La estructura que propongo en este trabajo de investigación parte de la dificultad de separar varias nociones fundamentales que se explican mutuamente. El primer capítulo de este trabajo pretende ser una exposición del problema del final desde una perspectiva filosófica, histórica y artística. En él asocio, pues, distintas categorías como son tragedia y apocalipsis, género dramático y trágico, linealidad y fragmentación, temporalidad y a-temporalidad. En mi opinión, el cambio en la concepción temporal que supusieron las teorías de la relatividad y del caos a principios del siglo XX y el escepticismo cada vez más generalizado ante la cosmovisión judeocristiana es inseparable de las tensiones entre los géneros dramático y trágico y su superación emprendida en la llamada crisis del drama moderno. Cada género encierra una determinada concepción del mundo y de su temporalidad. Así pues, en el primer capítulo relaciono varias teorías de la filosofía de la Postmodernidad que abordan los temas del tiempo, del individuo y de la sociedad, con determinadas formas artísticas que reflejan tales temas. He intentado, por tanto, esclarecer el asunto del final en los espectáculos fragmentarios contemporáneos mediante la vinculación de la temporalidad, del individuo y de la sociedad que plantean los filósofos postmodernos, con los recursos temporales, la identidad y la crítica a la sociedad que se expresan en los espectáculos del teatro contemporáneo occidental. La principal intención, por tanto, del primer capítulo de este trabajo de investigación es la de contextualizar el final de los espectáculos contemporáneos fragmentarios mediante un estudio interdisciplinar. La razón por la cual emprendo este trabajo con un capítulo así responde a mi convicción de que es indispensable una toma de conciencia del problema del final en la contemporaneidad, antes de focalizar el estudio exclusivamente en el arte. En la elaboración de este primer capítulo me he visto en la necesidad de elegir y descartar constantemente a filósofos y a científicos cuyas teorías son igualmente útiles para contextualizar e indagar en el sentido de objeto de investigación de este trabajo. Sé que esta necesidad es obvia y ocurre inevitablemente en cualquier trabajo, a cada paso, a cada nueva idea. De todos modos si insisto en este aspecto es porque me parece crucial, antes de embarcarse en la lectura de este trabajo, tener claro que se trata de un estudio alrededor de un concepto y éste es el aspecto que sí debe quedar perfectamente investigado. Ésta no es una tesis doctoral sobre filosofía o ciencia o historia del teatro, pretender una empresa así sería, en mi caso, pretender algo muy distinto. Soy consciente, por tanto, de los riesgos que entraña un estudio multiperspectivista. Muchas teorías colindantes que son útiles para profundizar en el estudio del tema principal quedan lamentablemente irresueltas e incluso su mera presentación puede conferir un aspecto superficial a la teoría central sobre el final en la poética de la fragmentación del teatro contemporáneo. He querido, pese a todo, correr este riesgo con la seguridad de que un enfoque interdiciplinar es el mejor método para investigar cualquier tema concreto.En el segundo capítulo de este trabajo de investigación, por el contrario, centro mi estudio en la definición y la terminología de ese final propio de las obras enmarcadas en la poética de la fragmentación. Se trata de un capítulo fundamentalmente teórico y conceptual, a diferencia del primero. Uno de los problemas fundamentales que entraña el estudio del final de los textos fragmentarios es el de su nombre. La escasa bibliografía que he hallado sobre el particular no propone un nombre general para este final concreto, sino que se apoya en sus manifestaciones sobre el papel o sobre la escena. Así pues, siendo el principal objeto de estudio de este trabajo de investigación, me he visto en la necesidad de nombrarlo de algún modo. Tras varias cavilaciones que explico en el segundo capítulo de este trabajo, el término que de momento me parece más adecuado para este final novedoso que pretende sabotear veinticinco siglos de tradición teatral es el de final ateleológico. Los argumentos que explican tal elección están expuestos en el segundo capítulo y, paralelamente a ellos, la concreción de su sentido mediante las distintas composiciones fragmentarias empleadas en la escena contemporánea. Propuestas como la parataxis y el rizoma abren líneas en la investigación que son útiles para definir las composiciones contemporáneas. Asimismo los recursos de repetición y alternancia, simultaneidad y plétora, son imprescindibles para comprender los recursos que los directores contemporáneos llevan a cabo en la escena. En el tercer y cuarto capítulo de este trabajo de investigación propongo un método de análisis performativo de espectáculos contemporáneos. Este tipo de análisis no es el más usual en nuestro país, cuya teoría de teatro sigue centrándose, en su mayoría, en el análisis de textos. Mi análisis tiene en cuenta únicamente espectáculos, porque este trabajo de investigación entiende el teatro exclusivamente como arte escénico. No ha sido fácil conseguir vídeos de los espectáculos contemporáneos que pueden verse hoy en día en los teatros. Y para llevar a cabo un análisis riguroso es necesario observar un mismo espectáculo hasta la saciedad. También es cierto que la filmación de un espectáculo no es el espectáculo verdaderamente, así que he intentado, en la medida en que me ha sido posible, conseguir vídeos cuyos espectáculos he presenciado en el teatro.

Orientador: José Carlos Zamboni / Banca: Rauer Ribeiro Rodrigues / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: A obra dramática de Nelson Rodrigues representa o início da modernidade no teatro brasileiro, inclusive no que diz respeito à incomunicabilidade, tema recorrente da literatura do século XX. O objetivo deste estudo é verificar, a partir de autores modernos escolhidos, como a literatura e, em particular o teatro de Nelson Rodrigues, retrataram o tema. Na primeira parte, o assunto é abordado em seus aspectos histórico, social, filosófico e, especialmente, artístico. Depois, na segunda parte, dedica-se um capítulo ao dramaturgo e a suas obras, refletindo sobre elas, para demonstrar como a peça O beijo no asfalto se inscreve em uma tradição literária que representa o homem moderno, sua solidão e a dificuldade de comunicação entre ele e o mundo. / Résumé: L’oeuvre dramatique de Nelson Rodrigues représente la modernité du théâtre brésilien, surtout en ce qui concerne l’incommunicabilité, thème toujours présent dans la littérature du XXème siècle. Cette étude a essayé de vérifier, à partir des auteurs modernes choisis, comment la littérature, et, en particulier, le théâtre de Nelson Rodrigues, ont abordé ce thème-là. Dans la première partie, le sujet de l’incommunicabilité est envisagé dans ses aspects historique, social, philosophique et, spécialement, artistique. Aprés, dans la deuxième partie, on consacre un chapitre au dramaturge et à ses oeuvres, en y réfléchissant, pour démontrer comment la pièce O beijo no asfalto s’inscrit dans une tradition littéraire qui représente l’homme moderne, sa solitude et la difficulté de communication entre lui et le monde. / Mestre

Orientadora: Carminda Mendes André / Banca: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Juliano Casimiro de Camargo Sampaio / Resumo: Como se dão as questões de gênero e sexualidade nas criações artísticas? Em que aspecto o teatro pode ser uma possibilidade pedagógica de descoberta da sexualidade sendo, ao mesmo tempo, disparadora de processos criativos? Como uma artista bixa da periferia de São Paulo pode fazer da sua experiência de vida um ato de pesquisa ação? Pode o teatro tornar-me uma monstra? A proposta dessa dissertação é uma espécie de auto biografia crítica sobre os processos artísticos vividos por mim ao longo dos 13 anos de existência da Cia. Humbalada de Teatro. Para refletir sobre estas perguntas escolho três personagens que realizei durante esses anos. A primeira delas é Madame Irma do espetáculo "O Cidadão Perfeito". A segunda é "Mãe-Pai" da peça "À margem" e a última "Brunette" persona que permeia a peça "Grajaú Conta Dandaras, Grajaú Conta Zumbis". Ao longo das páginas destrinchei cada uma e intercalei com capítulos que envolvem reflexões sobre gênero, sexualidade e sobre autoras e autores que li durante a pesquisa, como Judith Butler, Beatriz Preciado, Michel Foucault, Boaventura de Sousa Santos, Guacira Lopes Louro, Sarah Salih, Bell Hooks, Hija de Perra, Berenice Bento e Ileana Diéguez Caballero. A forma como escolhi revelar a pesquisa é por meio de capítulos curtos e fragmentados; assim como funciona meu pensamento e assim como ainda funciona minha descoberta da sexualidade e da minha própria existência no mundo / Resumen: ¿Cómo se dan las cuestiones de género y sexualidad en las creaciones artísticas? ¿En qué aspecto el teatro puede ser una posibilidad pedagógica de descubrimiento de la sexualidad siendo al mismo tiempo desencadenadora de procesos creativos? ¿Cómo una artista bixa de la periferia de São Paulo puede hacer de su experiencia de vida un acto de investigación acción? ¿Puede el teatro convertirme en una monstra? La propuesta de esta disertación es una especie de autobiografía crítica sobre los procesos artísticos vividos por mí a lo largo de los 13 años de existencia de la Cia. Humbalada de Teatro. Para reflexionar sobre estas preguntas, elegí tres personajes que monté durante esos años. El primero de ellos es Madame Irma del espectáculo "El Ciudadano Perfecto". El segundo es "Madre-Padre" de la pieza "Al margen" y el último "Brunette" persona que impregna la pieza "Grajaú cuenta Dandaras, Grajaú cuenta Zumbis". A lo largo de las páginas destrincheré cada uno e intercambié con capítulos que involucran reflexiones sobre género, sexualidad y sobre autoras y autores que leí durante la investigación, como Judith Butler, Beatriz Preciado, Michel Foucault, Boaventura de Sousa Santos, Guacira Lopes Louro, Sarah Salih, Bell Hooks, Hija de Perra, Berenice Bento e Ileana Diéguez Caballero. La forma que he elegido para revelar la investigación es a través de capítulos cortos y fragmentados; tal como funciona mi pensamiento y tal como aún funciona mi descubrimiento de la sexualidad y de mi pro... (Resumen completo clicar acceso eletrônico abajo) / Mestre

Orientador: Sylvia Helena Telarolli de Almeida Leite / Banca: Emerson Calil Rossetti / Banca: Juliana Santini / Banca: Maria Celeste Consolin Dezotti / Banca: Teresa Maria Grubisich / Resumo: Este trabalho tem o objetivo de investigar a figura do malandro, num corpus selecionado dentre as obras de Arthur Azevedo, ―maior autor do teatro brasileiro cômico‖, segundo Guinsburg et al (2006). Nossa hipótese é a de que o dramaturgo, na criação dessa personagem central e significativa nas peças referidas, parte da convenção da comédia que estabelece o uso de personagens da camada média ou baixa da população, do substrato do criado astuto da Comédia Nova e de seus congêneres posteriores até chegar ao que denominamos malandro azevediano. Essa figura teria ali duas importantes funções: a de satirizar o governo e as elites por criarem condições para a disseminação tanto dos malandros quanto da malandragem e a de conferir recriação estética aos homens e mulheres, que, por serem do povo, rapidamente seriam esquecidos. A fim de comprovar essa ideia, dividimos o estudo em quatro partes, a saber: a primeira, cujo escopo é conhecer, brevemente, a vida, a obra e a crítica sobre A. Azevedo; em seguida, explanar acerca das relações entre trabalho e ociosidade estabelecidas pelos brasileiros de então, e averiguar, partindo do conceito de ―navegação social‖, os esquemas de sobrevivência empreendidos pelas personagens em algumas cenas do corpus. Na terceira seção, procuramos rastrear a utilização do criado ardiloso, na Comédia Nova, passamos pelos Zanni e por Arlequim, cotejamos ainda as figuras do trickster, do pícaro e a do próprio malandro. Por fim, munidos das noções de cômico e de satírico, buscamos interpretar o malandro presente na dramaturgia azevediana. O referencial teórico usado vincula-se a pesquisas de diversas áreas: antropologia social, dramaturgia, sociologia, historiografia teatral, história da vida privada, literatura cômica e/ou satírica, linguística e outras / Abstract: Our aim is to investigate the figure of the crook within a corpus made up of some of Arthur Azevedo's works. Azevedo is ―the greatest Brazilian comic theatrical author‖, according to Guinsburg et al (2006). It is our hypothesis that this playwright bases this historical leading character on a comedy convention that determines the use of characters from lower social classes, from the streetwise orderly of New Comedy up to his later congénere and what we call today the ―azevedian crook‖. This character supposedly has two important purposes: to poke fun at the government and the upper classes for providing the conditions that allowed the dissemination of crooks and also the purpose of esthetically recreating men and women who would soon be forgotten because they belonged to the lower classes. To prove our theory, we divided our study in four parts: the first one is a brief look into the life, the work and the reviews about A. Azevedo; next, we intend to talk about the relation between work and idleness of the Brazilians who lived in that period. We also intend to look into the concept of "social navigation" and the survival strategies used by some characters from corpus. In the third section we focus on the sleazy servant of New Comedy, on Zanni and Harlequin and conclude the section with a look on trickster, picaro and the crook himself. Finally, we use the concept of comical and satirical to interpret the crook of Azevedo's drama. Our theoretical references comes from researches from several areas: social antropology, dramatics, sociology, theatrical historiography, history of private life, comical/satirical literature, linguistics among others / Doutor

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Brunno Vinícius Gonçalves Vieira / Banca: Rodrigo Tadeu Gonçalves / Resumo: As peças cômicas do luso-brasileiro Antônio José da Silva (1705-1739) - mais conhecido na História da Literatura pela alcunha de O Judeu - apresentam uma grande diversidade de recursos cênicos e literários cuja função primordial, além de provocar o riso espontâneo, é a de maravilhar os sentidos do espectador. Vários desses recursos, como os disfarces e os duelos - além dos trocadilhos e de outros expedientes de linguagem - são componentes de natureza lúdica, isto é, são pertinentes ao domínio do jogo. O objetivo deste trabalho é verificar, à luz dos estudos sobre o lúdico desenvolvidos pelo historiador Johan Huizinga (1872-1945) - e de outros estudos sobre as relações entre arte e ludicidade -, a hipótese de que o teatro de Antônio José da Silva configura-se tal qual um jogo, que se desdobra em competições amorosas, verbais e sociais. O corpus primário, sobre o qual incide a nossa análise, é constituído por três óperas joco-sérias do Judeu: Esopaida ou vida de Esopo (1734), Os encantos de Medeia (1735) e Guerras do Alecrim e Manjerona (1737). Cada elemento deste corpus representa, respectivamente, uma das três fontes principais da produção teatral do comediógrafo: a literária, a mitológica e a histórica / Abstract: The comedies of Luso-Brazilian Antônio José da Silva (1705-1739) - known in the History of Literature by the nickname Jew - have a great diversity of scenic and literary resources, whose primary function, besides causing the spontaneous laughter, is the marvel of the senses of the viewer. Several of these resources, such as disguises and duels - as well as puns and other expedients of language - are components of playful nature; they present features of game. The objective of this project is to verify, in the light of studies on the playful developed by historian Johan Huizinga (1872-1945) - and other studies on the relationship between art and playful - the hypothesis that the theater of Antônio José da Silva is characterized as if it were a game that unfolds in loving, verbal and social competitions. The primary corpus of the research will consist of three Jew's operas joco-serious, namely: Esopaida ou vida de Esopo (1734), Os encantos de Medeia (1735) e Guerras do Alecrim e Manjerona (1737). Each element of this corpus represents, respectively, one of the three main sources of writer's comic production: the literary, mythological and historical / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-05-25T17:28:07Z No. of bitstreams: 1 2016_IngridKalinedeSouzaLima.pdf: 16011436 bytes, checksum: c2670d18a2c880fc8339f62d25ac49d3 (MD5) / Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2016-05-26T17:38:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_IngridKalinedeSouzaLima.pdf: 16011436 bytes, checksum: c2670d18a2c880fc8339f62d25ac49d3 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-26T17:38:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_IngridKalinedeSouzaLima.pdf: 16011436 bytes, checksum: c2670d18a2c880fc8339f62d25ac49d3 (MD5) / A presente pesquisa denominada Arte, Teatro Pós-Traumático e Loucura: O Processo Criativo do ChicQueiro e a Lógica do Pato, aborda os processos criativos para um trabalho artístico autoral poético da artista-pesquisadora Ingrid Abstrata Concreta Authora Desconhecida, a partir das influências do projeto Doida de Pedra: Arte e Loucura | Afeto e Afetações, realizado em locais de tratamento psiquiátrico com pessoas em atendimento. Este trabalho foi elaborado com o surgimento das práticas artísticas no Hospital Ulysses Pernambucano (HUP) em Pernambuco/PE, Hospital São Vicente de Paulo (HSVP) e Centro de Atenção Psicossocial (CAPS) da Região Administrativa de Taguatinga, ambos no Distrito Federal/DF. A dissertação estabelece uma relação azul do ser humano com o seu meio social, sua loucura, a maneira como experienciamos nosso corpo, com sua carga de memórias afetivas afetadas dentro de uma sociedade instinto.cio.(a)nalizada. Nesse projeto o corpo é visto como uma doença saudável e não como uma saúde sem doença. O corpo é patológico e pela Lógica do Pato é melhor não adoecer, porque não é normal a doença ter um corpo. Enquanto rodamos nossa saia cigana aos quatro ventos nós mostramos que não tem como viver sem se melar do outro, e assim a pesquisa discorre sobre o ser humano que é múltiplo, o in.diví.duo que é um duo dentro de um ser, é Sorbonóst, é arte, é artista da performance, é teatro sem personagem, Teatro Pós-Traumático, Processo Criativo do ChicQueiro de uma experiência corporal que se não dança não soa, não é sua. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This present research named Arte, Teatro Pós-Traumático e Loucura: O Processo Criativo do ChicQueiro e a Lógica do Pato, surveys the creative process for an authoral and poetic artistic work created by the artist-researcher Ingrid Abstrata Concreta Authora Desconhecida, with the influences from the project Doida de Pedra: Arte e Loucura | Afeto e Afetações, done in some psychiatric treatment places with their patients. This work was elaborated alongside with the growth of the artistic practices at Hospital Ulysses Pernambucano (HUP) in Pernambuco/PE, Hospital São Vicente de Paulo (HSVP) and Centro de Atenção Psicossocial (CAPS) from the Região Administrativa of Taguatinga, both in Distrito Federal/DF. This dissertation establishes a blue relation of the human beings with their social environment, their madness, the way we experience our body, with all their affective memories affected inside a society instinto.cio.(a)nalizada. In this project, the body is seen like a healthy sickness, not like health without illness. The body is pathologic and by the Duck Logic, it is better to not get ill, because it is not normal for the illness to have a body. While we spin our gypsy skirt to the four winds, we show that we cannot live without getting ourselves dirty with the others, and thus, this research discusses about the human begin as multiple, the in.diví.dual that is dual inside oneself, which is also Sorbonóst, art, performance artist and theatre without characters, Post-Traumatic Theatre, ChicGsty Creative Process of a corporal experience that if our body does not dance, it doesn’t sweat nor get pathetic affected inside a society instinto.cio.(a)nalizada.

Submitted by Ana Valéria de Jesus Moura (anavaleria_131@hotmail.com) on 2013-11-25T16:20:03Z No. of bitstreams: 1 Thereza Dissertação.pdf: 630464 bytes, checksum: b0cb71b2a6f7d775f2c15eeebc6c10ef (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Valéria de Jesus Moura (anavaleria_131@hotmail.com) on 2013-11-25T16:20:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Thereza Dissertação.pdf: 630464 bytes, checksum: b0cb71b2a6f7d775f2c15eeebc6c10ef (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-25T16:20:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Thereza Dissertação.pdf: 630464 bytes, checksum: b0cb71b2a6f7d775f2c15eeebc6c10ef (MD5) / Este trabalho objetivou aproximar Direito e Teatro, com vistas à identificação de pontos de convergência e desenvolvimento de estratégias para o incremento de atitude crítica à atuação dos aplicadores do Direito, tendo como marcos de análise a teoria egológica de Carlos Cossio, e o teatro épico de Bertolt Brecht. Estudou-se a noção de “experiência jurídica” desenvolvida pela teoria egológica, destacando-se seus elementos e o papel do juiz, enquanto intérprete e protagonista da cena jurídica, bem como em seu requerido comprometimento com a legitimação de sua atuação. Estudou-se o teatro épico com ênfase no “efeito de distanciamento”, apresentado na relação demonstrada entre alguns elementos desse teatro. Comparando as duas manifestações, identificaram-se semelhanças e estabeleceu-se um diálogo. A abordagem interdisciplinar permite que diferentes olhares teóricos se iluminem e que respostas criativas sejam dialogicamente construídas.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Gaduação em Literatura. / Made available in DSpace on 2012-10-17T23:13:35Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2013-07-16T18:12:06Z : No. of bitstreams: 1 222406.pdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / O objetivo da presente dissertação é fazer uma análise da decadência do patriarcalismo na obra teatral de Nelson Rodrigues, tendo como ponto de partida as obras publicadas nas décadas de 40 e 50, essencialmente A mulher sem pecado, Álbum de família, Senhora dos afogados e Os sete gatinhos. Nesta dissertação, também estudamos apoiados por textos da literatura sociológica, do pensamento de Michel Foucault e de textos da dramaturgia brasileira a presença da modernidade, a qual levou à abertura da casa, provocando um motim no seio familiar, causador da disseminação do poder do patriarca. Por fim, contrapomos a peça Anti-Nelson Rodrigues às peças anteriores, com o intuito de averiguarmos se o dramaturgo enquadra-se na visão daqueles que vêem a família como uma instituição sitiada, ou como um santuário para um mundo cujos valores entraram em crise.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. / Made available in DSpace on 2012-10-17T12:56:03Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2014-09-25T17:23:35Z : No. of bitstreams: 1 174127.pdf: 7237913 bytes, checksum: f83caf6ead16ef8ab599a670745b938a (MD5) / O objetivo específico desta tese é analisar quatro peças de autoria de Peter Shaffer-The Royal Hunt of the Sun, Equus, Amadeus e Yonadab-observando o uso de técnicas teatrais e a relação com os princípios da tragédia propostos por Aristóteles na Poética. Elas são então comparadas com três importantes peças gregas-Prometeu Acorrentado, de Ésquilo, Édipo Rei, de Sófocles e Medéia, de Eurípides- uma vez que o objetivo geral do presente trabalho é descobrir se existe tragédia moderna, de que forma ela é apresentada nas peças de Shaffer, e em que ela difere da tragédia grega. Na análise empreendida verifica-se que as peças de Shaffer apresentam muitas afinidades com as tragédias gregas e observam vários dos princípios estabelecidos por Aristóteles. No entanto elas se constituem em exemplares genuínos de tragédia moderna, pois discutem questões sérias atuais e apresentam personagens desafiadoras que enfrentam situações complexas e dilemas éticos e metafísicos. Além disso, as peças de Shaffer apresentam enredos muito bem elaborados, que combinam com habilidade os vários recursos teatrais descritos, e culminam numa experiência envolvente de teatro. No primeiro capítulo o paradigma teórico da tese é apresentado e analisado-os elementos e recursos teatrais e a Poética de Aristóteles-, mostrando como eles são importantes para o estudo do teatro em geral e para a tragédia em particular. No segundo capítulo os vários itens da fundamentação teórica são aplicados às peças gregas selecionadas, mostrando como elas confirmam e como se desviam dos princípios aristotélicos. No terceiro capítulo, o mesmo é feito em relação às peças de Peter Shaffer. No quarto capítulo as peças de Peter Shaffer são comparadas às gregas, mostrando como um dramaturgo moderno, através de narrativas históricas e míticas, recria o drama trágico, usando os vários recursos teatrais disponíveis para transmitir uma perspectiva trágica da vida. A Conclusão é que, considerando as semelhanças e diferenças detectadas entre as peças de Shaffer e as gregas, as peças de Shaffer podem ser consideradas tragédias modernas relevantes, que resgatam uma visão trágica da vida, tão importante para os gregos, num contexto moderno.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2012-10-23T03:15:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 248374.pdf: 929615 bytes, checksum: 0f696bac962d70a27247838b7707636e (MD5) / Neste trabalho privilegio a busca repentina, estranha, sagrada e profana, da personagem Ruth Algrave - estado de revelação de seu ser. Uma procura que adentra ao seu intimo mais puro, externando seus anseios e compondo sua visão de mundo, sempre em busca do mistério, da essência, por meio das indagações da vida e da morte em si mesmos.