O presente estudo analisa os procedimentos formais do jornal vivo, forma teatral fundamentada na encenação de notícias, conforme o gênero configurou-se nos Estados Unidos e no Brasil. Para tanto, define como objeto, do lado estadunidense, o jornal vivo Injuction Granted (Liminar é Concedida), produzido no âmbito do Federal Theatre Project (Projeto Federal de Teatro), iniciativa do Governo de Franklin Roosevelt para lidar com o desemprego provocado pela Grande Depressão, na década de 1930. Do lado brasileiro, faz-se uma leitura de Teatro Jornal: Primeira Edição, exposição didática de nove técnicas de encenação desenvolvidas por jovens artistas reunidos no Teatro de Arena de São Paulo e sistematizadas pelo teatrólogo Augusto Boal. O trabalho é introduzido por uma breve história da forma do jornal vivo, consolidada no período da Revolução Soviética, que procura apresentar suas principais manifestações e alguns dos caminhos que percorreu, principalmente nas décadas de 1920 e 1930. Demonstra-se que o jornal vivo sempre foi uma forma teatral ancorada na luta dos trabalhadores, sendo uma vertente central da arte de agitação e propaganda. A análise de suas manifestações nos Estados Unidos e no Brasil, dessa maneira, leva em conta o momento histórico dos países quando da produção das referidas peças, tentando relacionar conformação estética e horizonte político continuamente. O materialismo histórico ampara tal reflexão e, mais especificamente, sua aplicação ao pensamento sobre teatro, consubstanciada na teoria do teatro épico, desenvolvida por pensadores como Bertolt Brecht, Peter Szondi e Anatol Rosenfeld. / This is a study of the formal procedures of the living newspapers a theatrical form based on the theatricalization of news according to their configuration in the United States of America and in Brazil. Therefore, the work defines as an object in the American side the living newspaper Injunction Granted, a play staged under the Federal Theatre Project, which was one of Franklin Roosevelts programs to deal with unemployment during the Great Depression in the 1930s. In the Brazilian side, the focus is on Teatro Jornal: Primeira Edição (Theatre Newspaper: First Edition), a didactic exposition of nine staging techniques developed by young artists which had joined Teatro de Arena de São Paulo, as systematized by director Augusto Boal. This study begins with a short history of the form of the living newspaper which was cemented during the Soviet Revolution that tries to present its main ways of actualization and some of the paths taken by this genre, chiefly in the 1920s and 1930s. The work demonstrates that the living newspapers were always anchored on the workers struggle and are a central strand of the art of agitation and propaganda. Thus the examination of the American and Brazilian manifestations of the genre takes into account the historical conjuncture of both countries at the time the plays were produced, trying to continuously relate aesthetic conformation and political horizon. Historical materialism supports that reflection more specifically its application on the ideas about theater which were consubstantiated in the theory of the epic theater, developed by thinkers as Bertolt Brecht, Peter Szondi and Anatol Rosenfeld.

Esta investigación aborda cómo se manifiesta la vulnerabilidad del performer en el proceso creativo de una obra testimonial y cómo el performer se enfrenta a ello. Así, la pregunta que se formula es la siguiente: ¿Qué rol cumple la vulnerabilidad en un proceso de creación de teatro testimonial desde el punto de vista del performer? Situándonos en la vivencia del performer, esta investigación propone un acercamiento a su vulnerabilidad escénica, entendiéndola como un estado de desprotección y afectación emocional ante otro (otro performer, el director y el público) en el marco de un proceso artístico que ofrece condiciones para trabajar con ella a favor de la creación. Esta investigación se aborda desde la metodología Investigación en las Artes Escénicas con una aproximación práctico-reflexiva y, por su naturaleza, necesita dialogar con un hecho escénico. Es por tal razón que la investigación tiene como marco el proceso creativo del montaje testimonial “Caminando sobre Arena”, proyecto que se generó especialmente para la presente investigación. Esta obra habla sobre las dificultades de seguir los sueños a través de la historia de seis jóvenes estudiantes de artes escénicas. Así también, los hallazgos del proceso vivencial de los performers de este proyecto se contrastan con tres montajes testimoniales profesionales; Criadero de Mariana de Althaus, El día en que cargué a mi madre de Paloma Carpio y Cuando seamos Libres de Carolina Silva Santisteban. Para la investigación se ha recurrido a distintos métodos de documentación, como grabaciones en audio y en video de los ensayos, bitácoras personales y entrevistas a profundidad a los performers, con la finalidad de recabar información de primera mano sobre el performer como generador de sentido en una puesta testimonial. Por último, esta investigación concluye que la vulnerabilidad escénica es un elemento transversal en el proceso creativo del performer. / Tesis

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-08-17T16:26:12Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Disertacao_BubuiologiaEsteticaTeatral.pdf: 3219484 bytes, checksum: 2c42335a1864b541aa52d549f964f79a (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-08-17T16:29:16Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Disertacao_BubuiologiaEsteticaTeatral.pdf: 3219484 bytes, checksum: 2c42335a1864b541aa52d549f964f79a (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-17T16:29:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Disertacao_BubuiologiaEsteticaTeatral.pdf: 3219484 bytes, checksum: 2c42335a1864b541aa52d549f964f79a (MD5) Previous issue date: 2018-06-29 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho tem como objetivo principal a análise do processo de pesquisa que gerou o espetáculo “Ó”, baseado no texto dramatúrgico Oxigênio (Кислород), de Ivan Vyrypaev (1974 -), e no filme homônimo. Durante o processo, o conceito amazônida de dibubuísmo, cunhado por João de Jesus Paes Loureiro, é expandido, modificado e utilizado como metodologia teatral e pilar estético, permeando decisões dramatúrgicas, trajetos de atuação, escolhas sonoplásticas, decisões de iluminação e todo o tônus da direção cênica. Atravessadas por tal dibubuísmo, rotinas de ensaios, desafios de produção, estratégias de encenação e opções estéticas são descritas e expostas como ferramentas para entender, não apenas a obra russa, mas como o próprio conceito de dibubuísmo poderia vir a ser explorado para além da cena, como metodologia de pesquisa acadêmica. Ambiciona-se aqui entender suas qualidades, respeitando todas as especificidades inerentes à bubuia, suas virtudes e seus defeitos, procurando imaginar situações onde um artista-pesquisador seria melhor servido por uma abordagem dibubuísta. / This work has, as its main goal, the analysis of the research process that generated the play “Ó”, based on the drama Oxygen (Кислород), from Ivan Vyrypaev (1974 -) and on the homonymous film. Through the process, the Amazonian concept of dibubuism, crafted by João de Jesus Paes Loureiro, is expanded, modified and used as theatre methodology and aesthetical pillar, permeating dramaturgical decisions, acting routes, soundtrack choices, stage lighting decisions and all the tonus of the play’s directing. Crossed by such dibubuism, rehearsals routines, production challenges, staging strategies and aesthetical options are described and exposed as tools for the understanding, not only of the Russian drama, but also as how the concept of dibubuism could be used beyond the scene, as an academical research methodology. It is ambitioned that its qualities might be understood, respecting all the specificities inherent to the bubuia, considering its virtues as well as its flaws, trying to imagine a situation where the researcher-artist could be better served by a dibubuist approach.

Dissertação de Mestrado apresentada ao Programa de Pós-Graduação Stricto Sensu Mestrado Interdisciplinar em Estudos Latino-Americanos da Universidade Federal de Integração Latino-Americana (UNILA), como requisito parcial à obtenção do título de Mestre em Estudos Latino-americanos. Orientador: Prof. Dr. Marcelo Marinho. Coorientador: Prof. Dr. Fernando Mesquita de Faria. / Submitted by Ricardo Rezende (ricardo.rezende@unila.edu.br) on 2016-06-20T18:35:14Z No. of bitstreams: 1 Cenas do teatro de resistência na América Latina Gota D'Água ....pdf: 1696829 bytes, checksum: c9f6692a9511a84a92e5fdd1de898713 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-20T18:36:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cenas do teatro de resistência na América Latina Gota D'Água ....pdf: 1696829 bytes, checksum: c9f6692a9511a84a92e5fdd1de898713 (MD5) Previous issue date: 2015 / Entre los años de 1960 y 1980, las Dictaduras Militares implantadas en la América Latina suprimirán las libertades individuales y establecieran un régimen de excepción que mucho afectó la producción cultural en el continente. En contrapartida, en el teatro y en la literatura, varios fueron los autores y grupos teatrales que se dedicaran a escribir y llevar a las calles y escenarios ideales y cuestionamientos banidos de los medios de comunicación de masa, de la educación escolar y universitaria. La presente pesquisa es una análisis de los textos dramáticos Gota d’ água (Brasil, 1975, Chico Buarque de Hollanda y Paulo Pontes) y Lo crudo, lo cocido, lo podrido (Chile, 1978, de Marco Antonio de la Parra), y de las condiciones contextuales de producción, ambos escribidos y escenificados durante el periodo dictatorial en Brasil (1964-1985) y en Chile (1973-1990). La pesquisa es de carácter bibliográfico, cualitativa y comparatista. Tiene como uno de sus principales objetivos comprender el proceso de creación literaria de Chico Buarque, Paulo Pontes y Marco Antonio de la Parra, en la condición de intelectuales latino-americanos comprometidos. Por lo tanto, intenta identificar las motivaciones históricas, estéticas e ideológicas que orientaran la producción y la fortuna de las piezas en análisis. / Entre os anos de 1960 e 1980, as ditaduras militares implantadas na América Latina suprimiram as liberdades individuais e instauraram um regime de exceção que muito afetou a produção cultural no continente. Em contrapartida, no teatro e na literatura, vários foram os autores e grupos teatrais que se dedicaram a escrever e levar às ruas e palcos ideias e questionamentos banidos dos meios de comunicação de massa, na educação escolar e universitária. A presente pesquisa é uma análise dos textos dramáticos Gota d’ água (Brasil, 1975, Chico Buarque de Hollanda e Paulo Pontes) e Lo crudo, lo cocido, lo podrido (Chile, 1978, de Marco Antonio de la Parra), e das condições contextuais de produção, ambos escritos e encenados durante o período ditatorial no Brasil (1964-1985) e no Chile (1973-1990). A pesquisa é de caráter bibliográfico, qualitativa e comparatista. Tem como um de seus principais objetivos compreender o processo de criação literária de Chico Buarque, Paulo Pontes e Marco Antonio de la Parra, na condição de intelectuais latino-americanos engajados. Portanto, busca-se identificar as motivações históricas, estéticas e ideológicas que orientaram a produção e a fortuna das peças em análise.

Orientador: Wilma Patrícia Marzari Dinardo Maas / Banca: Maria Celeste Consolin Dezotti / Banca: Renata Soares Junqueira / Banca: Jorge Mattos Brito de Almeida / Banca: Marcus Vinicius Mazzari / Resumo: Ao lermos as peças brechtianas, deparamo-nos com algumas, denominadas pelo dramaturgo, parábolas, seja no título das mesmas, como A alma boa de Setsuan - parábola e A resistível ascensão de Arturo Ui - parábola, seja no corpo do texto, como é o caso de Os cabeças redondas e os cabeças pontudas, Quanto custa o ferro? e O preceptor, nas quais essa denominação aparece no prólogo ou no epílogo. Procuramos então pela especificidade do gênero que nasce no contexto do Novo Testamento e constatamos tratar-se de uma metanarrativa, de uma narrativa encaixada em um texto maior com o qual mantém uma relação exemplar, de reafirmação do discurso enunciado, prova da verdade da sua Palavra/Parábola. A parábola funciona, então, como demonstração desta verdade. Por assim configurar-se, revela-se como um poderoso instrumento didático e doutrinário; ela não só veicula idéias a serem incorporadas pelo receptor, mas também, por estar dotada de estratégias persuasivas e dissuasivas, induz o interlocutor a uma mudança de estado, a uma conversão. A história na parábola fala do homem presente, coloca-o em perspectiva, porém travestindo-o e ao seu contexto por meio da alegoria. E à decifração desse artifício conduzem vários elementos construídos em torno da narrativa. Colocada, então, a questão ideológica do gênero, investigamos como, na forma parábola teatral, estão tensionados os pressupostos brechtianos, cuja base se funda em uma visão dialética do mundo. Nossa preocupação aqui, então, é discutir a coerência desses pressupostos em sua práxis; analisando em cada uma dessas peças indicadas a dinâmica instaurada na confluência dos gêneros - parábola e teatro épico. / Abstract: When we read the Brecht's plays we fall across some entitled by the dramatist, parables, either in its title, as Der gute Mensch von Setzuan - parable and Der aufhatsame Aufsteig des Arturo Ui - parable, or in its body text as in Die Rundkoepfe und die Spitzkoepfe, Was kosted das eisen? and Der Hofmeister, in which this denomination appears in the prologue or in the epilogue. In this case we looked for the specificity of the gender which is born in the context of the New Testament and we verified it is a metanarrative, a narrative embedded in a bigger text with which it maintains an exemplar relation of restatement of the discourse enunciated, which proves the truth of this Word/Parable. The parable works then as a demonstration of this truth. Thus it takes shape, reveals itself, as a powerful didactical and doctrinaire document, it not only transmits ideas to be incorporated by the receptor but also, as it is endowed of persuasive and dissuasive strategies, it leads the interlocutor to a state change, a conversion. The story in the parable tells about the present man, puts him in perspective but disguising him and his context by the allegory. And to the deciphering of this artifice conduct the various elements built around the narrative. Placed then the ideological question of gender, we investigated how, in theatrical parable pattern, are involved the Becht's presuppositions which base establishes itself in a dialectical vision of the world. Our concern here then is to discuss the coherence of these presupposed in its praxis, analyzing in each of these indicated plays the dynamical instituted in the confluence of the genders - parable and epic theater. / Doutor

Esta Tese apresenta uma retrospectiva dos 40 anos de trajetória da companhia teatral chilena Teatro Imagen (CTI). O principal objetivo da pesquisa é a reconstrução histórica dos processos criativos da CTI, considerando questões relativas aos contextos políticos, econômicos, sociais e culturais envolvidos em sua produção artística. Para tanto, analisaremos os \"documentos de processo\", que se constituem como registros dos processos criativos: as matérias publicadas em jornais e revistas e os depoimentos de diversas pessoas envolvidas na CTI ao longo de sua trajetória. A pesquisa abrange desde o período da fundação do CTI, em 1974, até o ano 2014, incluindo as principais alterações estéticas ocorridas nesse período, até a conformação de uma proposta artística própria do grupo, que, posteriormente, possibilitou a fundação da \"Escola de Teatro Imagen\". Nossa hipótese é que a sustentação da CTI e a consolidação de sua metodologia criativa ocorreram devido à capacidade de articulação de seus criadores e produtores através das redes sociais, e as habilidades que eles tiveram em se adaptar aos diversos contextos sociais vigentes. Essa metodologia de criação, desenvolvida com base na relação travada com os espectadores ao longo dos anos, se dá em período de grande convulsão política, em consequência da ditadura militar que aconteceu no Chile e em toda a América do Sul, inclusive no Brasil. / Esta Tesis presenta una retrospectiva de los 40 años de trayectoria de la compañía teatral chilena \"Teatro Imagen\" (CTI). El principal objetivo de esta investigación es reconstruir historiográficamente los procesos creativos de la CTI, considerando cuestiones relativas a los contextos; políticos, económico, sociales y culturales que envuelven su producción artística. Para esto, analizamos los \"documentos de proceso\" que son los registros de los procesos creativos, los materiales publicados en revistas y periódicos y las entrevistas realizadas a las personas que hicieron parte de la CTI a lo largo de su trayectoria. La investigación comprende desde el periodo de fundación de la CTI, en 1974, hasta el año 2014, incluyendo las diversas modificaciones estéticas y estilísticas que se fueron consolidando hasta la conformación de una propuesta poética propia. Lo que posteriormente permitió la fundación de la \"Escuela-Teatro-Imagen\". Nuestra hipótesis es que la sustentación de la CTI y la consolidación de su metodología creativa, acontecieron concomitantemente con la capacidad de articulación de sus creadores y productores a través de redes sociales y de las habilidades que ellos tuvieron en adaptarse a los diversos contextos sociales vigentes, manteniendo una visión crítica. Esa metodología de creación, desarrollada con base en la relación reciproca con los propios espectadores aconteció en un período de gran convulsión política, económica, social y cultural, como consecuencia de la dictadura militar que vivió Chile y casi toda Latinoamérica, incluyendo Brasil.

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O presente estudo tem por objecto o trabalho da romancista Nathalie Sarraute, tentando situar o seu percurso face às mutações da arte literária na segunda metade do século XX, focando-se depois o seu texto dramático. Sendo a autora próxima das ideias preconizadas pelo Nouveau Roman, conforme a crítica já apontou, procurou-se dar conta da forma através da qual respondeu aos desafios de uma época bastante politizada no domínio literário, nomeadamente com o roman engagé, visando clarificar a sua relação com o público, quer no que toca ao «pacto» estabelecido entre a autora e os seus leitores, quer no que toca aos ensaios que escreveu para explicitar as suas opções literárias. Assim, realça-se o afastamento da sua obra em relação ao cânone literário da tradição, no que respeita ao abandono da intriga e da caracterização da personagem, tendo em vista compreender a matéria explorada insistentemente ao longo de toda a sua obra romanesca e dramatúrgica: o tropismo, referenciando os recursos estílisticos de que a autora se socorreu para o explicitar (a metáfora, as reticências, a multinomeação, etc.). Especificamente no teatro, faz-se referência às duas principais correntes que nortearam as opções teatrais do pós-guerra (o teatro metafísico e o teatro épico) no sentido de encontrar pontos de convergência e divergência entre a obra de Sarraute e estas correntes. Para tal, convocam-se as reflexões de filósofos e homens de teatro a fim de equacionar as distinções entre teatro e literatura, e em particular a questão do estatuto do teatro radiofónico. Por fim, aborda-se a peça Pour un oui ou pour un non, exemplificativa do texto dramático de Sarraute, através das diferentes formas de abordagem cénica já experimentadas.

A propósito de la adquisición de una copia mecanografiada del texto que le sirvió para realizar la edición crítica de La muerte de Atahualpa, drama quechua de Autor Anónimo (1987), Meneses relata una curiosa odisea que no deja de tener interés por lo menos para comprender los avatares de la crítica filológica, cuyos afanes se orientaban a encontrar “códices” venerables que pudieran confirmar la existencia y la antigüedad del teatro quechua. En efecto, nos informa que el texto de su edición corresponde a una copia mecanografiada que le fuera proporcionada por el Sr. Juvenal Romero, quien habría hecho sacar una copia de este texto en 1943 de una copia manuscrita hecha por Pedro Almendras, quien a su vez lo habría trascrito de un “libro antiguo” que su papá, el Sr. Aurelio Almendras, se había prestado de un señor llamado Manuel Chávez, residente del pueblo de Tauca con miras a hacer una cierta representación en Lima el año de 1932, representación que finalmente no se habría llevado a cabo. Constataba Meneses que al momento de emprender la edición crítica, ni el libro de Manuel Chávez ni la copia manuscrita de Pedro Almendras –bautizado como “Códice de Almendras”– estaban al alcance del público ni de la crítica. La muerte del señor Juvenal Romero habría segado la posibilidad de acceder al manuscrito original. Con la esperanza que algún otro estudioso pudiera persistir en su búsqueda, nuestro crítico se acomedía a dejar el siguiente dato: “tal vez un señor Crivillero del negocio de transportes, común amigo del señor Romero y del Sr. Almendras, y comprovinciano del último pudiera conservar datos acerca de estas copias” (6).6 Por otro lado, enunciando como objetivo final y último de su crucero investigativo remontarse hasta el autor mismo del “ológrafo primigenio”, introduce sin más el concepto del “definitivo retocador colonial”. Al respecto, dice: 6 Esta y las siguetes citas corresponde a la edición crítica de Meneses de La muerte de Atahualpa, drama quechua de Autor Anónimo” (Lima: Universidad nacional Mayor de San Marcos, 1987). [N]o conocemos el destino del ológrafo del autor o del definitivo retocador colonial; sólo una copia de ésta es el que aparece en posesión de un señor Manuel Chávez de Tauca hacia comienzos del presente siglo XX. Y sirve de patrón para la copia de Pedro Almendras hacia 1932, del cual procede nuestra copia mandada hacer por el señor Juvenal Romero en 1943 (33, 34). / Tesis

Socióloga / Autor No autoriza la publicación de su tesis a texto completo en el Portal de Tesis Electrónicas / En la presente memoria de título se da a conocer el resultado de un trabajo de investigación llevado a cabo durante el año 2016 y el cual tuvo como objetivo principal el construir la imagen del Teatro Nacional Chileno (TNCH) como espacio de mediación desde la mirada de sus funcionarios, artistas y públicos. Esta memoria se presenta con una revisión bibliográfica de los principales conceptos que guiaron la investigación, las principales motivaciones, la estrategia metodológica utilizada y los principales resultados. Esta investigación encuentra sus marcos de referencia en tres conceptos claves, los cuales se escogieron según su aporte para responder a su objetivo principal. El primer concepto es el de espacio el cual enmarca el modo en cómo se concibe el TNCH, el espacio es trabajado desde dos perspectivas, primero como espacio de memoria y segundo como espacio teatral. Luego, el siguiente concepto trabajado es el de teatro, el cual se enmarca en el contexto de un mundo del arte y se analiza desde la perspectiva de una sociología del teatro. Finalmente, el tercer concepto es el de mediación el cual se trabaja desde la hipótesis de que el TNCH como institución se constituye como espacio de mediación en el cual es posible encontrar un flujo de interacciones entre diversos individuos que permiten una llegada de la obra al público y la manera en que este proceso ocurre afectaría pues la visión que se tiene del lugar. Se invita a leer esta investigación que si bien nunca resultó ser ambiciosa en sus objetivos y metas, si fue muy enriquecedora en cuánto aprendizajes personales y experiencias vividas