Compreendendo o figurino teatral como objeto sensível capaz de produzir subjetividade, o presente estudo examina a força de contágio que ele dispõe ao provocar no ator acesso a um novo nível de existência, além de caracterizar o personagem. Neste sentido, a reflexão se desdobra por meio das noções da máscara, da imagem, da aparência e do travestimento amparada, principalmente, pelo pensamento de Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro e Emanuelle Coccia. / Understanding theatre costume as a sensory object that is capable of producing subjectivity, this study examines its power of contagion, giving the actor access to a new level of existence, as well as characterizing the role. In this sense, this reflection examines the notions of mask, image, appearance and disguise, based mainly on the works of Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro and Emanuelle Coccia.

Em face da tendência nas artes cênicas de ocupação dos espaços da cidade, nesta pesquisa apresento quatro eixos de ação, por meio dos quais acredito que é possível pensar a interação do artista cênico com o ambiente urbano na sua multiplicidade de leituras e que os nomeio de trama urbana, contexto, fluxos e percepção-sensação. Apresento estas quatro categorias como possibilidades para se aprofundar o conhecimento dos espaços urbanos como locais cênicos específicos, levando em conta sua complexidade. Como influencia o ambiente urbano no discurso e no desenvolvimento da obra? Para responder, é necessário primeiro entender o funcionamento da cidade e as diferentes camadas que a constituem como sistema gerador de sentido, um espaço para ser lido, quer dizer, uma dramaturgia. Sob este olhar, a cidade não é mais cenografia, mas cocriadora da ação teatral, pois se trata de um espaço com contexto e características próprias que raramente podem ser manipuladas. Assim, precisamos, artistas cênicos, de um pensamento diferenciado que procure não a dominação do espaço, mas a apropriação do espaço de uma maneira criativa e, sobretudo, pensando numa dinâmica de negociação com a cidade. Como continuação a essa proposição de pensamento, estabeleço algumas reflexões e problematizações sobre o fazer; a teoria proposta levada para a prática e a prática pensada com base nesta teoria; as questões que se tem gerado e as diferenças que tenho percebido em relação ao trabalho dentro de uma sala de teatro tradicional. A pesquisa parte das ideias de Richard Schechner sobre teatro ambiental, assim como na teoria desenvolvida por André Carreira sobre a cidade como dramaturgia. Além disso, a base teórica foi complementada com olhares de outras áreas do conhecimento, como o Urbanismo e a Sociologia, com o intuito de gerar uma visão abrangente que possibilite uma visão íntegra da cidade, para além da ideia de um espaço apenas cenográfico. / Ante la tendencia de ocupación de los espacios de la ciudad para el ejercicio de las artes escénicas, presento en la siguiente investigación cuatro ejes de acción por medio de los cuales creo que es posible pensar la interacción del artista escénico con el ambiente urbano en su multiplicidad de lecturas y a los cuales he llamado trama urbana, contexto, flujos y percepción-sensación. Coloco estas cuatro categorías como posibilidades para profundizar en el conocimiento de los espacios urbanos como locales escénicos específicos, tomando en cuenta su complejidad. ¿De qué manera influye el ambiente urbano en el discurso y desarrollo de la obra? Para responder, es necesario entender primero el funcionamiento de la ciudad y los diferentes niveles que la constituyen como sistema generador de sentido, un espacio para ser leído, es decir, una dramaturgia. Bajo este punto de vista, la ciudad ya no es escenografía, sino co-creadora de la acción teatral, pues se trata de un espacio con contexto y características propias que raramente pueden ser manipuladas. Así, necesitamos artistas escénicos con un pensamiento diferenciado que no busquen la dominación del espacio, sino la apropiación del espacio de una manera creativa y, sobretodo, que piensen en una dinámica de negociación con la ciudad. Como continuación a esa propuesta de pensamiento, presento algunas reflexiones y problemáticas sobre el ejercicio de estos conocimientos; la teoría propuesta llevada a la práctica y la practica pensada con base en esta teoría, las cuestiones que han surgido y las diferencias que he percibido en comparación al trabajo en una sala de teatro tradicional. La investigación parte de las ideas de Richard Schechner sobre teatro ambiental, así como de la teoría desarrollada por André Carreira sobre la ciudad como dramaturgia. Adicionalmente, esta base teórica fue complementada con ideas de otras áreas del conocimiento como el Urbanismo y la Sociología, esto con la intención de crear una visión amplia que posibilite un pensamiento íntegro sobre la ciudad, más allá de la idea de un espacio apenas escenográfico.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Artur Azevedo, who is considered by critics as a man of the theater, wrote plays with features of the popular and bourgeois culture, with simple plot and everyday issues, he was strongly criticized for his musical comic production and, according to some critics, it is less valued. This research theme is the study of Azevedo‘s theater, specifically in the plays O Mambembe, O Dote and A Capital Federal. We had as a starting point some conceptions about the theater formulated by Schiller (1964), also a brief explanation for the period in which the author and his work are inserted, identifying the procedures and comic functions in the plays in a third phase. We had as a theoretical support, about comicality, to fundament the research, the study O Riso: Ensaio sobre a significação da comicidade, by the author Henri Bergson (2007). From the conducted study, we observe that the brazilian theater, in the analyzed period, reflected in its structure the necessity to talk about itself and its internal and external tensions. Through the study of the comic plays we could understand that they had a moralizing function, comicality was used to correct manners. We realize, therefore, that the active comic in that period has fulfilled the moralizing function of correcting human behaviors that are diverted from socially established standard, so for these diverted habits the comic bias has acted in order to reintegrate the individual to the social environment. / Artur Azevedo, considerado pela crítica como um homem do teatro, escreveu peças com características da cultura popular e burguesa, com enredo simples e temas do cotidiano, foi criticado fortemente pela sua produção cômica musicada e, segundo a crítica, de valor menor. Esta pesquisa tem como tema o estudo do teatro de Azevedo, especificamente nas peças O Dote e A Capital Federal. Tivemos como ponto de partida algumas concepções sobre o teatro formuladas por Schiller (1964), como também uma breve passagem pelo período em que estão inseridos o autor e obra, identificando os procedimentos e as funções cômicas que nelas há em um terceiro momento. Tivemos como auxílio teórico, sobre a comicidade, para embasar a pesquisa, o estudo O Riso: Ensaio sobre a significação da comicidade, do autor Henri Bergson (2007). A partir do estudo realizado, observamos que o teatro brasileiro, no período analisado, refletia em sua estrutura a necessidade de falar de si mesmo e de suas tensões internas e externas. Através do estudo das peças cômicas pudemos entender que elas tinham uma função moralizadora, a comicidade era utilizada para correção dos costumes. Percebemos, dessa forma, que o cômico atuante nesse período vai cumprir a função moralizadora de corrigir condutas humanas que estão desviadas do padrão estabelecido socialmente, então para esses comportamentos desviados o viés cômico vai atuar com o propósito de reintegrar o indivíduo ao seu meio social.

Orientador: Antonio Arnoni Prado / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-07-22T10:04:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nazario_AparecidoJoseCarlos_M.pdf: 3826058 bytes, checksum: b3d6b9878e906b3de03d45a542c5a2dc (MD5) Previous issue date: 1997 / Resumo: O objetivo dessa dissertação é estudar a obra do dramaturgo Jorge Andrade, tendo como parâmetro tópicos específicos que perpassam sua dramaturgia, como por exemplo, tempo e memória. Com esse estudo pretendemos demonstrar como os itens apresentados acima manifestam-se através de inúmeras relações, como a sólida equivalência existente entre memória e sociedade, podendo também ser vinculada a um processo histórico. Essa ligação com a História é que poderá servir de embasamento para a argumentação dramática, uma vez que Jorge Andrade retrata no palco momentos da decadência da aristocracia cafeeira paulista, tentando, desse modo, fazer uma reeleitura da História do Brasil. Para isso o passado é revisitado e, com o auxílio da escrita e seu devido questionamento, pode trazer à tona alguns momentos vivenciados pelo Autor que, na sua maioria, são os mesmos apresentados na História do Brasil. Sendo assim, tempo e memória são os responsáveis pela busca distante, e a escrita, o elemento referencial que desencadeia todo o processo das lembranças perdidas / Abstract: The present dissertation focusses on studying the works of Brazilian playwright Jorge Andrade, concentrating efforts on the analysis of two basic aspects that underly ali of his plays: time and memory. This study is intended to demonstrate how the two above mentionned aspects are manifested through countless relationships, such as the solid equivalence that exists between personal memory and society, which at its turn, can be linked to a more general historical processo This link with History can serve as the basis for dramatical analysis, since Jorge Andrade depicts on the stage the decadence of the coffeefarm owning aristocracy in the State of São Paulo, Brazil, in an attempt to reinterpret the History of Brazil. For this reason the past is revisited enabling the Author, through his writing and due questioning of the writing process, to bring back to life a series of moments and events he personnally had experienced. These moments and events can, for the most part, be traced back directly to moments of Brazilian History. This way, time and memory are responsible for the distant pursuit, while the writing activity establishes the reference element that engenders the whole process of lost memories / Mestrado / Mestre em Teoria Literaria

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Filosofía. / Se trata de seguir un curso preestablecido de lectura y análisis de ciertos textos de Levinás, para encontrar en ellos pistas, ideas fundacionales que nos den una perspectiva relativa del cuerpo central de su filosofía y aventurar algunas respuestas a temas que aparecen novedosos, como por ejemplo, determinar por qué "la ética es antes que la ontología", o por qué al final del sendero andado nos topamos inevitablemente con el "Altísimo" como la cúspide de su filosofía. En todo caso, desde ya, anunciamos que el núcleo de este trabajo se centrará en el análisis del capítulo tercero de "Totalidad e Infinito" y sus planteamientos acerca de la relación con el Otro, nos atreveríamos a decir, como el fundamento último de este trabajo.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2016-09-20T04:13:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 340722.pdf: 1179120 bytes, checksum: 1eaca1dca43a962a997d91d9aaf06591 (MD5) Previous issue date: 2016 / Esta dissertação apresenta o estudo e a tradução da peça Not I, escrita em 1972 por Samuel Beckett, para a língua portuguesa brasileira. A peça trabalha com diversos elementos explorados pelo autor em sua grande obra, como a experimentação das variadas formas artísticas e a problematização dos limites da linguagem. Beckett inscreve progressivamente em suas personagens e nos textos das suas peças a fragmentação do homem, para mostrar o esfacelamento da humanidade em um contexto de pós-guerra. Nessa pesquisa, foram estudadas estratégias para determinar um foco para a tradução que estivesse intimamente ligado à desumanização das suas personagens através da linguagem.<br> / Abstract : This dissertation presents the study and translation of the play Not I, written in 1972 by Samuel Beckett, to Brazilian Portuguese language. The play works with several elements explored by the author in his great work, such as the experimentation of various artistic forms and questioning the limits of language. Beckett inscribes progressively in its characters and in the text of his plays the fragmentation of man, to show the crumbling of humankind in a post-war context. In this research, strategies were studied to set a focus of translation that was intimately connected to de dehumanization of his characters through language.

Orientador: Joaquim Brasil Fontes Júnior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-27T00:19:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_VeraLuciaCrepaldi_D.pdf: 3050663 bytes, checksum: 5eeca30f8afc509d23ebc5bd6a19be1b (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Este estudo tem como objetivo ler uma tragédia do teatro clássico grego escrita por Eurípides, Ifigênia em Áulis, com base em um tema mítico, e analisá-la sob o olhar dos helenistas, estabelecendo, a partir daí, um diálogo com a mesma temática em tragédias do período clássico e do teatro contemporâneo de autores franceses, através das obras Iphigénie e Iphigénie ou le Péché des Dieux, de Jean Racine e de Michel Azama, respectivamente. Apoia-se esta pesquisa em conceitos da filosofia moderna e pós-moderna para explicar o movimento do mito nessas diversas etapas da temporalidade que fazem parte do processo evolutivo do teatro, desde a Grécia Antiga até a época atual, sem perder de vista o período clássico. No caminho que se percorreu, procurou-se destacar a questão do conceito de sacrifício nesse mito que impulsionou as peças teatrais que são a base do corpus deste trabalho. Verificou-se que todas as obras levantam a ideia do sacrifício simbolizada através da Guerra de Troia e revisitada no momento em que esses autores comparavam valores políticos, sociais e religiosos moldados de acordo com a noção do poder vigente, em suas próprias épocas. Conclui-se, assim, que os três autores fazem uso da tragédia para denunciar o sacrifício e que Ifigênia continua viva no mundo atual. Desde a peça euripideana, a ação está subordinada à palavra, refletindo as tensões entre o poder e o sacrifício do ato / Abstract: This study has as its aim to read a tragedy of the classical Greek theatre written by Euripides, Iphigenia in Aulis, based on a mythical theme, and analyse it from the perspective of the Hellenists and from this, set up a dialogue with the same theme in tragedies of the classical era and contemporary theatre of French writers through the works Iphigénie and Iphigénie ou le Péché des Dieux, of Jean Racine and Michel Azama, respectively. This research is underpinned by modern and post-modern philosophical concepts in order to explain the movement of the myth in those distinct stages of temporality that are part of the evolutionary process of the theatre, from Ancient Greece to modern times, bearing in mind the classical period. In undertaking this trajectory, special focus was given to the question of the concept of sacrifice present in this myth, which inspired the theatrical plays that are the basis of this study. It was confirmed that all the works raise the idea of sacrifice, symbolized by the Trojan War and revisited when these authors compared political, social and religious values molded according to the notion of power present in their respective times. It is concluded that the three authors make use of tragedy to denounce the sacrifice and that Iphigenia is still alive in the contemporary world. Moreover, since the Euripidean play, action is subordinated to the word, reflecting the tension between power and the act of sacrifice / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutora em Educação

Submitted by Fernanda Rodrigues de Lima (fernanda.rlima@ufpe.br) on 2018-09-26T21:59:11Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Anamaria Sobral Costa.pdf: 6712421 bytes, checksum: 4b2a60c6a59861a809eb1e4598ea0b16 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-11-19T20:15:13Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Anamaria Sobral Costa.pdf: 6712421 bytes, checksum: 4b2a60c6a59861a809eb1e4598ea0b16 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-19T20:15:14Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Anamaria Sobral Costa.pdf: 6712421 bytes, checksum: 4b2a60c6a59861a809eb1e4598ea0b16 (MD5) Previous issue date: 2017-09-12 / CAPES / Comumente descritos como opostos, ou como irmãos e rivais, o cinema e o teatro apresentam uma história cheia de conflitos e desconfianças mútuas. Na busca pela especificidade das formas – uma tônica do modernismo – um panorama disjuntivo foi se criando, a ponto de uma forma ser vista como espelho inverso da outra. Certas falas, pensamentos e práticas parecem mostrar que esse antagonismo dura até hoje, quando tanto se fala em dissolução de fronteiras. Baseada na ideia de que a proximidade entre cinema e teatro (que frequentemente fazem uso de elementos em comum: texto, encenação, luz, cenário, figurino, atores etc.) gera uma espécie de tensão identitária, a tese investiga alguns dos argumentos normalmente usados para demarcar cinema e teatro em campos opostos: o teatro é uma expressão baseada no verbal? O cinema é a dança das imagens? O teatro é o lugar da perspectiva fixa enquanto o cinema é o lugar da perspectiva móvel? O cinema está vocacionado às estéticas do real enquanto o teatro se afirma preferencialmente enquanto construção? O trabalho propõe a metáfora da dissonância para interpretar algumas possibilidades e potencialidades de conjunção entre as duas formas, na qual a distinção não é vista como oposição. A dissonância é proposta como estética de uma convivência que, mesmo sendo áspera (e por isso mesmo), pode produzir formas potentes que desafiam os lugares comuns do cinema e do teatro. / Usually described as opposites, or as brothers and rivals, cinema and theater have a history full of conflicts and mutual mistrust. In the search of the specificity of the forms, which is an issue of modernism, a disjunctive panorama has been created until the point in which one form is perceived as the opposite reflection of the other. Some claims, thoughts and practices seem to show that this antagonism lasts until today, even though so much is said about borders dissolution. Based on the idea that the proximity between cinema and theater (that frequently make use of common elements such as text, staging, lights, set, costume, actors etc.) creates some kind of identity tension, this thesis investigates some of the arguments generally used to demarcate cinema and theater in opposite sides: is theater an expression based on verb? Is cinema the dance of the images? Is theater the place of static perspective while cinema is the place of the mobile perspective? Is cinema inclined to the aesthetics of real while theater affirms itself as a construction? This thesis proposes the metaphor of dissonance in order to interpret some possibilities and potentialities of conjunction between these two forms, in which the distinction is not seen as an opposition. The dissonance is proposed as aesthetic of a coexistence that, despite being rough (and hence it), can produce powerful forms that challenge the commonplaces of cinema and theater.

Realizada por Flávio Império em 1973, a direção de Labirinto é considerada diferenciada da direção de todas as montagens até então. Seu aspecto multimídia revelou a abrangência de várias áreas das artes visuais, além da cênica. Flávio imprimiu ao trabalho seu pensamento de arquiteto, ele trabalha a obra com maestria incomum, como se ela fosse formada por micro universos que compõem um excepcional conjunto em que o detalhe faz a diferença. Por meio da reconstituição virtual da cenografia de Labirinto, este trabalho mostra o resgate de uma parte desse espetáculo, buscando trazer ao nosso tempo a imagem não registrada na época. Mais do que a cenografia em si, esse trabalho tentou aproximar-se, ao menos por 5 minutos e 25 segundos de animação, do ambiente e do clima do espetáculo na ocasião, revivendo a beleza incomum da criação de Flávio Império. Labirinto foi uma montagem adiante de seu tempo, somente possível pela genialidade de um artista múltiplo que, com sua habilidade ímpar, expressa, ainda hoje, a modernidade incorporada à encenação. Essa reconstituição revela que Flávio Império não foi somente um grande cenógrafo, mas também um excepcional diretor. Seu trabalho em Labirinto é atemporal e essa reconstituição atesta que, se montado atualmente, este ainda seria um grande espetáculo visual multimídia. / -

ROCIO TOVAR: Directora de teatro desde 1993, con más de 20 obras bajo su dirección. Dentro de sus trabajos teatrales se incluyen creaciones colectivas musicales, algunos de sus trabajos más recordados en esta línea son: "El Perú JAJA", "Tu Lima", ¡Oh Por Dios! y “Shake William Shakes”. Su experiencia dirigiendo Shakespeare incluye la dirección de "Sueño de una Noche de Verano" y "Noche de Tontos". Rocío Tovar es egresada de la Universidad de Lima - Licenciada en Ciencias de la Comunicación. Estudió teatro en la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad de Sao Paulo en Brasil. Trabajó como investigadora y pedagoga hasta culminar su Maestría en Artes en dicha universidad. En Lima trabajó en distintos medios audiovisuales, teatro y también como docente en la Universidad de Lima. Entre sus últimos trabajos se encuentran “El Misterio de Irma Vap” y “Los Perros”, una adaptación para teatro de Reservoir Dogs - la ópera prima de Quentin Tarantino - con la que giró en distintas ciudades del Perú. / JORGE COSTA Jorge Mahatma Costa es un actor, director y profesor de teatro argentino formado en la Escuela Nacional de Arte de Dramático de Buenos Aires. Es fundador de la Compañía de Teatro Corporal. Su trabajo se inclinó hacia la creación escénica y la investigación de la comedia del arte, el teatro físico, las máscaras, entre otros. Su labor como profesor se extiende a diferentes países. En Perú trabajó junto a July Natters para el proyecto “Pataclaun”. Entre sus obras se encuentran "TAMORTO", "Humanidad S.A." , " MI-ME" y "y el tonto se fue"; todas ellas presentadas y/o premiadas tanto en Argentina como en diversos festivales sudamericanos y europeos. Actualmente continua con su trabajo en su escuela así como con las presentaciones de su espectáculo TAMORTO. / ¿Es Hamlet el ejemplo perfecto de cómo recurrir a la comedia incluso en la tragedia? Esta es una de las preguntas que se responderá precisamente en el conversatorio “Hamlet, la comedia en la tragedia”.