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This Doctor of Philosophy submission consists of a folio of original compositions with an accompanying critical commentary. The compositions in the folio draw on the inspiration of a number of composers associated with the “Western Classical” tradition, as well as the influence of other musical styles and traditions such as Jazz. The commentary explores various aesthetic principles, musical influences and technical compositional approaches that stimulated the development towards an individual compositional output. A focus of the commentary is to draw attention to the unique synthesis of significant musical influences as evidenced in the folio, thereby elucidating a gradual development towards the attainment of a personal compositional style during candidature. The folio consists of an eclectic collection of works, including many vocal works, chamber works and orchestral pieces. A seminal chamber work in the folio, Le Tombeau de Monk, exhibits the synthesis of several influential composers and styles. Also included in the folio is an extended symphonic work for combined orchestral and choral forces, Symphony for a Busy World, which represents the culmination of many compositional features that were developed throughout candidature. To provide background and perspective to the folio of compositions, the commentary highlights a number of influential compositional techniques and idiosyncrasies with regard to thematic development and harmonic language, as well as specific features of rhythm, orchestration and vocal writing. Detail regarding these compositional processes is provided, discussing the influence of particular compositional approaches relevant to the body of works in the folio within a music history context, whilst also identifying the application of compositional processes and approaches encountered in the folio.

Thesis (D.M.A.)--Ohio State University, 2005. / Title from first page of PDF file. Document formatted into pages; contains xv, 336 p.; also includes graphics (some col.) Includes bibliographical references (p. 327-336). Available online via OhioLINK's ETD Center

Esta pesquisa concentra-se na articulação entre o discurso cinematográfico e o discurso musical, a partir da observação de determinado corpus fílmico: „Sal de Prata‟ (2005) de Carlos Gerbase. O filme, organizado através de intertítulos narrativos, cujo conteúdo semântico o remete à estrutura de uma sinfonia, propicia a reflexão acerca das aproximações e das apropriações entre ambas as manifestações. Inicialmente, se discorre acerca da estrutura em música e da estrutura no cinema, em que se insere a montagem e suas apropriações à terminologia musical. Complementam a discussão vieses cinematográficos e alguns exemplos fílmicos, destacados por outros autores sob a ótica de suas aproximações a formas e estruturas musicais. A estas reflexões segue a apresentação do conceito de sinfonia fílmica e de sua aplicabilidade em „Sal de Prata‟. Para tanto, foram considerados as observações oriundas da música pertencente à trilha sonora; a organização de planos; o percurso dramático do corpus em discussão. Encerra o trabalho, um exame das relações entre uma sequência fílmica e a música a ela combinada. A sequência selecionada compreende a única peça musical que pode ser ouvida em sua totalidade em „Sal de Prata‟: Largo do Concerto n. 5 em Fá menor, BWV 1056, de Johann Sebastian Bach, discutido aqui sob o viés retórico-musical. Entre música e cena percebem-se aproximações e concomitâncias referentes às estruturas observadas que são discutidas no pormenor. Esta dissertação concentra-se na reflexão das utilizações multifacetadas da música, no complexo cinematográfico, visando contribuir para a constituição desta área interdisciplinar de estudos. / This research focuses on the relationship between cinematographic and musical discourses taking as its object the observation of Carlos Gerbase‟s „Sal de Prata‟ (2005) as a film corpus. „Sal de Prata‟ is organized through narrative intertitles that refer to a symphonic structure through their semantic content; they elicit a reflection on the rapprochement and the appropriation between the two events. The thesis discusses the notion of structure in music and movies, including the concept of film editing as it mirrors musical terminology. The discussion is complemented by cinematic biases and film examples which are followed by the introduction of the concept of „film symphony‟ [„sinfonia fílmica‟] as well as its viability as related to „Sal de Prata‟. The soundtrack of the film is discussed, as are its plan organization, its dramatic journey, and the only piece that can be heard in its entirety in the film, the Largo from the Concerto no. 5 in F minor, BWV 1056, by Johann Sebastian Bach. This piece is analyzed under a rhetorical-musical bias and the parallel procedures in film and music are highlighted. This masters‟ thesis aims at a reflection on the multifaceted usage of music in the cinematographic complex, contributing to the construction of this interdisciplinary area of study.

Submitted by Andrea Hayashi (deachan@gmail.com) on 2016-06-28T12:25:21Z No. of bitstreams: 1 dissertacao-sidnei-de-oliveira.pdf: 3146663 bytes, checksum: 792cbda5687c281b1ee6c92410128da2 (MD5) / Approved for entry into archive by Andrea Hayashi (deachan@gmail.com) on 2016-06-28T12:26:38Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertacao-sidnei-de-oliveira.pdf: 3146663 bytes, checksum: 792cbda5687c281b1ee6c92410128da2 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-28T12:26:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao-sidnei-de-oliveira.pdf: 3146663 bytes, checksum: 792cbda5687c281b1ee6c92410128da2 (MD5) Previous issue date: 2013-03-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta Dissertação tem como objetivo mostrar a recepção do Beethoven de Wagner na obra de Nietzsche, mais precisamente em seu livro O Nascimento da Tragédia. Wagner tenta explicar aos alemães as razões de Beethoven figurar no mesmo patamar de Goethe e Schiller, Wagner utiliza-se de uma exposição do homem e do gênio Beethoven para chegar a esta conclusão. A partir de uma breve análise da Nona Sinfonia podemos perceber porque esta obra foi tão importante para Wagner dar sequência em seu drama musical, e justamente nesta junção que houve da palavra com a música na composição de Beethoven é que Nietzsche vê a importância destes dois compositores alemães, utilizando-os para sua primeira obra. Em resumo, mostraremos a apropriação que Nietzsche realiza não apenas do texto Beethoven, mas de Wagner e de Schopenhauer para explicar a questão musical no Nascimento da Tragédia. / This dissertation aims to show the reception of Wagner’s Beethoven in the work of Nietzsche, more precisely in his book The Birth of Tragedy. Wagner tries to explain the reasons for the Germans Beethoven appear at the same level of Goethe and Schiller, Wagner uses an exposure of Beethoven as a man and as a genius to reach this conclusion. From a brief analysis of Beethoven’s Ninth Symphony we can see why this work was so important for Wagner to give sequence to his musical drama, and precisely at this juncture between word and music in Beethoven’s composition Nietzsche sees the importance of these two German composers, using them for his first work. In summary, we will show the appropriation that Nietzsche performs not only of Beethoven, but of Wagner and Schopenhauer to explain the musical issue in The Birth of Tragedy.

Esta pesquisa concentra-se na articulação entre o discurso cinematográfico e o discurso musical, a partir da observação de determinado corpus fílmico: „Sal de Prata‟ (2005) de Carlos Gerbase. O filme, organizado através de intertítulos narrativos, cujo conteúdo semântico o remete à estrutura de uma sinfonia, propicia a reflexão acerca das aproximações e das apropriações entre ambas as manifestações. Inicialmente, se discorre acerca da estrutura em música e da estrutura no cinema, em que se insere a montagem e suas apropriações à terminologia musical. Complementam a discussão vieses cinematográficos e alguns exemplos fílmicos, destacados por outros autores sob a ótica de suas aproximações a formas e estruturas musicais. A estas reflexões segue a apresentação do conceito de sinfonia fílmica e de sua aplicabilidade em „Sal de Prata‟. Para tanto, foram considerados as observações oriundas da música pertencente à trilha sonora; a organização de planos; o percurso dramático do corpus em discussão. Encerra o trabalho, um exame das relações entre uma sequência fílmica e a música a ela combinada. A sequência selecionada compreende a única peça musical que pode ser ouvida em sua totalidade em „Sal de Prata‟: Largo do Concerto n. 5 em Fá menor, BWV 1056, de Johann Sebastian Bach, discutido aqui sob o viés retórico-musical. Entre música e cena percebem-se aproximações e concomitâncias referentes às estruturas observadas que são discutidas no pormenor. Esta dissertação concentra-se na reflexão das utilizações multifacetadas da música, no complexo cinematográfico, visando contribuir para a constituição desta área interdisciplinar de estudos. / This research focuses on the relationship between cinematographic and musical discourses taking as its object the observation of Carlos Gerbase‟s „Sal de Prata‟ (2005) as a film corpus. „Sal de Prata‟ is organized through narrative intertitles that refer to a symphonic structure through their semantic content; they elicit a reflection on the rapprochement and the appropriation between the two events. The thesis discusses the notion of structure in music and movies, including the concept of film editing as it mirrors musical terminology. The discussion is complemented by cinematic biases and film examples which are followed by the introduction of the concept of „film symphony‟ [„sinfonia fílmica‟] as well as its viability as related to „Sal de Prata‟. The soundtrack of the film is discussed, as are its plan organization, its dramatic journey, and the only piece that can be heard in its entirety in the film, the Largo from the Concerto no. 5 in F minor, BWV 1056, by Johann Sebastian Bach. This piece is analyzed under a rhetorical-musical bias and the parallel procedures in film and music are highlighted. This masters‟ thesis aims at a reflection on the multifaceted usage of music in the cinematographic complex, contributing to the construction of this interdisciplinary area of study.

Esta pesquisa concentra-se na articulação entre o discurso cinematográfico e o discurso musical, a partir da observação de determinado corpus fílmico: „Sal de Prata‟ (2005) de Carlos Gerbase. O filme, organizado através de intertítulos narrativos, cujo conteúdo semântico o remete à estrutura de uma sinfonia, propicia a reflexão acerca das aproximações e das apropriações entre ambas as manifestações. Inicialmente, se discorre acerca da estrutura em música e da estrutura no cinema, em que se insere a montagem e suas apropriações à terminologia musical. Complementam a discussão vieses cinematográficos e alguns exemplos fílmicos, destacados por outros autores sob a ótica de suas aproximações a formas e estruturas musicais. A estas reflexões segue a apresentação do conceito de sinfonia fílmica e de sua aplicabilidade em „Sal de Prata‟. Para tanto, foram considerados as observações oriundas da música pertencente à trilha sonora; a organização de planos; o percurso dramático do corpus em discussão. Encerra o trabalho, um exame das relações entre uma sequência fílmica e a música a ela combinada. A sequência selecionada compreende a única peça musical que pode ser ouvida em sua totalidade em „Sal de Prata‟: Largo do Concerto n. 5 em Fá menor, BWV 1056, de Johann Sebastian Bach, discutido aqui sob o viés retórico-musical. Entre música e cena percebem-se aproximações e concomitâncias referentes às estruturas observadas que são discutidas no pormenor. Esta dissertação concentra-se na reflexão das utilizações multifacetadas da música, no complexo cinematográfico, visando contribuir para a constituição desta área interdisciplinar de estudos. / This research focuses on the relationship between cinematographic and musical discourses taking as its object the observation of Carlos Gerbase‟s „Sal de Prata‟ (2005) as a film corpus. „Sal de Prata‟ is organized through narrative intertitles that refer to a symphonic structure through their semantic content; they elicit a reflection on the rapprochement and the appropriation between the two events. The thesis discusses the notion of structure in music and movies, including the concept of film editing as it mirrors musical terminology. The discussion is complemented by cinematic biases and film examples which are followed by the introduction of the concept of „film symphony‟ [„sinfonia fílmica‟] as well as its viability as related to „Sal de Prata‟. The soundtrack of the film is discussed, as are its plan organization, its dramatic journey, and the only piece that can be heard in its entirety in the film, the Largo from the Concerto no. 5 in F minor, BWV 1056, by Johann Sebastian Bach. This piece is analyzed under a rhetorical-musical bias and the parallel procedures in film and music are highlighted. This masters‟ thesis aims at a reflection on the multifaceted usage of music in the cinematographic complex, contributing to the construction of this interdisciplinary area of study.

O cinema é um meio de reprodução mecânica da imagem surgido no final do século XIX, na Europa, numa época em que a sociedade e a cultura experimentavam a chegada da modernidade. Sua presença corroborou para a crise da arte pictórica e seu mecanismo de apreensão da realidade foi apropriado pelos artistas das vanguardas de ruptura, em especial os dadaístas, que passaram a utilizar o filme experimental para refletirem e criticarem seu tempo. Muitos dos artistas envolvidos com as vanguardas voltaram-se para a realização de filmes que enfocavam a metrópole e suas contradições na vida e nos costumes de seus habitantes. Este trabalho pretende partir deste ponto, quando o cinema de vanguarda se torna uma ferramenta de documentação histórica e social, procurando, como objetivo, observar a presença da metrópole nos filmes autorais realizados no início do século XX, bem como a presença de seus habitantes, buscando compreender quais procedimentos estéticos e ideológicos permeiam tais obras a partir do uso inventivo da câmera, num momento em que o cinema demonstra clara diferenciação entre a mera narração de entretenimento, e a arte como crítica e reflexão. Neste trabalho serão analisados os filmes Rien que les heures (1926), de Alberto Cavalcanti; e Berlim, sinfonia da grande cidade (1928), de Walter Ruttmann, e comparados com as produções brasileiras São Paulo, a sinfonia da metrópole (1929), de Rudolf Rex Lustig e Adalberto Kemeny; e Fragmentos da vida (1929), de José Medina. A intenção é compreender suas realizações dentro da realidade social, poética e estética de seu tempo, observar a presença da figura do flâneur em contraponto com o homem-da-multidão, e estabelecer paralelos entre os filmes europeus e os brasileiros, aqui abordados. / The cinema is a means of mechanical reproduction of image emerged in the late nineteenth century in Europe, a time when society and culture experienced the arrival of modernity. Its presence corroborated to the crisis of pictorial art and its mechanism of apprehending reality was appropriated by artists of the vanguards of rupture, especially the Dadaists, who started using the experimental film to reflect and criticize their time. Many of the artists involved with the avant-garde turned to the production of films that focused on the metropolis and its contradictions in the life and habits of its inhabitants. This work intends to start from this point, when the avant-garde cinema becomes a tool of social and historical documentation, and seeks to observe the presence of the metropolis in films made in the early twentieth century, as well as the presence of its inhabitants, so to understand what aesthetic and ideological procedures permeate these inventive works, at a time when film shows clear differentiation between mere narration for entertainment, and art criticism and reflection. This reseach will analyze the films Rien que les heures (1926), by Alberto Cavalcanti; and Berlin, symphony of the great city (1928), by Walter Ruttmann, and will compare them with Brazilian productions São Paulo, sinfonia da metrópole (1929), by Rudolf Rex Lustig and Adalberto Kemeny; and Fragmentos da vida (1929), by José Medina. The intention is to understand their accomplishments within the social, aesthetic and poetic reality of their time, observe the presence of the figure of the flâneur as opposed to the manof- the-crowd, and draw parallels between European and Brazilian addressed movies here.

Orientador: Valmir Antonio Zullian de Azevedo / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Ciências Médicas / Made available in DSpace on 2018-08-25T07:27:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Teixeira_ClarianaLia_M.pdf: 5414808 bytes, checksum: b635522012e9b3907edc2fd23703e1c0 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O exercício da música como profissão exige mais do que qualidade técnica, concentração, processamento multissensorial de informações e memória, excepcional flexibilidade, coordenação, motricidade e destreza em uma postura específica e muitas vezes inadequada por longos períodos de tempo. Investigações epidemiológicas têm evidenciado um adoecimento expressivo dos músicos, que, em muitos casos, precisam interromper suas carreiras, tornando frequente o convívio com a dor. E todo o contexto de trabalho vivenciado pelos músicos proporciona um encontro entre o sofrimento gerado pelo trabalho e suas condições e a arte, como produto deste trabalho. A ergonomia pode contribuir tanto para a identificação dos riscos biomecânicos, organizacionais e psicossociais que permeiam as ocupações, quanto para direcionar diretrizes de prevenção e promoção à saúde. O desafio para a ciência da ergonomia encontra-se no fato de que esta não pode intervir diretamente na adaptação dos instrumentos de trabalho ou no ambiente de trabalho dos músicos de uma orquestra sinfônica. Considerando a importância da profissão do músico como objeto de pesquisa em saúde ocupacional e as exigências inerentes desta ocupação, acreditamos, tal qual ocorre em outras profissões, que esses fatores representem riscos ocupacionais relativamente pouco conhecidos e que sejam agravantes do risco de adoecimento. Os instrumentos de avaliação para identificação dos riscos biomecânicos foram o Strain Index (Moore and Garg, 1995) e o método Suzanne Rodgers, revisado por Thomas Bernard (2006), para obter o nível de risco de um instrumento musical em desenvolver desordens do membro superior distal e em outros segmentos corporais, respectivamente. Ambos foram aplicados em duas situações do cotidiano da população estudada: ensaios e apresentações públicas. Todos os instrumentos da orquestra sinfônica estudada oferecem algum tipo de risco biomecânico aos seus instrumentistas em sua execução, seja em ensaios, seja em concertos públicos, apontando a necessidade de uma maior atenção á saúde do músico (Leaver, Harris and Palmer 2011) / Abstract: The practice of music as a profession demands more than technique, concentration, multisensory processing of information and memory, exceptional flexibility, coordination, handling and dexterity in a specific posture, and most of the times inadequate, for long periods of time. Epidemiological investigation has been evidencing an expressive sickening of musicians, who, in most cases, have to interrupt their careers, making handling pain a constant in their lives. After all, even minor injuries carry the potential to terminate a musical career, which, as aforementioned, demands a very specific set of skills. Ergonomics can contribute to identifying biomechanical, organizational and psychosocial risks that permeate our occupations, as well as to direct the guidelines of health prevention and promotion. The challenge for ergonomics science lies on the fact that it cannot directly intervene in the adaptation of work instruments or the work environment of musicians in a symphonic orchestra. Considering the importance of the musician profession as a research subject for occupational health and the inherent demands of the job, we believe that, just as it occurs to other professions, these factors represent a relatively unknown occupational risk and are aggravators of sickening risks. Evaluation instruments to identify the biomechanical risks were the Strain Index (Moore & Garg, 1995) and the Suzanne Rodgers method revised by Thomas Bernard (2006) to obtain, respectively, the risk level of a musical instrument in developing disorders of the superior distal limb and in other body segments are exposed to Both were applied to everyday situations of the studied population: rehearsals and public performances. All instruments in the studied symphonic orchestra offer some level of biomechanical risk to its instrumentalists during execution, whether on rehearsals or public concerts, pointing us towards the necessity of attention to the musician health (Leaver, Harris and Palmer 2011) / Mestrado / Epidemiologia / Mestra em Saúde Coletiva

This study presents a detailed analytical examination of formal organization in Anton Bruckner’s early instrumental slow movements: from the String Quartet, WAB 111, to the Third Symphony, WAB 103. It proposes an analytical methodology and conception of the formative process of musical works that seeks to 1) reappraise the development and idiosyncrasies of his slow movements’ form, and 2) turn the textual multiplicity often associated with Bruckner’s large-scale works (a scholarly issue often referred to as the “Bruckner Problem”) into a Bruckner Potential. In addressing traditional and innovative formal aspects of Bruckner’s music, critics have tended to overemphasize one side or the other, consequentially portraying his handling of form as either whimsical or excessively schematic. By way of a reconstruction of Bruckner’s early experiments with slow-movement form (1862–1873), this study argues that influential lines of criticism in the reception history of Bruckner’s large-scale forms find little substantiation in the acoustical surface of Bruckner’s music and its dialogic engagement with mid- and late-19th-century generic expectations. Because the textual multiplicity often associated with Bruckner’s works does not sit comfortably with traditional notions of authenticity and authorship, Bruckner scholarship has operated under aesthetic premises that fail to acknowledge textual multiplicity as a basic trait of his oeuvre. The present study circumvents this shortcoming by conceiving formal-expressive meaning in Bruckner’s symphonies as growing out of a dual-dimensional dialogue comprising 1) an outward dialogue, characterized by the interplay between a given version of a Bruckner symphony and its implied genre (in this case, sonata form); and 2) an inward dialogue, characterized by the interplay among the various individualized realizations of a single Bruckner symphony. The analytical method is exemplified through a detailed consideration of each of the surviving realizations of the slow movement of Bruckner’s Third Symphony, WAB 103.