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Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Flávia Corradin / Banca: Gilberto Figueiredo Martins / Resumo: Partindo da idéia de que "unidade" é o resultado da união entre os interesses coletivos e os interesses individuais, Almada Negreiros reitera, ao longo da sua produção artística, que essa junção é uma necessidade do homem, mesmo que isso crie uma atmosfera de disputa constante entre os seres humanos. Assim, o conceito almadiano de tragédia da unidade é derivado da constatação da impossibilidade de conciliar, no ser humano, as suas necessidades particulares e as necessidades coletivas. Tendo como corpus as peças Desejase Mulher e S.O.S., pretendemos apresentar as nossas reflexões a respeito da tragédia da unidade e de como ela se expressa, formalmente, no teatro de Almada Negreiros. Ao longo desse percurso, constatamos dois princípios fundamentais à tragédia da unidade: a repetição e a fragmentação. Elementos básicos de nossa análise. / Abstract: Considering "unity" as the result of the union between the collective interests and the individual interests, Almada Negreiros reiterates, along his artistic production, that this junction is a necessity of the man, even if this creates an atmosphere of constant dispute among the human beings. Thus, Almada Negreiros' concept of the tragedy of the unity is derived from the evidence of the impossibility of reconciling, in the human being, his own necessities and the necessities of the collectivity. Having as corpus the plays Deseja-se Mulher and S.O.S, we intended to present our reflections about the tragedy of the unity and how it expresses itself, formally, in Almada Negreiros' drama. During this study, we observed two fundamental principles of the tragedy of the unity: the repetition and the fragmentation. Basic elements of our analysis. / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-10-18Bitstream added on 2014-06-13T19:48:47Z : No. of bitstreams: 1 matias_lb_me_ia.pdf: 2044349 bytes, checksum: 541444de750a41bab159e48761d70337 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / O estudo aborda características do teatro narrativo desenvolvido a partir de meados do século XX, no que se convencionou denominar pós-modernidade. Considerado o contexto do capitalismo multinacional, são apresentados possíveis motivadores sociais, políticos e econômicos, que influenciaram na dificuldade de comunicação, na fragilização da organização de coletivos e na redução da importância dada à memória. Demonstrou-se a intensa ligação entre arte e mercado, especialmente por meio da publicidade e de importações culturais, em uma era marcada pela globalização das redes de informação. Entretanto, percebeu-se que, da mesma maneira como na sociedade, paulatinamente, estruturam-se grupos de reivindicação face às exigências do sistema, na arte se desenvolvem manifestações de oposição às produções vinculada ao consumo de produtos ou ideologias. O teatro narrativo é discutido neste contexto; considerado como uma das possibilidades de restabelecer a comunicação, de propor a discussão e de promover o compartilhamento de experiências entre atores e público. Tais potenciais residem no fato de que ele, embora se configure por aspectos da arte pós-moderna, pressupõe simultaneamente a revalorização da fábula. A estes elementos soma-se o predomínio de aspectos provenientes do gênero épico, bem como a possibilidade de interlocução com o lírico e o dramático. O teatro narrativo é uma das formas de hibridização de linguagens que se desenvolveu no período; lida com elementos de outros momentos históricos e vertentes artísticas e se diferencia pela maneira de organizá-los. Além disso, mesmo diante de pausada caracterização da vertente teatral narrativa, a fim de que a discussão dos expedientes fosse suficientemente clara, optou-se pela exemplificação de duas possibilidade de articulação dos elementos cênicos por meio de espetáculos... / The study deals with narrative theatre characteristics, developed after the middle of XX century, during what is a convention to call post-modernity. Considered the context of the multinational capitalism, there are presented possible social, political and economic reasons that influenced in the difficulty of communication, in the weakness of collective organization and in the reduction of the importance given to memory. It was demonstrated the intense connection between arts and market, especially by publicity and cultural importation, in a time when prevails globalization and information nets. Nevertheless, it was noticed that, in the same way in society there are vindication groups before system requirements, in arts they were developed oppositional manifestations to the production related to products and ideology consumption. Narrative theatre is analyzed in this context; considered as one of the possibilities to re-establish communication, to propose discussions and to promote experience sharing between actors and audience. These potential exist because, even if narrative theatre has aspects of post-modern arts, it also presupposes fable valorization. To this element, they are added up the predominance of epic aspects, as well as the possibility of dialogue also with dramatic and lyric genders. Contemporary narrative theatre is one of the hybrid language forms appeared in XX century; it deals with elements from other historical moments and different artistic slops, and what makes it particular is its way of organizing the procedures. Moreover, in order to let concept considerations comprehensible enough, it was chosen to utilize two procedure articulation examples found in São Paulo’s plays, Mire Veja, by Companhia do Feijão, and Hysteria, by Grupo XIX de Teatro

Orientador : Prof. Dr. Walter Lima Torres Neto / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Letras. Defesa: Curitiba, 29/07/2016 / Inclui referências : f. 169-179 / Área de concentração: Estudos literários / Resumo: Apesar do aumento da produção cultural para infância, o teatro para crianças é uma linguagem artística que ainda possui o estigma de ser um gênero menor. Tal consideração é decorrente da própria legitimação social da infância, fase esta que, semelhante à velhice, é desvalorizada no contexto capitalista. Soma-se a isso o fato de que a produção teatral para crianças no Brasil apresenta uma história recente de pouco mais de cinquenta anos. Com isso, é bastante comum se deparar com espetáculos infantis desprovidos de qualquer compromisso estético ou com montagens que utilizam o teatro como instrumento pedagógico, cujo objetivo é transmitir ensinamentos ou mensagens edificantes. Na contramão dessas iniciativas, observam-se autores e encenadores como Maria Clara Machado, Tatiana Belinky, Ilo Krugli e Vladimir Capella, que se destacaram no teatro para infância e que adentraram a porta aberta por Lúcia Benedetti e O Casaco Encantado, texto que marcou o início da profissionalização do teatro infantil no Brasil. A partir de uma reconstrução da trajetória desta modalidade, verifica-se que grande parte das pesquisas na área do teatro e dramaturgia para infância abrange principalmente artistas domiciliados nas capitais do Rio de Janeiro e São Paulo. Dessa forma, o objetivo desta dissertação é situar-se "fora do eixo" (Peixoto) e possibilitar uma explanação sobre a caminhada do teatro infantil em Curitiba. Motivada pelos acontecimentos do eixo cultural do país, a produção teatral para crianças se consolidou na capital na década de 1950. Com a fundação do Teatro de Comédia do Paraná em 1960, a realização dos Seminários de Dramaturgia e a vinda do Grips Theater na década de 1970, o teatro produzido em Curitiba tornou-se reconhecido no âmbito nacional e lançou os profissionais que atualmente produzem espetáculos para crianças na capital paranaense. Sendo assim, com o intuito de analisar a produção dramatúrgica realizada em Curitiba, apresentam-se considerações sobre os textos dos principais autores que escrevem peças para crianças ou peças de classificação livre. Para um estudo mais aprofundado, apresenta-se uma análise de algumas peças da Fátima Ortiz, fundadora da Companhia Pé no Palco, cuja dramaturgia compõe-se de textos de teatro para crianças e jovens. Palavras-chave: Teatro para Crianças; Dramaturgia para Infância; Teatro Curitibano; Análise Dramatúrgica; Fátima Ortiz. / Abstract: Despite the increase in cultural production for children, theater for children is still stigmatized as a minor genre. This aspect is related to the social legitimation of childhood, and that infants as well as elderly are set aside in a capitalist context. In addition to that, Brazil has a recent history of a little more than fifty years of theatrical production for child spectators. Therefore it is quite common to come across plays for children devoid of any aesthetic commitment, or used merely as a mean for didactic and edifying messages. Opposed to these productions, authors and directors such as Maria Clara Machado, Tatiana Belinky, Ilo Krugli and Vladimir Capella, have entered the door opened by Lúcia Benedetti and O Casaco Encantado (text that marks the beginning of professional theater for children in Brazil), and stood out due to their theatrical productions for children. Most studies about this theatrical and dramaturgical genre focus on artists from Rio de Janeiro and São Paulo. Thus the present thesis aims to present the trajectory of theatre for children in Curitiba. Impelled by the events occurred in the cultural centers of the country, theatrical production intended for children was consolidated at Curitiba in the 1950s. After the foundation of the "Teatro de Comédia do Paraná" (1960), the Playwriting Seminars as well as the visit of the Grips Theater in the 1970s, the theatrical production from Curitiba has achieved national recognition and launched important names that still produce plays intended for child spectators. With the aim of analyzing the dramaturgy for produced in Curitiba, this study presents considerations about the work of the main playwrights who write for children or all ages plays. For more detailed study an analysis of the plays from, the founder of the Pé no Palco Company, Fatima Ortiz whose work is composed by plays for children and young spectators. Key-words: Theater for children; Dramaturgy for children; Theatre in Curitiba; Dramaturgical analysis; Fátima Ortiz.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-02T18:02:42Z No. of bitstreams: 1 Melize Deblandina Zanoni.pdf: 6041343 bytes, checksum: ed39c189b6c15afff30a12367009fa5b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-02T18:02:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Melize Deblandina Zanoni.pdf: 6041343 bytes, checksum: ed39c189b6c15afff30a12367009fa5b (MD5) Previous issue date: 2017-04-17 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / In Monsters and ghosts: Relations between grotesque body image in theater and image survival in Georges Didi-Huberman, I propose to investigate and identify in what way the systematization of techniques derived from the elements used in the grotesque theater applied to the scene can offer concrete and specific ways for the construction and survival of body images in the theater and their relations with dramaturgy. These reflections are based on the concepts of image survival, critical image and dialectical image coined by Walter Benjamin (1892-1940) and Georges Didi-Huberman (1953-), related to Didi-Huberman‘s reflections on Aby Warburg‘s writings (1866-1929). I also make use of concepts such as anachronism, aura, dialectics, montage, survival, trace, double, repression, dissimilarity, and theories of image of thinkers such as Michel Foucault (1926-1984) and theoretical theater practitioners as Vsevolod Meyerhold (1874-1940) and Antonin Artaud (1896-1948). With the reflections made through bibliographical research and experience reports, I intend to point out the elements that, in the communication established between textual and body dramaturgy in grotesque theater, may represent innovations with respect to the work of the actor (independently of the style or language) and to the survival of the image in the theater. / Em De monstros e fantasmas: Relações entre a imagem do corpo grotesco no teatro e a sobrevivência da imagem em Georges Didi-Huberman, proponho-me a investigar e a identificar de que maneira a sistematização de técnicas provenientes dos elementos utilizados no teatro de cunho grotesco, aplicados à cena, pode oferecer caminhos concretos e específicos para a construção e sobrevivência das imagens corporais no teatro e de suas relações com as dramaturgias do espetáculo. Tais reflexões são baseadas nos conceitos de sobrevivência da imagem, imagem crítica e imagem dialética, cunhados por Walter Benjamin (1892- 1940) e Georges Didi-Huberman (1953-), e relacionados às reflexões deste, sobre os escritos de Aby Warburg (1866-1929). Valho-me também de conceitos como anacronismo, aura, dialética, montagem, sobrevivências, rastro, duplo, recalque, dessemelhança, e das teorias de pensadores da imagem como Michel Foucault (1926-1984) e de teórico-práticos do teatro como Vsevolod Meyerhold (1874-1940) e Antonin Artaud (1896-1948). Com as reflexões realizadas por meio da pesquisa bibliográfica e de relatos de experiência, pretendo apontar os elementos que ? na comunicação estabelecida entre dramaturgia textual e dramaturgia corporal no teatro de cunho grotesco ? podem representar inovações no que diz respeito ao trabalho do ator (independentemente de estilo ou linguagem) e no que respeita à sobrevivência da imagem grotesca no teatro.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ROSI.pdf: 1409310 bytes, checksum: 183fc9e585da323d0f839c3c07854ee3 (MD5) Previous issue date: 2012-05-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research presents a reflection of Brazilian feminist theater, a theatrical experience that seeks different forms of creation in its esthetics. The poetics involved in making this kind of theater focuses towards issues that refer to the social organization of women, be it within personal or social realms, for both these are related to political and social issues. Being that one of its characteristics is polysemy, feminist theater opens different possibilities in its creative process. Feminist theater can be considered a political theater because it deals with feminist issues, consequently dealing with the idea of polis, therefore constitutes a possible tool for triggering educational attitudes. Although the debate surrounding this theme has been sedimented in the United States and England since the 1960´s, in Brazil it is still in the process of being diffused within the academic realm, and for this reason receives due attention in this work. In order to carry forward this discussion, it became necessary to comprehend what feminism is, being that it is a term (whose concept presents itself) with certain incompleteness. Therefore, a choice was made to present historical passages of the feminist movement, which also provided insight into the implied ideologies, in order to understand the development of their proposals, as well as some of the important transformations that occurred in the social structure. To understand what feminist theater is, in relation to referrals from discussions of activists in the theater, the construction of the image of women in society, and the routing of criticism in artistic productions in respect to the representability of women in the scene, it was necessary to conduct a survey of critical theories and practices of the U.S. and British experiences, to discuss ideological, aesthetic and poetic issues within the relationship between theater and feminism. The object of this research is devoted to the discussion of the scenario of Brazilian feminist productions. In relation to this type of theater, the work of two Brazilian actresses are presented: Colla and Azevedo, legitimizing the presence and voice of these actresses, as well as giving visibility to their artistic productions. A dialogue is established with the work of these actresses in order to articulate the theory of feminist theater, with its aesthetic, poetic and ideological practices, bringing to Brazil the discussion of feminist theater. Finally, some perspectives are drawn to contribute to the improvement of Brazilian theater production, giving it visibility and promoting its growth / Esta pesquisa traz a reflexão sobre o teatro feminista brasileiro, uma prática teatral que busca diferentes formas de criação em sua estética. A poética desse fazer teatral está voltada para questões referentes à mulher na organização social, sejam elas pessoais ou de ordem social, pois ambos os tipos estão relacionados a questões políticas e sociais. Tendo como uma das características a polissemia, o teatro feminista abre diferentes possibilidades para seu processo de criação. O teatro feminista pode ser considerado um teatro político, pois trata de questões da agenda feminista, consequentemente referentes à polis, e assim constitui possível ferramenta para o desencadeamento de atitudes pedagógicas. Embora a discussão em torno da temática aqui em questão se encontre sedimentada nos Estados Unidos e Inglaterra desde os anos 1960, no Brasil ainda está em processo de difusão em âmbito acadêmico, e por isso recebe, neste trabalho, a devida atenção. Para levar a termo esta discussão tornou-se necessário compreender melhor o que é feminismo, por se tratar de um termo que apresenta certa incompletude como conceito. Assim sendo, fez-se a opção por apresentar algumas passagens históricas do movimento feminista, o que propiciou também o esclarecimento sobre as ideologias implicadas, de modo a compreender como ocorreu o desenvolvimento de suas propostas, assim como algumas das importantes transformações ocorridas na estrutura social. Para compreender o que é teatro feminista, em relação aos encaminhamentos das discussões das ativistas no teatro, à construção da imagem da mulher na sociedade, e ao encaminhamento da crítica em suas produções artísticas no que diz respeito à representatividade da mulher na cena, foi preciso realizar um levantamento sobre as teorias críticas e as práticas das experiências das estadunidenses e britânicas, que discutem questões ideológicas, estéticas e poéticas na articulação entre teatro e feminismo. O objeto de pesquisa é voltado à discussão em torno das encenações brasileiras de caráter feminista. Com relação a esse tipo de teatro, são apresentados os trabalhos de duas atrizes brasileiras: Colla e Azevedo, legitimando a presença e voz dessas atrizes, assim como dando visibilidade a suas produções artísticas. É estabelecido um diálogo com o trabalho dessas atrizes com o objetivo de articular a teoria do teatro feminista com suas práticas estéticas, poéticas e ideológicas, localizando no Brasil a discussão sobre o teatro feminista. Finalmente, são traçadas algumas perpectivas visando contribuir com o aperfeiçoamento da produção teatral brasileira, dando-lhe visibilidade e promovendo seu incremento

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Artur Azevedo, who is considered by critics as a man of the theater, wrote plays with features of the popular and bourgeois culture, with simple plot and everyday issues, he was strongly criticized for his musical comic production and, according to some critics, it is less valued. This research theme is the study of Azevedo‘s theater, specifically in the plays O Mambembe, O Dote and A Capital Federal. We had as a starting point some conceptions about the theater formulated by Schiller (1964), also a brief explanation for the period in which the author and his work are inserted, identifying the procedures and comic functions in the plays in a third phase. We had as a theoretical support, about comicality, to fundament the research, the study O Riso: Ensaio sobre a significação da comicidade, by the author Henri Bergson (2007). From the conducted study, we observe that the brazilian theater, in the analyzed period, reflected in its structure the necessity to talk about itself and its internal and external tensions. Through the study of the comic plays we could understand that they had a moralizing function, comicality was used to correct manners. We realize, therefore, that the active comic in that period has fulfilled the moralizing function of correcting human behaviors that are diverted from socially established standard, so for these diverted habits the comic bias has acted in order to reintegrate the individual to the social environment. / Artur Azevedo, considerado pela crítica como um homem do teatro, escreveu peças com características da cultura popular e burguesa, com enredo simples e temas do cotidiano, foi criticado fortemente pela sua produção cômica musicada e, segundo a crítica, de valor menor. Esta pesquisa tem como tema o estudo do teatro de Azevedo, especificamente nas peças O Dote e A Capital Federal. Tivemos como ponto de partida algumas concepções sobre o teatro formuladas por Schiller (1964), como também uma breve passagem pelo período em que estão inseridos o autor e obra, identificando os procedimentos e as funções cômicas que nelas há em um terceiro momento. Tivemos como auxílio teórico, sobre a comicidade, para embasar a pesquisa, o estudo O Riso: Ensaio sobre a significação da comicidade, do autor Henri Bergson (2007). A partir do estudo realizado, observamos que o teatro brasileiro, no período analisado, refletia em sua estrutura a necessidade de falar de si mesmo e de suas tensões internas e externas. Através do estudo das peças cômicas pudemos entender que elas tinham uma função moralizadora, a comicidade era utilizada para correção dos costumes. Percebemos, dessa forma, que o cômico atuante nesse período vai cumprir a função moralizadora de corrigir condutas humanas que estão desviadas do padrão estabelecido socialmente, então para esses comportamentos desviados o viés cômico vai atuar com o propósito de reintegrar o indivíduo ao seu meio social.

Orientador: Wilma Patricia Marzari Dinardo Maas / Banca: Natália Corrêa Porto Fadel Barcellos / Banca: Tércio Loureiro Redondo / Resumo: É inegável que a sociedade com o passar dos anos tenha sofrido constantes transformações de ordem tanto social quanto econômica, o que não só promoveu uma mudança no homem moderno, como também passou a se refletir nas artes, possibilitando assim o surgimento do drama moderno como forma de representação desse homem em transformação e suas inquietações. Com o advento do drama moderno não se pode mais pensar em uma única maneira de se conceber o teatro, mas passa-se a considerar a existência do drama em sua pluralidade, na qual suas diversas manifestações buscam ora refletir o homem moderno tal qual ele se apresenta, submetido a um sistema cada vez mais desumano e mesquinho, ora propor um teatro engajado, cujo objetivo seria despertar o homem para que, saindo da inércia em que se encontra, comece a agir contra as injustiças veladas que se tornam cada vez mais frequentes. Friedrich Dürrenmatt, dramaturgo suíço, viveu em um período marcado pela guerra e suas consequências. Tal atmosfera somada a uma tendência de composição híbrida própria ao drama moderno resultaria em uma série de peças que refletem de forma crítica e irônica o homem de seu tempo. O dramaturgo em sua visão sobre a sociedade moderna defendia que nenhum gênero seria mais adequado para representá-la do que a comédia. Ainda que não excluísse a possibilidade do trágico, entendia que esse só seria possível em sua forma híbrida, a tragicomédia. Tomando uma de suas obras mais expressivas, o presente trabalho tem por objeto sua peça tragicômica A visita da velha senhora, publicada pela primeira vez em 1956, buscando analisar de que forma o trágico e o cômico manifestam-se dentro da peça, bem como a maneira como tais aspectos interagem entre si e com as demais características da peça, como, por exemplo, o grotesco. Ademais, se observou também o diálogo estabelecido entre... / Abstract: It is undeniable that the society over the years has undergone constant changes in both social and economic aspects, which not only promoted a change in modern man, but was also reflected in the arts, allowing the emergence of modern drama as a way of representation of the man in transformation and their concerns. With the advent of modern drama it is not possible to think of a single way of conceiving the theater, since now we can consider the existence of the drama in its plurality, in which its various manifestations now seek to reflect the modern man as it is. Therefore, some now propose a committed theater, whose goal would be to awaken the people out of the inertia that they are, urging them to begin to act against the veiled injustices that become more frequent. Friedrich Dürrenmatt, Swiss playwright, lived in a period marked by war and its consequences. This atmosphere coupled with a tendency to a hybrid composition in modern drama would result in a series of plays that reflect critically and ironically the man of his time. The playwright in his vision of modern society argued that no genre would be more appropriate to represent it than comedy. Although he does not exclude the possibility of the tragic, he understood that this would only be possible in a hybrid form, the tragicomedy. Taking one of his most significant plays, this work is focused on his tragicomic play The visit of the old lady, first published in 1956, seeking to examine how the tragic and the comic are manifested within the play, as well as how such features interact with themself and with the other features, such as, for example, the grotesque. Furthermore, it also noted the dialogue between Dürrenmatt and the epic theater of Brecht, his contemporary. / Mestre

Orientador(a): Elizabete Sanches Rocha / Banca: Maria Celeste Consolin Dezotti / Banca: Gilberto Martins / Resumo: Segundo o imaginário ocidental, o teatro teria surgido das bacanais dionisíacas na Grécia Antiga. A despeito do caráter repressor de certos períodos da história, também é verdade que sua presumida natureza libertina sempre o acompanhou. No Brasil, por exemplo, não é de surpreender que o teatro nacional tenha se equilibrado entre o sagrado e o profano, afinal, é sabido que a consolidação de nossa moral, de fundo essencialmente católico, patriarcal, se deu em meio às práticas de uma sociedade imersa em uma vida sexual devassa. Atualmente, a temática e a expressão da sexualidade, que ocupam o centro de debates acalorados a respeito dos direitos humanos, marcam presença constante no teatro. Em vista de se ter o foco voltado para a intersecção entre teatro e sexualidade, a dissertação assinalou, no primeiro capítulo, evidências de tal cruzamento e, no segundo, analisou as estratégias dramatúrgicas de Agreste (Malva-Rosa), de Newton Moreno, obra paradigmática das discussões mais atuais tanto sobre dramaturgia quanto sexualidade. Viu-se que a peça carrega, sobretudo, o signo da ambiguidade. De um lado, firme no propósito de legitimar a arte do contar, a peça resgata a tradição da oralidade, elementos da cultura popular e estratégias clássicas das narrativas; estabelece, também, intertextos com cânones da arte. De outro lado, visando desmantelar regras clássicas do teatro, alinha-se com as tendências da dramaturgia contemporânea, criando um pastiche de gêneros e subgêneros que contam... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: According to the western imagination, theater has arisen from Dionysian bacchanals in the Ancient Greek. Despite the repressive character of certain historical periods, it is also true that its alleged libertine nature has always accompanied it. In Brazil, for instance, it is not surprising that the national theater has balanced between the sacred and the profane, after all, it is known that the consolidation of our moral, essentially catholic, patriarchal, was established amid practices of a society emerged in a lustful sexual life. Currently, the sexuality theme and expression, which occupy the center of intense debates on human rights, are constantly present in the theater. Due to having the focus turned to the intersection between theater and sexuality, this dissertation pointed out, in the first chapter, evidences of such crossing; in the second one, it analyzed the playwriting strategies of Agreste (Malva-Rosa), by Newton Moreno, paradigmatic work of recent discussions about playwriting as well as sexuality. It was concluded that the play carries the sign of ambiguity. On one side, aimed at legitimating the art of storytelling, the play rescues the tradition of oral expression, elements of popular culture and narratives classical strategies; also, it establishes intertextuality with art canons. On the other side, with the target of dismantling classical rules of theater, it is aligned with the tendencies of contemporary playwriting, creating a pastiche of genres and sub... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Maria Celeste Consolin Dezotti / Banca: Flávia Regina Marquetti / Banca: Sylvia Helena Telarolli de Almeida Leite / Resumo: Levando-se em conta a importância sócio-histórica e cultural para a consolidação da sociedade brasileira do período que abrange o final do século XIX e início do XX, atualmente encontramos algumas pesquisas cujo objeto é a produção teatral brasileira, principalmente aquela da época assinalada, uma vez que, segundo C. Braga (2003, p. 39), "o espelho cênico é inevitavelmente atrelado à sociedade por ele refletida". A proposta deste trabalho é, por meio da descrição dos recursos cômicos utilizados por Arthur Azevedo (1855-1908) na construção dos minidramas de Teatro a Vapor (1977), correlacioná-los ao contexto da então capital federal, o Rio de Janeiro, e, assim, destacar a importância desses escritos no painel carioca do início da Primeira República. Para as pesquisas a respeito da comicidade e do riso, tomamos como referencial teórico os estudos de Vladimir Propp (1992). Procuramos inicialmente discorrer sobre os pontos da crítica teatral, que tratam do nosso comediógrafo, partindo daquela corrente na época, que desabonava a veia cômica e satírica de nossos escritores, até posturas mais recentes, que reavaliam a produção do período estudado. A seguir, após uma rápida explanação sobre a vida do autor e as transformações ocorridas, no Rio de Janeiro, com a instalação do novo regime - informações importantes para situarmos a obra estudada no contexto em que foi produzida -, enfocamos a natureza dramática de Teatro a Vapor, descrevendo a natureza das personagens nele encontradas, do espaço e tempo teatrais. A exposição sobre as teorias referentes à comicidade e ao riso embasa a descrição final. / Mestre