Orientador: Neyde de Castro Veneziano Monteiro / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-21T21:52:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_WaterlooJoseGregorioda_M.pdf: 3726268 bytes, checksum: b7dd1d0ebc79dd238ca7ae2a65d516c9 (MD5) Previous issue date: 1996 / Resumo: Não informado / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento / Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-03Bitstream added on 2014-06-13T19:32:24Z : No. of bitstreams: 1 abib_jr_me_arafcl_prot.pdf: 470315 bytes, checksum: aee73f979451fa2d1e4b6c02a865ab74 (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia – O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) –, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don’t hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia – O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2017-04-06T20:01:19Z No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2017-04-13T15:04:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-13T15:04:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / A tese recupera aspectos do teatro em Brasília e discute sua relação com o contexto político dos anos 1960 e 1970. Para isso, é feita a recuperação do panorama do teatro político no século XX no Brasil, para analisar a produção da cidade dentro desse contexto mais amplo e como parte de um sistema que compartilhava dos mesmos conteúdos e muitas vezes das mesmas metodologias teatrais. O trabalho dialoga com a fortuna crítica do teatro político como Brecht, Piscator dentre outros e sobre as artes cênicas na cidade. Ainda, pretende formar um campo de visão que permita a análise da dramaturgia produzida nas primeiras décadas de Brasília, e identificar seu forte comprometimento com as questões políticas da época. Fatos relacionados à censura durante a ditadura militar e à produção do teatro e da dramaturgia local igualmente fazem parte desta tese. Também é feita a análise literária das peças Um Uísque para o Rei Saul, de César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas de Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco de Luiz Gutemberg, O Quarto de Dácio Lima e Capital da Esperança, do Grupo Carroça, dirigida por Humberto Pedrancini. / The thesis recovers aspects of the theater in Brasilia and discusses its relationship to the political context of the 1960’s and the 1970’s. To achieve that the panorama of the political theater in the twentieth century in Brazil is retrieved in order to analyze the city's theatrical production within this broader context and as part of a system sharing the same content and often the same theatrical methodologies. The work speaks to the critical fortunes of the political theater like Brecht, Piscator among others and about the performing arts in the city. Moreover it intends to form a visual field that enables the analysis of the dramaturgy produced in the first decades of Brasilia and identify its strong commitment to the political issues of the time. Facts related to the censorship during the military dictatorship and the theatrical production and local dramaturgy are also part of this thesis. Additionally a literary analysis of the following plays are made: Um Uísque para o Rei Saul, by César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas by Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco by Luiz Gutemberg, O Quarto by Dácio Lima, Capital da Esperança, by Grupo Carroça, directed by Humberto Pedrancini.

Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: Maria Lucia de Souza Barros / Banca: Kathya Maria Ayres de Godoy / Resumo: Esta pesquisa teve como principal objetivo estudar procedimentos pedagógicos de treinamento corporal de atores. Para isso, o processo artístico e pedagógico da diretora, atriz e professora da Escola de Arte Dramática EAD-USP, Cristiane Paoli Quito, serviu de guia e condutor desta pesquisa. Os sujeitos observados foram os alunos do terceiro ano da Escola de Arte Dramática, Turma 59/EAD-USP. O período estudado foi de agosto a dezembro de 2009. Foram observados e analisados os procedimentos pedagógicos de construção da dramaturgia corporal, utilizadas por essa diretora na montagem da peça teatral O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, adaptada ao teatro pelo dramaturgo e professor da Escola de Arte Dramática (USP), Rogério Toscano, com a colaboração de todo o elenco de atores/estudantes da turma 59/EAD-USP. A montagem da peça, O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá, fez parte da aula de Estudos e Práticas de Montagem e foi dirigida por Cristiane Paoli Quito. Mesmo tendo observado e analisado a montagem teatral como um todo, concentrei-me em um foco principal: descrever e analisar o processo pedagógico de construção da dramaturgia corporal na montagem da peça O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá de modo a compreender como Cristiane Paoli Quito trabalha, pedagogicamente, a construção da dramaturgia corporal com alunos/atores na criação de um espetáculo. Sendo assim, o trabalho pedagógico de construção das ações físicas com os atores da turma 59 EAD/USP teve maior importância nesta pesquisa, se comparada a outros elementos que envolvem uma montagem teatral (texto, direção, luz, cenário, música, figurino etc.). O trabalho da coreógrafa e bailarina Tarina Quelho também foi analisado, uma vez em que essa fez a parte da preparação corporal dos alunos/atores, através da técnica do BMC... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The main aim of this study is to understand pedagogical procedures of the bodily training of actors. For this, the artistic and pedagogical process of Cristiane Paoli Quito director, actress and teacher at the School of Dramatic Art EAD-USP served as a guide. The third year students of the School of Dramatic Art, Group 59 EAD-USP were the subjects observed. The study took place between August and December 2009. The procedures utilised by this director while putting together the play The Swallow and the Tom Cat : A Love Story were observed and analysed. This literary work by Jorge Amado was adapted to the stage by Rogerio Toscano, teacher and dramatist at the School of Dramatic Art EAD-USP, with the collaboration of the whole cast of actors / students of Group 59. The putting together of the play The Swallow and the Tom Cat: A Love Story was part of a class called Estudos e Praticas de Montagem (Studies and Practices of plays) and was directed by Cristiane Paoli Quito. Even having observed the putting together of the whole play, the study main focus is: describe and analyse the pedagogic construction of the physical dramatisation of the play. This study can be summed up with one main question: how is it that Cristiane Paoli Quito work, pedagogically with the construction of the physical drama with students/actors in the creation of the play? In this way the pedagogical work of the construction of the physical actions of the actors of Group 59 EAD/USP was the most important thing in the study, if compared to the other elements which are involved in putting together a play (text, lights, scenery, music and costumes). The work of the choreographer and ballerina Tarina Quelho was also analysed, as she prepared the students/actors using a technique called BMC (mind body centring). Rogerio Toscano took part as a dramatist, helping Group 59 in reinterpretation of Jorge Amado's original text. He is also extensively quoted in this dissertation / Mestre

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramirez / Banca: Mário Fernando Bolognesi / Banca: Cassiano Sydow Quilici / Título na capa do anexo: Escritos de si e escritos de outros: descrições, dramaturgias, narrativas e roteiros da atividade criadora do Terra de Santo de Os Fofos Encenam / Resumo: Partindo de uma abelhudice do pesquisador sobre o ato criador do grupo de teatro Os Fofos Encenam, que desenvolve seus trabalhos artísticos na cidade de São Paulo, essa pesquisa atravessa o período dos procedimentos e processos da atividade criadora do projeto Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, que tinha em seu principal objetivo, a investigação das manifestações e rituais sacro-profanos da cultura da cana-de-açúcar nos cinco séculos de Brasil, um pretexto para estabelecer um olhar sobre a sociedade brasileira contemporânea e a busca de uma tradução dramatúrgica e cênica desta relação. Esta pesquisa buscou compreender a gênese, a essência, o modus operandis desta atividade de criação artística, tratando-se, dessa forma, de uma análise fenomenológica embasada parcialmente na proposta metodológica de pesquisa-ação, visto que o pesquisador-ator é também um ator-pesquisador do processo de criação, e atrelada à metodologia pluralista de Paul Feyerabend e à relação de complementaridade defendida por Niels Bohr, que possibilitam uma percepção perspectivista e menos racional sobre o percurso do projeto de Os Fofos Encenam e seus resultados: o texto dramatúrgico pós-cênico e o texto espetacular Terra de Santo. Texto construído em processo colaborativo entre o dramaturgo e os atores; uma encenação como forma primária de site-specific e atos de criação de personas fundamentados na memória pessoal. / Abstract: Arising from the researcher's curiosity about the creative activity of the theater group Os Fofos Encenam, which develops its artwork in the city of São Paulo, the present research was conducted along the procedures and processes of the creative activity of the project Memória da Cana, Parte II - O Pentateuco, whose main goal was to investigate the manifestations and sacred-profane rituals of Brazil's sugar cane cultivation throughout the country's five centuries, a pretext to perceive the Brazilian contemporary society in order to portray a dramaturgical and scenic translation of it. The present research sought to understand the genesis, the essence, the modus operandis of the referred artistic creation activity, therefore, it is a phenomenological analysis partially grounded in the methodological approach of action-research, seeing that the researcher-actor is also an actor-researcher of the creation process. The research is linked to Paul Feyerabend's methodological pluralism and the complementarity principle, formulated by Niels Bohr, which enables a perspectival and less rational perception of the route of the project Os Fofos Encenam and its results: the post-scenic playscript and the spectacular Terra de Santo script. Playscript made by the collaborative process of the playwright and the actors; a primary form of site-specific art staging and the act of creating personas based on personal memory. / Mestre

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, 2010. / Submitted by Claudiney Carrijo de Queiroz (claudineycarrijo@hotmail.com) on 2011-07-14T14:38:28Z No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-07-14T22:26:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-07-14T22:26:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_MarcioNascimentoMenezes.pdf: 1944504 bytes, checksum: d84e34630de8b5ddf03e66f55d83ff54 (MD5) / A participação da platéia em espetáculos teatrais foi objeto de investigação e de na obra de diferentes autores ao longo do século XX. Um dos fatores que influencia a participação da platéia é o uso de ferramentas, pela direção e pelos atores, que organizam, fomentam e permitem esta inserção; o conjunto desses instrumentos denominamos "dispositivos". O uso desses dispositivos tanto qualificam a participação quanto favorecem o entendimento do espetáculo como uma obra aberta à interferência do público - uma dramaturgia aberta. Assim, a Dramaturgia Aberta parte do pressuposto de que a construção do texto cênico e do próprio espetáculo pode ser considerada como acontecimento cênico fluído, em detrimento da compreensão restrita ao texto escrito ou a sua forma "fechada", contando com a participação ativa do público de modo direto, objetivo e necessário. O objetivo desta dissertação é analisar comparativamente espetáculos onde foi utilizada a "dramaturgia aberta" apontando semelhanças e particularidades a fim de se discutir criticamente sua pertinência. Os espetáculos "Viração", "Casa de Bonecas - servido por homens" e "Com que roupa?" são descritos e analisados à luz das categorias "dispositivos", "abertura" e "participação". Os resultados exemplificam diferentes maneiras e propósitos na utilização de dispositivos, bem como revelam que esse uso pode favorecer a abertura da obra e a participação do público. São apresentados e comentados depoimentos da platéia apresentando aspectos favoráveis e desfavoráveis a apresentações do tipo "dramaturgia aberta". As críticas em muitos aspectos são as mesmas apontadas no referencial teórico às experiências de diversos autores no século XX. As avaliações positivas reforçam o argumento inicial, segundo o qual o teatro não é obra acabada, mas processo continuado, ainda em sua apresentação. A participação aponta, ainda, elementos que favorecem a educação estética e a formação crítica da platéia. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The participation of audience in theatrical performances was object of investigation and the works of authors throughout the twentieth century. One of the factors that influence the participation of audience is the use of “tools” by the director and actors, who organize, promote and permit this insertion; the set of these instruments we nominated “devices”. The use of these devices so much qualify the participation as favor the understanding of the performance as a script open to the interference of the audience – an open dramaturgy. In such, an Open Dramaturgy parts from the premise that the construction of the scenic text and the performance itself can be considered as a fluid scenic event, in detriment of the comprehension confined to the written text or its “closed” form, counting on the active participation of audience in a direct, objective and necessary form. The objective of this dissertation is to comparatively analyze performances in which an “open dramaturgy” was used, pointing out similarities and particularities in order to discuss critically its pertinence. The performances “Viração”, “Casa de Bonecas” and “Com que roupa?” are described and analyzed in light of the categories “devices”, “opening” and “participation”. The results exemplify different manners and purposes in the use of devices, as well as reveal that this use can favor the opening of the script and the participation of the audience. Testimonies of the audience are presented and commented showing favorable and unfavorable aspects to performances of the “open dramaturgy” type. The critics in many aspects are the same pointed out in the theoretical reference to the experiences of diverse authors of the twentieth century. The positive evaluations reinforce the initial argument, whereby the theater is not a finished work, but a continued process, still in its presentation. The participation points out, still, elements that favor the aesthetic education and the forming of critical thinking audience.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-10-24T14:36:15Z No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-10-30T11:07:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-10-30T11:07:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / O presente estudo contempla a farsa, o grotesco e a paródia, que são gêneros que dialogam com a linguagem teatral da máscara na sua estrutura mais abrangente. Através da máscara e por meio das estratégias físicas, o intérprete pode compor um texto de representação, não apenas por meio da perspectiva individual de sua personagem, mas por meio da rede de interações que sua personagem realiza no momento de sua performance no espaço cênico, construindo assim uma intertessitura de ações, ou seja, um texto de representação. Neste treinamento percebi as possibilidades de escritas que se apresentam, chegando a compreender que as estratégias podem compor texto de representação por meio de improvisações com máscara, ou gerando vocabulário físico que pode ser reapropriado em outras situações cênicas. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This study contemplates the farce, the grotesque and the parody which are genres that establish dialogue with the theatrical language of the mask in its more comprehensive structure. With the use of the mask and through physical strategies the actor can compose a performance text, not only within the individual perspective of his character, but by means of the network of interactions that his character realizes while he acts in the theatrical space, constructing an intertessitura of actions, namely, a performance text. In this training I realized the compositional possibilities that revealed themselves, coming to understand that these strategies can be used to compose a performance text by means of improvisations with mask or generating physical vocabulary that can be reappropriated in other theatrical situations.

Orientador: Vilma Sant'anna Areas / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-07-26T21:21:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Correia_EvertonBarbosa_M.pdf: 2368943 bytes, checksum: 18253f397e084af4e9c4d4c40eb7244c (MD5) Previous issue date: 2000 / Resumo: Acompanhando a exploração que João Cabral de MeIo Neto faz na figura de Frei Caneca, espero apresentar um possível modelo de análise para sua obra em sentido amplo. Como o processo de composição do autor se pauta pela gradativa aproximação dos objetos com que trabalha, seja um procedimento formal, seja um dado histórico, creio estar expondo assim uma estratégia de apreciação que sirva de correspondente analítico para o movimento que o poeta desenvolve através do tema e recursos de linguagem. Para tanto, foi estabelecido como carpusdo trabalho o recorte que vai da data de publicação do Museude tudo, primeiro momento em que Frei Caneca é abordado(1974), até quando vem a lume o Auto dofrade (1984), obra em que a imagem do frade carmelita atinge sua maior perfeição na escrita do poeta pemambucano / Abstract: According to the way João Cabral de Melo Neto explores the figure of Frei Caneca, I intend to present another possibility of analysis for bis work in an ample extent. As bis process of creation' is based on a gradual approximation to the objects with wbich he works, such as an historical fact or a formal procedure, I believe to be able to demonstra te an strategy of appreciation that corresponds to the movement that the poet perfonns with bis topics and speech. Therefore, the corpusof the work analyzed covers the period from the publication of Museu de Tudo, first moment when Frei Caneca is mentioned (1974), until the edition of Auto do Fratk (1984) in which the image of the friar reaches its bighest level in the poet work / Mestrado / Teoria Literaria / Mestre em Letras

Orientadores: Claudia Mariza Braga, Sara Pereira Lopes / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T16:43:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alvim_ValeskaRibeiro_M.pdf: 1879965 bytes, checksum: 53bf8a79d2ac50b85ad82b15ad8e5b1b (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Desde o início dos anos 90, vem acontecendo uma expansão dos limites da dramaturgia para além das já conhecidas demarcações exclusivas da prática teatral. Atualmente, a dramaturgia é um dos mais importantes temas da arte contemporânea, pois se fala não apenas da dramaturgia do texto teatral, mas da dramaturgia do corpo, da dramaturgia da dança e da dramaturgia do espetáculo. Dentro desse universo, buscaremos compreender a construção da dramaturgia na dança contemporânea por meio das discussões que emergem da relação entre coreógrafo e dramaturgo, com a intenção de identificar, em cena, a concepção expressa por elas sobre o que vem a ser a dramaturgia e suas especificidades na concepção coreográfica. Para tanto, será utilizada uma abordagem teórico-analítica, implementada pela combinação da análise de espetáculo com levantamento documental e aplicação de entrevistas semiestruturadas que possam suscitar questões e respostas sobre o tema. A pesquisa proposta é, assim, relevante, se entendido que o conhecimento acerca do conceito de dramaturgia em dança é fundamental para melhor compreensão da necessidade de algumas danças, que se configuram como contemporâneas, e têm dramaturgos na realização de seus trabalhos / Abstract: Since the early nineties, the boundaries of dramaturgy have expanded beyond the already known exclusive theatrical practice demarcations. Nowadays, dramaturgy is one of the most important themes of contemporary art, inasmuch as it is not only about the dramaturgy of theatrical text, but also of the body, dance, and show. Within this universe, we seek to understand the construction of dramaturgy in contemporary dance, through the discussions that emerge from the relation between choreographer and playwright, with the intent of identifying, in the scene as well as in the speech, the concept expressed by them on what dramaturgy happens to be, and the insertion of the playwright into the specificities of the choreographic concept. Therefore, we'll make use of a theoretical-analytical approach, implemented through the combination of show analysis with collecting of documents and the use of semi-structured interviews that might bring questions and answers up on the theme. Certainly, there will be difficulties in accomplishing this research, insofar as this is an ongoing theme within contemporary art. Nevertheless, its accomplishment also hints at fascinating discoveries, which are essential to the work of stage artists, so that it's feasible to foresee a relevant contribution to the understanding of dramaturgy in dance and the performance of playwrights in some contemporary dance companies / Mestrado / Artes Cenicas / Mestra em Artes