El objetivo fundamental de esta investigación ha consistido en dar a la luz un corpus textual poético importante de la obra de María Cegarra, hasta el momento inédito. He querido dar a conocer un poco más la obra de la escritora unionense, especialmente en lo que respecta a este corpus no publicado. Lo hemos llevado a cabo respetando la idea de su familia de poderlo editar en un futuro completo, sobre todo en que se refiere a la prosa lírico-narrativa, materializada en algunos cuentos y estampas eminentemente líricas. El trabajo ha consistido en una larga labor de búsqueda, a través de familiares, amigos y personas cercanas a la autora que han tenido la gentileza de facilitarme los textos, incluso permitirme el acceso al despacho de la autora, para que personalmente los examinara. He accedido pues directamente a sus escritos –casi siempre a mano, en ocasiones en papeles sueltos y casi ilegibles– que posteriormente he tenido que transcribir, con gran dificultad utilizando lupa y otros instrumentos accesorios (presentados un número de ellos en apéndice). El soporte mismo de los textos era en ocasiones de lo más variopinto, cuartillas descoloridas, incluso en servilletas de papel, en reversos de hojas ya utilizadas para otros menesteres; y casi siempre en avanzado estado de deterioro. Creo modestamente que tal vez mi intervención al localizarlos y guardarlos ha hecho posible que no se hayan perdido para la posteridad. He sido en numerosas ocasiones la primera estudiosa que ha accedido a poemas suyos, con la dificultad que ello conlleva. He tenido que resolver cuestiones sobre la datación de textos no fechados, elección del texto matriz -ante numerosas versiones y gran cantidad de variantes textuales- etc. En cuanto a las Cartas de Carmen Conde a María Cegarra, son todas inéditas, así como la mayor parte de los textos contenidos en el Capítulo de Miscelánea. Es la primera vez que se presenta un intento de clasificación de estos géneros hijos de las greguerías. Asimismo presentamos en el apéndice una gran cantidad de textos manuscritos, de la propia autora, como hemos señalado anteriormente, muchos sin editar. He pretendido un acercamiento directo a la obra, desde la estética y sentimiento de la autora, por ello se ha prescindido de los posibles estudios de teoría y crítica literaria que serían objeto de otro trabajo. El estudio se ha realizado atendiendo fundamentalmente a su evolución, ya que está inextricablemente unida su obra a sus experiencias personales, al entorno más cercano y cotidiano, a su preparación profesional, así como a sus preocupaciones, afectos y emociones de alegría y dolor. Pienso que he aportado nuevas consideraciones sobre su obra, que con los textos he podido confirmar, como, entre otros, su relación con el poeta oriolano Miguel Hernández, dando por probado que María Cegarra estuvo siempre enamorada de él, aunque fuera de forma platónica si se quiere. Muestro cómo la autora no es explícita sobre esta relación durante su etapa de juventud y mientras vivió Miguel Hernández. Pero su actitud cambio en su etapa de senectud, ya desinhibida por la edad y también por la larga ausencia y lejanía de la figura del poeta –Poema por ejemplo “Presencia de Miguel” (1979)-; y que no siempre ha sido clarificado por los estudiosos sobre el tema. Finalmente, creo cumplido mi objetivo primordial –perseguido durante más de veinte años de dedicación: el de dar a conocer los textos inéditos de María Cegarra. Y, sobre todo, hacerlo tras el contacto con ella, a la que tuve el privilegio de conocer, charlar y comunicarle este proyecto de hacer una tesis doctoral sobre su vida y su obra, que hoy por fin veo cumplido. Así como el de darla a conocer un poco más e interpretarla desde la expresividad sencilla y directa, en la que la misma autora se adscribía. Ella reivindicaba, como he apuntado en este trabajo, su libertad ante sílabas y métricas. Sería su manera directa de sentir y expresarse la que imperaría en su obra. Mi objetivo ha sido editar lo que todavía no ha visto la luz y adentrarme, con los mismos recursos de sencillez y expresividad directa en sus textos. / The main goal of this research is to bring to light an important poetic textual corpus of María Cegarra’s work, unpublished until now. My intention is to make a little better known the work of this writer from La Unión, especially what relates to that unpublished corpus. This was carried out respecting her family’s idea of its complete edition in the future, most of all the edition of everything concerning lyrical-prose fiction, materialized in some noticeably lyrical “stories” and “pictures.” The present work consisted of a long search process, through family members, friends and people close to the studied author, who were kind enough to provide me with the texts or even to give me access to the author’s office so that I could personally examine those documents. Thus, I was able to directly access those writings—mostly written by hand, occasionally on nearly illegible pieces of paper—which I had to transcribe afterwards, with great difficulty and by using a magnifying glass and other instruments (a number of which are shown in the appendix). The texts were occasionally found written in a really wide range of formats: on faded sheets of paper, even paper serviettes, on the back of sheets that had been used for other purposes… and most of which were in an advanced state of deterioration. In my humble opinion, my involvement by locating and keeping them may have possibly saved them from being lost to posterity. In many cases, I have been the first scholar to access her poems, with the subsequent difficulty it entailed. I had to solve issues concerning the dating of undated texts, how to choose the original definitive text—between different versions and a large number of text variations—, etc. Regarding Carmen Conde’s letters to María Cegarra, they are all unpublished, just like most of the texts included in the chapter on Miscellaneous. It is the first time that an attempt to classify those genres, sons of the so-called greguerías, has been presented. As well as that, the appendix shows a great amount of handwritten texts, by the author herself, many of which are unedited, as previously remarked. I intended a direct approach to the mentioned work from the author’s aesthetics and feeling. Therefore, I ignored literary criticism and theory which would possibly be the object of study for another project. This study was carried out by focusing mainly on the evolution of the author’s work, as it was inextricably linked to her personal experiences, her routine and closer surroundings, her professional training, as well as to her concerns, affections and emotions of joy and sorrow. I believe I contributed new considerations of María’s work that were confirmed through the texts. Among others, an example can be her relationship with Orihuela’s poet Miguel Hernández, since it was proven that María Cegarra was always in love with him, even though it was in a platonic way, if you will. I showed how the author was not explicit about this relationship throughout her youth and while Miguel Hernández was alive. By contrast, her attitude changed in her old age, when she was already relaxed and untroubled by age and also by the male poet’s long absence and distance—poem “Presencia de Miguel” (1979) is a clear example; all that was not always clarified by those scholars who studied that topic. Lastly, I think my essential goal—pursued for over twenty years of devotion— has been achieved: make María Cegarra’s unknown texts public and, above all, do it after my contact with her, whom I was honoured to meet, talk to and inform of this project involving a doctoral dissertation about her life and works—a project I have seen accomplished, at last, today; another part of that goal was to make her better known and to interpret her from simple and direct expressiveness, features that she assumed herself. She claimed, as I pointed out in this work, her freedom with respect to syllables and meter. It was her straight way to feel and express herself that would prevail in her work. My objective was to edit what has not come to light yet and go in depth into her texts by using the same direct expressiveness and simplicity as resources

El objeto de este trabajo es la vida y la obra de la artista americana Mary Cassatt, adscrita al movimiento impresionista y poco conocida en nuestro país, centrándonos en dos aspectos principalmente: su condición de mujer moderna y su larga época como pintora de retratos de mujeres con niños. Así, repasaremos algunos de los mitos de la era moderna, pasearemos por el París de finales del siglo XIX y debatiremos sobre la condición femenina en las postrimerías de dicho siglo, lo que nos llevará a cuestionarnos las ideas de libertad defendidas y difundidas por la revolución francesa, cuyas asimetrías y falacias continúan afectando aún hoy a nuestra sociedad occidental. Mary Cassatt fue una mujer luchadora que combatió con singular inteligencia y habilidad las convenciones de su siglo. Sus retratos muestran acertadamente la psicología de la dama burguesa, pero también van un paso más allá; en este trabajo hablaremos de cómo Cassatt pasó de plasmar las escenas cotidianas de los rituales burgueses que tanto atraían a los impresionistas a convertirse en pintora por excelencia de la maternidad, y cómo este cambio fue y sigue siendo malinterpretado, no solo por la crítica masculina, sino, muy especialmente, por la feminista. Trataremos de explicar cómo una mujer fuerte y trabajadora, y, tal vez paradójicamente, soltera y sin descendencia, pudo defender los derechos y la dignidad de su género retratando un tema tan manido y edulcorado, y sin embargo tan hermoso y preñado de posibilidades como las relaciones materno-filiales. Este trabajo tratará pues de unir los aspectos humanos y artísticos de una gran pintora, y, a la vez, relacionarlos con la época que le tocó vivir, como un todo inextricable. Creemos que solo así podemos entender lo comprometido de su postura, lo valiente de sus decisiones y el objeto de su obra; Mary Cassatt trató de cambiar su mundo mediante la elegancia de su arte: sus armas fueron su inteligencia y su talento, y con ellas logró hacerse respetar en un mundo de hombres, y, quizás, contribuir a un tímido cambio hacia una sociedad más justa, cambio que aún no ha terminado de hacerse efectivo en nuestros días. Intentaremos explicar cómo lo logró, en qué triunfó y en qué fracasó y el porqué de que su obra no goce hoy en día de la popularidad que merece. / This thesis is about the life and work of the American artist Mary Cassatt, who was a member of the Impressionist movement, but whose paintings are poorly known in our country; we focus in two main aspects: her condition as a modern woman and her long period as a portrait painter of women with children. With these themes in mind, we will examine some of the modern-age myths, walking through the streets of Paris as they were at the end of the XIXth century, and we will debate about the turn-of-the-century concept of femininity, which will lead us to question the idea of freedom defended and disseminated by the French Revolution: its asymmetries and fallacies are still affecting nowadays our western civilization. Mary Cassatt was a combative woman who fought against her century’s conventions with unusual ingenuity and skill. Her portraits reflect cleverly the bourgueois woman’s psychology, but they also go beyond that; in this thesis we will talk about how Cassatt made the transition from capturing the everyday scenes that fascinated her Impressionist colleagues so much, to become the quintessential painter of motherhood, and how this change was, and still is, much maligned and misunderstood, not only by regular critics, but also, and specially, by feminist ones. We will try to explain how this strong, hard-working woman, and one who was, perhaps paradoxically, single and without children, could become the staunch defender of her genre’s rights and dignity devoting herself to such a trite and watered-down – but also so beautiful and full of possibilities in the proper hands – topic. So in this thesis we will try to combine the humane and artistic aspects of a great painter, and, at the same time, relate them to her day and age, as an inextricable blend. We believe that this is the only way to understand her commitment and braveness, her decisions and the purpose of her work; Mary Cassatt tried to change her world using the elegance of her art: her weapons were intellect and talent, and with them she achieved respect in a world ruled by men, and, perhaps, she contributed to a timid advance towards a more unbiased society, a change which is still in progress during our days. We will try, in essence, to explain how she managed to do that, her triumphs and defeats, and the reasons why her work doesn’t have today the popularity it deserves.

La presente tesis doctoral tiene como objetivo fundamental ser un profundo estudio sobre la figura del escritor Eliodoro Puche Felices. Para ello he estructurado tal documento en seis bloques, los cuales corresponden a objetivos específicos. El primero está centrado en su biografía, desde su nacimiento hasta su defunción, tratando con especial énfasis determinados episodios como: su etapa bohemia en Madrid; su papel como segundo procurador síndico (concejal) en su tierra natal, Lorca (Murcia); así como su dura experiencia carcelaria en los presidios de Lorca, Murcia y Totana. El segundo, por el contrario, se compone de un listado acerca de sus obras completas en verso (poemarios, poesía en prensa y revistas, manuscritos e inserciones en obras de otros autores), prosa (microcuentos, artículos de crítica literaria, estampas y sueltos periodísticos) y también sus traducciones de autores franceses (Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Alfred de Musset, Jeanne de Coulomb, Vicente Huidobro, Max Jacob, André Salmon y Françoise Villon) además de rusos (Antón Chejov, Leonid Andréyev) y de la danesa Sigrid Undset. En cuanto al tercero, constituye un estado de la cuestión, donde figuran todos los estudios que se han hecho sobre su persona. El cuarto es un aparato crítico, en el cual se ofrece una visión global sobre su poética, su narrativa y, en general, su estética como escritor. El quinto es un conjunto de testimonios de personas que lo conocieron al final de su vida. Y la última sección recoge los materiales que he utilizado para la elaboración de este estudio. La metodología empleada ha requerido de cuatro fases. El preanálisis (primera fase) constituye una aproximación y preparación del proyecto de investigación, además de un desarrollo de conocimientos previos. El análisis (segunda fase) incluye trabajo de campo, intervención didáctica, aplicación de modelos y metacognición del proceso de investigación. La interpretación (tercera fase) corresponde a la elaboración de resultados y conclusiones, mientras que la comunicación (cuarta fase) está centrada en la elaboración del informe y su prospectiva investigadora. En total he requerido 52 meses para la conclusión de este trabajo. A modo de conclusión, Eliodoro Puche fue un sujeto destacado en las letras españolas del primer tercio del siglo XX. Por su obra, ha quedado vinculado con un modernismo epigónico, de corte simbolista, habiendo participado fugazmente en las vanguardias, principalmente en el creacionismo y el ultraísmo. Participó en las tertulias madrileñas, destacando las de El Colonial, con Rafael Cansinos Asséns, y las de Pombo, presididas por Ramón Gómez de la Serna. Todo ello, unido a su trabajo como traductor de autores extranjeros en varios géneros literarios, su destacado desarrollo poético durante la represión del primer franquismo (1939-1945) y su cargo político local durante la República, lo convierten en un autor destacado e interesante en las letras, no solamente regionales, sino también nacionales, cuya figura pretende ser recordada y reivindicada en esta presente tesis doctoral. / The main objective of this thesis is to create a thorough study of the figure and writer, Eliodoro Puche Felices. For this reason, I structured this document in six blocks, which correspond to specific goals. So, the first block is a recount of his biography, from his birth to his death, giving special emphasis to certain episodes of his bohemian live in Madrid; his role as a counselor in his homeland, Lorca (Murcia); and his hard prison experience in jails from Lorca to Murcia and Totana. The second block, by contrast, consists of a list of his complete works in verse (poems, poetry in newspapers and magazines, inserts manuscripts into works of other authors), prose (microstories, literary criticism, literal prints and news in newspapers), and his translations of French authors (Paul Verlaine, Charles Baudelaire, Alfred de Musset, Jeanne de Coulomb, Vicente Huidobro, Max Jacob, André Salmon and Françoise Villon) in addition to Russians (Anton Chekhov, Leonid Andreyev) and Danes like Sigrid Undset. As for the third, it is a state of affairs where you can see all of the studies that have been made about his person. The fourth is a critical study in which an overview of his poetry, narrative, and in general, aesthetics as a writer is offered. The fifth is a collection of testimonies from people who knew the end of his life. And the final section gathers the materials used for the preparation of this study. The methodology required four phases. The lookahead (first phase) is an approach and preparation of the research project, and a development of prior knowledge. The analysis (second phase) includes fieldwork, educational intervention, application of models and metacognition of the research process. The interpretation (third phase) corresponds to the production of results and conclusions, while communication (fourth phase) is centered on the preparation of the report and its prospective researcher. In total, it required 52 months for completion of this work. In conclusion, Eliodoro Puche was prominent in the Spanish letters of the first third of the twentieth century subject. For his work, he was linked to an epiphanic modernism, symbolist court, having participated briefly in the vanguard (especially in creationism and ultraism). He participated in the gatherings in Madrid, highlighting the El Colonial, with Rafael Cansino Asséns, and Pombo, chaired by Ramón Gómez de la Serna. All these things, combined with his work as a translator of foreign authors within various genres, his outstanding poetic development during the suppression of the first "Franquism" (1939-1945), and his local political office in the Republic, make him a prominent author and interesting correspondent, in not only regional but also national affairs, whose figure is remembered and petitioned by this thesis.

Con esta tesis doctoral que lleva por título, “Conjunciones y disyunciones del orientalismo en la obra de Octavio Paz”, hemos querido precisamente recabar, analizar e interpretar la asociación conjuntiva y disyuntiva de los elementos del orientalismo que el escritor mexicano Octavio Paz (1914-1998) incorpora, asimila y recrea en su obra poética y ensayística. La necesidad de este estudio se hacía asimismo palmaria, ya que postula una comprensión cabal y global de la obra de este autor universal y la relevancia que el orientalismo tiene para la misma, así como lo fundamental de la postura dialogante que establece entre la civilización oriental y la occidental, tan necesaria para el entendimiento intercultural que vindica su obra. El planteamiento metodológico del que partimos se fundamenta en la hipótesis de una influencia oriental adscrita a tres hitos fundamentales que se concretan en tres países: Japón, China e India, presentes en la obra de nuestro autor de manera sincrética y cuyo análisis diferenciado nos ha permitido visibilizar el recorrido específico de cada uno de los elementos en relación al país donde se originan, enraízan o se desarrollan, así como procurar una hermenéutica que explicitara su alcance concreto en la cosmopoética de nuestro poeta y ensayista. En relación a estos tres emplazamientos y las distintas doctrinas asociadas a ellos, el budismo zen en Japón, el taoísmo en China y el hinduismo y el budismo indio en India, se propone un análisis comparativo de tres figuras emblemáticas, representantes artísticos o filosóficos de estas escuelas: Matsuo Basho, Chuang-tse y Rabindranath Tagore respectivamente, en relación a la relevancia o influencia que adquieren en la obra paziana. Las conclusiones que se derivan de nuestro estudio se resumen en las siguientes. En primer lugar, se confirma el acierto del planteamiento metodológico escogido, que se distingue de la mayoría de los estudios centrados en el orientalismo del escritor mexicano, por la diferenciación, el seguimiento y la interpretación de los elementos de filiación orientalista asociada a estos tres hitos de manera complementaria y sin desmerecer la importancia de ninguno de ellos. Dicho enfoque ha permitido verificar una cuestión fundamental. Más allá de la evidente relación del orientalismo asociado a la estancia del escritor mexicano como Embajador de México en India durante seis años (1962-1968), y del testimonio de su obra poética y ensayística asociada directamente a esta etapa (los ensayos Vislumbres de la India y Conjunciones y disyunciones, el poemario Ladera Este y El mono gramático, etc.), una honda identificación comienza a gestarse diez años atrás, vinculada a la influencia japonesa y china y a escuelas de pensamiento como el budismo zen y el taoísmo, entre otras. Todo ello en virtud de una intensa actividad literaria y vital que perfila el viaje iniciático que germinará en toda su obra posterior. En segundo lugar, gracias al escrutinio de cada uno de los elementos vinculados a sus fuentes originarias y cotejadas con las fuentes de las que se nutre nuestro autor, constatamos los mecanismos de asimilación creativa, sujetos a una relación de conciliación (conjunciones) o de división (disyunciones), donde lo oriental se integra con gran riqueza y de manera definitiva al conjunto de influencias previas del escritor mexicano, como una parte más de una sabiduría común heredada por todos. Por último, el análisis comparativo de la filosofía política de nuestro autor en relación al pensamiento de Chuang-tse y Rabindranath Tagore ha puesto de manifiesto las respuestas comprometidas que tanto desde Occidente o como desde Oriente se hermanan para procurar el entendimiento de la humanidad. / In this doctoral thesis, entitled “Conjunctions and disyunctions of orientalism in Octavio Paz’s works”, we have indeed tried to collect, analize and interpret the conjunctive and disjunctive relationship in the elements of orientalism incorporated, asimilated and recreated by the Mexican writer Octavio Paz (1914 - 1998) in his poetry and essays. The need for this study was evident, as it proposes a thorough and global understanding: of the work of this universal writer; of the relevance that Orientalism has on it; and of the importance of the established dialogue between East and West civilisations, so important for the intercultural understanding that his works vindicate. The methodological approach from which we start is based on the theory of an oriental influence acquired by three milestones, each one settled on three different countries: Japan, China and India, found in our writer’s work in a syncretic way. The analysis we have done has made possible to visualize the specific path of each one of the elements in relation to the country they come from, have roots on or develope in and to obtain a hermeneutics that could explain its definite range in Paz’s poetic cosmos. In relation to these three countries and to its associated doctrines (Zen Buddhism in Japan, Taoism in China and Hinduism and Indian Buddhism in India) we propose a comparative analysis of three iconic figures, artistic or filosophic representatives of these schools: Matsuo Basho, Chuang-tse and Rabindranath Tagore centered around the influence they have on Octavio Paz’s work. To summarize the conclusions of our study, in the first place, we prove the validity of the chosen methodology, as it is set apart from the majority of the studies centered around the writer’s orientalism, in that we make an interpretation of this in relation to the three milestones, in a complementary manner and without devaluating anyone of them. This approach has allowed us to answer a fundamental question: beyond the evident influence that being Mexico’s Ambassador in India during 6 years (1962 - 1968) played on Octavio Paz, and the testimony of his poetic works and essays produced during this time (the essays Vislumbres de la India and Conjunciones y Disyunciones, the book of poems Ladera Este and El Mono Gramático, etc.) a deep identification begins to grow ten years earlier, linked to Chinese and Japanese influences and to schools of thought as Zen Buddhism and Taoism, among others. All this in virtue of an intense literary and vital activity, which outlines the seeds that will germinate in his later works. Second, through a thorough examination of each of the elements linked to its original sources and compared to the sources used by Paz, we can verify the mecanics of creative comprehension, subject to a relationship of conciliation (conjunctions) or division (disyunctions), where the oriental is integrated with the author’s previous influences, as one more piece of the inherited common wisdom. Last, the comparative analysis of Paz´s politic philosphy in relation to Chuang-tse and Rabindranath Tagore´s thought exposes the answers to promote human understanding from both East and West.

El objetivo de esta tesis doctoral es revaluar el trabajo de las mujeres de la Generación Beat dentro de un discurso artístico y literario post(Beat) o más allá de lo “Beat.” El capítulo dos, en el que se analizan once memorias, se centra en el dilema entre lo personal y lo literario y sirve para delinear el contexto socio-político y artístico en el que las autoras escribieron. A través del análisis de temas comunes a las distintas memorias (la escritura, los roles de género, y la conexión con el movimiento Beat), este capítulo sitúa a las escritoras en un contexto artístico que fue común a los escritores masculinos, pero que se ve a la vez ampliado a través del estudio de temas como la maternidad, el aborto o la domesticidad. En cualquier caso, el capítulo va más allá de la experiencia personal para examinar el uso específico del género memoria. Usando como marco teórico y metodológico teorías de escritura autobiográfica y revaluaciones feministas, el capítulo reexamina el valor artístico y literario de las memorias, que son con demasiada frecuencia tachadas de anti-literarias. El tercer capítulo se centra en poesía, concretamente las colecciones The Tapestry and the Web (1965) de Joanne Kyger, Loba (1998) de Diane di Prima, y The Iovis Trilogy (2011) de Anne Waldman, para ver de qué manera estas poetas actualizan discursos, temática y personajes de la mitología. Kyger trabaja directamente con La Odisea de Homero para dotar a Penélope de una visión más contemporánea y un lugar más apropiado para auto-expresarse, si bien opta por mantener al personaje mitológico “atrapado” dentro de la estructura provista por Homero. Loba de Diane di Prima, una colección escrita durante los años setenta, está influenciada de una manera más clara por discursos feministas y por el llamado Movimiento de la Diosa. La última parte explora la deconstrucción de los mitos del patriarcado que lleva a cabo Waldman en su épica a través de la metáfora de “todo está lleno de Jove”, que alude al omnipresente y todopoderoso Zeus. Además de analizar el mito como una construcción ficticia, estas tres colecciones revalúan la posición de la mujer dentro del género de la épica. El último capítulo estudia el arte visual como contrapunto a la representación visual (estereotipada) de la mujer en la Generación Beat producida por los medios de comunicación. Además, el capítulo sitúa la escritura de estas autoras en un contexto multi-mediático y multidisciplinar que las ubica en la vanguardia artística y la experimentación literaria de los años sesenta en adelante. La primera parte del capítulo considera la involucración de las poetas con el vídeo y la película como medios audiovisuales a través de los cuales expandir su visión poética. La última parte se centra en la poesía y el arte visual producido por ruth weiss desde dos perspectivas distintas: la influencia de la pintura, escultura y las proyecciones psicodélicas en su poesía y la expansión de la poesía a través del teatro, la pintura, o el cine. La conclusión enfatiza la necesidad de situar la poesía de estas mujeres en el centro de los discursos académicos sobre la generación Beat. El enfoque empleado evita una comparación con el trabajo de los escritores de la generación, lo que sortea su victimización y establece la auto-suficiencia y el valor estético y temático de su obra. Para ello, la tesis usa de marco metodológico los estudios de género y culturales, así como la crítica feminista. El análisis formal está informado por lecturas temático-formales de la representación literaria y visual del género y la sexualidad desarrollada por la crítica feminista y queer. / The aim of this dissertation is to reassess the position of women writers within the Beat Generation and re-evaluate their work within (post)Beat – and extra-Beat – literary and artistic discourses. To do so, the dissertation is divided into three main chapters which focus on different themes and, incidentally, on the work of different writers and poets. Chapter two tackles the personal/literary dilemma by analyzing eleven memoirs written by women associated with the Beat Generation. By investigating common themes in the memoirs – namely, writing, gender roles, and connection with the Beat Generation – this chapter situates the women in a specific socio-political and artistic context that was common to the male Beat writers, but also expands the concerns found in the works of the male Beats by dealing with themes such as motherhood, abortion, domesticity or even the responsibility of economically supporting the family. Nevertheless, this chapter goes beyond the personal position or personal experience of these authors by studying the specific use they make of memoir as a genre. Bringing into the fore life-writing studies and feminist reevaluations of the dialogue between genre and gender, this chapter argues for a thoughtful reexamination of the literary and artistic value of the – too-often – discarded memoirs. The third chapter moves on to poetry, specifically to Joanne Kyger’s The Tapestry and the Web (1965), Diane di Prima’s Loba (1998) and Anne Waldman’s The Iovis Trilogy (2011), to examine the way in which these poets revise or appropriate mythological themes, characters and discourses. Kyger, for instance, works directly with Homer’s The Odyssey to endow Penelope with a more contemporaneous mindset and space to express herself, while simultaneously keeping her “trapped” within Homer’s framework. Di Prima’s Loba – written mostly in the mid seventies – resonates more clearly with feminist appropriation of mythological characters as well as with the specific Goddess Movement. The last part of the chapter explores Anne Waldman’s deconstruction of the patriarchal myths through the ongoing metaphor of “all is full of Jove” – which alludes to the omnipresent and almighty patriarch, Zeus. In addition to the focus on mythology as a fictive construction, these three poetry collections reevaluate the position of women within the epic genre. The last chapter focuses on visual arts to counteract the visual representation of women in the Beat Generation generated by the mainstream media, and situates their writing in a multi- and trans-media context that places it at the forefront of 1960s artistic and literary experimentation. The first part of the chapter delineates the actual involvement of poets with film and video as, mainly, mediums from which to expand their poetry and artistic vision. The last part focuses on the connection between ruth weiss’s poetry and the visual art world in two different ways: the influence of visual arts like painting, sculpture and lightshows on her poetry, and the actual expansion of her poetry into other media such as painting, theater and film. The conclusion stresses the necessity of placing these women’s poetry and art in the foreground of academic and scholar discourses of the Beat Generation. The approach adopted avoids a comparison with the work of male writers of the generation, which allows for a much freer space from which to analyze their literature outside of a victimized position, while it also establishes the self-sufficiency and aesthetic and thematic relevance of their work. To do so, the dissertation uses as a methodological framework cultural and gender studies, as well as feminist criticism. The formal analysis, in addition, is informed by thematic and formal readings of the literary and visual representation of gender and sexuality developed by feminist and queer criticism.

revenga@um.es / Objetivo Esta tesis tiene como objetivo que se conozca la obra de mi padre, el poeta alicantino Pedro Javier Martínez. Hacer una aproximación sobre ello. En cierta medida es una forma de reivindicar su figura y su palabra, de darle, en un sentido u otro, un reconocimiento merecido a su larga trayectoria personal en la que deja atrás una familia con cuatro hijos y una obra literaria digna de estudio, o por lo menos de disfrute para el que le guste la poesía. Contado desde la visión de hijo primogénito que también es parte de su obra y el cual también ha seguido sus inclinaciones artísticas. Metodología La metodología, quizá por venir yo de las artes, sigue unas direcciones más bien intuitivas y aunque al principio me hice un plan o esquema a seguir, gracias a que a esto me obligaba el sistema académico, que básicamente era en dos partes: la vida y la obra de mi padre luego se fueron agrandando los contenidos por las disquisiciones que surgieron durante su desarrollo. El método el de leer los libros del poeta y los que se iban cruzando por el camino y echar mano de él mismo, como informador en primera persona, sobre lo referente a su biografía. Resultados Algunas de las conclusiones de esta tesis ya eran intuidas de antemano como que mi padre es un gran poeta debido a la diversidad y particularidad de su obra, a su perfección técnica y autenticidad, a que él es un poeta de vocación que nació con ese don. Otras de las conclusiones a las que he llegado en el desarrollo de este trabajo es que la palabra y el arte en general es un útil instrumento de mejora del individuo. Que la comunicación esencial en nuestro desarrollo. Que hacen falta mas poetas y que les sea reconocido. / Objetive This thesis to make the work of my father is known, the Alicante poet Pedro Javier Martínez. Make an approach about it. To some extent it is a way to vindicate his figure and his word. Told from the perspective of his firstborn son who is also part of his work and which has continued his artistic inclinations. Methodology The methodology, perhaps because I come from the arts, is a rather intuitive way and although at first I made a plan or scheme to follow, thanks to this I forced the academic system, which was basically in two parts: life and the work of my father after they were enlarging the contents by the disquisitions that arose during development. The method of reading the books of the poet and those who were crossing the road and take on regarding his biography hand himself as a reporter in the first person. Results Some of the conclusions of this thesis were already intuited in advance as my father is a great poet because of the diversity and particularity of his work, his technical perfection and authenticity, which he is a poet of vocation that was born with the gift . Another of the conclusions I have reached in the development of this work is that the word and art in general is a useful tool for improving individual. That the essential communication in our development. That further poets and who is recognized.

METODOLOGÍA La principal metodología empleada para elaborar esta tesis ha sido la consulta de diferentes archivos, bibliografía y aportar documentación desconocida, especialmente cartas personales, fotografías, grabaciones y partituras. También, se han empleado esquemas, tablas y pies de página como apoyo al texto. Por otro lado, se ha incluido un anexo final con los documentos inéditos y un catálogo con las partituras de la compositora. OBJETIVOS Se ha intentado dar respuesta al principal objetivo de esta tesis: saber cuál fue la contribución de Carmen Ibáñez en aspectos de género, musicológicos, pedagógicos, educativos, interpretativos y compositivos durante la primera mitad del siglo XX en España. CONCLUSIONES Carmen Ibáñez Ibáñez nació en Mula, Murcia, en 1895. Comenzó a estudiar piano en su localidad natal, y posteriormente amplió sus estudios en Murcia y Madrid, con algunos de los profesores más representativos de la música española de principios del siglo XX. A pesar de que ganó un premio de piano y consiguió tocar para el público, no pudo dedicarse a la interpretación de este instrumento por las dificultades existentes hacia su sexo y, al igual que la mayoría de las mujeres de su tiempo, optó por dedicarse a la docencia. Tras aprobar la oposición de profesora de música en la Escuela Normal de Albacete se afincó en esta ciudad y comenzó a escribir en la prensa sobre aspectos musicales. En esta institución experimentó con nuevas metodologías educativas, donde puso en práctica la herencia pedagógica de Pestalozzi y de la Escuela Nueva a través de los libros pedagógicos que consiguió editar y de su novedoso invento, el Rigo-Móvil, considerado como el objeto ideal para el aprendizaje intuitivo de la música en los niños y en aquellos con problemas de audición, siendo estos métodos novedosos en nuestro país. También fue de las primeras mujeres españolas en organizar y dirigir un orfeón compuesto por sus propios alumnos, que tenía una finalidad didáctica y servía para difundir conocidas piezas del repertorio culto y popular a la sociedad albaceteña. Por otro lado, Carmen Ibáñez contribuyó a que se crease el Conservatorio de Música de Albacete, y solicitó trabajar como profesora de piano en este lugar, pero esta plaza fue asignada a un varón con menos méritos musicales que ella. En cuanto a su dedicación hacia la composición, se ha demostrado que siguió las tendencias chopinianas, más otras nacionalistas y regionalistas, aprendidas de sus maestros, y las mezcló con sonoridades complejas propias del posromanticismo e, incluso, procedentes de la música flamenca. Este estilo musical lo aplicó en géneros populares españoles y en otros recién llegados a España, como el fox-trot. La mayoría de sus composiciones estuvieron firmadas bajo un pseudónimo, como hicieron muchas mujeres, para facilitar la difusión de sus obras. Acabada la Guerra Civil Española, las autoridades gubernamentales la eligieron como instructora y asesora musical de la Sección Femenina de Albacete. Este hecho le facilitó la recopilación de la música popular de esta provincia, con la intención de crear un cancionero musical para evitar el olvido de este folclore, que se usase como recurso educativo y que algunas de sus piezas se empleasen en los concursos nacionales de música organizados por esta institución, donde los coros dirigidos por Carmen Ibáñez ganaron en alguna de sus ediciones anuales. Su cancionero fue de los más representativos de España y cuando lo finalizó se la premió con un galardón estatal. La compositora falleció en 1962, y desde ese momento le rindieron continuos homenajes y se creó un premio nacional de piano con su nombre, especialmente porque se la consideró como la musicóloga y compositora más representativa de Albacete. / METHODOLOGY The principal methodology used to develop this thesis was the consultation of various archives, bibliography and the provision of unknown documentation, especially personal letters, photographs, recordings, and scores. Additionally, there are diagrams, tables, and footnotes to support the text, a final annex of unpublished documents, and a catalogue of the composer's scores. OBJECTIVES This thesis has tried to provide answers to its principal objective: to know what was the contribution of Carmen Ibáñez in issues of gender, musicology, pedagogy, education, interpretation, and composition during the first half of the twentieth century in Spain. CONCLUSIONS Carmen Ibáñez Ibáñez was born in Mula, Murcia, in 1895. She began studying piano in her hometown, and later continued her studies in Murcia and Madrid under some of the most important professors of Spanish music in the beginnings of the 20th century. Even though she had won a piano award and performed in public, she could not pursue a career as a professional musician because of the difficulties faced by women and, like most women of her time, chose to devote herself to teaching. After passing the music teaching exams at the "Escuela Normal" of Albacete, she settled down in the city and started to write for the press about music. At this institution she experimented with new educational methods and put into practice the pedagogical heritage of Pestalozzi and the "New School" through the pedagogical books she edited and her new invention, the "Rigo-Móvil", considered an ideal object for the intuitive learning of music by children and people with hearing problems. She also was one of the first Spanish women to organize and direct a choral society composed of her own students, which had a didactic purpose and served to spread known popular and cult pieces around Albacete. On the other hand, Carmen Ibáñez contributed to the creation of the Music Conservatory of Albacete, and applied to be a professor of piano, only to have the job offered to a man with less musical merits than her. Regarding her dedication to composition, it has been demonstrated that she followed trends similar to Chopin, in addition to other nationalist and regionalist trends learned from her teachers, and mixed them with the complex sounds of post-romanticism and flamenco music. Ibáñez applied this music style in popular Spanish genres and other newly arrived genres to Spain, like the fox-trot. Like many women did at that time, the majority of her compositions were signed under a pseudonym to facilitate the dissemination of her work. After the Spanish Civil War, the governmental authorities chose her to be a musical instructor and consultant for the "Sección Femenina" of Albacete, an aspect that helped facilitate the collection of popular music in the province with the purpose of creating a songbook as a record of this folklore. Such a book was used as an educational resource and some of her pieces were used in national music competitions organized by this institutions, where choruses conducted by Carmen Ibáñez won in some of its annual editions. Her songbook was one of the most representative of Spain and when she finished it, she was given an award from the state government. The composer died in 1962, and since then, there have been continuous tributes to her music and a national piano award has been created in her name, especially because she is considered to be the most representative musicologist and compositor in Albacete.

Tesis por compendio de publicaciones / La información sobre las prácticas evaluadoras y sobre los procedimientos, criterios e instrumentos de evaluación y calificación, desde el punto de vista del alumnado, supone un material de gran valor para entender mejor la realidad de nuestras aulas y comprender los porqués de los resultados académicos en ciencias sociales, así como el grado de corresponsabilidad en los mismos por parte del alumnado. En este sentido, al recoger las apreciaciones de los estudiantes sobre la evaluación de los aprendizajes, también estamos recabando su opinión sobre la enseñanza del profesorado. Por tal motivo, uno de los objetivos de este trabajo es elaborar un instrumento de recogida de información fiable, que nos permita conocer las percepciones que tienen los estudiantes de 3.º y 4.º de Educación Secundaria Obligatoria (ESO), con relación al proceso evaluador en la materia de Ciencias Sociales, Geografía e Historia. Desde este planteamiento, pretendemos conocer las opiniones, creencias y patrones de conducta de estos estudiantes a través del análisis de la información que el alumnado tiene sobre los criterios, procedimientos e instrumentos de evaluación –averiguando la importancia que otorgan al examen, principalmente–, hábitos de estudio, expectativas sobre los resultados académicos y su opinión sobre la nota recibida. Nos interesa este colectivo porque con ellos se pone fin a toda una etapa de escolaridad obligatoria, en la cual se ha proyectado utilizar unas estrategias evaluadoras que permitan constatar la consecución del logro de competencias y, por lo tanto, la oportunidad de obtener el primer título académico. Se trata de un estudio con metodología cuantitativa, a través de una combinación de muestreo mixto que incorpora el muestreo aleatorio simple y el muestreo por conveniência, llevado a cabo con una muestra de 1117 alumnos 3.º y 4.º de ESO de la Región de Murcia. En cada una de las fases se utilizaron diferentes procedimientos, escenarios e informantes clave involucrados en la investigación. El instrumento utilizado ha sido una escala original formada por varios ítems agrupados en diferentes factores, que recibe el nombre genérico de escala EPEGEHI-1, que presenta buenas propiedades psicométricas, arrojando unos datos que muestran las diferentes relaciones significativas entre las variables influyentes en la percepción final de la evaluación. Además, la percepción del alumnado de Educación Secundaria Obligatoria sobre la evaluación en la materia de Historia, pretende poder establecer la relación entre el modelo de enseñanza y un aprendizaje competencial que desarrolle el pensamiento histórico. El análisis demuestra, entre otros aspectos, la conveniencia de cambiar el modelo cognitivo de la enseñanza de la historia y la necesidad de buscar un modelo de evaluación que favorezca y evalúe el pensamiento histórico ya que lo que priman en las pruebas (principalmente el examen) son las preguntas repetitivas y memorísticas en lugar de saber identificar la relevancia de un acontecimiento, explicar la causalidad del mismo o saber emitir juicios razonados y propios. Como aspecto importante en el estudio ha sido el análisis de las posibles fuentes de variación y discrepancias entre la calificación obtenida y la que espera obtener el alumnado a final de curso en Historia, según la información recibida sobre los criterios de evaluación y la práctica de determinados hábitos de estudio. Los resultados indican que el alumnado mejor informado tiene una diferencia menor entre la nota esperada y la obtenida; en cambio, entre los que afirman no conocer bien los criterios de evaluación, la diferencia es mayor. / The information about the practical objects of evaluation and about the procedures, criteria and instruments of evaluation and qualification, from the student point of view, supposes a material of great value to understand better the reality of our classrooms and to understand the causes of the academic results in social sciences, as well as the degree of joint responsibility in the same ones on the part of the student body. In this respect, on having gathered the appraisals of the students on the evaluation of the learning, also we are obtaining his opinion about the education of the faculty. For this reason, one of the aims of this work is to elaborate an instrument to collect trustworthy information, which allows us to know the perceptions that have the students of 3. º and 4. º of Secondary Education (ESO), in relation to the evaluation process in the field of social sciences, geography and history. From this very point we hope to know the views, beliefs and patterns of conduct of these students, using the analysis of the information students have about the criteria, procedures and instruments of evaluation - finding out the importance granted to the test, mainly, - habits of study, expectations on academic outcomes and their opinion about the mark received. This project is mainly focused on this concrete collective due to the fact that at this very moment, compulsory schooling finishes. It has been programmed to use evaluation strategies that allow us to verify the achievement of competencies and, therefore, the opportunity to get a first academic degree. A quantitative methodology has been applied in this study, through a combination of mixed sampling that incorporates the random simple sampling and the convenience sampling. It has been carried out with a sample of 1117 secondary students in their 3rd and 4th year in the Region of Murcia. In each of the phases, different procedures, scenarios and informants were used. The instrument used was an original scale formed by several items grouped in different factors, which is the generic name of EPEGEHI-1 scale, which presents good psychometric attributes, throwing a few data that reveal significant relations between the influential variables in the final perception of evaluation. Moreover, the perception of the secondary students on the evaluation of History, aims to establish the relationship between the model of teaching and learning skills that develop historical thinking. The analysis demonstrates, among other aspects, the benefit of changing the cognitive model of teaching history and the need to seek an evaluation model that favors and evaluate historical thinking, since what prevails in tasks (mainly tests) are repetitive and rote questions rather than learn to identify the relevance of an event explaining the causality of it or know how to judge reasonably on their own. An important aspect of the study was the analysis of possible sources of variation and discrepancies between the qualification obtained and the ones students hope to get at the end of the course in history according to the information received on the evaluation criteria and the practice of certain studying habits. The results suggest that better-informed students has a lower difference among the expected and the obtained mark, however, between those who claim to not know the evaluation criteria, the difference is higher

OBJETIVOS: Esta tesis se enmarca en el ámbito de la Pervivencia de la Mitología Clásica y el objetivo es investigar sobre el tratamiento e influencia que la leyenda de Andrómeda y Perseo ha tenido a lo largo de tres periodos histórico-musicales en la ópera: barroco, clasicismo y siglo XX. El origen de este trabajo es la lectura de la leyenda de Andrómeda y Perseo en la versión canónica de Ovidio en las Metamorfosis, 4.604-803 y 5.1-235. Nuestro objetivo es examinar la proyección de este mito en la ópera a través del análisis de la producción literaria y musical de los siguientes autores: Ovidio, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- y Salvatore Sciarrino, en la parte literaria; y Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert y Salvatore Sciarrino en lo musical. METODOLOGÍA: El proceso de investigación se ha articulado en tres fases con la siguiente metodología: Partimos de la observación de la leyenda en Ovidio así como en otros autores que han difundido también este mito, ya sea basándose en Ovidio directamente o no. A continuación analizamos el tratamiento literario del mito en los libretos de las cuatro óperas elegidas, encuadradas dentro de diferentes estilos y épocas musicales. Y finalmente, estudiamos los recursos musicales utilizados por los compositores en sus óperas para la interpretación del mito clásico de Andrómeda y Perseo. Las tres fases citadas anteriormente nos acercan a los objetivos de este trabajo. La primera, nos sitúa en el objetivo de estudio de la investigación; la segunda nos lleva a conocer el objetivo de estudio en su contexto y sus características; y la tercera nos plantea la finalidad de la investigación en el contexto de la adecuación música-texto. CONCLUSIÓN: A lo largo de la historia siempre han estado unidas las diferentes artes, una vez más literatura y música han sido fuente de inspiración en la historia de la ópera. La propia evolución estética, literaria y musical han sido las responsables de las numerosas diferencias conceptuales a la hora de plasmar la leyenda del mito de Andrómeda y Perseo en las óperas de Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino. A través de las cuatro óperas analizadas podemos observar cómo Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino, ya sea por medio del bajo continuo, arias virtuosísticas, armonías impresionistas y textos silábicos u orquestación electrónica han interpretado aquella antigua leyenda recogida en las Metamorfosis de Ovidio, en la Andromède de Corneille o en las Moralidades legendarias de Laforgue. La relación más cercana con respecto al mito clásico ovidiano que se da en Lully o Haydn no lo es tanto en Ibert y menos en Sciarrino, por el final trágico que inventa el italiano en su ópera. En la presente tesis se estudia la significación del texto y la profunda relación entre éste y la música, que a través de multitud de lenguajes y procedimientos compositivos, y una vez interrelacionados y ensamblados magistralmente por el compositor hacen que la inspiración en la leyenda mitológica ovidiana se convierta en verdaderas obras de arte. / OBJECTIVES: This thesis is defined within the continued existence of Classical Mythology and its objective is to hold a research on the treatment and influence that the story of Perseus and Andromeda has had on opera over three periods of the history of Music: Classicism, Impressionism and the twentieth century. This piece of work originates in Ovid's approach to the legend of Perseus and Andromeda in the canonical version of the myth found in "Metamorphoses", 4.604-803 and 5.1-235. Our objective is to examine the impact of this myth on opera by evaluating the literature production and musical work of the following authors: Ovid, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- and Salvatore Sciarrino as for literature; and Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert and Salvatore Sciarrino for their musical work. METHODOLOGY: The research process has been performed in three phases according to the following methodology: The starting point of this study is the evaluation of Ovid's legend, as well as other authors' who have also spread this myth, whether basing their work on Ovid's directly or not. Then, we analysed the literary treatment of the myth found in the libretti of the four operas chosen within different music styles and periods. Finally, we studied the musical resources used by the composers in their operas to interpret the classical myth of Perseus and Andromeda. The three phases mentioned above bring us closer to the objectives of this research. The first one pictures the objective of this study; with the second one, we get to know the context and characteristics of the objective; and the third one sets out the purpose of this research work within a music and text adaptation context. CONCLUSION: Through history, the different Arts have always been linked together and, once again, literature and music have been of great influence in the history of opera. In fact, the aesthetic, literary and musical evolution have been responsible for the wide range of conceptual differences that arise when interpreting the story of Perseus and Andromeda in Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino's operas. Through the four operas analysed, we can see how Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino, either by using a continuous bass, virtuosistic arias, impressionistic harmonies and syllabic texts or electronic orchestration, they all have interpreted the ancient legend of Ovid's Metamorphoses, in Corneille's Andromède or Laforgue's Moralités Légendaires. Those who relate the most to the classical Ovidian myth are Lully or Haydn, whereas this closeness is less obvious in Ibert's work and gets even further away from the legend in Sciarrino's, specially due to the tragic end that the Italian composer adds to his opera. In this thesis, the meaning of the text and the profound connection between text and music via a wide variety of languages and composition processes, once masterfully interrelated and assembled together by the composer, make the influence of the Ovidian myth turn into true masterpieces.

Johann Joachim Quantz (1697-1773) es el autor del Versuch einer Anweisung zu die Flöte traversiere zu spielen (Ensayos de un método para tocar la flauta travesera), publicado en Berlín en 1752. Además de tratarse del primer compendio exhaustivo sobre la flauta travesera, el libro aborda problemáticas generales ligadas a la composición, los estilos, la profesión del músico, la expresión y la apreciación musical, y ofrece una amplia panorámica del gusto musical de su tiempo. Tras la difusión en la década de 1960 de la traducción inglesa de E. R. Reilly, el Versuch se ha convertido en una de las obras de referencia ineludibles en la praxis interpretativa de la música barroca. Sin embargo, su notoriedad contrasta con el relativo desconocimiento de la vida de su autor. Quantz fue uno de los virtuosos alemanes más famosos de su tiempo. Prolífico compositor, escribió más de 700 obras, casi todas para la flauta, hoy todavía poco conocidas. También aportó importantes innovaciones al diseño del instrumento. Su fama ha estado tradicionalmente ligada a los últimos treinta años de su vida, que transcurrió como maestro de flauta privado de Federico II de Prusia. En su juventud, había adquirido una notable competencia en varios instrumentos, como el oboe y el violín. Esto le permitió desarrollar una brillante carrera en la corte sajona de Dresde, como flautista de su célebre orquesta. En sus viajes por los principales centros musicales europeos, conoció a celebridades como Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet y Haendel. El testimonio de esta etapa de su vida está recogido en su breve autobiografía de 1754, documento que también contiene unas claves muy valiosas para la correcta comprensión del tratado. Esta tesis investiga en profundidad los nexos existentes entre el Versuch y la biografía de Quantz, con el fin de perfeccionar su comprensión e identificar sus campos de aplicación más apropiados. Además, constituye la primera y única base de conocimiento existente en lengua castellana sobre el argumento. La primera parte de la tesis contiene una reconstrucción crítica de la biografía de Quantz, elaborada a partir de la autobiografía, y ampliada con fuentes coevas. La segunda recoge un análisis detallado del Versuch, de sus antecedentes, su difusión y de las temáticas que aborda. La tercera parte presenta una versión crítica en lengua castellana del Versuch, plasmada en estrecha conexión con los resultados de la reconstrucción biográfica y de la investigación. El estudio desentraña la relación de Quantz con su entorno cultural y artístico, explora las etapas de su formación temprana, su recepción de la ópera y de la música instrumental italiana, y evalúa la relevancia del violín y del canto en las ideas expresadas en el Versuch. Redimensionando la tradicional asociación al ambiente prusiano, la investigación destaca la importancia de la experiencia madurada en Dresde. Con el fin de individuar el lugar de Quantz en el debate musical de su tiempo, la tesis detalla su aportación a temas como la difusión del “estilo mixto” (fusión de estilo francés y estilo italiano), el desarrollo de la flauta, la articulación del concepto de “buena ejecución” y la evolución del gusto musical en Alemania. Las ideas de Quantz sobre el “cantábile” y la ornamentación, su postura moderada sobre la emancipación de la música instrumental del canto, y la creciente importancia del papel de la invención en la creación musical sobre el de la representación retórica de las “pasiones”, ponen de relieve su papel de bisagra entre dos épocas de la evolución del gusto musical. / Johann Joachim Quantz (1697-1773) is the author of the Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (Essay of a method on playing the flute), published in 1752 in Berlin. Besides being the first comprehensive summary about the flute, this book covers several issues related to composition, style, profession, expression and musical appreciation, and shows a broad panorama on contemporary musical taste. Thanks to the publication en 1960 decade of the first modern English translation by E. R. Reilly, the Versuch is today considered an unavoidable authority for the interpretation of Baroque music. Nevertheless, his notoriety contrasts with the quite lowly awareness about the life of its author. Quantz was one of the most famous virtuosi of his time in Germany. A prolific composer, he wrote more than 700 works, mostly for flute, still little known today. He also brought important innovations to the design of the instrument. His fame has been traditionally linked to the last thirty years of his life, which he spent as a private flute teacher of Frederick II of Prussia. Being young, Quantz acquired substantial proficiency on many instruments, like oboe and violin. This gave him access to a bright career in the Saxon court in Dresden, as a flutist in its celebrated orchestra. He visited the main European musical centres, and met celebrities like Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet and Handel. This stage of his life is described in his short 1754 autobiography, which provides us with valuable keys to accurate insight of the treatise. This thesis deeply investigates the links between the Versuch and Quantz biography, in order to enhance its comprehension and to identify the most appropriate application fields. In addition, this research sets up the first comprehensive knowledge base in Spanish language about this matter. The first part of the thesis consists of a critical reconstruction of Quantz’s biography, based upon the autobiography and contemporary sources. The second part gathers a detailed analysis of the Versuch, deepening in antecedents, dissemination and matters addressed. The third part introduces a critical version in Spanish of the Versuch, in close connection with the biographic reconstruction and research findings. This research disentangles the relation between Quantz and his cultural and artistic environment, explores the stages of his early education, his reception of the opera and Italian instrumental music, and assesses the role of the violin and singing in the ideas found in the Versuch. Through resizing the traditional association to Prussian environment, the thesis highlights the importance of his professional experience in Dresden. In order to precise Quantz’s place in contemporary musical debate, the thesis details his contribution to matters like the diffusion of “mixed style” (synthesis of French and Italian styles), the development of the flute, the growth of the “good execution” conception and of the German musical taste. Quantz’s ideas about the “cantabile” and the ornamentation, his moderate position in the instrumental music emancipation from singing, and the growing importance of the invention in musical creation against the rhetoric representation of “passions”, underline his role of hinge between two stages in musical taste evolution.