Orientador:Wagner Francisco Araujo Cintra / Banca: Maria Silvia Betti / Banca: Jose Alfonso Ballestero-Alvarez / Resumo: Esta dissertação se propõe a apresentar o artista plástico, cenógrafo e figurinista Walter Bacci, assim como situar histórica -plástica e teatralmente sua produção. Adicionalmente, esta dissertação tem a intenção de investigar como a formação e desenvolvimento do artista plástico Walter Bacci teve grande influência em sua produção cenográfica e de figurino. Egresso da Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro e um dos primeiros artistas brasileiros a utilizar a técnica do silkscreen, Bacci esteve presente como cenógrafo ou figurinista em algumas das mais importantes montagens teatrais dos palcos brasileiros, entre elas "Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come" (1966) e "Gota D'Água" (1975). Bacci também expôs na mostra oficial da Bienal de Arte de São Paulo no ano de 1965 e após um período de estudo em Paris, retorna ao Brasil, onde começa a difundir a técnica do silkscreen, algo que o acompanha em dezenas de trabalhos de cenografia e figurino na cena teatral carioca. / Abstract: This dissertation intends to introduce Walter Bacci, a painter, stage and scenographic designer, as well as to historically and theatrically place his artistic production. Additionally, this work has the intention to investigate how Walter Bacci's artistic education and development influenced on his scenographic and stage design production. Graduated at Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro and one of the first Brazilian artists to make use of the technique known as silk -screen, Walter Bacci takes part in some of the most relevant theater plays in the 1960's and 1970's, such as, "Se corer o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come" (1966) written by Oduvaldo Viana Filho and Ferreira Gullar and "Gota D'Água (1975) written by Chico Buarque Hollanda and Paulo Pontes. Having his most active period comprised in the 1960's and 1970's, Walter Bacci also participated on the Bienal de Arte de São Paulo in 1965, and after a period of studies in Paris, he returned to Brazil where he started to intensively use silk-screen, and the technique accompanied him in various of works on scenography and stage design, mostly in Rio de Janeiro theater scene. / Mestre

Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Sergio Ricardo de Carvalho Santos / Resumo: O principal objetivo da presente pesquisa é registrar e compreender a trajetória do Projeto Comédia Popular Brasileira (CPB) e, consequentemente, da Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes por meio das personagens criadas durante 15 anos de pesquisa estética (1993-2008). São objetos de análise os projetos específicos desenvolvidos a cada fase do Projeto CPB, suas respectivas peças e espetáculos, concepções de personagens, o trabalho e formação dos atores e a relação estabelecida com o alvo principal de sua vida teatral: o público. Em sua primeira fase (1993-1997) - VER, a Fraternal cria personagens-tipo brasileiras, influenciada pelos comediógrafos Martins Pena, Artur Azevedo e Ariano Suassuna, retomando o diálogo com os tipos fixos da commedia dell'arte. Na segunda fase (1998-2001) - OUVIR, as personagens-tipo cedem o protagonismo às personagens inspiradas nas festas populares medievais, pautadas no estudo teórico de Mikhail Bakhtin. E, na terceira fase (2002-2008) - IMAGINAR, atores saltimbancos apresentam as personagens por meio da narração e da representação. Neste período, a Cia. aprofunda sua prática no jogo cênico estabelecido entre personagens, atores e narradores para a construção dramatúrgica e interpretativa de seus espetáculos, inspirada em Bertolt Brecht e Luigi Pirandello. A escolha de personagens como interlocutoras dos anseios e da história do povo brasileiro refletiu, desde o início, a específica visão de mundo e de cultura popular adotada pela Fraternal, referendada no ponto de vista contrário ao da classe dominante, o da classe dominada, visão reveladora e regeneradora. Dario Fo (1999), Mikhail Bakhtin (1987), Walter Benjamin (1994) e Bertolt Brecht, pautados tanto no que concerne a uma apreensão da encenação e da interpretação cômica, quanto a seus posicionamentos críticos... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present research aims at recording and understanding the trajectory of the Projeto Comédia Popular Brasileira (CPB) and, consequently, of the Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes, through the characters created during the 15 years of esthetical research (1993-2008). The objects of this analysis are the specific projects developed at each phase of the CPB Project, their respective plays and spectacles, the conception of the characters and actors' work and formation as well as their relation with their main target: the audience. During its first phase (1993-1997) - SEE, Fraternal creates Brazilian-type characters, influenced by the comedians Martins Pena, Artur Azevedo and Ariano Suassuna and reestablishing the dialogue with the fixed types of commedia dell'arte. In its second phase (1998-2001) - HEAR, the character-types give space to characters inspired by medieval popular parties/festivals, based on the study of Mikhail Bakhtin. Finally, in its third phase (2002-2008) - IMAGINE, acrobat actors introduce the characters through narration and acting. In this period, the Society deepens its practice through the scenic interplay between characters, actors and narrators for the dramaturgical and interpretive construction of its spectacles, which was inspired by Bertolt Brecht e Luigi Pirandello. The choice of characters as interlocutors of Brazilian people history and wishes reflected, since the very beginning, the specific world and popular culture view taken by Fraternal which is opposed to the dominant class' one. Conversely, it meets the dominated class' view in a revealing and regenerative way. Dario Fo (1999), Mikhail Bakhtin (1987), Walter Benjamin (1994) and Bertolt Brecht, guided by what concerns staging and comic interpretation/acting as well as by their critical view of the artistic activity, were... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Estudo do texto teatral O Mambembe, a partir dos contextos em que foi criado, em 1904, e depois reabilitado, para o público e para a crítica, 55 anos depois. A ótica da recepção destaca esta peça do conjunto da obra de Artur Azevedo, deixando entrever, principalmente a partir de uma possível ideologia de um teatro educador dos sentidos, as contradições do texto com o mundo da diversão teatral na entrada do século XX carioca, sua tentativa de certa forma de escapar a sua massificação, apelando ao passado e à promessa de um futuro mais artístico para o teatro. Na primeira parte se discutem as ideias inaugurais para o teatro de formação na modernidade, e como estas são catalisadas no Brasil em torno de um teatro que civiliza pela formação de almas, até a época de Artur Azevedo. Depois de explorar alguns aspectos históricos da época de O Mambembe, expõe-se um pequeno painel e algumas considerações teóricas sobre a indústria e a estrutura do teatro ligeiro da entrada para o século XX.Na segunda parte do trabalho, ligadas às questões teóricas sobre recepção teatral, são discutidas as noções de teatro e cultura de cada época, através de comentários e críticas de jornais. Depois de uma pequena exposição das mudanças ideológicas e culturais que se passaram no intervalo dos 55 anos entre uma montagem e outra, o trabalho termina com uma proposta de metaforologia do texto a partir das informações colhidas e resultados experimentados / The study of theatrical text O Mambembe, viewed from the contexts in which it was first created, at 1904, and then rehabilitated, for public and critique, 55 years later. The reception sight detaches this play from Artur Azevedos other work, allowing a glimpse - mostly considering theatre for him as educator of the senses - of the text contradictions to the world of theatrical entertainment at the beginning of XX century in Rio de Janeiro, its attempt to in some way escape from the massification of this world, by appealing to the past, and to a promess of a more artistic future for the theatre. The first part discusses the inaugural ideas for the theatre as education in modernity, and how these ideas were catalyzed in Brazil around a theatre that civilizes by souls education, until Artur Azevedos time. After exploring some historic aspects of O Mambembe epoch, there is a small panel and some theoretical considerations about the comedy-musical theatre structure and industry in the beginning of XX century. In the second part of this work, linked to theoretical enquiring into theatre reception, notions of each of the two epochs are discussed through dailies and magazines news and chronicles. After a small exposition about ideological and cultural changes in society during the 55 years between one perform and the other, the work ends with a proposition of a metaphorology of the play, taken from collected informations and experimental results

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:48Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-10-25Bitstream added on 2014-06-13T19:18:22Z : No. of bitstreams: 1 siqueira_gt_me_ia.pdf: 704629 bytes, checksum: c58837562bd1ac33d95a6c1f49be204a (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Neste trabalho são analisados alguns aspectos que constituem a formação da escuta num coletivo de teatro que pretende construir espetáculos em processos colaborativos, cuja organização horizontal das funções envolvidas na criação é pressuposto desse modo de produção. O trabalho deu-se a partir do estudo de caso da coletividade MiniCia Teatro, grupo vinculado à Cooperativa Paulista de Teatro desde 2004 e que tem em seu histórico três espetáculos até o ano de 2009 (data essa que o pesquisador afastou-se do referido coletivo). O título dessa dissertação A Palavra Fora Cena, refere-se à potência formativa dos espaços para além da cena que suscitam diálogos profícuos entre os integrantes de um coletivo teatral. Para pensar alguns aspectos que formam a escuta de um grupo de teatro fez-se necessário discutir as relações de poder intrínsecas às palavras em jogo nos diálogos que perpassavam todas as negociações nesse coletivo. Daí a escolha por pensar as palavras língua, linguagem, experiência e processo colaborativo com vagar desde o capítulo 1, na tentativa de explicitar as acepções apresentadas no contexto dessa dissertação. A perspectiva de dispositivos de interdição da fala, para manter a ordem do discurso, foi posta para que pudéssemos entender em contrapartida quais dispositivos operam como ameaças aos discursos condicionados - cuja função é controlar ouvintes e falantes, mantendo-os numa ordem aceitável de sentidos das palavras ditas – para o favorecimento da formação de uma escuta colaborativa. Propusemo-nos a pensar o que efetivamente aproxima os sujeitos em processo colaborativo teatral e a horizontalidade como modo de produção igualitária entre as potências criativas do trabalho. O foco investigativo é a escuta e a sua formação contínua como condição precípua para todos aqueles... / This work analyses some aspects that constitute the formation of listening in a theater collective that intends to make plays in collaborative processes, whose horizontal organization of functions involved on the creation is the assumption of this means of production. The work began in a case study of the MiniCia Teatro collective, a group associated to the Paulista Theatre Cooperative since 2004 and that has three plays in its background up to the year 2009 (date in which the researcher left the collective). The title of the dissertation The Word Outside The Scene, refers to the formative potency of spaces beyond the scene that make room for fruitful dialogues to arouse among the participants of a theatrical collective. To think of some aspects that form the listening of a theater group it was necessary to discuss the relations of power intrinsic to the words forming the dialogues that ran through all the negotiations in this collective. Hence the choice to reflect on the words language, experience and collaborative process more slowly since chapter 1, in an attempt to make explicit the meanings presented in the context of this dissertation. The perspective of speech interdiction dispositives, so to keep the order of the speech, was set so that we could understand which dispositives work as threats to conditioned speeches – whose role is to control listeners and speakers, keeping them in an acceptable order of meanings of the spoken words – to the benefit of the constitution of a collaborative listening. We suggested the reflection upon what effectively approximates the subjects in theatrical collaborative process and the horizontality as an egalitarian means of production among the work’s creative potencies. The investigative aim is the listening and its continuous formation as a basic condition for all of those... (Complete abstract click electronic access below)

Em face da tendência nas artes cênicas de ocupação dos espaços da cidade, nesta pesquisa apresento quatro eixos de ação, por meio dos quais acredito que é possível pensar a interação do artista cênico com o ambiente urbano na sua multiplicidade de leituras e que os nomeio de trama urbana, contexto, fluxos e percepção-sensação. Apresento estas quatro categorias como possibilidades para se aprofundar o conhecimento dos espaços urbanos como locais cênicos específicos, levando em conta sua complexidade. Como influencia o ambiente urbano no discurso e no desenvolvimento da obra? Para responder, é necessário primeiro entender o funcionamento da cidade e as diferentes camadas que a constituem como sistema gerador de sentido, um espaço para ser lido, quer dizer, uma dramaturgia. Sob este olhar, a cidade não é mais cenografia, mas cocriadora da ação teatral, pois se trata de um espaço com contexto e características próprias que raramente podem ser manipuladas. Assim, precisamos, artistas cênicos, de um pensamento diferenciado que procure não a dominação do espaço, mas a apropriação do espaço de uma maneira criativa e, sobretudo, pensando numa dinâmica de negociação com a cidade. Como continuação a essa proposição de pensamento, estabeleço algumas reflexões e problematizações sobre o fazer; a teoria proposta levada para a prática e a prática pensada com base nesta teoria; as questões que se tem gerado e as diferenças que tenho percebido em relação ao trabalho dentro de uma sala de teatro tradicional. A pesquisa parte das ideias de Richard Schechner sobre teatro ambiental, assim como na teoria desenvolvida por André Carreira sobre a cidade como dramaturgia. Além disso, a base teórica foi complementada com olhares de outras áreas do conhecimento, como o Urbanismo e a Sociologia, com o intuito de gerar uma visão abrangente que possibilite uma visão íntegra da cidade, para além da ideia de um espaço apenas cenográfico. / Ante la tendencia de ocupación de los espacios de la ciudad para el ejercicio de las artes escénicas, presento en la siguiente investigación cuatro ejes de acción por medio de los cuales creo que es posible pensar la interacción del artista escénico con el ambiente urbano en su multiplicidad de lecturas y a los cuales he llamado trama urbana, contexto, flujos y percepción-sensación. Coloco estas cuatro categorías como posibilidades para profundizar en el conocimiento de los espacios urbanos como locales escénicos específicos, tomando en cuenta su complejidad. ¿De qué manera influye el ambiente urbano en el discurso y desarrollo de la obra? Para responder, es necesario entender primero el funcionamiento de la ciudad y los diferentes niveles que la constituyen como sistema generador de sentido, un espacio para ser leído, es decir, una dramaturgia. Bajo este punto de vista, la ciudad ya no es escenografía, sino co-creadora de la acción teatral, pues se trata de un espacio con contexto y características propias que raramente pueden ser manipuladas. Así, necesitamos artistas escénicos con un pensamiento diferenciado que no busquen la dominación del espacio, sino la apropiación del espacio de una manera creativa y, sobretodo, que piensen en una dinámica de negociación con la ciudad. Como continuación a esa propuesta de pensamiento, presento algunas reflexiones y problemáticas sobre el ejercicio de estos conocimientos; la teoría propuesta llevada a la práctica y la practica pensada con base en esta teoría, las cuestiones que han surgido y las diferencias que he percibido en comparación al trabajo en una sala de teatro tradicional. La investigación parte de las ideas de Richard Schechner sobre teatro ambiental, así como de la teoría desarrollada por André Carreira sobre la ciudad como dramaturgia. Adicionalmente, esta base teórica fue complementada con ideas de otras áreas del conocimiento como el Urbanismo y la Sociología, esto con la intención de crear una visión amplia que posibilite un pensamiento íntegro sobre la ciudad, más allá de la idea de un espacio apenas escenográfico.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. / Submitted by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2014-10-13T19:34:40Z No. of bitstreams: 1 2014_AdrianoRoza.pdf: 6234238 bytes, checksum: 1b672bb150fcb7e71c6030c527bd1b7e (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2014-10-17T19:07:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_AdrianoRoza.pdf: 6234238 bytes, checksum: 1b672bb150fcb7e71c6030c527bd1b7e (MD5) / Made available in DSpace on 2014-10-17T19:07:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_AdrianoRoza.pdf: 6234238 bytes, checksum: 1b672bb150fcb7e71c6030c527bd1b7e (MD5) / O presente estudo aborda teatro e vídeo a partir dos conceitos de visceralidade (de estudos artaudianos) e de fotogenia (de estudos cinematográficos), conceitos, estes, que se relacionam intimamente posto que partilham dos mesmos ideais, em especial, o ideal de presente como instante incapturável que se dá como interrupção da continuidade temporal passado-futuro. Em qualquer que seja a situação, teatral ou videográfica, a experiência desse instante se dá pelo que Derrida chamou de totalidade dos sentidos. A imagem videográfica, como impacto sinestésico da experiência desse presente instantâneo, possui força semelhante a do próprio impacto causado pela presença do ator vivo em cena. Nesse sentido, não haveria qualquer empecilho para que o vídeo participe do acontecimento teatral como presença viva em potencial. Apresento, então, duas análises de espetáculos onde proponho uma aplicação um pouco mais prática do tipo de percepção conceitualizada anteriormente. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present study approaches theatre and video from the concepts of viscerality (from artaudian studies) and photogeny (from cinema studies), concepts that are closely related since they share the same ideals, in particular, the ideal of the present as an intangible instant that occurs as an interruption of the temporal continuity past-future. In whatever situation, theatrical or videographic, the experience of that moment happens by what Derrida called the totality of the sense. The videographic image, as the synesthetic impact of the experience of this instant, has similar potency than the one of the impact caused by the presence of the live actor on stage. In this sense, there would be no impediment to the video participate of the theatrical event as a potential living presence. Then I present two analyzes of spectacles where I propose a bit more practical application of the kind of perception previously conceptualized.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2009. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-08T23:07:29Z No. of bitstreams: 1 2009_AnaTerraLemedaSilva.pdf: 1008257 bytes, checksum: 269986fff6645f91757a2c70711a10e0 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-08T23:07:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_AnaTerraLemedaSilva.pdf: 1008257 bytes, checksum: 269986fff6645f91757a2c70711a10e0 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-04-08T23:07:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_AnaTerraLemedaSilva.pdf: 1008257 bytes, checksum: 269986fff6645f91757a2c70711a10e0 (MD5) / A presente dissertação investiga três personagens femininas de Shakespeare, aplicando princípios da abordagem lugar de fala, proposta pela Prof. Dra. Silvia Davini. Essa investigação pretende levantar subsídios para futuras performances que considerem a esfera acústica e simbólica da palavra, como um ponto de partida para a atuação. As três personagens estão organizadas, considerando o drama do qual fazem parte, num percurso que parte de uma máxima impossibilidade feminina e vai em direção a uma máxima possibilidade feminina. Tal percurso acompanha a cronologia das obras e as personagens são: Lavínia, de Tito Andrônico; Rosalinda, de Como Gostais e Marina, de Péricles, Príncipe de Tiro. Para essa investigação foram realizadas três frentes de trabalho em simultâneo: o estudo da arquitetura das personagens em relação à obra a qual pertencem; exercícios de fala com trechos dos textos das personagens (CD de áudio em anexo) e uma imersão como espectadora em montagens teatrais na cidade de Buenos Aires. A produção de Peter Hall e Cicely Berry contribuiu especialmente no desenrolar desse trabalho. Por serem diretores e preparadores vocais shakespeareanos, suas experiências trouxeram dados formais do texto que se revelaram úteis à atuação. A interação das três frentes de trabalho permitiu gerar reflexões sobre a relação entre a forma dos textos das personagens e os respectivos perfis femininos apresentados por elas. Dessa forma, através de princípios do lugar de fala, se levantam pontos de partida para atuação alternativos à freqüente subalternização da palavra dita no meio teatral contemporâneo. ____________________________________________________________________________ ABSTRACT / The thesis investigates three female characters of Shakespeare by applying principles of the speech’s place approach, proposed by PhD. Silvia Adriana Davini. This research aims to raise sources for future performances that consider acoustic and symbolic dimension of the word as a starting point for acting. The three characters are organized in a feminine journey considering the drama that each one of them belongs. It has to be said that the journey begins in a feminine maximum impossibility and goes to a feminine maximum possibility, following the chronology of the works. The characters are: Lavinia, from Titus Andronicus; Rosalind, from As You Like It and Marina, from Pericles, Prince of Tire. The research demanded the acomplishment of three work fronts simultaneously: the study of the characters’ architecture in relation to the work it emerges; speech exercises with excerpts of the studied texts (audio CD attached) and a immersion as a spectator in theater performances in the city of Buenos Aires. It was especially valuable to this research, the production of Peter Hall and Cicely Berry. Being directors and Shakespearean speech coaches, their experiences have brought text formal data valuable to performance. The interaction of these three work fronts has allowed thinking about the relationship between the texts’ form and the respective female profiles presented by them. Thus, through the principles of speeche's place approach, one can rise starting points for action alternative to the frequent subordinate treatment aplied to speech in contemporary theatre.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2010. / Submitted by Claudiney Carrijo de Queiroz (claudineycarrijo@hotmail.com) on 2011-06-26T15:47:29Z No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2011-06-27T19:32:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / Made available in DSpace on 2011-06-27T19:32:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_ConsueloPiedadeBernardoFerreira.pdf: 3829091 bytes, checksum: ce96dfa82d57d7cfb37f7ec257754d1b (MD5) / O objetivo desse estudo foi investigar a expressividade no sociodrama. Procuramos identificar gestos e falas como componentes expressivos neste método sociátrico. A pesquisa é de natureza qualitativa, com enfoque fenomenológico, com observação e registros. Foram realizados cinco sociodramas em dois contextos diferentes. O primeiro contexto, chamado Sociodrama 1, foi composto por alunos e professores do Centro de Ensino Médio de Taguatinga Norte/DF; o segundo, chamado Sociodrama 2, foi composto por alunos de uma pós-graduação em psicodrama. No Sociodrama 1 participaram cerca de quarenta alunos e quarenta professores. O foco foi questões relacionadas ao prazer e ao sofrimento na profissão de professor e na motivação para aulas. No Sociodrama 2, participaram seis alunos, tendo como foco a relação opressor-oprimido com a coordenação do curso. Os dados foram coletados a partir de anotações em diário de bordo, fotografias e filmagens. Como principais resultados temos que no Sociodrama 1, em grandes grupos, os participantes não tinham familiaridade com o método, apresentou pessoas que se expressaram com boa qualidade dramática, com aquecimento e concentração e outras que tiveram dificuldade em se expressar e se mantiveram dispersos durante a prática. No Sociodrama 2 o grupo era menor, os participantes tinham familiaridade com o método psicodramático, todas as pessoas apresentaram boa qualidade dramática, com aquecimento e concentração. Concluímos que a expressividade no sociodrama vai além dos gestos e das falas. Os gestos foram transformados em ações e as falas em textos. A partir da inter-relação entre ações e textos pudemos observar as emoções como principal atravessamento expressivo da cena cotidiana. Os gestos revelaram as ações dos indivíduos e dos grupos sociais, aos quais pertencem; as falas demonstraram qual é o texto coletivo e o individual; a emoção aliviou as tensões geradas na convivência grupal. A expressividade no sociodrama proporcionou o conhecimento de si mesmo, a revelação de como o grupo age e a manifestação de sentimentos originados no cotidiano. Foi possível ampliar o conceito dessa qualidade e entender que tanto pessoas comuns, quanto profissionais das artes cênicas, podem treinar a expressividade por meio do método do sociodrama. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objective of this study was to investigate expressiveness in sociodrama. It is an attempt to identify gesture and speech as expressive components in this sociatric method. The research is qualitative, with a phenomenological approach, observation and record keeping. Five sociodramas were realized in two different contexts. The first context, named Sociodrama 1, was composed by students and teachers of the Taguatinga Norte/DF Middle School (Centro de Ensino Médio de Taguatinga Norte/DF); the second, Sociodrama 2, was composed by post-graduate psychodrama students of the University of Brasilia. In Sociodrama 1, about forty students and forty teachers participated. The focus was on questions related to pleasure and suffering in the teachers´ profession and their motivation to teach. In Sociodrama 2 six students participated, focusing on the opressor-opressed by their University course coordination relation. The data was collected through annotations in a diary, photography e filming. The main results in Sociodrama 1 are: in large groups, whose participants were not familiar with the method, some people expressed themselves with good dramatic quality, warm-ups and concentration, and others had difficulty expressing themselves and remained disperse during practice. In Sociodrama 2 the group was smaller, participants were familiar with the psicodrama method, and they all presented good dramatic quality, with warm-ups and concentration. The reached conclusion was that expressiveness in sociodrama is more than gesture and speech. Gestures were transformed into actions, and speech into texts. With basis on the inter-relation between action and texts it was possible to verify emotions as the main expressive manifestation of daily scenes. Gestures revealed the actions of individuals and the social groups they belong to; speech demonstrated which text is collective and which is individual; emotions alleviated tension generated in the groups´ convivial. Expressiveness in sociodrama provided self-knowledge, revelations on how groups act and the manifestation of feelings originated in daily life. It was possible to broaden the concept of this quality and to understand that even common persons, as well as professional actors, can train expressiveness through sociodrama.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, 2011. / Submitted by Tania Milca Carvalho Malheiros (tania@bce.unb.br) on 2012-03-16T17:53:39Z No. of bitstreams: 1 2011_CesarLignelli.pdf: 4564155 bytes, checksum: c01a402230663522777141f861ae4419 (MD5) / Rejected by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br), reason: Tânia, Você esqueceu de bloquear o arquivo! Marilia on 2012-03-21T13:06:04Z (GMT) / Submitted by Tania Milca Carvalho Malheiros (tania@bce.unb.br) on 2012-03-21T13:27:18Z No. of bitstreams: 1 2011_CesarLignelli.pdf: 4587703 bytes, checksum: 48c41749bcda47b6efb96b1837b6a4f0 (MD5) / Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2012-03-21T13:28:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_CesarLignelli.pdf: 4587703 bytes, checksum: 48c41749bcda47b6efb96b1837b6a4f0 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-03-21T13:28:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_CesarLignelli.pdf: 4587703 bytes, checksum: 48c41749bcda47b6efb96b1837b6a4f0 (MD5) / As experiências, dúvidas e desejos de um artista e docente promoveram as perguntas: É possível a apreensão e a produção de sentido dos sons por parte de qualquer pessoa? Como tornar essa apreensão possível? Em que podem ser úteis os achados de uma pesquisa dessa natureza? A partir desses questionamentos, foram delineadas relações entre o autor, os sons e suas especificidades. As complexas peculiaridades materiais e de contextos da produção e recepção dos sons inspiraram a forma de composição da tese, em relação estreita com as opções epistemológicas, metodológicas e conceituais. A proposta desta pesquisa, desde a sua forma, é que as imagens estáticas e em movimento, as representações gráficas dos sons e os próprios sons, com seus conceitos, definições e percursos históricos, não sofram distinções hierárquicas e exclusivistas, as quais, no caso, imprimiriam uma distância indesejada na nossa experiência com o objeto. Nesse sentido, na tese, não há divisão entre corpo do texto e anexos; teoria e prática. A ideia é que as instâncias de produção de sentido apresentadas mostrem-se, de fato, inter- relacionadas - assim como ocorre com o nosso corpo, os sons e as cenas. Após a apresentação de inúmeras possibilidades dos sons e de características da escuta, eles são relevados, definidos, expandidos e postos em práticas corporais, partindo dos parâmetros do som em performance. Considerando o efeito dos sons para a percepção humana, foram problematizadas noções de silêncio, ruído, intensidade, frequência, timbre, ritmo, contorno, direcionalidade e reverberação. Compreendendo os parâmetros do som, ganha foco também a dimensão acústica envolvida pela voz, palavra, música, entorno acústico e o seu desenho no tempo e no espaço das cenas - com predominância pedagógica ou estética. A originalidade desta pesquisa está principalmente, em como foi pensada e tecida. Essa tessitura envolveu a compreensão multiperspectivada de distintas áreas de conhecimento e o desejo de aproximação entre as possibilidades de apreensão e de produção de sentido a partir dos sons e a sua realização efetiva. As práticas apresentadas podem ser experimentadas por professores, estudantes, atores e outras pessoas - independente de seu grau de instrução e domínio musical. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / An artist that is also a teacher and his experiences, doubts and hopes leaded to these questions: Is it possible to any person the aprehension and production of the sounds’ meanings? How to make this aprehension possible? How the findings of such a study can be useful? With those questions were possible to outline the relations between the author, the sounds and their specificities. The peculiarities of the sound, its materials and its contexts of production and reception were an inspiration to the way how the thesis were composed, in close relation to the epistemological, methodological and conceptual aspects. In a connection with its material format, this research has as a purpose that the still and moving images, the graphical representations of sounds and the sounds themselves, with their concepts, definitions and history, are not under hierarchical and exclusionary distinctions which, in the case , could represent an unwanted distance on our experience with the subject. In this sense, there is no division between the text body and its attachments; chapters - historical, methodological and conceptual - ; theory and practice. The idea is that the production of different instances of meaning should be, in fact, interrelated - as are our bodies, the sounds and the theatrical scenes. The many possibilities of the sound and its different features were presented. After that, they were distinguished, defined, expanded and put into corporal practices, based on the parameters of the sound in performance. Taking into account the sounds and its effects to the human perception, the notions of silence, noise, intensity, frequency, timbre, rhythm, shape, directionality and reverberation have been problematized. To understand the parameters of sound is bring the focus to the acoustic dimension that includes voice, word, music, acoustic environment and its design in the scene’s time and space, that is mostly educational and aesthetic. The originality of this research is found primarily in how it was conceived and woven. This kind of texture involved a multiple understanding of different fields and the will to put together all the apprehension potentials of the body, the sounds’ meanings production and its effective implementation. The practices presented here can be experienced by teachers, students, actors and others - regardless of their level of education or musicalknowledge. ______________________________________________________________________________ RESUMÉ / Les expériences, les doutes et les désirs d'un artiste et enseignant promu aux questions suivantes: Est-il possible de saisir et d'ordonner la production des sons par n'importe qui? Comment faire de cette interprétation possible? Dans ce qui pourrait être utile aux conclusions d'une enquête de cette nature? A partir de ces questions ont été décrites les relations entre l'auteur, les sons et leurs spécificités. Les particularités des matériaux complexes et des contextes de production et de réception de sons ont été inspirée par la forme de la composition de la thèse, en relation étroite avec les options épistémologiques, méthodologiques et conceptuels. Le but de cette pesquisition, depuis sa forme, c'est qui les images fixes et animées, des représentations graphiques des sons et les sons eux-mêmes, avec leurs concepts, des définitions et des histoires, ne sont pas atteints et exclusif istinctions hiérarchiques qui, dans le cas , impriment une distance non désirés sur notre xpérience avec l'objet. En ce sens, dans cet thèse, il n'ya pas de division entre le corps du texte et les pièces jointes; chapitres - historiques, méthodologiques et conceptuels - théorie et pratique. L'idée est que les instances de production du sens a été démontré que, en fait, sont étroitement liés - comme c’est le cas de notre corps, les sons et les cènes théâtrales. Après avoir fait un certain nombre de possibilités de les sons et de fonctionnalités de l'écoute, ils sont reconnus, définis, élargi et mis en pratique corporel, sur la base des paramètres du son dans les performances. Considérant l'effet des sons à la perception humaine, ont été problématisé notions de silence, le bruit, l'intensité, la fréquence, le timbre, le rythme, la forme, la directivité, et de réverbération. Avec la compreesion de les paramètres du son, il’ya aussie d’enquadrement dans la dimension acoustique avec la voix, la parole, la musique, l'environnement acoustique et la conception de temps e d’espace dans les cènes - essentiellement éducatif ou esthétique. L'originalité de cette pesquisition est principalement dans la façon dont il a été conçu et tissé. La tessiture impliqués la compréhension de perspectives multiples à propos de différents domaines du savoir etaussie le désir de réunir le potentiel corporel d'appréhension et de production de sens à partir des sons et de son application effective. Les pratiques présentées peuvent être expérimentés par les enseignants, étudiants, acteurs et autres - indépendamment de leur niveau d'éducation et la connaissance musical.

O presente estudo analisa os procedimentos formais do jornal vivo, forma teatral fundamentada na encenação de notícias, conforme o gênero configurou-se nos Estados Unidos e no Brasil. Para tanto, define como objeto, do lado estadunidense, o jornal vivo Injuction Granted (Liminar é Concedida), produzido no âmbito do Federal Theatre Project (Projeto Federal de Teatro), iniciativa do Governo de Franklin Roosevelt para lidar com o desemprego provocado pela Grande Depressão, na década de 1930. Do lado brasileiro, faz-se uma leitura de Teatro Jornal: Primeira Edição, exposição didática de nove técnicas de encenação desenvolvidas por jovens artistas reunidos no Teatro de Arena de São Paulo e sistematizadas pelo teatrólogo Augusto Boal. O trabalho é introduzido por uma breve história da forma do jornal vivo, consolidada no período da Revolução Soviética, que procura apresentar suas principais manifestações e alguns dos caminhos que percorreu, principalmente nas décadas de 1920 e 1930. Demonstra-se que o jornal vivo sempre foi uma forma teatral ancorada na luta dos trabalhadores, sendo uma vertente central da arte de agitação e propaganda. A análise de suas manifestações nos Estados Unidos e no Brasil, dessa maneira, leva em conta o momento histórico dos países quando da produção das referidas peças, tentando relacionar conformação estética e horizonte político continuamente. O materialismo histórico ampara tal reflexão e, mais especificamente, sua aplicação ao pensamento sobre teatro, consubstanciada na teoria do teatro épico, desenvolvida por pensadores como Bertolt Brecht, Peter Szondi e Anatol Rosenfeld. / This is a study of the formal procedures of the living newspapers a theatrical form based on the theatricalization of news according to their configuration in the United States of America and in Brazil. Therefore, the work defines as an object in the American side the living newspaper Injunction Granted, a play staged under the Federal Theatre Project, which was one of Franklin Roosevelts programs to deal with unemployment during the Great Depression in the 1930s. In the Brazilian side, the focus is on Teatro Jornal: Primeira Edição (Theatre Newspaper: First Edition), a didactic exposition of nine staging techniques developed by young artists which had joined Teatro de Arena de São Paulo, as systematized by director Augusto Boal. This study begins with a short history of the form of the living newspaper which was cemented during the Soviet Revolution that tries to present its main ways of actualization and some of the paths taken by this genre, chiefly in the 1920s and 1930s. The work demonstrates that the living newspapers were always anchored on the workers struggle and are a central strand of the art of agitation and propaganda. Thus the examination of the American and Brazilian manifestations of the genre takes into account the historical conjuncture of both countries at the time the plays were produced, trying to continuously relate aesthetic conformation and political horizon. Historical materialism supports that reflection more specifically its application on the ideas about theater which were consubstantiated in the theory of the epic theater, developed by thinkers as Bertolt Brecht, Peter Szondi and Anatol Rosenfeld.