Historically the understanding and appreciation of cinema have been shaped by a bias towards the image. Consequently, film sound has received little attention: today we know very little about how sound works in the cinema, especially in contemporary terms. My particular concern is to provide a first substantial account of sound in contemporary Hollywood cinema. Since the arrival of Dolby technologies in the early 1970s, the seismic nature of the changes that have taken place in mainstream cinema are so pervasive as to suggest that we are indeed in a new 'era' of cinema, the Dolby era. This period in the history of cinema has been characterised by a variety of factors such as the emergence of a new generation of filmmakers as well as a new 'kind' of audience. The thesis investigates these changes and their implications within a historical framework that has its roots in the 1960s, exploded in the 1970s, and matured beyond expectations over the past two decades. The thesis is structured around an exploration of the central features and figures that have characterised the Dolby era. It includes an examination of the reasons behind the success of Ray Dolby and Dolby Laboratories, as well as an analysis of the impact that technological innovations in film sound have had on filmmaking practices and the industry at large. The thesis advocates a move towards closer dialogue and integration between the world of academia and that of practitioners by focussing specifically on professional practices through a series of interviews with leading Hollywood practitioners. Finally, the thesis proposes an original approach to some key areas of film studies, namely film audiences, film narrative construction and film analysis.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-09-08T04:09:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334234.pdf: 3681676 bytes, checksum: cd3f24f260af1e62a2404cd1c799d922 (MD5) Previous issue date: 2015 / A proposta desta tese é o estudo do exílio e seus desdobramentos em textos críticos, literários e fílmicos de Edgardo Cozarinsky (Buenos Aires, 1939). Tem como corpus central: uma seleção de seus primeiros textos críticos e entrevistas realizadas para as revistas Sur, Primera Plana, Panorama e Tiempo de cine, além dos dois únicos números da revista Flashback, criada por ele com o apoio do crítico de cinema Alberto Tabbia (Buenos Aires, 1939-1997); Puntos suspensivos, seu primeiro filme terminado em 1971 e Vudú urbano (1985), livro que reúne seus primeiros textos escritos após seu exílio em Paris iniciado em 1974. A primeira etapa deste trabalho consistiu em recuperar as primeiras publicações de Edgardo Cozarinsky nas revistas citadas anteriormente, além de outros textos importantes que permitissem rearmar parte do conjunto de forças políticas e culturais que atravessaram o período anterior ao seu exílio. Dentre os duzentos textos do autor que recuperei ?importante ressaltar que são textos que, em sua grande maioria, foram ignorados por ele e pela crítica? incorporei ao meu estudo apenas aqueles que são concernentes à proposta desta pesquisa. No trabalho de campo pude descobrir que o exílio enquanto estratégia textual já operava nos primeiros movimentos críticos de Cozarinsky. Através da leitura da obra de alguns escritores e cineastas como Vladimir Nabokov, Severo Sarduy, Roman Polanski, Jean-Marie Straub, entre outros, Cozarinsky havia chegado a uma concepção da literatura (e do cinema) como exílio. Dessa forma, este trabalho busca rastrear e inventariar os movimentos do exílio nessa primeira etapa de sua produção que vai dos textos críticos escritos na Argentina até os primeiros textos ficcionais compostos na França entre 1974 e 1981. Mas esse inventário importa principalmente na medida em que permite vislumbrar uma máquina muito mais ampla e sofisticada que trabalha na desconstrução de textos, conceitos e de si própria, a isso denomino excripta Cozarinsky. Pois o exílio é muito mais do que uma condição temporária ou causal, inscreve-se como engrenagem fundamental em seu trabalho criativo. A excripta Cozarinsky é o lugar do desvio e do deslocamento, mas também da cripta e do desencriptamento. Não se trata simplesmente de reconhecer o exílio como um tema recorrente em vidas e textos, mas elucubrar sua tensão, resistência e articulação, na maioria das vezes subterrânea, no desenvolvimento e na disposição de textos e imagens. O exílio em Cozarinsky é singular-plural, é o lugar da tradição (literária, cinematográfica e familiar), da literatura como exílio e da existência exilada. Esse tríplice movimento constitutivo do exílio faz do texto um constante devir enquanto ser-com o leitor naconstrução de um significado que nunca é completo. A excripta de Cozarinsky, como a de Jacques Derrida, constitui-se de pelo menos dois movimentos fundamentais: trata-se da inversão e do deslocamento que enxerta e dissolve conceitos da responsabilidade com a herança (necromancia), pois este trabalho depende de um compromisso com a memória e sua disseminação diferida. Por fim, a excripta Cozarinsky caracteriza-se ainda por seu constante exercício de reelaboração enquanto desconstrução de si mesma.<br> / Resumen: Esta tesis se propone a estudiar el exilio y sus desdoblamientos en textos literarios y fílmicos de Edgardo Cozarinsky (Buenos Aires, 1939). Su corpus central se compone de: una selección de sus primeros textos críticos y entrevistas realizadas para las revistas Sur, Primera Plana, Panorama y Tiempo de cine, además cuenta con los dos únicos números de la revista Flashback, creada por él con el apoyo del crítico de cine Alberto Tabbia (Buenos Aires, 1939-1997); Puntos Suspensivos, su primer film concluido en 1971 y Vudú urbano (1985), libro que reúne sus primeros textos escritos después de su exilio en París que se inicia en 1974. La primera etapa de este trabajo consistió en recuperar las primeras publicaciones de Edgardo Cozarinsky en las revistas citadas anteriormente, además de otros textos importantes que permitieron rearmar parte del conjunto de fuerzas políticas y culturales que atravesaron el periodo anterior a su exilio. Entre los doscientos textos del autor que pude reunir  importante subrayar que son textos que, en su gran mayoría, fueron ignorados por él y por la crítica incorporé a mi estudio solamente aquellos que están directamente relacionados a la propuesta de esta investigación. A partir de mi trabajo de campo pude descubrir que el exilio como estrategia textual ya operaba en los primeros movimientos críticos de Cozarinsky. A través de su lectura de la obra de algunos escritores y cineastas como Vladimir Nabokov, Severo Sarduy, Roman Polanski, Jean-Marie Straub, entre otros, Cozarinsky había llegado a una concepción de la literatura (y del cine) como exilio. De esa manera, este trabajo busca rastrear e inventariar los movimientos del exilio en esa primera etapa de su producción que va de los textos críticos escritos en Argentina hasta sus primeros textos ficcionales compuestos en Francia entre 1974 y 1981. Sin embargo, ese inventario importa principalmente por lo que permite en el sentido de vislumbrar una máquina mucho más amplia y sofisticada que trabaja en la deconstrucción de textos, conceptos y de sí misma, a esa máquina la llamo excripta Cozarinsky. Pues el exilio va mucho más allá de una condición temporal o causal. Este se inscribe como engranaje esencial en su trabajo creativo. La excripta Cozarinsky es el lugar del desvío y del desplazamiento, pero también de la cripta y de la desencriptación. No se trata simplemente de reconocer el exilio como un tema recurrente en vidas y textos, sino buscar su tensión, resistencia y articulación, muchas veces subterránea, en el desarrollo y en la disposición de textos e imágenes. El exilio en Cozarinsky es singular-plural, es el lugar de la tradición (literaria, cinematográfica y familiar), de la literatura como exilio y de la existencia exiliada. Este movimiento triple, que constituye el exilio, hace de los textos un devenir constante en tanto ser-con el lector en la construcción de un significado que nunca es completo. La excripta Cozarinsky, como la de Jacques Derrida, se constituye de por lo menos dos movimientos fundamentales: se trata de la inversión y del desplazamiento que injerta y disuelve conceptos; y de la responsabilidad para con la herencia (necromancia), pues este trabajo depende de un compromiso con la memoria y su diseminación diferida. Por fin, la excripta Cozarinsky se caracteriza aún por su ejercicio constante de reelaboración en tanto deconstrucción de sí misma.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2017. / Made available in DSpace on 2017-07-11T04:23:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 346780.pdf: 3585951 bytes, checksum: 17b58b0276922053b65dc73b432d4f8b (MD5) Previous issue date: 2017 / Abstract : This study develops an intersectional analysis of queer metronormativity in three Latin American films, namely Madame Satã (dir. Karim Ainouz), XXY (dir. Lucía Puenzo), and Pelo Malo (dir. Mariana Rondón). The study aims at translating the concept of metronormativity to the Latin American context through the analysis of the (re)production of what is understood as a metronormative narrative. For that, I tackle the relationship between queerness, developmentalism, the coloniality of power, and the rhetoric of Modernity towards the decolonization of metronormativity as a universalized discourse. The analyses performed indicate that metronormativity is (re)produced as the coloniality of power remains a sustaining element of contemporary power hierarchies and of the cultural differential ascribed to discursive spaces delineated by metronormative discourses. The analyses also show that metronormative queerness constructs legibility, closure, and salvation upon the gentrification of universalized models within the developmentalist paradigm.<br> / Este estudo desenvolve uma análise interseccional da metronormatividade queer em três filmes Latinoamericanos, sendo eles Madame Satã(dir. Karim Ainouz), XXY (dir. Lucía Puenzo), e Pelo Malo (dir. Mariana Rondón. O trabalho tem por objetivo traduzir o conceito de metronormatividade ao contexto Latinoamericano através da análise da (re)produção do que é compreendido como narrativa metronormativa. Este estudo aborda o relacionamento entre o ser queer e o desenvolvimentismo, a colonialidade do poder, e a retórica da Modernidade, tendo em vista a decolonização da metronormatividade como discurso universalizado. As análises realizadas indicam que a metronormatividade é (re)poroduzida à medida que a colonialidade do poder permanece sendo elemento de sustentação das hierarquias de poder contemporâneas e do diferencial cultural atribuído a espaços discursivos delineados pelos discursos metronormativos. As análises também mostram que a metronormatividade queer constrói legibilidade, fechamento narrativo, e salvação sobre a gentrificação de modelos universalizados dentro do paradigma desenvolvimentista.

Dissertação (mestrado profissional) - Universidade do Estado de Santa Catarina, Centro de Ciências Humanas e da Eduação, Programa de Pós-Graduação em Gestão da Informação, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2017-08-28T16:12:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 335500.pdf: 4121665 bytes, checksum: 682bdcde2600786f3676efb3ae38809b (MD5) Previous issue date: 2015 / O Resource Description and Access (RDA) é a nova diretriz para a catalogação desenvolvido para substituir o Código de Catalogação Anglo-Americano, segunda edição (AACR2) com a finalidade de melhorar a recuperação da informação. Nesse sentido, a presente pesquisa objetiva analisar como os registros bibliográficos de teses e dissertações da Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC) das áreas de literatura e cinema serão afetados com os padrões do código RDA. Para responder aos questionamentos realizados neste estudo delinearam-se como objetivos específicos: elaborar registros bibliográficos de teses e dissertações da UFSC no padrão RDA; comparar os elementos catalográficos nos padrões AACR2 e RDA; analisar os registros bibliográficos de teses e dissertações da UFSC nas áreas de literatura e cinema de acordo com os padrões do RDA; identificar e propor elementos consistentes para a descrição dos registros bibliográficos das teses e das dissertações da UFSC conforme o padrão RDA; analisar os registros bibliográficos das teses e das dissertações da UFSC, especificamente no que se refere às entidades-relacionamentos e verificar na literatura nacional e internacional implementações práticas do novo código que possibilitem identificar vantagens e desvantagens do RDA. A pesquisa caracteriza-se como qualitativa de caráter exploratório e descritivo, além disso se utiliza do método estudo de caso e de acordo com sua finalidade é uma pesquisa aplicada. Os resultados do estudo foram analisados sob a perspectiva das tarefas dos usuários e apontou que a descrição bibliográfica apresenta modificações significativas correspondentes ao formato, conteúdo e mídia de um recurso. Com base na análise dos registros e dos resultados obtidos, pode-se concluir que o catalogador precisa despender mais atenção, conhecimento e tempo na sua prática o que sugere a esse profissional a necessidade de educação continuada.<br> / Abstract : The Resource Description and Access (RDA) is the new guideline for cataloging developed to replace the Anglo-American Cataloguing Rules, Second Edition (AACR2) in order to improve information retrieval. Accordingly, the present research aimed to analyze how bibliographic records of theses and dissertations of the Federal University of Santa Catarina (UFSC) on areas of literature and cinema will be affected with the RDA standards. To answer the questionings conducted in this study, it is outlined as specific objectives: develop bibliographic records of theses and dissertations at the UFSC RDA standard; compare the cataloging elements in AACR2 and RDA standards; analyze bibliographic records of theses and dissertations of UFSC in the fields of literature and cinema according to RDA standards; identify and propose consistent elements for the description of bibliographic records of theses and dissertations UFSC according to the RDA standard; analyze bibliographic records of theses and dissertations of UFSC, specifically with regard to the entities-relationships; and verify in the national and international literature practical implementation of the new code that enable to identify advantages and disadvantages of RDA. The research is a qualitative, exploratory and descriptive study, using the method of case study and, according to its purpose, it can be an applied research. The results of the study were analyzed from the user tasks perspective and pointed out that the bibliographic description presents significant changes in referring to the format, content and media of a resource. Based on the analysis of the records and the results obtained, it can be concluded that the cataloger needs to spend more attention, knowledge and time practicing, suggesting to this professional the need for continuing education.

Tese (doutorado)- Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2017. / Made available in DSpace on 2017-09-05T04:14:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 348103.pdf: 4773486 bytes, checksum: b76de01b356372ec3945a1b76d75502a (MD5) Previous issue date: 2017 / O objetivo da tese é propor modos de leitura para o filme O som ao redor. A análise é realizada a partir das noções de arquivo, tempo e imagem, formando uma teia literária de suporte para pensar a complexidade do filme. Para lançar hipóteses de leitura e interpretação para o filme mapeamos textos filosóficos, sociológicos e poéticos, que se conectam para pensar as relações residuais da casa grande no subúrbio de Recife. Forma-se uma teia de apoio teórico-crítica para pensar a complexidade do filme do qual se seleciona personagens-chave (Bia e Francisco) e figuras imagéticas recorrentes (a grade e a espiral) para nos auxiliar a perceber as passagens e as descontinuidades nos gestos (do antigo ao novo, da manufatura ao industrial) dos tempos (do arcaico ao atual) e dos contextos (regional ao global, das cenas enquadradas às contínuas). No filme estudado, a narrativa se desenvolve pela conexão espiralada dos fatos, assim, percebemos as idas e vindas do tempo, trazendo as transformações na passagem passado/presente na memória de uma açucarocracia, cujo impacto se sente nos dias de hoje.<br> / Abstract : The objective of this thesis is to propose modes of reading the film O Som ao Redor. The analysis is made having in mind the notions of archive, time and image, in order to form a literary net which allows us to think about the complexity of this film. In order to interpret it we map some philosophical, some sociological and some poetic texts which interconnect so that it is possible to notice the residual relations between the Masters and the Slaves in the suburbs of Recife. A network of both critical and theoretical support is then created to think the film?s complex editing. Key-charcaters (Bia and Francisco) and imagetical figures which are recurrent, respectively, the square and the spiral, help us to perceive the passages and the discontinuities in gestures (from the old one to the new, from manufacture to industrial) difference in times (from the archaic to the present) and contexts (regional/global, square scenes do continuous). In this film, narrative develops itself by the spiraled connections of facts, and thus we can perceive the tos and fros in time, bringing transformations in the bygones of a sugar-cane aristocracy whose impacts are felt today.

Orientador(a): Rosangela da Silva Leote / Banca: Josette Maria Alves de Souza Monzani / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Natalia Christofoletti Barrenha / Banca: Bernardo Queiroz de Siqueira Santos / Resumo: Este é um estudo que examina a noção de Alteridade em filmes cubanos e brasileiros da década de 90. A análise é feita nos filmes cubanos Fresa e Chocolate (1994) e Guantanamera (1995), assim como nos brasileiros Central do Brasil (1998) e Terra Estrangeira (1996). A pesquisa foi desenvolvida mediante uma indagação documental com metodologia qualitativa, com a elaboração e análise de um sistema de categorias e variáveis a partir da triangulação metodológica, teórica e disciplinar de diversos conteúdos vindos da filosofia, dos estudos culturais e da semiótica com referências a autores como Hal Foster, Merleau Ponty, Lévinas, Rancière e Greimas que permitem ratificar as complexidades envolvidas no cinema contemporâneo. Foram analisados os personagens dos filmes selecionados como sujeitos de Alteridade pertencentes a grupos da realidade multicultural contemporânea conforme critérios socioculturais. Alem disso, foram examinadas as narrativas de ditas obras a partir da noção de Alteridade entendida fenomenologicamente como aptidão de intersubjetividade, e disposição inata para estar no mundo, fazendo entender o cinema como rede intrincada de relações. Ainda, se inclui o roteiro do curta-metragem Tuya para sempre que foi elaborado pelo autor da pesquisa aplicando os procedimentos de análise resultantes desta / Resumen: Este es un estudio que examina la noción de Alteridade en películas cubanas y brasileñas de la década de 1990. Se analisan las películas cubanas Fresa y Chocolate (1994) y Guantanamera (1995), así como en Central de Brasil (1998) y Tierra Extranjera (1996), producidas en Brasil. La investigación se desarolla mediante una indagación documental con metodología cualitativa a partir la elaboración y análisis de un sistema de categorías y variables, con de la triangulación metodológica, teórica y disciplinar de diversos contenidos provenientes de la filosofía, los estudios culturales y la semiótica con referencias de autores como Hal Foster, Merleau Ponty, Lévinas, Ranciere y Greimas, todo lo cual permite ratificar las complejidades envueltas en el cine contemporáneo. Se analizan los personajes de las películas seleccionadas como sujetos de Alteridade pertenecientes a grupos de la realidad multicultural contemporánea conforme criterios socioculturais. Así mismo, fueron examinadas las narrativas de dichas obras desde la noción de Alteridade entendida fenomenologicamente como aptitud de intersubjetividade, e disposición innata para estar en el mundo, lo que permite entender el cine como red enmarañada de relaciones. Aún, se incluye el guión del cortometraje "Tuya para siempre" el cual fue elaborado por el autor con la aplicación de los procedimientos de análisis que han resultado de esta investigación / Doutor

Esta pesquisa trata das relações entre cinema e educação. Tem como foco o trabalho de formação de crianças e adolescentes, integrantes do Projeto de Produção Audiovisual Clube das 5 – projeto de oficinas de cinema realizado na rede pública de ensino do município de Alvorada, na Região Metropolitana de Porto Alegre/RS. O objetivo é discutir a potência educativa e formativa do cinema, mediada pela figura do mestre; no caso, estudamos as estratégias do professor André Bozzetti que, no ano de 2013, idealizou o projeto, fazendo um convite aos seus estudantes, do 4º ao 8º ano escolar, da Escola Municipal Emília de Oliveira. Metodologicamente, nos inspiramos no fazer etnográfico, para levantar, compor e apresentar os dados da pesquisa; basicamente, operamos com a escrita de relatos de campo. Como referencial teórico, centramos a discussão nos conceitos de formação, psicagogia e parresía, como apontados por Foucault, em A Hermenêutica do Sujeito. Buscamos empreender uma descrição das escolhas de um mestre que coloca o cinema em discurso, tendo como objetivo não apenas a transmissão de um certo saber, mas modos possíveis de transformação de sujeitos jovens. Dito de outro modo, tratamos da figura do mestre que se forja no âmbito da psicagogia. Por fim, lançamos a hipótese de que o “Clube das 5” figura como um espaço de produção de verdades impulsionadoras de condutas éticas e estéticas – no sentido foucaultiano. Uma dessas condutas diz respeito à ideia de um processo compartilhado – entre professor e aluno – de formação e produção de conhecimento. Tensiona-se, assim, as proposições de um tipo clássico de formação, que supõe o sujeito como carência ou “não saber”. Os dados registrados e analisados evidenciam escolhas que escapam daquela educação que ignora repertórios e desejos tão diversos, apostando, ao contrário, na potência de práticas de formação de si, pela arte do cinema e da criação. / This research deals with the relations between film and education. It focuses on the work of children and teenagers’ formation, part of the Project of Audiovisual Production Clube das 5 – a project of workshops that takes place at public schools in the city of Alvorada, situated in the metropolitan area of Porto Alegre/RS. The objective is to discuss the educational and formational potential of film, mediated by the figure of the master. We study the strategies used by teacher André Bozzetti, who in 2013 idealized the project, inviting his students, of the 4th and 8th years of Elementary School from Emília de Oliveira Municipal School. Methodologically, we are inspired by the ethnographic making, to raise, compose and present research data. Basically, we operate with the writings of field reports. As a theoretical referential, we center the discussion on the concepts of formation, psychagogy and parrhesia, as pointed by Foucault in The Hermeneutics of the Subject. We aim to undertake a description of the choices of a master that puts film in discourse, having as his or her objective not only the transmission of certain knowledge but also possible modes of transformation of young subjects. In other words, we treat the figure of the master that is forged in the scope of psychagogy. Finally, we come up with the hypothesis that “Clube das 5” figures as a space of production of truths that propel ethical and aesthetical conducts – in the Foucaultian sense. One of these conducts refers to the idea of a shared process – between teacher and student – of knowledge formation and production. Thus, the propositions of a classical type of formation, which supposes the subject as lack or “not knowledge”, are stressed. Registered and analyzed data evidences choices that scape an education that ignores such diverse repertoires and desires, betting, on the contrary, in the potential of practices of formation of the self, through the art of film and creation.

Made available in DSpace on 2016-08-29T11:12:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_9063_CATARSE E CINEMA Santiago Daniel 09.09.2015 FINAL.pdf: 2937011 bytes, checksum: a87b4c79595e93b11fd59e19f7807ad0 (MD5) Previous issue date: 2015-07-27 / A pesquisa trata da relação entre a estética do filme e a dimensão sensível do espectador, e toma como eixo central deste diálogo o conceito de catarse desenvolvido na Psicologia da arte de Vigotski (1999b). O objetivo é compreender como o conceito de catarse pode contribuir para a reflexão, no âmbito da educação dos sentidos (formação estética), bem como se ele pode criar as condições e possibilidades para transformar, qualitativamente, o espectador em contato com o filme/cinema. A metodologia é de cunho eminentemente teórico-reflexivo, realizada a partir do levantamento bibliográfico, análise de trabalhos acadêmicos com foco no conceito-chave. Pressupõe-se que, na sociedade contemporânea, o cinema é uma das principais vias de formação estética, com presença significativa no processo de constituição da individualidade em diversos contextos sociais. A dimensão reflexiva da pesquisa também opera a partir da análise do filme Fresa y Chocolate (1993), do cineasta cubano Tomás Gutierrez Alea. Uma primeira hipótese considera que a dimensão formativa do cinema só chega a sua máxima concretude quando o espectador, na vivência com o filme, é elevado a um nível superior de transformação qualitativa a partir das emoções contrárias suscitadas pela narrativa estética conflito entre conteúdo x forma. Uma segunda hipótese considera que a perspectiva estética de Gutierrez Alea, em especial no filme Fresa y Chocolate (1993), aproxima-se da concepção de catarse desenvolvida por Vigotski. Desse modo, esse conceito pode contribuir para, no âmbito do campo dos fundamentos da educação, ampliar a reflexão sobre a compreensão da reação estética que o espectador experimenta em contato com o filme, cuja função vai além da representação da realidade, ele pode ser considerado a própria visão social do espectador sobre a realidade. A catarse, como fundamento da reação estética experimentada pelo espectador com a obra, constitui-se em uma complexa transformação sensível e, também, da própria consciência e percepção da realidade objetiva.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Filosofia, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2016-02-16T03:03:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 337765.pdf: 2226294 bytes, checksum: 6cf75ab789c36c97ab08ad3eec1520d0 (MD5) Previous issue date: 2015 / Neste trabalho, discutimos o pensamento filosófico de Merleau-Ponty concernente ao cinema como arte ontológica, como experiência de existência configurada na visibilidade, no corpo e na carne e em propagação sobre o outro e também sobre o mundo. Para o autor estudado, as análises de um objeto em geral, são aplicadas igualmente ao cinema, enquanto este é um objeto a ser percebido, sendo o filme compreendido como a arte de tornar visíveis e tangíveis objetos e comportamentos. Vemos ?segundo? e ?com? as imagens, já que há um entrelaçamento entre a minha carne, a carne do mundo e a visibilidade, constituindo, de fato, uma precessão recíproca da visão e do visível. O ser das imagens em movimento é o ver que não mostra unicamente o que é, mas mostra o que pode surgir, a imagem latente que pode nascer da interação, da ligação íntima com um tempo e um espaço transfigurado por sua ação. Por essa razão, a arte cinematográfica é ?vidência?, ou seja, é o mundo que se torna sua própria imagem e não a imagem que se torna o mundo. O cinema não é representação, ou melhor, ele é símbolo e não signo, não remete a nada que não a ele mesmo, o que faz do filme um sistema carnal. Dessa maneira, o cinema é uma arte autônoma expressiva; ele produz sua própria essência, seu próprio pensamento, sua própria ontologia.<br> / Abstract : In this work, we discuss the Merleau-Ponty's philosophical thought concerning the cinema as ontological art, like existential experience set in visibility, in body and flesh and in the spread on the other and on the world too. For the focused author, the analysis of an object in general, are also applied to the cinema, while it is an object to be perceived. Then, the film is understood as the art of making visible and tangible objects and behaviors. We see ?according? and ?with? the images, since there is an intertwining of my flesh, the flesh of world and the visibility, constituting, in fact, a reciprocal precession of the sight and the visible. The being of moving images is the seeing that not only shows what it is, but it shows what can arise, the latent image that can born from the interaction of the intimate connection with a time and a space transfigured by his action. For this reason, the cinematic art is ?voyance?, that is the world becomes its own image, not the image that becomes the world. The cinema is not representation, or rather it is a symbol and no sign, it does not refer to anything other than itself, which makes the film a carnal system. Therefore, the film is an autonomous expressive art; it produces its own essence, its own thought, its own ontology.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História / Made available in DSpace on 2013-06-25T19:22:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 309539.pdf: 1215781 bytes, checksum: 63214b1a38e2a93805b420bf301147a2 (MD5) / Nas últimas décadas se alargaram no campo das Ciências Humanas e Sociais as discussões acerca da utilização do Cinema não apenas como um produto social, mas também como um produtor de sentidos sociais. Dentro dessa perspectiva, propõe-se uma tentativa de superação de concepções puramente formalistas, descritivas e estéticas, para se alinhar, então, a uma História Social do Cinema. Essa abordagem propõe um relevo no contexto de produção fílmica, que envolve variáveis como distribuição, crítica e recepção, e uma investigação no que se refere ao impacto social dos filmes que se pretende analisar. Os três filmes analisados, Aves sem ninho (1939), Pureza (1940) e 24 horas de sonho (1941), todos filmes de enredo, ficcionais, de longametragem e realizados por produtoras privadas, foram premiados pelo Departamento de Imprensa e Propaganda - DIP, em atenção ao Decreto-Lei nº 1.949, de 30 de dezembro de 1939. Por essa razão, a relação desses filmes - e, evidentemente, toda a rede que os compõem - com o Estado desdobra o conjunto de variáveis da pesquisa, que perfaz parte da trajetória da cinematografia brasileira dos anos 1930 e início dos 1940 em termos legais, organizacionais e paradigmáticos, detendo-se, também, nos estigmas gestados naquele contexto. Os modelos supostamente adotados, os debates entre intelectuais e Estado, as leis promulgadas, o ideário do regime estadonovista e sua própria dinâmica são subsídios para se refletir sobre as mensagens que os filmes pretendiam passar, mas, sobretudo, sobre as mensagens que efetivamente passaram, impactando ou não aquela sociedade, justificando ou não sua premiação. / In the last decades much has been discussed in the Social and Human Science areas on the use of Cinema, not only as social product, but also as a social sense producer. Within such perspective, the present work aims at a try of overcoming the purely descriptive, formalistic, and aesthetic concepts, towards the Cinema Social History. This approach proposes a variation in the film production context, which involves variables as distribution, critics, and reception; and an investigation regarding the social impact of films to be analyzed. The three assessed films, Aves sem ninho (1939), Pureza (1940), and 24 horas de sonho (1941), are all story, fictional, full-length films, carried out by private producing companies, which were awarded by the Departamento de Imprensa e Propaganda (Advertisement and Press Department) - DIP, concerning the Law 1.949, 30th December 1939. For such reason, the connection of those films - and, evidently, all the network within - with the State makes available the set of variables of the research, composing part of the Brazilian cinema timeline in the early 30's and late 40's, in legal, organizational, and paradigmatic terms, also looking at stigmas presented then. The supposedly adopted systems, the debates between scholars and the State, the enacted laws, the ideal of the estadonovista regime (new state) and its own dynamics are grants to reflect on the messages intended in the films, but, above all, on the messages themselves, causing an impact or not in that very society, justifying or not their awards.