Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-02T17:09:27Z No. of bitstreams: 1 Patricia Leandra Barrufi Pinheiro.pdf: 7691573 bytes, checksum: 8276af03465d4f4f16478d789c46e27b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-02T17:09:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Patricia Leandra Barrufi Pinheiro.pdf: 7691573 bytes, checksum: 8276af03465d4f4f16478d789c46e27b (MD5) Previous issue date: 2017-08-03 / Fundação de Amparo à Pesquisa e Inovação do Estado de Santa Catarina - FAPESC / This text proposes a reflection on the work of the actor in contemporary times, considering the creative practices that uses the captures of image and performance capture. The study begins with the realization that the profession of actor is now practiced in different environments or media, such as theater, television, cinema, internet, and digital games. The study focuses on the use of Performance Capture, which can be allied to the work of the actor, but at the same time calls into question the nature of this work, as this is an instrument of manipulation by digital technology. Is there a new concept of acting? The actor's work, mediated by Motion Capture or Performance Capture, can be qualified as an interpretation? This thesis aims to reflect on the creative processes related to the technology called Performance Capture and the definition of the concept of specific actor for this medium using concepts of actuation, corporality, virtuality and capture of performance. For this, the notion of expanded field in relation to the performance is used to consider what seems exclusive of the cinematographic productions to the territory of the art, particularly of the performance. Consequently, the thesis explores technical and ethical issues arising from the practice that appropriates the images generated by the expressions, acting and the bodies of the actors. / Este texto propõe uma reflexão sobre o trabalho de ator na contemporaneidade considerando as práticas criativas que utilizam as capturas de imagem e captura de atuação. O estudo parte da constatação de que a profissão de ator é hoje exercida em diferentes ambientes ou mídias, tais como o teatro, a televisão, o cinema, a internet, e jogos digitais. O estudo tem seu foco na utilização da Performance Capture, que pode ser aliada ao trabalho de ator, mas, que ao mesmo tempo coloca em questão a natureza deste trabalho, pois este é um instrumento de manipulação pela tecnologia digital. Existiria então um novo conceito de atuação? O trabalho do ator, mediado pelo Captura de Movimento ou Atuação, pode ser considerado interpretação? Esta tese busca refletir sobre os processos criativos relacionados com a tecnologia denominada Performance Capture e a definição do conceito de ator específico para esse meio, utilizando-se de conceitos de atuação, corporalidade, virtualidade e captura de atuação. Para tanto, utiliza-se a noção de campo expandido em relação à atuação para considerar isso que parece exclusivo das produções cinematográficas ao território da arte, particularmente da atuação. Consequentemente, a tese explana sobre questões técnicas e éticas decorrentes da prática que se apropria das imagens geradas pelas expressões, atuação e dos corpos dos atores.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-06T18:44:02Z No. of bitstreams: 1 Luiz Fernando Pereira.pdf: 28294607 bytes, checksum: f19402b8cbaefbe2123e6ab0ec31f449 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-06T18:44:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Fernando Pereira.pdf: 28294607 bytes, checksum: f19402b8cbaefbe2123e6ab0ec31f449 (MD5) Previous issue date: 2016-05-20 / This research aims to highlight production design and the work of a production designer showing through the latest studies their role in theater making. Cinema, which has emerged from theater, has developed and incorporated the function of production design to such a degree that it has become a major narrative language in the visuality of a film, whereas in theater it has not happened yet. This study begins conceptualizing production design and its constituent elements such as scenography, costumes, makeup, characterization of a character and lighting that are essential in the construction of a narrative language. It also highlights the importance of the acting area as a mean in which the dramatic action takes place. It is noted that since its inception the theater, in one way or another, has made use of the production design, although it was not so named, which was performed by skilled workers from the most different areas. After analyzing the development and application of production design methodology in filmmaking and in theater, it is presented the hypothesis that a production designer must effectively become part of a creative team when staging a play. The theoretical framework present in this research draws on the author's experience as a production designer both in theater and filmmaking and on works of Felisa Blas Gómez, Michael Rizzo and Vincent LoBrutto, which support this study. What makes it relevant to Brazilian theater is the lack of formal studies in this area. Aiming to fill this gap and stimulate the expansion of production design, both in the job market and in the Academy, the author presents his methodology. / O objetivo desta pesquisa é ressaltar a importância da direção de arte e do diretor de arte evidenciando com estudos mais recentes seu papel no fazer teatral. O cinema, que surgiu a partir do teatro, desenvolveu e incorporou a direção de arte tornando-a uma linguagem narrativa fundamental na criação da visualidade de um filme, prática ainda não consolidada no teatro. Este estudo inicia-se com a conceituação da direção de arte e seus elementos constitutivos: a cenografia, o figurino, a maquiagem, a caracterização e a iluminação, essenciais para a construção da linguagem narrativa. Destaca-se também a importância do espaço cênico como um elemento no qual se materializa a ação dramática. Constata-se que desde o seu surgimento o teatro, de uma maneira ou de outra, usufruiu da direção de arte, ainda que ela não fosse assim denominada, desempenhada por profissionais das mais diferentes áreas. Após a análise do desenvolvimento e da aplicação da metodologia da direção de arte no cinema e no próprio teatro, apresenta-se a hipótese de que o diretor de arte passe efetivamente a integrar a equipe criadora nas montagens teatrais. A construção teórica presente nesta pesquisa apoia-se na experiência do autor como diretor de arte, no teatro e no cinema, e nas obras de Felisa de Blas Gómez, Michael Rizzo e Vincent LoBrutto, que a corroboram. O que a torna relevante para o Teatro Brasileiro é a carência de estudos formais nesta área. Visando preencher esta lacuna e estimular a expansão da direção de arte, tanto no mercado de trabalho quanto na Academia, o autor apresenta sua metodologia.

Submitted by RAFAEL MARCURIO DA COL null (rafaeldacol@hotmail.com) on 2018-03-16T05:25:41Z No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) / Approved for entry into archive by Milena Maria Rodrigues null (milena@fclar.unesp.br) on 2018-03-16T12:03:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-16T12:03:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) Previous issue date: 2018-01-23 / Este trabalho tem o objetivo geral de analisar procedimentos discursivos que criam subjetivações de personagens homossexuais no cinema brasileiro, verificando a emergência dessa identidade a partir dos anos 1980. Esse objetivo nos leva também a investigar as condições de possibilidade que permitiram transformações da representação do homossexual que abrangem desde um momento em que era silenciado até a sua visibilidade no contemporâneo. Nosso corpus de análise foi constituído a partir do critério de momentos de ruptura que fizeram emergir distintas representações do homossexual, em quatro (4) filmes, que são: O Beijo no Asfalto (1980), Carandiru (2003), Madame Satã (2001) e Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (2014). Sob a luz da Análise do Discurso derivada dos estudos de Michel Foucault, pretendemos analisar as práticas discursivas, numa perspectiva arqueogenealógica, a fim de perceber as relações de poder na historicidade desses enunciados. Também são importantes trabalhos de pesquisadores brasileiros sobre discursividade e cinema como os de Milanez (2014) e Xavier (2003; 2008). Com esses pressupostos teóricos, analisaremos a interdiscursividade das imagens que evidencia transformações da identidade do homossexual, delineando um movimento que vai das margens da sociedade para o seu centro, da falta ao excesso, em consonância com mutações políticas e sociais que ensejaram o aparecimento de novas discursividades. Assim, verificamos a normalização da identidade homossexual para que seja possível constituir um filme no cenário nacional, seguindo os padrões sociais de virilidade e deixando o homossexual afeminado nas denominadas heterotopias de desvio como a prisão e o bordel. Em suma, o homossexual passa do apagamento para uma hipervisibilidade das relações homoafetivas dentro do cinema nacional a partir dos anos 2000. No entanto, é possível verificar diversas articulações do dispositivo fílmico nacional que restringe e censura o que ainda pode emergir sobre essa subjetividade no cinema nacional que por um lado humaniza a relação homoafetiva, mas que por outro a normatiza e revela um ideal que deve ser seguido para que exista a possibilidade de emergência dentro da sociedade brasileira.

Orientador: Dr. Sérgio Mauro Romagnolo / Banca: Dr. Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: Dr. João Eduardo Hidalgo / Resumo: O gênero musical, assim como os demais, apresenta um caráter dinâmico. Revendo a história dos musicais é possível notar uma série de transformações e novos usos dos elementos cinematográficos típicos do gênero. Entre esses momentos de transformação, este trabalho destaca a realização de Carlos Saura, "Bodas de Sangue". A partir de considerações preliminares acerca das discussões teóricas sobre o cinema e uma abordagem da história dos musicais, propõe-se uma análise de "Bodas de Sangue" como uma releitura do musical clássico, sobretudo em função do uso da dança como elemento narrativo fundamental. Esse processo analítico tem como referência as considerações de Christian Metz acerca da significação no cinema e a proposta de análise fílmica de Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété. É estabelecido ainda o diálogo desses autores com conceitos desterritorializados de Gilles Deleuze acerca da linguagem e da imagem, como "encontro" e "diálogo". Assim, investiga-se como a combinação dos elementos de diferentes linguagens - cinema e dança, sobretudo - se articulam de modo que a história seja contada pela dança e, portanto, resultem numa nova abordagem do gênero musical / Resumen: Él género musical, así como los demás, tiene un carácter dinámico. Repasando la historia de los musicales es posible notar una serie de cambios y nuevos usos de los elementos típicos de este tipo de género. De los momentos de transformación, este trabajo destaca la película de Carlos Saura, "Bodas de Sangre". Partiendo de consideraciones preliminares sobre las discusiones teóricas sobre el cine y también de la história de los musicales, se propone aquí un análisis de la película "Bodas de Sangre" como una nueva versión del género musical clásico, en particular mediante el uso de la danza como elemento narrativo fundamental. Este proceso de análisis tiene como referencia las consideraciones de Christian Metz sobre la significación del cine y la metodología de análisis de películas de Francis Vanoye y Anne-Goliot Lete. Se estableció también un diálogo de estos autores con conceptos desterritorializados de Gilles Deleuze sobre el lenguaje y la imágen, como "reunión" y "diálogo". Por lo tanto, se investiga cómo la combinación de los elementos de diferentes lenguajes - el cine y la danza en particular - están vinculados de modo que la historia es contada a través de la danza y por eso resulten en un nuevo enfoque del género musical / Mestre

Made available in DSpace on 2014-04-25T02:02:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000456855-Texto+Completo-0.pdf: 4460586 bytes, checksum: ecdd8cf3212fbdb651acc07017f09d8c (MD5) Previous issue date: 2014 / This dissertation aims to analyze flux cinema, to understand how it manifested itself in recent brazilian production and to propose a film analysis approached through the sentience. In order to achieve that, at first, we will conceptualize flux cinema, seeking for its main characteristics. We then present a theoretical debate around the idea of real, time and sentience and the construction of meaning at flux cinema. For this, we rely in authors such as André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia and Jacques Rancière. Finally, we make an analysis, built on the concept of filmic figure (from Philippe Dubois), on a corpus consisting of two fiction features, representatives of Brazilian flux cinema: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti and Ricardo Pretti, 2011) and Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011). / O objetivo desta dissertação é analisar o cinema de fluxo, compreender como o mesmo se manifestou na produção recente do Brasil e propor uma análise fílmica a partir do sensível. Para isso, em um primeiro momento, buscamos conceituar o cinema de fluxo e apreender suas principais características. Em seguida, apresentamos um debate teórico em torno da ideia de real, tempo e sensível e a construção de sentido no cinema de fluxo. Para tanto, nos apoiamos em autores como André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia e Jacques Rancière. Por fim, faremos uma análise, erguida sobre o conceito de figura fílmica (de Philippe Dubois), sobre um corpus composto por dois longas-metragens de ficção, representantes do cinema de fluxo brasileiro: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti e Ricardo Pretti, 2011) e Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011).

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Educação, Faculdade de Educação, 2014. / Submitted by Larissa Stefane Vieira Rodrigues (larissarodrigues@bce.unb.br) on 2014-12-16T14:14:56Z No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2014-12-17T14:10:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-12-17T14:10:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5) / Os objetivos desta pesquisa foram: compreender a narrativa do cinema nas suas diversas manifestações; refletir a temática da morte nos tempos atuais e analisar a narrativa fílmica veiculada pelo filme A partida (2008) de Yôjirô Takita. O cinema é visto como uma linguagem multifacetada, como um elemento constitutivo da indústria cultural, mercado, arte, espetáculo, lucro, entretenimento, diversão e da formação ideológica e possibilidade de desenvolvimento da sensibilidade. A morte, no ocidente, tornou-se interdita, inominada, tabu, mas ainda assim companheira inseparável da vida. Os elementos do filme abordados foram sonhos fenecidos; a morte como ofício; o fim dos dias; onde tudo está vivo, a morte está; nenhum tempo é tempo; o velho como o prenúncio do novo; o desassossego dos que ficam; tinha uma pedra no caminho; a vida precisa de inspiração; viver é uma honra. São relacionadas duas experiências como forma de educação para a morte e o morrer no espaço de sala de aula. A primeira, com o Corpo de Bombeiros do Distrito Federal (CBMDF) na disciplina Psicologia Aplicada ao Bombeiro Militar. E a segunda, com alunos da Pós-graduação em Educação da Universidade de Brasília (UnB) na disciplina Espaços de Cinema: Natureza e Cultura em Imagens e Sons. A discussão e análise são empreendidas mediante análise das narrativas dos cadetes e dos alunos. _____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objectives of this research were: to understand the narrative of the film in its several manifestations; reflect the theme “death” nowadays and analyze the filmic narrative transmitted by the film “Departures (2008) by Yôjirô Takita. The film has been seen as a multi-faceted language, as a constituent part from the cultural industry, market, art show, profit, fun entertainment, ideological education and as the possibility of sensitivity development. Death in the West, became prohibited, innominate, taboo, but inseparable companion of life even so. The elements of the film were decayed dreams, death as a craft, the end of the days, there is death whenever there is life, no time is time, the old as a harbinger of the new, restlessness of those who remain; there was a stone in the middle of the road; life needs inspiration and living is an honor. Two experiences are related in order to learn from death and dying inside the classroom. The first one with the firemen from the Federal District (CBMDF) at Applied Psychology discipline. And the second experience with students from Postgraduate Education at the University of Brasilia (UnB) at the Film Environment discipline: Nature and Culture in Pictures and Sounds. The discussion and analysis have been undertaken from the cadets and students’ narratives.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação, 2012. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-06-28T22:14:28Z No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-07-04T12:13:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-07-04T12:13:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Uma reflexão acerca da linguagem e das estratégias narrativas no cinema documentário contemporâneo é o objetivo deste projeto de pesquisa. A investigação é realizada a partir da análise do filme israelense Valsa com Bashir (2008), que se tornou um marco na história da não-ficção ao radicalizar tendências que há décadas vinham se constituindo de forma marginal aos postulados clássicos dessa cinematografia, encarnados, sobretudo, no estilo cinema direto e cinéma vérité. A obra do diretor Ari Folman propõe um mergulho na memória de seus personagens, construindo-se a partir de suas subjetividades. Consegue, assim, trazer para o discurso realista característico do documentário elementos pouco usuais como sonhos, alucinações e reminiscências carregadas de traumas e culpas. Mais que isso, Valsa com Bashir dá vida a tais elementos intangíveis, representando-os na realidade imagética por meio da técnica da animação, estruturando uma história em que o mundo fático e o mundo da imaginação misturam-se e revezam-se de forma caótica. Tudo isso tendo como pano de fundo um dos mais infames episódios das seis décadas de embate entre israelenses e palestinos na Terra Santa: o massacre de Sabra e Chatila durante a Guerra do Líbano em 1982. Ao expor a dor dos ex-combatentes e ao reconhecer a tragédia palestina, Valsa com Bashir aproxima-se de parte expressiva da cinematografia produzida atualmente em Israel, que caracteriza-se por apresentar visões alternativas acerca do conflito. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / A reflection about the language and the narrative strategies of the contemporary documentary cinema is the purpose of this project. The research is carried out from the analysis of the Israeli full-length film Waltz with Bashir (2008), which became a milestone in the nonfiction history by radicalizing tendencies which had been constituted on the borderline of the classical postulates of the nonfiction cinematography for decades, embodied, especially, in styles like the direct cinema and the cinéma vérité. The film directed by Ari Folman comes up with an excursion throughout the depths of character’s memories, building up its storyline through their subjectivities. Thereby, it brings unusual elements like dreams, hallucinations and recollections replete of trauma and guilt to the documentary’s realistic discourse. More than that, Waltz with Bashir gives life to these intangible elements, depicting it on the imagery reality through animation techniques, structuring a story where the factual world and the imaginary one mix and switch among themselves chaotically. All this considering as background one of the most infamous episodes of the six decades of clashes between Israelis and Palestinians in the Holy Land: the massacre of Sabra and Chatila during the Lebanon War in 1982. By exposing the former soldiers pain and recognizing the Palestinian tragedy, Waltz with Bashir approaches to significant part of the current cinematography produced in Israel, characterized by presenting alternative points of view about the Israel-Palestine conflict.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Humanas, Departamento de História, Programa de Pós-Graduação em História, 2012. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2012-09-13T14:14:41Z No. of bitstreams: 1 2012_RobsonNunesdaSilva.pdf: 1627583 bytes, checksum: baf64ad05f1f8c3b5de4d7d5a4acefb6 (MD5) / Approved for entry into archive by Luanna Maia(luanna@bce.unb.br) on 2012-09-14T12:35:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_RobsonNunesdaSilva.pdf: 1627583 bytes, checksum: baf64ad05f1f8c3b5de4d7d5a4acefb6 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-09-14T12:35:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_RobsonNunesdaSilva.pdf: 1627583 bytes, checksum: baf64ad05f1f8c3b5de4d7d5a4acefb6 (MD5) / O estudo que ora se apresenta nesta dissertação coloca-se num campo da pesquisa historiográfica que propõe um diálogo na relação entre o cinema e a história. Influenciado e iluminado por alguns aspectos da filosofia da história de Walter Benjamin, procuro esquadrinhar, nos filmes El compadre Mendoza (1933) e ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935), dirigidos pelo cineasta mexicano Fernando de Fuentes, a rememoração da experiência histórica revolucionária dos grupos camponeses zapatistas e villistas. Tomo esses filmes como objeto de análise para neles perscrutar a representação da ideia de revolução mexicana presente nestes grupos, a partir da maneira como o cineasta se apropria, encena e interpreta a rememoração da luta armada e seus desdobramentos. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The study here presented is placed in a field of historical research that proposes a dialogue on the relationship between cinema and history. Influenced and illuminated by some aspects of Walter Benjamin‟s philosophy of history, the idea is to scan the recollection of the historical experience of revolutionary zapatistas and villistas peasant groups in the films El compadre Mendoza (1933) and ¡Vamonos con Pancho Villa! (1935), both directed by Mexican filmmaker Fernando de Fuentes. I take these films as an object of analysis to scrutinize within them the representation of this idea of the Mexican revolution in these groups, from the way the filmmaker appropriates, performs and interprets the recollection of the armed struggle and its aftermath.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, 2006. / Submitted by Érika Rayanne Carvalho (carvalho.erika@ymail.com) on 2009-12-01T23:23:36Z No. of bitstreams: 1 Layo Fernando Barros de Carvalho.pdf: 25024564 bytes, checksum: 23c3b57d50b161cf37f2b81df791fe36 (MD5) / Approved for entry into archive by Joanita Pereira(joanita) on 2009-12-02T12:51:38Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Layo Fernando Barros de Carvalho.pdf: 25024564 bytes, checksum: 23c3b57d50b161cf37f2b81df791fe36 (MD5) / Made available in DSpace on 2009-12-02T12:51:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Layo Fernando Barros de Carvalho.pdf: 25024564 bytes, checksum: 23c3b57d50b161cf37f2b81df791fe36 (MD5) Previous issue date: 2006 / O presente trabalho tem como objetivo traçar um paralelo entre os filmes “O Invasor” (2002) de Beto Brant e “O Bandido da Luz Vermelha” (1968) de Rogério Sganzerla em uma tentativa de se analisar a transgressão no cinema brasileiro. Com base no seu aparecimento na teoria cultural, estética e sociológica, reflete-se sobre o conceito de transgressão dentro da sétima arte. Busca-se, então, uma revisão de suas manifestações na história do cinema brasileiro, apontando os filmes de Brant e Sganzerla como marcos transgressores de suas épocas: Cinema da Retomada e Cinema Marginal (década 1960). Através da avaliação da recepção da crítica aos filmes em textos da época de seus lançamentos, as duas produções são finalmente cotejadas em uma análise fílmica que busca unir imagem, bandidos, transgressão e contexto. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The aim of this present study is to compare Beto Brant’s film “O Invasor” (2002) and Rogério Sganzerla’s film “O Bandido da Luz Vermelha” (1968) analyzing transgression in Brazilian cinema. Based on its appearance in the cultural, aesthetic and sociological theory, a concept of transgression is studied in cinema. The research aims to revise the manifestations of transgression in the history of the Brazilian cinema, pointing Brant and Sganzerla’s films as marks of transgression of their times: Cinema da Retomada and Cinema Marginal (decade 1960). Through the evaluation of the reception of the critics about the films in articles published at the time of their release, the two productions are finally unified in a filmic analysis that joins image, outlaws, transgression and context.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Centro de Pesquisa e Pós-Graduação sobre as Américas, 2007. / Submitted by wesley oliveira leite (leite.wesley@yahoo.com.br) on 2009-10-15T19:39:33Z No. of bitstreams: 1 Tese_Maria Luiza.pdf: 1660624 bytes, checksum: 338f5b9b9666909b5915a0bb71624c32 (MD5) / Approved for entry into archive by Gomes Neide(nagomes2005@gmail.com) on 2010-07-27T18:04:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese_Maria Luiza.pdf: 1660624 bytes, checksum: 338f5b9b9666909b5915a0bb71624c32 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-07-27T18:04:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese_Maria Luiza.pdf: 1660624 bytes, checksum: 338f5b9b9666909b5915a0bb71624c32 (MD5) Previous issue date: 2007 / De que modo o cinema elabora a ditadura brasileira de 1964-1985 e a argentina de 1976-1983? Como os filmes constroem discursos imaginativos sobre a experiência ditatorial nestes países? Neste trabalho, são discutidos e analisados filmes brasileiros e argentinos produzidos entre 1985 e 2005 que focalizam os respectivos períodos ditatoriais. Estes filmes são tomados como filmes-arquivo por abordar e construir imaginativamente um passado que é, ao mesmo tempo, uma leitura do presente. Na primeira parte, a partir de uma discussão sobre cinema, antropologia e a questão da noção de contexto, é feita uma argumentação sobre a nação como construção imaginativa, abrindo caminho para interrogar o papel das narrativas fílmicas nos encadeamentos da vida social. Isso se dá, inicialmente, por meio de uma abordagem da problemática política na produção cinematográfica brasileira e argentina anterior às ditaduras, em contraponto com a da realização dos filmes a partir da década de 1990. Em seguida, são discutidos aspectos das ditaduras no Brasil e na Argentina e a importante questão dos arquivos ditatoriais: os dilemas em torno de tornar públicos ou não os documentos da ditadura nestes países e o trabalho social e histórico de interpretação que orbita tais arquivos são o horizonte da noção de filmes-arquivo, a qual será retomada na conclusão. A segunda parte apresenta os filmes argentinos tratados, assinalando sua ênfase na questão da família e da nação por meio da análise de dois filmes – Garage Olimpo (Marco Bechis, 1999) e Kamchatka (Marcelo Piñeyro, 2002) – que, a partir de opções estéticas diferentes, dão destaque à temática dos desaparecidos políticos, presente de várias maneiras no cinema argentino sobre a ditadura. Na terceira parte, uma discussão sobre o grupo de filmes brasileiros permite ressaltar alguns temas recorrentes nesta filmografia sobre a ditadura, destacando-se a análise de Quase dois irmãos (Lúcia Murat, 2005) e Cabra Cega (Toni Venturi, 2005). Esses filmes podem ser vistos como duas das principais maneiras de o cinema brasileiro discutir, reconstruir e trabalhar os eventos do período ditatorial: de um lado, uma ênfase mais detida nas histórias sobre a luta armada contra a ditadura; de outro, a partir desse tipo de abordagem, a atenção à convivência entre setores antagônicos na vida social brasileira. Na conclusão, retomando o tema da memória e do arquivo, argumenta-se que os filmes analisados, como filmes-arquivo, insinuam diferentes formas de reconhecimento das ditaduras, constituindo parte de uma memória ativa, articulada politicamente à vida social, um arquivo suplementar aos arquivos ditatoriais institucionais. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / How does the cinema elaborate the periods of dictatorship in Brazil (1964–1985) and in Argentina (1976–1983)? How do films build up imaginative discourses about the experience of dictatorship in these countries? In this study, the Brazilian and Argentine films produced between 1985 and 2005, focusing on their respective dictatorial periods, are discussed and analyzed. These films are taken as filmsarchive because they imaginatively approach and build up the past, which is, at the same time, a way to read the present. In the first part, starting with a discussion about cinema, anthropology and the notion of context, an argumentation about nation as an imaginative construction is carried out, opening the path to question the role of the film narratives in the social life enchainment. This occurs, initially, through an approach of the political matters in the Brazilian and Argentine film production before the dictatorships, in a counterpoint with the film making in the 1990s. After that, the aspects of the dictatorships in Brazil and in Argentine are discussed, as well as the important issue of the archives of the dictatorial period: the dilemmas whether making public the documents of this period in these two countries and the social and historical work of interpretation that surrounds the dictatorial archives, which are the horizon of the notion of films-archive, a subject that will be retaken in the conclusion of this study. The second part presents the Argentine films treated, signaling their emphasis on the matter of family and nation through the analysis of two films – Garage Olimpo (Marco Bechis, 1999) and Kamchatka (Marcelo Piñeyro, 2002) – which, from different esthetic options, enhance the theme of people that disappeared due to political reasons, present in a variety of ways in the Argentine cinema about the dictatorial period. In the third part, a discussion about the Brazilian group of films permits to point out some recurrent themes in this filmography enhancing the analysis of Quase dois irmãos (Lúcia Murat, 2005) and Cabra Cega (Toni Venturi, 2005). These films can be seen as two of the main ways in which the Brazilian cinema discusses, rebuilds and works the events of the dictatorial period: on one side, emphasizing the stories about the armed fight against the dictatorial government; on the other hand, from this kind of approach, giving attention to the presence of antagonistic sectors in the Brazilian social life. In the conclusion, returning to the theme of memory and archive, it is commented that the films analyzed, as films-archive, insinuate different forms to recognize the dictatorships, constituting part of an active memory, politically articulated to the social life, a supplementary archive to the institutional dictatorial archives.