of an artistic dialogue in the community of Resplendor, in the city of Igarapé- -MG. This region of recent urbanization stands out, especially, considering the transformations of the landscape due to the presence of large enterprises: the Center of Contemporary Art Inhotim; mining economy; installation of the prisons (Bicas I and II) and the establishment of popular housing. Starting from a series of interventions in this location, realized on September 11th 2016, which has the object Souvenir of Nhô Tim as it\'s central axis, I proposed the elaboration of this printed publication which has a fictional character and gathers audiovisual records, documentation, images of art works and testimonies of this experience and its unfolding during the course of this Masters degree program. The aim is to broaden the contemporary art comprehension wrapped in practices capable of agglutinating aspects involved in art systems, community living and with the invention of memories.

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Esta tese pretende discutir a história da modernidade como a história do abandono do corpo. A era moderna é a era da mimesis e, como tal, faz da interpretação um componente necessário do horizonte histórico imposto por ela mesma. A interpretação veio para ficar: mas as sucessivas tentativas de apropriação do mundo pelos conceitos anestesiaram os sentidos do homem moderno. Os excessos hermenêuticos contribuíram para um empobrecimento da experiência da arte. A pós-modernidade se abre, para nós, como um novo horizonte histórico, e oferta-se como oportunidade para recuperarmos aquilo que perdemos: o nosso corpo, os nossos próprios sentidos. / This thesis aims at discussing the history of modernity as the history of the abnegation of the body. The modern era is the era of mimesis and, as such, it makes of interpretation a necessary component of the historic horizon imposed through modernity itself. Interpretation is here to stay: but the successive attempts of world appropriation by concepts anesthetized the senses of the modern man. The hermeneutic excesses contributed to an impoverishment of art experience. Post-modernity opens itself for us as a new historic horizon, offering the opportunity to recover what we have lost: our body, our senses themselves.

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Esta tese pretende discutir a história da modernidade como a história do abandono do corpo. A era moderna é a era da mimesis e, como tal, faz da interpretação um componente necessário do horizonte histórico imposto por ela mesma. A interpretação veio para ficar: mas as sucessivas tentativas de apropriação do mundo pelos conceitos anestesiaram os sentidos do homem moderno. Os excessos hermenêuticos contribuíram para um empobrecimento da experiência da arte. A pós-modernidade se abre, para nós, como um novo horizonte histórico, e oferta-se como oportunidade para recuperarmos aquilo que perdemos: o nosso corpo, os nossos próprios sentidos. / This thesis aims at discussing the history of modernity as the history of the abnegation of the body. The modern era is the era of mimesis and, as such, it makes of interpretation a necessary component of the historic horizon imposed through modernity itself. Interpretation is here to stay: but the successive attempts of world appropriation by concepts anesthetized the senses of the modern man. The hermeneutic excesses contributed to an impoverishment of art experience. Post-modernity opens itself for us as a new historic horizon, offering the opportunity to recover what we have lost: our body, our senses themselves.

Este trabalho é fruto do questionamento do uso da categoria de jovem arte contemporânea, uma categoria que demanda o novo e a novidade de uma geração de artistas. A partir da suspensão de tal categoria, procuramos adentrar o fenômeno da criação de Inês Moura, artista portuguesa residente no Brasil, considerada jovem pela idade e por margear o circuito da arte contemporânea, do qual almeja participar. Buscamos, assim, durante oito meses, ao frequentar o ateliê da artista e a criação de suas obras, indícios do que poderia ser um possível imaginário de uma geração jovem de artistas atuais que produziram trabalhos artísticos entre os anos de 2009 e 2013. A partir da pesquisa em ateliê selecionamos obras e exposições de Inês Moura que pudemos acompanhar e das quais tínhamos acesso às imagens. Desse modo, o leitor pode ter acesso às obras e exposições das quais acompanhamos o processo. As mesmas imagens foram fragmentadas em formatos fixos ao longo de cada tópico, os quais formam um percurso visual a cada página, que complementa, ilustra e, por vezes, possui sua própria narrativa junto ao texto. Esse texto tem um formado híbrido de discurso escrito e discurso de imagens que se comunicam. Forma que pretende possibilitar ao leitor uma proximidade das obras e exposições da artista Inês Moura. Por fim, é possível identificar, a partir das obras, assim como do que está em obra de uma artista e, talvez, de uma geração, que não há um projeto que busca o novo, são artistas que insistem em nada mais do que participar do circuito da arte contemporânea, o qual persiste em mantê-los na margem e sob a categoria de juventude. / This dissertation is the result of questioning the young contemporary art category, that demands the new and the innovation from an artist generation. After this category\'s suspension we intended to approach the creation phenomenon of Inês Moura, a Portuguese artist resident in Brazil who is considered young due to both her age and her marginal action towards arts circuit, in which she longs to take part. Considering this, during eight months attending weekly the artist\'s studio and her works creation, we have searched traces of what could be an imaginary of a young artists generation, artists who have produced between 2009 and 2013. After deep research in the studio, we have selected some of Inês Moura\'s works and exhibitions that we could see along those eight months and that we also had access to the images. Thus, the reader can have access to the art works and exhibitions that we have attended the process of creation. The same images were fragmented in fixed formats and posed alongside the text. Those images complement, illustrate and sometimes provide their own narrative. This dissertation has a hybrid format, written and illustrated discourse, that communicate with each other. This format intends to give the reader proximity to Inês Mouras works and exhibitions. At last, it is possible to identify, that there is no project that look for the new considering some artistic works and this artists generation. Those are artists that insist in nothing but participate in the contemporary art system and circuit, which persists to maintain them at the margin and under the youth category.

A investigação deste Trabalho consiste em um estudo sobre o diálogo entre o design e a arte na sociedade de consumo contemporânea, denominada como hiperconsumidora. Neste contexto, o produto industrializado tece um diálogo com a atividade artística por meio de associações, cada vez mais comuns, entre o universo da arte e grandes marcas e corporações. Procuramos introduzir este assunto por meio de um percurso histórico do período moderno até o contemporâneo, destacando os momentos mais relevantes em que o diálogo entre design e arte contribuiu para o desenvolvimento dos produtos industrializados. Com o intuito de contextualizar este diálogo em fases, tomamos quatro valores atribuídos às mercadorias: uso, troca, posse e seleção. Enquanto os valores de uso e troca se apresentaram como característicos dos primeiros momentos da civilização de consumo, o surgimento dos valores de posse e seleção são reflexos do hipercosumo, que se desenvolveu no decorrer das últimas quatro décadas. Em específico, o valor de seleção dos objetos nos serviu como fundamento para nossas considerações sobre as relações entre o universo da arte e as grandes marcas. Nesse contexto, o valor de seleção representou a ênfase da indústria no consumidor que, na contemporaneidade, é capaz de articular as informações que lhe vêm das características dos mais diversos produtos e serviços em acordo com suas necessidades e desejos. Assim, num mercado consumidor cujo acirramento da concorrência é cada vez maior, verificamos o emprego de ações que criem diferenciais que sejam únicos e inovadores e que contribuam na construção de valores junto às marcas e produtos. Para tanto, notamos a utilização de alguns recursos, que vão desde o investimento na qualidade estética dos produtos e ambientes, até o emprego de ações envolvendo festivais, intervenções e exposições de arte. Ao considerarmos que verificar estas novas relações consistia em explorar o sistema que as envolve, analisamos o sistema de arte moderna: o Regime de Consumo, como fundamento e, em seguida, a sua transposição para o Regime de Comunicação, o sistema de arte contemporânea. Desta feita, verificamos como o Regime de Comunicação se sustenta no circuito em rede, que é ampliado pelas novas tecnologias da comunicação e é capaz de assegurar o diálogo com as marcas e produtos industrializados. / This works investigation is based on a study that covers the dialog between design and art on the contemporaneous consumer society, known as hyper-consumer. Within this theory, processed products compose a dialog with artistic activity that goes through associations, more usual by the second, among art universe and big brands and companies. We tried to introduce this issue showing the historical path from modern to contemporary periods, highlighting the most relevant moments in which the dialog between design and art contributed to processed products development. In order to bring these dialogs into words, four attributed values to these commodities were adopted: usage, exchange, ownership and selection. While usage and exchange appeared as typical on primary moments of this consumer period, ownership and selection were born from the hyper-consumer era, which has expanded in the past four decades. More specifically, the object selections value was the foundation of our thoughts about the relationship between art universe and big brands. The selection value in this context represented how much emphasis the company is able to apply on its consumer, who nowadays, is capable of vary its needs and process the information that comes from the most different products and services properties. Therefore, on a consumer market in which competition is more and more fearless, we could observe some actions that can be applied in order to create uniqueness and innovation and contribute to build values along with brands and products. To that end, weve been observing some resources that go from products and environments esthetic quality investments to different actions adopted in order to gather artistic activity like concerts, celebrations and shows. As we realized that verifying those new relationships were based on explore the system that surrounds them, we could analyze the modern art system: the Consuming Regime, as the foundation, and then its conversion to the Communication Regime, a contemporaneous art system. From this moment on, we verified how the Communication Regime remains in the net circuit, which is enlarged by new communication technologies and is able to assure the dialog between brands and processed products.

[ES] Esta tesis doctoral consiste en un análisis crítico de las políticas culturales en el contexto español de la crisis económica (2007-2017), así como de la autogestión en arte desde su propia etimología, y el desempeño de las asociaciones profesionales de artistas visuales a nivel estatal. Para ilustrar estas reflexiones sobre aspectos de la política, la economía y la sociedad se van analizando en paralelo algunas respuestas que los artistas contemporáneos han dado a través de sus propias obras, tanto ante la situación de precariedad del sistema del arte español como ante los diversos aspectos económicos que dan cuenta del valor intrínseco de nuestras sociedades, que el arte aprecia como un valor dentro del orden global de la economía. Frente al sistema capitalista que sólo patrimonializa el valor monetario de los objetos, los artistas a través de estos ejemplos plantean reflexiones en torno al valor informal y simbólico, rara vez contabilizado en nuestro sistema económico occidental. Así, la crítica institucional, desde su propia lógica operativa, se convierte en uno de los temas centrales a analizar, ya que aporta una manera de hacer propia de la crítica desde la producción artística hacia el propio sistema del arte como aquel lugar en el se materializa de manera más visible la desregulación del sistema económico capitalista y sus consecuencias sobre las otras economías. A partir de aquí, se profundiza acerca de la figura del comisario de exposiciones y su versión desmaterializada presente como prácticas curatoriales, cuya intención pedagógica rebasa los límites del museo y se transforma desde un enfoque poscolonial y feminista en metodologías más cercanas a la educación. Finalmente, se realiza un breve análisis de los orígenes de esta vinculación entre el arte y lo social que estudiamos a través de la historia del arte reciente, y tratamos de ver cómo se ha trasladado al momento presente mediante un estudio de casos situados principalmente en dos contextos locales (Bilbao y Valencia) que repiensan las prácticas artísticas desde la participación para hacernos conscientes de sus virtudes y riesgos sobre el tejido social y económico; y sobre el propio sis-tema del arte. / [CAT] Esta tesi doctoral consistix en una anàlisi crítica de les polítiques culturals en el context espanyol de la crisi econòmica (2007-2017), així com de l'autogestió en art des de la seua pròpia etimologia, i l'exercici de les associacions professionals d'artistes visuals a nivell estatal. Per a il·lustrar estes reflexions sobre aspectes de la política, l'economia i la societat es van analitzant en parallel algunes respostes que els artistes contemporanis han donat a través de les seues pròpies obres, tant davant de la situació de precarietat del sistema de l'art espanyol com davant dels diversos aspectes econòmics que donen compte del valor intrínsec de les nostres societats, que l'art aprecia com un valor dins de l'orde global de l'economia. Enfront del sistema capitalista que només patrimonialitza el valor monetari dels objectes, els artistes mitjançant estos exemples plantegen reflexions entorn del valor informal i simbòlic, rares vegades comptabilitzat en el nostre sistema econòmic occidental. Així, la crítica institucional, des de la seua pròpia lògica operativa, es convertix en un dels temes centrals a analitzar, ja que aporta una manera de fer pròpia de la crítica des de la producció artística cap al propi sistema de l'art com aquell lloc en el es materialitza de manera més visible la desregulació del sistema econòmic capitalista i les seues conseqüències sobre les altres economies. A partir d'ací, s'aprofundix a prop de la figura del comissari d'exposicions i la seua versió desmaterialitzada present com a pràctiques curatoriales, la intenció pedagògica de la qual sobrepassa els límits del museu i es transforma des d'un enfocament postcolonial i feminista en metodologies més pròximes a l'educació. Finalment, es realitza una breu anàlisi dels orígens d'esta vinculació entre l'art i com estudiem de social a través de la història de l'art recent, i tractem de veure com s'ha traslladat al moment present per mitjà d'un estudi de casos situats principalment en dos contextos locals (Bilbao i València) que repensen les pràctiques artístiques des de la participació per a fer-nos conscients de les seues virtuts i riscos sobre el teixit social i econòmic; i sobre el propi sistema de l'art. / [EN] This doctoral thesis consists of a critical analysis of cultural policies in the Spanish context of the economic crisis (2007-2017), as well as self-management in art from its own etymology, and the performance of professional associations of visual artists at the State level To illustrate these reflections on aspects of politics, economy and society, several responses that contemporary artists have given through their own works are analyzed in parallel; both the situation of precariousness of the Spanish art system as well as with the various economic aspects that account for the intrinsic value of our societies, that art appreciates as a value within the global order of the economy. In contrast to the capitalist system that only patrimonializes the monetary value of objects, artists through these examples raise reflections on informal and symbolic value, rarely accounted for in our western economic system. Thus, institutional critique, from its own operational logic, becomes one of the central issues to be analyzed, since it provides a way of making the criticism of artistic production towards the art system itself as that place in which the de-regulation of the capitalist economic system and its consequences on the other economies materialize in a more visible way From here, it is deepened about the figure of the curator of exhibitions and its de-materialized version of today's curatorial practices, whose pedagogical intention overtakes the limits of the museum and is transformed from its postcolonial and feminist approach into educational methodologies. Finally, a brief analysis of the origins of this link between art and the social that we study through the history of recent art is performed, and we try to see how it moved to the present moment through a study of cases located mainly in two local contexts (Bilbao and Valencia) that rethink the artistic practices from participation in order to make us aware of their strengths and risks on the social and economic fabric. / Echevarria Madinabeitia, I. (2019). De la crítica institucional a las instituciones críticas Políticas culturales y autogestión en arte en el contexto español, 2007-2017 [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/122314 / TESIS

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No. of bitstreams: 2 Tese - Aguinaldo Caiado de Castro Aquino Coelho - 2015.pdf: 2390971 bytes, checksum: 95369ddecaf680182c88841faefb15f7 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2015-04-27 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / This research aims to analyse and reflect on the Competitive Art Fair Event, System of the Art and the editions of the Annual Visual Art Contests that were held in the 1970’s decade by the bank Caixa Econômica do Estado de Goiás – that became known by Caixego Competitives Art Fairs. Five editions were held. The first one in regional or state terms, conceived in January and launched in July, 1973 , and the other four ones had a national character, from 1974 to 1977. The artistic collection resulting from the awarded works was the main former of the Contemporaneous Art Museum of Goiás, situated in Goiânia. A bibliographic and documental research was done in Caixego and museums files, local newspapers, microfilm images and open interviews with managers, organizers and artists who participated in the aforementioned Art Fairs and also professionals who work in current Art Fairs. The analysis of the characteristics of Caixego Competitives Art Fairs in comparison to the National Art Fairs, from that time and present ones, together with the concepts and evolution of the Competitive Art Fair Event and of the System of the Art, in national terms, but mainly in the State of Goiás in the 1970’s decade, with their elements and actors, constitute the objectives of this thesis. It also intends to investigate the Competitive Art Fairs capacity to gather collections for the Public Museums and the way in which they configure a strategic action of public Policy for identity construction and cultural projection of the State. The original purpose of Caixego Competitives Art fairs , as explained by the directors of the bank and by the then State Governor, was to form an art work Collection made by artists not only from Goiás but also national ones, some already well-known and others still new , and to promote nationally the Art made in Goiás. The Caixego Competitives Art Fairs had an effective participation of the artists from Goiás and also from a number of Brazilian States, nationwide wellknown invited artists, selected by active critics, who were jurors of São Paulo Bienal ( Biennial) and of the major National Competitives Art Fairs. / Esta investigación tiene por objetivo analizar y reflexionar sobre el evento Salón de Arte, sobre el Sistema del Arte y las ediciones de los Concursos Anuales de Artes Plásticas realizados en la década de 1970 por el banco Caixa Econômica do Estado de Goiás – Caixego, conocidos como Salones de Caixego.. Se realizaron 05 ediciones. La primera de ellas ocurrió en carácter estadual o regional, creado en enero y lanzado en julio de 1973, y las demás nacionales, de 1974 a 1977. El fondo artístico proveniente de los trabajos premiados fue el principal formador del Museo de Arte Contemporánea de Goiás, localizado en Goiânia. Para la preparación de esta tesis se llevó a cabo la investigación bibliográfica y documental en los archivos de la institución Caixego, de museo y periódicos, micro-filme imágenes y entrevistas abiertas con los directores, organizadores y participantes de estos salones y también com profesionales que trabajan en salones recientes. El análisis de las características de los Salones de Caixego en comparación a los Salones Nacionales, de la época y los actuales, juntamente con los conceptos y evolución del evento Salón de Arte y del Sistema de Arte, nacional y sobre todo del estado de Goiás en la década de 1970, con sus elementos o actores, constituyen los objetivos de esta tesis. Pretende aún investigar la capacidad de los salones de arte de formar fondos para los museos públicos y la forma cómo configuran una acción estratégica de política pública para la construcción de identidad y proyección cultural nacional del Estado. El propósito original de los Salones de Caixego, conforme a lo explicado por los dirigentes del Banco y por el gobernador del Estado en la época, era formar una colección de obras de arte de los artistas del Estado y de Brasil, consagrados y jóvenes y divulgar nacionalmente el arte hecha en Goiás. Los Salones de Caixego tuvieron una efectiva participación de los artistas de Goiás y también de varios estados, artistas convidados de renombre nacional, seleccionados por críticos actuantes, que eran jurados de la Bienal de São Paulo y de los mayores Salones Nacionales. / Esta pesquisa tem por objeto analisar e refletir sobre o evento Salão de Arte, sobre Sistema da Arte e as edições dos Concursos Anuais de Artes Plásticas realizadas na década de 1970 pelo banco Caixa Econômica do Estado de Goiás – Caixego, que ficaram conhecidos como Salões da Caixego. Foram realizadas 05 edições. A primeira delas ocorreu em caráter estadual ou regional, criado em janeiro e lançado em julho de 1973, e as demais nacionais, em 1974 a 1977. O acervo artístico decorrente dos trabalhos premiados foi o principal formador do Museu de Arte Contemporânea de Goiás, localizado em Goiânia. Para a elaboração desta tese foi realizada pesquisa bibliográfica e pesquisa documental em arquivos da instituição Caixego, museus e jornais da cidade, imagens de microfilme, além de entrevistas abertas com gestores, organizadores e artistas participantes dos referidos salões e também com profissionais que atuaram nos salões recentes. A análise das características dos Salões da Caixego em comparação com os Salões Nacionais, da época e os atuais, juntamente com os conceitos e evolução do evento Salão de Arte e do Sistema da Arte, nacional e principalmente do estado de Goiás na década de 1970, com seus elementos ou atores, constituem os objetivos desta tese. Pretendeu ainda investigar a capacidade dos salões de arte de formar acervo para os museus públicos e o modo como configuram uma ação estratégica de política pública para construção de identidade e projeção cultural nacional do Estado. O propósito original dos Salões da Caixego, conforme explicado pelos dirigentes do Banco e pelo então governador do Estado era formar uma coleção de obras de arte não só dos artistas locais, mas também do Brasil, alguns já consagrados e outros ainda novos e divulgar nacionalmenteessa produção. Os Salões da Caixego tiveram efetiva participação dos artistas de Goiás e também de vários estados, artistas convidados de renome nacional, selecionados por críticos atuantes, que eram jurados da Bienal de São Paulo e dos maiores Salões Nacionais.