La presente es una investigación cualitativa con enfoque narrativo para relatar experiencias femeninas de migración de México a California (EE.UU.) producidas a finales de los años ochenta y noventa. Se utilizan el relato biográfico y la línea de la vida gráfica para problematizar cómo las mujeres narran sus experiencias de vida en los tránsitos entre el lugar de origen y el lugar de acogida. En estos relatos, se retrata el proceso migratorio de cinco mujeres, entrecruzado con otras experiencias de vida que emergen como igualmente significativas para ellas: el matrimonio, la maternidad, la conformación de una familia. Partiendo de un contexto de violencia y pobreza en México que las orilla a abandonar sus lugares de origen en aras de una vida más digna, la migración se vuelve un generador de oportunidades enriquecidas por una serie de experiencias que conducen a procesos de agenciamiento y empoderamiento: el trabajo remunerado, los estudios y la participación comunitaria dentro de la iglesia. A través las narrativas biográficas y las líneas de vida gráfica, se trazan la subjetividad, el género, los imaginarios y el proceso creativo y artístico, entrelazando imágenes y palabras para integrar un relato resignificado de sus experiencias. Estos relatos se analizan partiendo de la teoría interseccional y feminista, así como de los estudios poscoloniales, para insertarlos en un contexto espaciotemporal específico. Los relatos se componen en un documento colectivo en formato de cómic — donde lo visual y lo escrito reproducen las formas de la narrativa oral—, para así contar y volver a contarnos la historia. / “Tracing lines and telling stories. Biographic narrative research of migration experiences of women (Mexico-California)” Qualitative research through narrative enquiry is used to narrate women’s experiences of migration from Mexico to California (US) started in the late 80s and 90s. Biographic narrative and graphic life-lines are used to problematize how these women narrate their life experiences in the transits between their place of origin and their place of reception. In these stories, the depicted migratory process of five women is intertwined with other life-experiences that emerge as equally significant to them: marriage, maternity, forming a family. Beginning with a context of violence and poverty in Mexico, which makes them abandon their places of origin in search of a more dignified life, migration leads to new opportunities, enriched by a series of experiences that result in processes of empowerment and agency: paid work, studying, and community participation through the church The biographic narratives and the graphic life-lines render subjectivity, gender, their imaginaries and the creative and artistic processes, interlacing images and words to integrate a resignified narrative of their experiences. These stories are analyzed using intersectional and feminist theory, as well as postcolonial studies, to insert them in a specific spatiotemporal context. Finally, the stories are incorporated to a collective document, a comic book – where the visual and the written reproduce the forms of oral narrative–, to be able to count and recount ourselves the story.

La investigación que se propone nace de una experiencia autobiográfica y se ocupa de la creación artística originada en el dolor de la pérdida. Específicamente se trata de indagar en las fuentes culturales más relevantes, que han sublimado y dado sentido históricamente, al misterio de la muerte y duelo en Occidente. Por otro lado, es un intento de ampliar estos horizontes contrastándolos con otras maneras de vivenciar la muerte, a través de las manifestaciones de culturas cuyas celebraciones y rituales vinculados a la muerte son reconocidos como verdaderos íconos estéticos de la cultura como es el caso de México, y enriqueceremos nuestra perspectiva a través de la revisión del quehacer artístico de autores contemporáneos que han trabajado con la muerte y el duelo ahondando en su problemática humana. Apoyándonos en las ideas del filósofo Peter Sloterdijk, para quien el duelo es un profundo problema existencial que sólo puede encontrar una expresión de su magnitud por medio del lenguaje mitológico, nos iniciamos en la posibilidad de una reconstrucción interna, teniendo como eje principal la memoria autobiográfica amenazada por el caos del sin sentido. Esto mediante la observación de cómo culturalmente el dolor puede dar lugar a un proceso de transición espiritual y de sublimación por medio del ritual como obra artística. Así, la propuesta de este proyecto es mostrar la transformación del desagarro de la muerte del otro, como emoción universal, mediante un proceso de investigación y creación, que nos permita reconocer diversas formas colectivas de asumir este evento y específicamente, de convertirlo tanto en ritual como en objeto artístico.

En aquest estudi utilitzo el forat com a leitmotiv per presentar un conjunt de propostes artístiques, que es generen des del compromís i la implicació social i política. M’interessa posar èmfasi en la recerca de sentit per mitjà de l’experiència i la representació visual contemporània, a partir de relacionar uns fets i unes situacions bàsicament urbanes, de caràcter local i d’altres de global amb propostes creatives. Després d’unes aproximacions prèvies al terme forat, els continguts s’estructuren al voltant de tres blocs: «1. Solars i descampats», que fa referència a espais urbans en situació d’entretemps, que surten momentàniament del sistema productiu i que habitualment són espais marginals, d’abandó i limítrofs; «2. Rastres de violència», en què sobretot s’analitza la representació visual contemporània a través de les empremtes d’actes violents, especialment els relacionats amb conflictes bèl·lics, i «3. Cos i forat», en el qual se cerquen relacions del cos amb el forat, en particular el cos en reclusió i el treball físic de l’acte de cavar. Aquest estudi es conclou, en forma d’epíleg, amb consideracions sobre l’obra artística pròpia, buscant el diàleg i la resignificació entre aquesta i els artistes i conceptes presentats en els tres blocs. / In this study, the hole as a leitmotif was used to present a set of artistic proposals that are generated from the commitment and the sociopolitical involvement. My interest is to emphasize the search for meaning through the experience and contemporary visual representation, based on the relation between primarily urban facts and situations at a local or global level. After some preliminary approaches to the hole concept, the contents are structured in three parts: «1. Lots and vacant lots», referring to urban spaces that are in between times, coming momentarily out of the productive system, and that are usually marginal, abandoned, and on the edges; «2. Traces of violence», mainly referring to the contemporary visual representation of violent events, especially those related to war conflicts; «3. Body and hole», where the intention is to relate body with the hole, in particular the body under reclusion and, on the other hand, the physical labor of the act of digging. This study concludes with an epilogue, seeking a dialogue and redefinition between my own artistic work, and the artists and concepts presented in the three previous sections.

Esta investigación parte de la idea central de pensar la alteridad en la visualidad contemporánea, cuando este otro se presenta en situaciones distantes de la nuestra. Se sitúa entre los marcos generales de la Cultura Visual y los Estudios Visuales, a partir de dos conceptos clave: miradas y alteridad. El relato de la tesis se da de modo narrativo, intercalado con escenas que irrumpen la escritura, con reflexiones de experiencias visuales de nuestras vidas cotidianas. El método ha sido aquí pensado como el camino de la experiencia, con una aproximación a la investigación-acción. La pregunta clave que me ha guiado en este proceso ha sido: ¿Cómo percibimos al otro en la visualidad contemporánea, cuando este otro se presenta en situaciones distantes de la nuestra? A partir de ahí, un desdoblamiento ha sido pensar en: ¿Cómo perturbar nuestras miradas más allá de los dispositivos simbólicos de excepcionalidad y lejanía? Para dar cuenta de ello propuse en tres oportunidades diferentes lo que nombré como "Taller de la Mirada". Los talleres fueron una serie de encuentros, junto a tres grupo diferentes de participantes. Las dinámicas giraban en torno a algunas preguntas clave, algunas imágenes, pequeños textos y trozos de películas. Los talleres fueron pensados para recoger las narrativas de cada participante, en torno a la experiencia de mirar estas imágenes. Estos relatos fueron recogidos en sus Diarios de la Mirada, cuadernos dónde iban tomando nota durante el proceso. Las imágenes trabajadas giraban en torno a la cuestión del otro presentado en situaciones distantes de la nuestra. Para mi realidad eso significa pensar el otro en situaciones de vulnerabilidad. Para ello elegí algunas obras de los artistas Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn y el fotógrafo Ghaith Abdul-Ahad. A lo largo de la investigación, percibí que la noción del otro en una situación distante cambia de persona a persona, lo que ha generado la elección de diferentes imágenes para presentar a sus otros. Me interesaba, por lo tanto, recoger los relatos de otras personas en relación a "mis otros", en cuanto en relación a "sus otros". Al final de esta trayectoria la perspectiva de las diferencias en educación me ayudaron a pensar más allá del binomio yo versus otro. El objetivo final de esta tesis ha sido producir algunos cambios en nuestras percepciones en relación a la alteridad, a partir del cruce de nuestras miradas - las mías y de los participantes de los talleres-. En este intercambio aprendimos unos de los otros a complejizar nuestros modos de mirar más allá de los dispositivos simbólicos de excepcionalidad y lejanía. / This research starts from the central idea of thinking about otherness in the contemporary visuality, when it comes in other situations distant from ours. It lies between the general marks of Visual Culture and Visual Studies, from two key concepts: looking and otherness. The text is presented in narrative form, interspersed with scenes that burst the writing, with reflections of visual experiences of our daily lives. The method was here thought of as the way of experience, with an approach to research-action. The key question that guided me in this process was: how do we perceive the other in contemporary visuality, when does the other comes in situations distant from ours? From there a deployment was thinking about: how to disturb our eyes beyond the symbolic devices of exceptionality and distance? To account for this problem, I proposed in three different opportunities, which I named as "Workshop of the Look". The workshops were a series of meetings, together with three different groups of participants. The dynamic revolved around a few key questions, some images, small texts and pieces of films. The workshops were designed to compile the narratives of each participant, around the experience of looking these images. These reports were collected in their "Diaries of the Look", notebooks where they were taking notes during the process. The worked images revolved around the question of the other presented in situations far from ours. To my reality, this means thinking the other in vulnerable situations. For this, I have chosen some works of artists Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn and the photographer Ghaith Abdul¬Ahad. Through the research, I realized that the notion of the other in a distant situation changes from person to person, which led to the choice of different images to present "their others". Therefore, I was interested in collecting the reports from other people in relation to "my others", as well as in relation to "their others". At the end, the prospect of differences in education helped me to think beyond the binomial me versus another. The ultimate goal of this thesis was to produce some changes in our perceptions of the otherness, from the crossing of our eyes - mine and those of the workshop's participants. In this exchange, we learn from each other to turn more complex our ways of looking beyond the symbolic devices of exceptionality and distancing. / Esta pesquisa parte da ideia central de pensar a alteridade na visualidade contemporãnea, quando este outro se apresenta em situações distantes da nossa. Situa-se entre os marcos gerais da Cultura Visual e dos Estudos Visuais, a partir de dois conceitos chave: olhares e alteridade. O texto se dá de forma narrativa, intercalando com cenas que irrompem a escritura, com reflexões de experiências visuais de nossas vidas cotidianas. O método foi aqui pensado como o caminho da experiência, com uma aproximação à investigação-ação. A pergunta chave que me guiou neste processo foi: como percebemos o outro na visualidade contemporãnea, quando este outro se apresenta em situações distantes da nossa? A partir daí um desdobramento foi pensar em: como perturbar nossos olhares para além dos dispositivos simbólicos de excepcionalidade e distanciamento? Para dar conta deste problema, propus em três oportunidades diferentes o que nomeei como "Oficina do Olhar". As oficinas foram uma série de encontros, junto a três grupos diferentes de participantes. As dinãmicas giravam em torno de algumas perguntas chave, algumas imagens, pequenos textos e pedaços de filmes. As oficinas foram pensadas para recopilar as narrativas de cada participante, em torno da experiência de olhar estas imagens. Estes relatos foram recolhidos em seus "Diários do Olhar", cadernos onde iam fazendo anotações durante o processo. As imagens trabalhadas giravam em torno da questão do outro apresentado em situações distantes da nossa. Para minha realidade isto significa pensar o outro em situações de vulnerabilidade. Para isso elegi algumas obras dos artistas Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn e do fotógrafo Ghaith Abdul-Ahad. Ao longo da pesquisa percebi que a noção de outro em uma situação distante muda de pessoa para pessoa, o que gerou a escolha de diferentes imagens para apresentar a "seus outros". Interessava-me, portanto, coletar os relatos de outras pessoas em relação aos "meus outros", bem como em relação a "seus outros". Ao final desta trajetória, a perspectiva das diferenças em educação me ajudou a pensar para além do binõmio eu versus outro. O objetivo final desta tese foi produzir algumas mudanças em nossas percepções em relação à alteridade, a partir do cruzamento de nossos olhares - as minhas e as dos participantes das oficinas. Neste intercãmbio aprendemos uns dos outros a tornar mais complexos nossos modos de olhar para além dos dispositivos simbólicos de excepcionalidade e distanciamento.

Aquesta tesi doctoral investiga el vincle específicament contemporani que estableixen certes pràctiques artístiques visuals amb la ficció, entesa com a simulació o il•lusió de realitat. Les creacions artístiques visuals dels darrers anys reposen en un context que els empara sota la diferència, sense imperatius apriorístics. En aquest nou paradigma els límits entre les arts es fracturen, es dilueixen i el denominador comú, paradoxalment, sembla raure en la diferència. Atès el trencament dels seu vincle exclusiu amb l’acte de la visió, les arts visuals han radicalitzat la seva dependència cap a l’esfera teòrica, a la vegada que s’hi instaura una funció central de la paraula; és a dir, la seva permanent tendència a la traducció al llenguatge verbal. El present treball parteix d’aquesta premissa per plantejar la hipòtesi d’una narrativització de l’art: defensem que aquesta inserció de l’obra en un relat és fruit de la necessitat d’investir de contingut una obra que presenta la realitat de forma literal. En constant diàleg amb aquesta “irrupció de la realitat”, evocarem les pràctiques artístiques que generen el que anomenem un espai ficcional, és a dir, les coordenades i els indicis que converteixen l’obra en un relat que es desplega, en una postura novel•lesca. Analitzem aquesta qüestió des d’una perspectiva integradora d’elements de naturalesa textual i naturalesa recepcional, a través dels diferents espais de configuració i refiguració travessades per la vivència de l’experiència i la noció de temporalitat. Aquestes ficcions que generen no són fixades, no es poden llegir en un ordre sintàctic i ni tan sols tenen un ordre, una trama composta tal i com s’entén en un text literari i la figura del narrador es dilueix entre l’artista, la veu projectada, i el públic. L’espectador –el passejant– és convidat a buscar el camí del sentit lluny d’allò factual, en la dimensió dels mons possibles. Situat en el lloc oblic que emergeix de les ruïnes de la representació i dins d’aquest marge del discurs narrativitzat, aquest dispositiu ficcional de certes obres es presenta amb la voluntat de reomplir de contingut i transmissió d’experiència l’espai de l’art visual, com una forma de superació del conceptualisme i la possibilitat d’un nou compromís establert amb l’espectador per establir una nova comunicació inesgotable i que superi el caos de les coses ordinàries. / This PhD research project analyzes the specific contemporary connection between fiction and visual arts. In the context of what Arthur Danto calls post-historical era the boundaries between arts have diluted. In this new paradigm, it becomes apparent that there are no stylistic or philosophical constraints. There is no special way works of art have to be. Since the breakdown of his relationship with the act of vision, visual arts have radicalized their dependence to theoretical sphere, establishing a central role of word. In this context and in constant dialogue with the "eruption of reality," some artists create fictions, works where spectators are invited to imagine beyond a factual fact. The focus of this research is to investigate what we call fictional space: the coordinates and signs that make emerge a story and that create a novelistic position. These are fictions that can not be read on a syntactic order, there is no plot composed and the figure of the narrator is diluted among the artist, the voice projected, and the public.

La investigación que desarrolla esta tesis doctoral trata de fakes, del uso de archivos y del museo, tres elementos clave unidos por el contexto generado entorno al proyecto artístico titulado Las cajas chinas. Un relato que se desdobla como una matrioska, albergando en su interior las capas subyacentes y los vínculos que al cruzarse desencadenan un acontecimiento. La trayectoria que desplegamos origina un diálogo expandido entre dos emplazamientos –China y Expaña–, un viaje transversal y diacrónico dirigido a generar una narrativa ficticia a la vez que verosímil en torno a la copia y lo falso. El relato enlaza un episodio de nuestra historia reciente –la destrucción y desaparición del patrimonio artístico durante la Guerra Civil–, encadenándolo con el presente. Nos trasladamos a Dafen, un suburbio de Shenzhen (China) dedicado actualmente a la reproducción de obras de arte y conocido como Oil Painting Village. Las cajas chinas circulan por un escenario que asocia la macro-factoría de copias chinas con las grandes fábricas de la memoria; la producción masiva de réplicas de pinturas célebres elaboradas manualmente al óleo por la vasta comunidad de la ciudad de los pintores, transforma la noción de valor simbólico del patrimonio que configura el museo. El dispositivo museístico descontextualizó los objetos artísticos, convirtiéndolos en signos susceptibles de recombinación, y creó valor material de los bienes culturales. En el reverso del sistema artístico –como la cara opuesta de una moneda– situamos al gran aparato de la reproductibilidad china, que genera el beneficio del desarraigo de esos signos –perpetuamente disponibles para el reciclaje– y los pone a circular de nuevo. Nuestro objetivo concluye al introducir las copias chinas en el museo camufladas como “originales”, resultado de una maniobra de re- significación de la estructura de relaciones que enlaza el patrimonio cultural y los consumos globales.

Mercat primari de l'art contemporani a Catalunya és un treball d'investigació sobre les galeries d'art i els intermediaris que centra el seu estudi empíric a Catalunya. En la dissertació s'efectua una revisió històrica del mercat de l'art i l'origen de les estructures comercials que han marcat el naixement de les galeries com a mediadors en el sistema de l'art. Mitjançant l'exploració dels intermediaris a través d'entrevistes s'explica quines són les estratègies de funcionament del mercat, quin és el paper que tenen les galeries, i com s'estableixen les relacions entre artistes, galeries i col•leccionistes. Més específicament, l'estudi centra l'atenció sobre la funció de la confiança en el mercat de l'art com a mecanisme de reducció de riscos i costos de transacció.

Esta investigación es consecuencia de dos intereses complementarios; el ejercicio de la creatividad a través de la práctica artística y la sensibilización con la urgente necesidad del desarrollo integral del ser humano. Todo ello confluye en el mándala; una imagen surgida de la creación y para la creación, una imagen estética a la vez totalizadora la cual organiza un determinado saber en torno a un núcleo fundamental. El mándala en su uso actual no tradicional puede tener, en primera instancia, fines lúdicos así como de procurar estados de introspección y relajación, lo que favorece a otro nivel, el autoconocimiento, con la consecuente concienciación transpersonal, ya que la operatividad mandálica puede ofrecer un lugar de encuentro y aumento de la dimensión espiritual imprescindible en el enfoque holístico. La investigación toma las estructuras mandálicas como objeto de estudio, indagando el origen y la fenomenología derivadas del mándala cultural indo tibetano. Se atiende también a las manifestaciones mandálicas de otras tradiciones como imagen portadora de orden y consecuente saber, poniendo en evidencia la naturaleza transcultural y atemporal del mándala. También se exploran inevitablemente las estructuras y patrones mandálicos tan presentes en la naturaleza en los cuales podemos encontrar el mismo modelo de orden que sostiene la gran variedad de mándalas culturales. Por otra parte se aborda el uso contemporáneo de las estructuras mandálicas con funciones psicoanalíticas al tratarse de una imagen integradora de los diferentes fragmentos de la interioridad humana; ya sea de tipo emocional, intelectual y espiritual, con su consecuente función sanadora. Finalmente se contemplan diferentes manifestaciones mandálicas significativas dentro del ámbito de la creación artística. Todo ello con la finalidad de reevaluar la operatividad de estas estructuras, dilucidando sus principios activos implicados tanto a nivel geométrico como simbólico, con la intención de extraer conclusiones de sentido para su aplicación en las diferentes pedagogías, especialmente la de los procesos creativos, la cual estimo a su vez un medio de autoconocimiento y terapia. La investigación está respaldada avivadamente por el trabajo de campo, el cual llevo a cabo cotidianamente en el ámbito de la pedagogía de las artes plásticas, por extensión pedagogía de la interioridad del educando, aplicando la versatilidad de la estructura y operatividad mandálica para facilitar los procesos creativos. Las aplicaciones pedagógicas con estructura mandálica que presento surgen dentro del ámbito de las Bellas Artes pero son adaptables y extensibles a otras disciplinas, puesto que la creatividad y el autoconocimiento son componentes transversales a todas ellas. Estas propuestas didácticas son fruto del estudio de la estructura mandálica en sus diferentes ámbitos; indo budista, psicoanalítico, natural, diagramas del saber proto-científico, con la finalidad de promover la integración y la armonía del individuo desde su temprana infancia hasta la vida adulta, activando el reconocimiento de su propia interioridad a través de la práctica de la pintura mandálica, la cual considero un valioso recurso dentro del marco de la pedagogía holística ya que su versatilidad alcanza todas las áreas de la constitución humana. En todo este trabajo subyace la convicción de; que el cambio y mejora de una sociedad primero pasa por el individuo, que las pedagogías y la educación son factores transformadores que moldean la sociedad, según el enfoque de éstas se obtendrán un tipo de sociedad más escindida o más íntegra, que en la estructura y operatividad mandálica encontramos un modelo de orden valioso para vehiculizar la pedagogía holística o integral. / This research is the result of two complementary interests; The exercise of creativity through artistic practice and awareness of the urgent need of comprehensive development of the human being. All this comes together in the mandala; a picture emerged from creation and to create a totalizing aesthetic image which organizes a certain knowledge around a fundamental nucleus. The mandala in its nontraditional contemporary use may, in the first instance, have,ludic states as well as introspection and relaxation purposes, which favors in another level the self-knowledge, with the consequent transpersonal awareness, since the mandalic operability can offer a meeting point and an increase in the essential spiritual dimension in the holistic approach. The research takes mandalic structures as objects of study, investigating the origin and phenomenology derived from cultural Indo-Tibetan mandala. It also serves the mandalic manifestations of other traditions as image conveyor of order and consistent knowledge, highlighting the transcultural and timeless nature of the mandala. Inevitably they explore mandalic patterns and structures so present in nature in which we can find the same model of order that holds many cultural mandalas. Moreover, the contemporary use of psychoanalytic structures with mandalic functions to be an inclusive picture of the different fragments of human interiority is delt with, either emotional, intellectual and spiritual type, with its consequent healing function. Finally different mandalic significant events within the field of artistic creation are considered. All this in order to assess the operation of these structures, elucidating its active ingredients involved both at geometric and symbolic level, with the intention of drawing meaningful conclusions for application in different pedagogies, especially that of the creative process, which in turn I consider a means of self therapy. The research is supported by the fieldwork, which I carry out every day in the field of visual arts education, by extension pedagogy of interiority of the student, using the versatility of the structure and mandalic operatinal capacity to facilitate creative processes. Pedagogical applications with mandalic structures that I present, arise within the scope of the Fine Arts but are adaptable and extensible to other disciplines, since creativity and self-knowledge are transversal to all components. These educational proposals are the result of the study of the mandalic structure in different areas; Buddhist, psychoanalytic, natural, diagrams proto-scientific knowledge, in order to promote integration and harmony of the individual from early childhood to adulthood, enabling the recognition of their own interiority through the practice of mandalic painting, which I consider a valuable resource within the framework of holistic education as their versatility reaches all areas of the human constitution. The underlying conviction in all this work that change and improvement of a society come first through the individual, that pedagogies and education are transforming factors that shape society , according to such an approach a more divided or more close kind of society will be reached,then in the structure and mandalic operation we find a valuable model to convey a holistic pedagogy or an integral education.

This thesis is an investigation into the visualization of cosmological propositions associated with string theory. Research into the work of contemporary theoretical physics led to the question, how does one visualize what cannot be seen? The imperceptible nature of the hypothetical propositions of string theory opened up an exploration into what forms in the past have been given to invisible structures and what kinds of methods have been used to visualize them? My artistic research looks at some of the methodologies and methods used by artists and scientists to visualize structures that can't be seen by the naked eye. I present a series of examples that reflect some of the direct and indirect methods used to instantiate invisible structures in the arts and the sciences. These examples configure an eclectic atlas of visualizations that evidence the use of drawing, indexing and simulation to reveal imperceptible structures that are physical, temporal, recorded and invented. It considers some of the visual shifts in the interpretations of other cosmological models and the impact technological advances have had on the visualization of the micro-cosmos. It traces some of the connections linking visualization practices in the arts and sciences and highlights the importance of inference and imagination in the visualization of what can't be seen. My conclusion indicates that there are many ways to visualize what lies beyond the naked eye but that all involve human agency. The findings point to the role tacit knowledge and context play in the fabrication of visualizations of invisible structures. It highlights the historical specificity of visualization practices and the importance aesthetics play in both the arts and sciences. I conclude that to visualize invisible structures is to weave an intricate web of fact and fiction. But the elaboration of these visualizations can facilitate understanding and offer insights into otherwise imperceptible phenomena. / Este proyecto investiga la visualización de las propuestas cosmológicas relacionadas con la teoría de cuerdas. Esta consideración del trabajo teórico de la física contemporánea me llevó a cuestionar cómo se visualiza lo que no se puede ver. La naturaleza imperceptible de las propuestas hipotéticas alrededor de la teoría de las cuerdas me condujo a una exploración sobre las formas en que se han visualizado las estructuras invisibles en el pasado, y los métodos usados para crear estas visualizaciones. En esta investigación artística se analizan algunos de los métodos utilizados por artistas y científicos para visualizar las estructuras que son imperceptibles a simple vista. Para ello, se presentan una serie de ejemplos que reflejan los métodos directos e indirectos utilizados para mostrar las estructuras invisibles en las ciencias y las artes. Estos ejemplos configuran un atlas ecléctico de visualizaciones que evidencian el uso del dibujo, de los sistemas de impresión y de la simulación, como medios para revelar estructuras imperceptibles, ya sean físicas, temporales, registradas o inventadas. Se han considerado también las transiciones en los patrones cosmológicos y el impacto que han tenido los avances tecnológicos en la visualización del microcosmos. Se trata de trazar las conexiones entre las prácticas de visualización de las artes y las ciencias, subrayando la importancia de la inferencia y la imaginación en la visualización de aquello que no se puede ver. Hay muchas maneras de visualizar lo que subyace más allá de lo que el ojo humano es capaz de ver, pero la intervención humana está implícita en todas. Se constata el papel del conocimiento tácito y el contexto en la fabricación de las visualizaciones de las estructuras invisibles. Se remarcan los estilos históricamente concretos de las visualizaciones, así como la importancia de la estética, tanto en las artes, como en las ciencias. En conclusión, visualizar las estructuras invisibles es como tejer un tejido intrincado entre la realidad y la ficción. No obstante, su desarrollo puede transformar nuestra comprensión y llevar a nuevos conocimientos sobre elementos y fuerzas hasta la fecha imperceptibles.

Private branding strategy plays an important role for international retailers entering Asian grocery markets since there is a consensus that it helps retailers not only improve the store profitability but also differentiate themselves from other competitors. However, our present understanding of consumer responses to private brand (PB) is mainly based on studies of Western markets that have long PB development history. Generally speaking, European and American consumers have sophomore purchase experience and well familiarity with local retailers and their own brand products. Little scholarly research has examined factors influencing consumers’ selection of private brands offered by international retailers in Asian countries such as Taiwan. The purpose of this thesis is to identify how individual characteristics can be used in predicting Taiwanese consumers’ preferences for private brands since a successful marketing strategy is always based on well understanding how preferences vary with consumer factors. This thesis first reviews previous studies of PB and presents the results of six focus groups in Taiwan. These results identify six key consumer characteristic variables (i.e. price consciousness, perceived PB quality, perceived PB risk, store reputation reliance, innovativeness and familiarity with PB) influencing consumers’ PB attitude and purchase intention. This thesis then proposes a model that integrates these six consumer characteristic variables. In view of the potential store difference, data were collected from two international retailers, Carrefour and 7-11, in Taiwan. A total of 409 useable questionnaires (222 from the on-line surveys and 187 from face-to-face interviewing) were collected and analyzed. The findings revealed that Taiwanese consumers are more concerned about the quality than the price of these international retailers’ PB products. The results also demonstrate that when consumers are more familiar with international retailers’ PB, they have more confidence in evaluating product quality, reducing perceived PB risk and enhancing price consciousness of PB in the same time. Similarly, when consumers perceived better store reputation, they will perceive better quality of the PB and have better PB attitude and higher purchase intention toward the retailer’s PB. More importantly, this paper verified that innovative private brand can increase consumers’ perception of private brand quality and ultimately increase their intention to buy it. Also, this thesis finds that some consumer characteristics variables have more correlation with PB purchase intention and the contribution of the variables varies from Carrefour to 7-11. In general, however, perceptual variables have stronger prediction power than personal and socio-economic variables. These findings highlight the importance of consumers’ familiarity with PB and perceived quality of PB and suggest that managers should increase various promotional activities to facilitate consumers’ familiarity with their PB. For example, they can offer free samples or tasting at the point of sale, to increase consumers’ familiarity with their PB products in the future. More academic and managerial implications and suggestions for future research are discussed in the conclusion chapter.