A Companhia Teatro de Seraphim (CTS) surge em 1990, no Recife, Pernambuco, e logo se notabiliza pelo requinte artístico de seus espetáculos e pela abordagem polêmica de questões como sexualidade, loucura, religião e família, enfocando em geral grupos excluídos da sociedade brasileira. Seu teatro dá ênfase à teatralidade e à metalinguagem. Tomando, portanto, como eixo teórico a metateatralidade, esta tese examina os valores estéticos do grupo, em um primeiro momento, para em seguida analisar sua realização cênica, especificamente em um espetáculo: A filha do teatro. Análise que, por sua vez, se desdobra sobre dois espetáculos posteriores, encenados fora do âmbito da CTS: Thy name e A morte do artista popular. As três montagens constituem uma espécie de trilogia sobre o teatro, com textos de Luís Augusto Reis, encenados por Antonio Cadengue. Por meio deste estudo, tem-se o objetivo de apresentar a metateatralidade como uma das matrizes da poética teatral da CTS e, por extensão, de Antonio Cadengue, fundador e principal encenador do grupo. / In 1990, the Companhia Teatro de Seraphim (CTS) is founded in Recife, Pernambuco, and soon earns recognition for the artistic finesse of its productions and its controversial approach of issues such as sexuality, madness, religion, and family, generally focusing on excluded groups in Brazilian society. Its theatre gives emphasis to theatricality and metalanguage. Therefore, taking metatheatricality as theoretical basis, this thesis examines the group\'s aesthetic values, at first, to then analyze its scenic attainment, specifically observing one of its productions: A filha do teatro. Analysis which, in turn, is unfolded into the subsequent examination of two other spectacles, though not formally produced by the CTS: Thy name and A morte do artista popular. These three plays, all written by Luís Augusto Reis and staged by Antonio Cadengue, form a kind of trilogy about theatre. This study aims to present metatheatricality as one of the main poetic tenets of the CTS - and, by extension, of Antonio Cadengue, founder and leading director of the group.

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez / Banca: Luiz Fernando Ramos / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: A proposta desta dissertação é analisar textos de dramaturgos contemporâneos paulistanos, entre os anos de 2005 e 2015, tendo em vista a relação entre texto e cena no interior dessas dramaturgias, identificando e refletindo sobre a presença de elementos incorporados de uma gramática cênica que evocam materialidades em suas estruturas textuais. A análise parte do debate sobre a mudança de status do texto ao longo do século XX, considerando o duplo movimento de emancipação do texto e da cena em relação à tutela do gênero dramático, o que configura novas possibilidades de escrita e encenação mais permissíveis entre si. Com base nas referências teóricas cotejadas no primeiro capítulo, cria-se uma grade de análise para o exame das dramaturgias selecionadas, com o objetivo de posicioná-las, no terceiro capítulo, entre dois polos: mythos e opsis - e posteriormente serem consideradas polaridades recorrentes entre dispositivos dramatúrgicos encontrados nos textos. O corpus desta dissertação, analisado no segundo capítulo, é composto por textos de autores vencedores do Prêmio Shell de Teatro em São Paulo na categoria de Melhor Autor no período de onze anos - até o início desta pesquisa. Este recorte é retomado no final do terceiro capítulo com o objetivo de estabelecer conexões entre o processo de legitimação de bens culturais por instâncias de consagração, segundo a conceituação do sociólogo Pierre Bourdieu, e as estruturas dramatúrgicas analisadas, pensando sobre os desdobramentos en... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The purpose of this dissertation is to analyze texts written by contemporary playwrights from the city of São Paulo, between the years of 2005 to 2015, considering a relationship between text and the scene within the dramaturgies, identifying and reflecting on a presence of incorporated elements of a scenic grammar that evoke materialities in its textual structures. The analysis starts from the debate about the change in the state of the text throughout the twentieth century, considering the double movement of emancipation of the text and the scene in relation to the tutelage of the dramatic genre, which sets up new possibilities of writing and staging more permissible among themselves. Based on theoretical references in the first chapter, an analysis evaluation is created for the examination of selected dramaturgies, with the aim of positioning, in the third chapter, between two poles: mythos and opsis - and later considered recurrent polarities between devices found in the texts. The corpus of this dissertation, analyzed in the second chapter, is composed of texts by authors who won the Shell Prize of Theater in São Paulo in the category of Best Author in the period of eleven years - until the beginning of the research. This methodological cut is resumed at the end of the third chapter with the aim of establishing connections between the process of legitimation of cultural goods by instances of consecration, according to a conception of the sociologist Pierre Bourdieu, and the dramaturgical structures analyzed, on the unfolding between theory and practice in contemporaneity, as well as on the function of the author and the notion of authorship, in the context of the new state of the theatrical text - and in the place of the playwright - in the process... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Mestre

Submitted by Maria Eugênia Viveiros Milet (eugeniavmilet@gmail.com) on 2018-04-13T14:54:30Z No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / PROEXT/UFBA / Trata-se de pesquisa cênica, de cunho prático-teórico, em metodologia inspirada na abordagem artístico-compreensiva proposta pela professora Sonia Rangel pela qual a Cena-Experimento em trajeto, objetivo e meta deste estudo, permitiu reconhecer, no percurso da sua prática cênica como pesquisa, os Princípios Dominantes do Encontro, do Brincar e das Narrativas Mitopoéticas, com suas Imagens Operantes. A encenação, objeto e resultado desta pesquisa, situa-se na confluência de estudos teatrais, literários e filosóficos, em diálogos concomitantes com o processo de sua criação, quando e onde se afirma a força transformadora do Devaneio. Destaca-se, nesta pedagogia poética emergente, seu trajeto improvisacional, multicultural e colaborativo de teatro, com base comunitária, realizado com artistas-educadores, jovens atores e atrizes, crianças de um bairro popular da Região Metropolitana de Salvador e com mestras populares da cultura, vindas do sertão da Bahia, com suas bagagens africanas e indígenas, revigoradas e rememoradas no processo da encenação. Através da articulação com outras experiências do teatro na contemporaneidade e no encontro de epistemologias contra-hegemônicas que zelam pela solidariedade e diversidade humanas e pelo encantamento do mundo, revelam-se as instâncias mitopoéticas presentes na Cena-Experimento. Seus autores de referência principais são: Gaston Bachelard, pela Fenomenologia da Imaginação; Lídia Hortélio, pela Cultura da Infância; Armindo Bião, pela Etnocenologia; Guimarães Rosa e Homero, em diálogo com o pensamento da professora Mangabeira Unger; destacando-se, entre outros artistas, o pensamento de encenadores, tais como Peter Brook, Viola Spolin e Sotigui Kouyaté, bem como as narrativas da cultura de tradição nagô e ameríndia, em estreita ligação com o pensamento filosófico e com a literatura, através das obras A Odisseia e o Grande Sertão: Veredas. Ao mesmo tempo, configuram-se trajeto e método de uma encenadora-brincante da Cena-Experimento As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão, revelando-se sua criação cênica pela via da dramaturgia contingente e também seu resultado como forma literária dramática integrada à tese. / The dissertation is about scenic research with theoretical-practical profile. Its methodology is inspired in the Artistic-Comprehensive approach proposed by Sonia Rangel, through which the Experimental Scene in route, aim and goal of this study, allowed to recognize, in the pathway of its scene´s practice as inquiry, the Dominant Principles of the Encounter, of Playing and of the Mythical-Poetic Narratives, with its Operative Images. The staging, object and result of this research, is located at the confluence of the studies on theater, literature, and philosophy, in concomitant dialogue with the process of its creation, when and where the transforming power of the Reverie affirms itself. Of this emergently poetic pedagogy, stands out its improvisational, multicultural and collaborative paths of the theater, based on community, made with educator-artists, young performers and children of a popular district of the metropolitan region of Salvador city, and with traditional culture´s mistresses from the backcountry of Bahia´s State, with theirs African and indigenous heritages, revitalized and reminisced at the performance. The mythical-poetic instances presented in the Experimental-Scene reveals through the articulation with others experiences of the contemporary theater, and at the meeting with the counter hegemonic epistemologies that looked out for human´s solidarity and diversity, and for the world´s enchantment. Their main reference´s authors are: Gaston Bachelard, by the Phenomenology of the Imagination; Lídia Hortélio, by the Childhood´s culture; Armindo Bião, by the Ethnoscenology; Guimarães Rosa and Homero in dialogue with the thought of Mangabeira Unger and, standing out among others artists, the ideas of directors such as Peter Brook, Viola Spolin and Sotigui Kouyaté, as well as narratives of the Nago and Amerindian traditional cultures, in a close relation with philosophical thoughts and with the literature, through The Odyssey and Grande Sertão: Veredas. At the same time, the work composes the course and the method of the player-director (encenadora-brincante) of the Experimental-Scene As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão (The first waters – crossing through the backcountry), revealing her scenic creation through the contingent playwriting´s manner and its result as a dramatic, literary form integrated also to the dissertation.

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramirez / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Sandra Meyer Nunes / Resumo: Nesta pesquisa investigamos aspectos ligados à arte da direção teatral, enfatizando a experiência artística de Anne Bogart na SITI Company - companhia teatral fundada nos Estados Unidos no ano de 1992. Uma das características do trabalho que Bogart desenvolve na SITI Company tem a ver com o treinamento: prática presente em diferentes manifestações artísticas ao longo da história e que se refere, no caso da arte do teatro, a um contínuo aprimoramento sobre as técnicas de ator/atriz. A abordagem aqui realizada diz respeito ao treinamento enquanto um conceito estabelecido ao longo dos séculos XX e XXI segundo prerrogativas determinadas por diretores/diretoras. Na SITI Company, o treinamento resulta da combinação entre o Método Suzuki e o Viewpoints, duas distintas técnicas teatrais que imbricam referências culturais do Oriente e Ocidente. Desenvolvemos reflexões sobre os procedimentos adotados por Bogart na SITI Company, buscando explicitar um entendimento particular das relações estabelecidas entre o conceito de treinamento e a arte da direção teatral. E de que modo isso edifica, para Bogart, uma proposição relacionada às competências de um diretor/de uma diretora. / Abstract: In the current research we investigate aspects related to the art of directing, emphasizing the artistic experience of Anne Bogart in the SITI Company - theater company founded in the United States in 1992. One of the characteristics of Bogart's work developed in SITI Company is about training: a current practice in many different artistic approaches in the theatre history concerning to continuous improvement of the actor's (and the actress's) techniques. Here the training is regarded as a concept which was established throughout the twentieth and twenty-first centuries under prerogatives conceived by theatre directors. In the SITI Company, the training is a combination of the Suzuki Method and the Viewpoints, two different theatrical techniques that overlap cultural references of East and West. We went under reflections on the procedures adopted by Bogart in the SITI Company, in order to specify a particular understanding of the links between the concept of training and the art of directing. And how it becames a proposition for Bogart relative to a director's role. / Mestre

Este estudo constitui-se em uma análise de processos de recepção teatral que se propõe a mapear e discutir acerca das diversas mediações que interpolaram o espaço de criação e de co-autoria entre a linguagem teatral e um grupo de crianças espectadoras, podendo ser localizado na intersecção entre três campos distintos: os Estudos Culturais, a Educação e o Teatro. O foco central é refletir acerca das experiências infantis com o teatro na contemporaneidade. Logo, traço relações e constituo a investigação a partir de um triângulo composto por três vértices: o teatro infantil (como produção cultural), as crianças (enquanto sujeitos-atores-personagens desta história) e a escola (como cenário e comunidade de apropriação e interpretação do teatro pelas crianças). O referencial teórico, bem como as análises efetuadas a partir dos dados construídos junto a um grupo de 18 crianças espectadoras, parte da teoria das mediações de Jesús Martín-Barbero, da proposta das múltiplas mediações de Guillermo Orozco Gómez e do conceito de experiência desenvolvido por Larrosa, entre tantos outros autores que inspiraram este estudo. Na construção do material empírico analisado, vali-me de uma estratégia multimetodológica, na qual as crianças e eu, através de jogos teatrais, narrativas orais, entrevistas, produção gráfica e observação participante, construímos os dados. A modo de conclusão, posso inferir que a escola é uma das mediações mais recorrentes e ativas que atravessam e compõem a relação das crianças com a linguagem teatral. O contato com a mídia, com as tecnologias digitais, com produtos e artefatos audiovisuais e espetaculares diversos também são mediações de relevância (repertório anterior), bem como as mediações referenciais (gênero, sexualidade, etnia e grupos de idade), a família e muitas outras que puderam ser observadas, como a presença de rupturas com leituras (ditas) preferenciais, a fuga do onírico e a presença do escatológico em algumas narrativas infantis. Todas estas mediações sugerem às crianças determinado (re)conhecimento de algumas características e especificidades do teatro, assim como expectativas em relação ao contato com a linguagem teatral. As análises empreendidas demonstram que as múltiplas mediações atravessam e constituem, portanto, as experiências infantis nos processos de recepção, contribuindo para a formação de suas – híbridas – identidades de crianças espectadoras na contemporaneidade.

A pesquisa propõe a construção de um possível conceito de trilha sonora no teatro, e a análise das funções dos profissionais responsáveis por ela, bem como das dificuldades encontradas por esses profissionais para a efetiva realização do seu ofício, em particular no que se refere ao seu papel criador e não apenas executor. Através de entrevistas com criadores de trilha sonora teatral que atuam em Porto Alegre, escolhidos por seus trabalhos diferenciados, buscam-se novas abordagens entre o teatro e a música. Ao problematizar a trilha sonora, o trabalho tem como principais referenciais as teorias de Murray Schafer, Giovanni Piana e Lívio Tragtenberg, no que dizem respeito ao som e à sonoridade no teatro. A investigação dialoga com duas acepções sobre trilha sonora teatral: trilha sonora total, em que todos os sons no espetáculo fazem parte do conceito, e trilha sonora musical, quando se trata diretamente das músicas cênicas da montagem teatral. / This research proposes the construction of a different theater sound design concept, and a sound designer function analyze, also difficulty on the creation to execution process, especially to sound designer creator and not just executor. Through interviews with theater sound designers that act in Porto Alegre, chosen by yours different works, we search new ideas between theater and music. Through writers as Murray Schafer, Giovanni Piana and Lívio Tragtenberg, this research dialogues about sound in theater. We learn about two definitions about theater sound design: total sound design, when every sound in the play is in the concept, and musical sound design, when we deal only with the music of the play.

Orientador(a): Wagner Francisco Araújo Cintra / Banca: Agnaldo Valente Germano da Silva / Banca: Luís Carlos Ribeiro dos Santos / Banca: Dalmir Rogério Pereira / Banca: Reynúncio Napoleão de Lima / Resumo: O grupo Sobrevento é um dos grandes expoentes do Teatro de Animação brasileiro e, em 2016, completou 30 anos de história conduzido por uma ideologia particular que preconiza a busca pelo constante desafio artístico. Por mais de duas décadas, o coletivo dedicou-se ao estudo de diferentes técnicas de manipulação de bonecos, com o intuito de reinventar seu teatro a cada espetáculo, e se tornou referência na arte da animação. Contudo, após 25 anos, passou a se dedicar ao Teatro de Objetos, vertente que utiliza o objeto puro, abandonando o boneco e o intuito de conferir-lhe vida. O presente trabalho propõe uma investigação da trajetória do grupo Sobrevento com o objetivo de evidenciar as motivações estéticas e ideológicas que causaram a transição do Teatro de Bonecos ao Teatro de Objetos. Para tanto, analisa a primeira década da companhia, abordando os principais aspectos que influenciaram sua formação e suas escolhas estéticas. Examina as técnicas utilizadas no decorrer da carreira do grupo, destacando o estudo da Manipulação Direta, inspirada no Bunraku, bem como as experiências realizadas com o Boneco de Luva Chinês e com o Mamulengo. A discussão sobre o abandono da animação na história da companhia ocorre por meio do estudo dos espetáculos São Manuel Bueno, Mártir (2013), Sala de Estar (2015) e Só (2016). À luz da trajetória do objeto no teatro moderno e contemporâneo... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Sobrevento theater group is one of the great exponents of the Brazilian Puppet Theater. In 2016, it has completed 30 years of history driven by a particular ideology that advocates the search for constant artistic challenge. For more than two decades, this group has dedicated itself to the study of different puppet manipulation techniques. Its intention has always been the reinvention of its own theater in each play, and it has become an important reference in the art of puppetry. However, after 25 years, the group began to explore the Theater of Objects, which uses the pure object, abandoning the puppet and the purpose of giving life to it. The present work proposes an investigation about the trajectory of Sobrevento group in order to highlight the aesthetic and ideological motivations that caused the transition from Puppet Theater to Theater of Objects. Therefore, it analyzes the first decade of the company, addressing the main aspects that influenced its formation and its aesthetic choices. All techniques handled during the group's career are considered, but there is further explanation about the study of Direct Manipulation, inspired by Bunraku, as well as the experiments with Chinese Glove-Puppet and Mamulengo. The discussion about the abandonment of puppetry in the company's history happens through the study of three plays, Saint Manuel Bueno, Martyr (2013), Living Room (2015) and Alone (2016). In the light of object trajectory in modern and contemporary theater... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Essa dissertação examina questões relativas à ética nas relações construídas no convívio do processo de criação da prática teatral, a partir de observações colhidas durante os ensaios do espetáculo Primeiro Amor, do Grupo Neelic, de Porto Alegre (RS). O trabalho de campo, registrado em vídeo e acompanhado de diários de ensaio, cartas de intenção e questionários respondidos pelos atores, constituiu a base da reflexão sobre o processo de criação. A problematização aqui desenvolvida a partir do trabalho de campo é nutrida pelo pensamento de diferentes disciplinas, encontrando então suporte teórico em Mikhail Bakhtin, Emmanuel Levinás, Edgar Morin, Constantin Stanislavski, Jerzy Grotowski, Jean-François Lyotard, Jorge Dubatti, Roland Barthes e Spinoza. Considerando as relações da ética com a estética e a política em diversos aspectos, a análise dos encontros do Grupo permitiu destacar as diferentes camadas de relacionamento entre criadores e as interferências de umas sobre as outras; a necessidade hoje do artista enquanto criador-produtor cênico e, finalmente, a indissociabilidade entre as esferas individual, coletiva e social. / This master thesis examines issues relating to ethics in the relationships built within the socialization during the theatrical practice creation process, from observations taken during rehearsals of the spectacle Primeiro Amor, by Grupo Neelic , Porto Alegre (RS). The field work, recorded on video and accompanied by rehearsal journals, letters of intent and questionnaires answered by the actors, formed the basis of reflection about the creation process. The problematization here developed from field work is nourished by the thought of different disciplines, then finding theoretical support in Mikhail Bakhtin, Emmanuel Levinas, Edgar Morin, Constantin Stanislavski, Jerzy Grotowski, Jean-Francois Lyotard, Jorge Dubatti, Roland Barthes and Spinoza. Considering ethics in relation to aesthetics and politics in many ways, the analysis of Group meetings allowed to highlight the different layers of the relationship between creators and the interference of some over others; the need today of the artist as a scenic creator-producer and, finally, the inseparability between the individual, collective and social spheres.

Este trabalho de caráter teórico-­‐prático propõe-­‐se a discutir sobre os espaços situados entre as artes performáticas e o comportamento do mundo contemporâneo centrando-­‐se nos processos de criação do performer, tendo o próprio corpo do artista como objeto de estudo. Inserido numa sociedade que dita padrões corporais através da mídia, o performer quer refletir sobre a cultura do corpo utilizando princípios da Performance art e do Teatro pós-­‐dramático na construção de uma obra artística. Inspira-­‐ se nas noções de “corpo-­‐mito” e “imagens geradoras” para investigar em que medida – e através de quais procedimentos -­‐ o performer consegue desconstruir/corrigir/transformar/reconstruir seu próprio corpo. Compreende a Performance art como uma arte híbrida, e, para tanto, utiliza-­‐se de um grupo de pesquisa cuja interação entre teatro, artes plásticas e video art estruturam os processos criativos. / This theoretical-­‐practical work proposes to discuss the spaces placed between performing arts and the behavior of contemporary world focusing on the performer’s creative processes, with the artist's own body as an object of study. Within a society that dictates standards body through the media, the performer wants to reflect on the culture of the body using the principles of Performance art and Postdramatic theater in the construction of an artistic work. It is based on notions of "body-­‐myth" and "generator images" to investigate how -­‐ and through what procedures -­‐ the performer can deconstruct/fix/change/rebuild his own body. It understands Performance art as a hybrid art, and, therefore, makes use of a research group whose interaction between theater, visual arts and video art structure creative processes.

Esta dissertação propõe uma reflexão sobre o processo de criação em dança-teatro da companhia gaúcha Terpsí Teatro de Dança, grupo artístico que, a cada criação, investe em novos procedimentos e formas de movimentação a partir da atuação de cada um de seus bailarinos. No presente estudo, busca-se identificar os elementos e princípios de composição do referido espetáculo (DITOS E MALDITOS: DESEJOS DA CLAUSURA) evidenciando a estreita relação da poética dessa companhia com a dança-teatro. As reflexões aqui apresentadas estão baseadas em entrevistas com componentes do grupo, observações nos ensaios da remontagem do espetáculo, análise do espetáculo e levantamento bibliográfico da trajetória da companhia. / This dissertation proposes a reflection on the creative process in dance theater approaching theTerpsí DanceTheatre Company, an artistic group that every creation invests on new procedures and forms of movement originated from the performance its dancers. The cutout for the analysis of this research is the work Ditos e Malditos: Desejos da Clausura. In this study, we seek to identify elements and principles of composition present on the referred work, showing the close relationship of the company poetics with dance-theater. The ideas presented here are based on interviews with members of the group, observations during rehearsals for the remake of the show, analysis of the piece as well as literature search on the trajectory of the company.