El Modernisme català, tenia en el Japonisme una de les seves fonts més rellevants d’inspiració, no només estètica, sinó també conceptual. Aquesta influència va arribar a conjuminar amb la societat barcelonina de les acaballes del segle XIX, sobretot amb els intel·lectuals i artistes, tal i com havia fet ja amb la resta d’Europa. El discurs entre la indústria, sinònim de modernitat i progrés i les arts tradicionals, havia fet palès la necessitat de no fer distincions entre les arts majors i les mal anomenades, arts menors; prenent el model japonès com a gran referent. En aquest sentit, trobem en la figura intel·lectual d’Antoni García Llansó (1854-1914), crític d’art, historiador i divulgador de la cultura japonesa, l’exemple perfecte de les inquietuds de l’època finisecular barcelonina. Tot i que alguns autors s’havien referit a García Llansó com a divulgador de la cultura japonesa i crític d’art, mai s’havia fet una revisió de tots els seus articles i escrits, ni tampoc un estudi en profunditat de totes les seves aportacions a l’àmbit artístic. Per això, en el primer capítol de la tesi hem optat per fer un panorama biogràfic sobre Antoni García Llansó com a home i intel·lectual. En un segon bloc, estudiarem la seva faceta de crític d’art a través dels seus articles publicats a revistes tant rellevants com La Ilustración de la mujer, La Ilustración. Revista Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; La Ilustración.Revista Hispano-Americana; La Vanguardia; La Ilustración Artística. Periódico Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; entre moltes d’altres. Gràcies aquestes publicacions podrem analitzar el contingut, tendència i evolució de García Llansó com a crític d’art. En tercer lloc, estudiarem la seva contribució com a historiador de l’art, juntament amb noms tant rellevants com Francesc Miquel i Badia (1840-1899), amb qui col·labora en la redacció del volum vuitè d’ Historia general del arte (1897) de l’editorial Montaner i Simón. Aquesta obra enciclopèdica ha estat considerada com la primera referencial en l’estudi de l’art a casa nostra. En aquest sentit, García Llansó destacarà, sobretot, com a estudiós de l’art del ferro, especialment, destacarem les seves aportacions en el camp de les armes i armadures i la forja, i sobretot, els seus estudis de dues col·leccions en concret, la de Josep Estruch i Santiago Rusiñol. En un quart bloc, estudiarem la relació de García Llansó amb la cultura japonesa. Ens centrarem en els motius de la seva elecció per l’imperi japonès com a jurat de l’Exposició Universal de Barcelona de 1888. I plantejarem diverses hipòtesis. Sobretot, aquest capítol, anirà centrat a la seva faceta com a divulgador de la cultura japonesa gràcies a la seva obra Dai Nipon (El Gran Japón) de 1905. Una font documental impressionant gràcies a la que podem conèixer col·leccionistes i col·leccions d’art oriental (Japonès i Xinès), a Barcelona. Finalment, aportarem el buidatge de les publicacions d’Antoni García Llansó, amb un resultat de 13 obres, 1 conferència, 5 discursos i 293 articles, es troben ordenats de manera cronològica a fi de facilitar l’estudi temàtic i l’evolució de l’intel·lectual. Així mateix, s’ha complementat la present investigació amb dos apèndix documentals, un d’arxivístic on hi ha una selecció d’epistolari conservat sobretot, a la Biblioteca Museu Víctor Balaguer i un altre de gràfic, amb les imatges de les peces artístiques que tenia García Llansó i que ara es troben conservades gràcies als seus descendents. / Catalan Modernism, had the Japonism one of the sources most importants for his inspiration, not only aesthethic but also conceptual. This influence had combinated with barcelona society in the end of XIX century, specially with intelectuals and artists, the same that happened in the rest of Europe. The disussion between the industry, synonimus of modernity and progress, and the traditionals arts had needed to not make any distintions between majors arts and the wrong named decorative arts; having the japanese art as a model to follow. In this sense, we can find the intellectual Antoni García Llansó (1854-1914), art critic, historian and japanese divulgator, representing a Barcelona nineteen centruy intellectual art knowledge. Even if some authors had mentioned the name of García Llansó as a japanese culture divulgator and art critic, it has needed to be made his first biography. That’s the reason why we want to show in the first part of this dissertation, a biographical view of the intelectual. In the second chapter, we are going to study his contribution like an art critic in various historical publications such as La Ilustración de la mujer, La Ilustración. Revista Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; La Ilustración. Revista Hispano-Americana; La Vanguardia; La Ilustración Artística. Periódico Semanal de Literatura, Artes y Ciencias; among others. Thanks to this publicacions we can analyse the thoughs of García Llansó and his evolution like an art critic. In the third chapter we are going to study his contribution like an art historian with others intellectuals as Francesc Miquel i Badia (1840-1899), writing the eight volum of Historia General del arte (1897), published by Montaner i Simón. This encyclopedia is considerated the first one dedicated in the catalan art field. In this case, García Llansó contributed with his studies like the biggest specialist iron work studious, in weapons and armours and forge, specially in the collections of Josep Estruch and Santiago Rusiñol. In four position, we are going to study the relation of García Llansó with the Japanese culture, focusing in the reason or reasons, of his election by the japanese empire as a jury of Universal Exhibition in Barcelona 1888. Also, we are going to planning various hypothesis. This chapter it’s going to be mainly focus to study the García Llansó work Dai Nipon (El Gran Japón), 1905. This work was a very important documentary source thanks to we can know the oriental art collectors and collections (Japanese and Chinese) in Barcelona. At last, we made a research of his publications with the following result, 13 work, 1 conference, 5 speech and 293 articles, which are ordenated crhonologically, so we can study the preferences and the thinker evolution of García Llansó. Also we complement this disseration with two appendix. One is dedicated to show different documentation, as a collected letters that had been conservated in Biblioteca Museu Víctor Balaguer and antoher, it shows the graphic appendix with the artistic works García Llansó’s property, today preserved thanks his descendants.

Estudio de la capacidad del autorretrato para manifestar la genuina personalidad de su autor a los que lo contemplan, dando a conocer a los demás su manera de ser íntima y —referido a los alumnos de Bellas Artes— de la posibilidad de ser utilizado para alcanzar un mayor conocimiento propio mediante su realización. Para fundamentar esta tesis se recurre al análisis del proceso seguido por artistas de distintas épocas que, aún sin proponerse tal objetivo, con sus autorretratos establecen un precedente en el tema. En el autorretrato el artista trata de representarse no sólo tal como se ve, sino también como sabe que es por dentro. La experiencia de la propia personalidad se manifiesta al representarse, de ahí que al observar un autorretrato afloren aspectos de la manera de ser del autor que serían menos evidentes contemplando la realidad. Resultan de especial interés las variaciones que se aprecian con el transcurrir del tiempo en la forma de verse, de describirse y de comunicarse a través del autorretrato, tanto respecto a los artistas analizados como respecto a la experiencia personal del autor. Para que la observación del autorretrato permita un juicio propio lo más imparcial posible, se propone un método destinado a facilitar la acción de juzgar sobre sí mismo con la ecuanimidad de quien no es parte interesada. / Study of the capacity of the self-portrait to show the genuine personality of its author to those who contemplate, revealing to others their way of being intimate and —regarding students of Arts— from the possibility of being used to achieve greater self-knowledge through its realization. In support of this thesis it is used to analyse the process followed by artists from different periods, even without having that goal, with his self-portraits set a precedent on the subject. In the self-portrait the artist is represented not only as seen, but also as he knows it is inside. The experience of one's personality appears to represent the manifest, hence observing a self-portrait to surface aspects of the author's personality contemplating a less obvious reality. Of particular interest are the variations that can be seen with the passage of time in the way you look, been described and communicating through self-portrait, both as artists analysed as regard to the author's personal experience. To allow the observation of a possible self-portrait as impartial judgment, a method to facilitate the action of judging on himself with the equanimity of one who is not a party proposes.

Extracts of 16 South African Salvia species commonly used in traditional medicine to treat various microbial infections were investigated for in vitro antibacterial and antimycobacterial activities using the micro-dilution and respiratory BACTEC method, respectively. The microorganisms tested include two Gram-positive (Staphylococcus aureus and Bacillus cereus); two Gram-negative (Escherichia coli and Klebsiella pneumoniae) bacterial strains and the common pathogen responsible for tuberculosis, Mycobacterium tuberculosis. Extracts of the majority of species exhibited moderate to good antibacterial activity with minimum inhibitory concentration (MIC) values ranging from 0.03 to 8.00 mg/ml. Promising activity was observed against M. tuberculosis (MIC≤0.50 mg/ml) with S. radula, S. verbenaca and S. dolomitica displaying the most favourable activity (MIC: 0.10 mg/ml). The antibacterial bioassay-guided fractionation of S. chamelaeagnea resulted in the isolation of four compounds: carnosol, 7-O-methylepirosmanol, oleanolic acid and its isomer ursolic acid as the active principles against S. aureus. The in vitro antibacterial and antimycobacterial activities may support the use of Salvia species in traditional medicine to treat microbial infections.

Bioarte. Una estética de la desorganización se centra en cómo la relación biotecnología y prácticas artísticas ha dado lugar a preguntas sin precedentes sobre el concepto de cuerpo, de vida, sobre la relación entre arte, ciencia, sociedad, ética, estética, economía y política. El uso de la biotecnología y las entidades semi-vivas como partes esenciales de la investigación artística nos permite formular preguntar en torno cuál ha sido la evolución del concepto vida desde una perspectiva filosófica. Los proyectos artísticos presentados en esta tesis muestran la necesidad de re-evaluación de las taxonomías, así como permiten nuevos discursos a partir de las diferentes relaciones que establecemos con estas nuevas entidades, discursos sobre la humanidad y sobre la relación entre humanos y animales no-humanos. Este tipo de proyectos artísticos se pueden convertir en un conjunto de puntos desde los cuales analizar posibles cuestiones éticas sobre el uso de materiales biológicos con fines artísticos, o el rol de la filosofía en la investigación artística. Esta tesis establece una conexión entre una selección de proyectos artísticos y una selección tanto de conceptos como de problemas filosóficos, como las cuestiones éticas relativas al uso de material biológico con fines artísticos, el uso de animales no-humanos como parte de proyectos artísticos, el rol del arte en la investigación o el rol de la filosofía contemporánea en la investigación artística, así como supone un intento por mostrar cómo la innovación tecnológica y la investigación científica se están convirtiendo en cuestiones claves para la estética contemporánea. Una estética de la desorganización propone tomar las potencialidades de estas prácticas artísticas para desorganizar el cuerpo, desorganizar los códigos, las narrativas y las taxonomías. Supone la composición de un paisaje fractal, un collage que posibilita nuevas construcciones desde el extrañamiento, nuevas preguntas sobre el cuerpo, la vida, lo ético y lo político. Una desorganización que permite repensar- se en un plano extendido, una estética que nos permite huir de una organización unificante y jerarquizante. / Bioart. An Aesthetic of disruption focuses on how the relationship between biotechnology and artistic practises has raised unprecedented questions about body, life, about the relationship between art, science, society, ethics, aesthetics, economy and politics. The use of biotechnology and semi-living entities as an essential part of artistic research allows us to ask which has been the evolution of Life concept from a philosophical perspective. These projects show us the necessity of a re-evaluation of standard taxonomies, and can also enable new discourses on the different relationships we establish with these "new entities", about humankind and the relationship between humans and non-humans animals. This kind of artistic works can become a set of focal points from which to analyse possible ethical questions about the use of biological material for artistic purpose, or the role of philosophy in artistic research. This PhD dissertation connects some bioartistic practises with some philosophical concepts and issues, as the ethical claims of using biological material for artistic purposes, the ethical claims of using non-humans animals as a part of the artworks, the role of art in research, the role of contemporary philosophy in artistic research, and tries to show how technological innovation and science research are becoming key to contemporary aesthetics. An aesthetic of disruption proposes to take the potential of these artistic practises to disrupt the body, disrupting the codes, narratives and taxonomies. It involves the composition of a fractal landscape, a collage that allows us a new construction from the estrangement, new questions about the body, life, ethics and politics. A disruption that allows to re-think-us in an extended-plane, an aesthetic that allows us to escape from an unifying and hierarchic organisation.

El análisis de una selección de imágenes de la Relación de Michoacán (1541) y del Códice Florentino (1579) llevó a esta autora a sumarse a la opinión académica que valora como medieval el legado español a México en el siglo XVI. El objetivo del estudio se desprendió de la dicotomía historiográfica entre los estudiosos del descubrimiento, conquista y colonización de América consistente en considerar aquel decisivo episodio como la continuidad lógica de la época renacentista o bien, ver en él la proyección todavía medieval de la visión española del mundo, aunque estos acontecimientos se produjeran a partir de 1492, época ya moderna. Los frailes responsables de la elaboración de ambos manuscritos, Jerónimo de Alcalá y Bernardino de Sahagún, declararon como propósito principal de su tarea el conocimiento de estas culturas prehispánicas, la purépecha y la mexica, a partir de la memoria, las declaraciones y participación de los indígenas en cada uno de los libros, con la idea de detectar y erradicar las creencias autóctonas e implantar eficazmente el cristianismo. La interpretación de los registros cognitivos que detentan las imágenes demuestra por el contrario la supremacía de la mentalidad del medievo occidental allí donde se pretendía encontrar la mexicana. Las imágenes y la retórica que ilustran hablan tanto de la cultura colonizadora como de la colonizada. Ordené las reflexiones en cuatro capítulos en los se que precisa la filiación medieval de los dos códices y se sugiere sobre qué aspectos se puede continuar trabajando en futuras investigaciones. El capítulo primero es una síntesis de las cualidades culturales de signo medieval que aparecen en estos dos libros como el privilegio de la memoria sobre la observación; la verdad es tal en tanto fuese sancionada por la memoria a diferencia de la práctica renacentista de llegar a ella empíricamente. En el segundo capítulo me ocupé de la descripción de ambos manuscritos destacando sus diferencias y la identidad de ambos con la tradición libresca medieval con el objeto de revisar la manera en que la imaginería participa del legado pictórico usual en la ilustración de manuscritos durante la Edad Media. Mucho se ha escrito de la pervivencia de los denominados códices prehispánicos como una de las pocas manifestaciones que remontaron la conquista; aquí analicé las razones por las cuales ni la Relación de Michoacán ni el Códice Florentino forman parte de esa continuidad y, en cambio, se alinean con la tradición franciscana medieval de la elaboración de obras de carácter etnohistórico, didáctico y erudito. El capítulo tercero recoge una selección de los análisis iconográficos de ambas obras que resultaron más relevantes para esta tesis cuyos autores utilizaron diferentes aproximaciones metodológicas. Por último, el capítulo cuarto, lo dediqué al análisis de una selección de imágenes que explican el final de las dos culturas estudiadas y, más sorprendente, la asimilación de los nuevos esquemas impuestos para explicar gráficamente sus historias y el ocaso de las mismas. La idea fue poner de relieve la capacidad cognitiva de la imagen que demuestra que España y México en el siglo XVI no manifiestan la misma experiencia artística en la ilustración de libros. Palabras clave: historia social del arte, códices coloniales, códices medievales, arte medieval, iconografía, iconología. / This study establishes that while the discovery, conquest and colonization of México occurred in from 1492 onward (i.e., modern historical times), the sixteenth-century Spanish legacy there, was in fact medieval. I reach this conclusion through the analysis of images contained in the Relación de Michoacán (1541) and the Florentine Codex (1579). This supports the view that considers this decisive event as a medieval extension of the Spanish understanding of the world, as different to the logical approach of modern renaissance times. The friars responsible of the manuscripts elaboration Jerónimo de Alcalá and Bernardino de Sahagún declared that their projects main purpose was the knowledge of both Purépecha and Mexica pre Hispanic cultures based on the indians’ declarations, their memories of the events before and during the conquest and their involvement in the writing of the manuscripts. In doing so the friars would also be able to detect and eradicate idolatry in order to effectively establish Christianity. Nevertheless images interpretation in both manuscripts shows the supremacy of medieval mentality upon indigenous world view so that these books reflect the profound and quick acculturation lived in México as much as the lost vanquished cultures. The ideas are developed in four chapters. Chapter I summarizes medieval cultural signs that are to be found in both manuscripts as is the privilege of memory over observation: the truth is so as long as it exists in the memory not as a result of empirical verification. Chapter two deals with the description of the studied manuscripts in terms of their medieval codices strong similarities in structure and characteristics, specifically with Franciscan tradition manuscript making. Next chapter is a review of five iconographic analysis of these codices illustrations. The specialists approached their analysis from different methodologies useful to contrast the present thesis results. The fourth chapter is dedicated to the inquiry of an image selection that explains the end of both studied cultures, interestingly enough, through the assimilation of the new imposed paradigms: forms, significance and values of medieval image making. Key words: social history of art, colonial codices, medieval codices, medieval art, iconography, iconology.

La presente tesis doctoral titulada “Eduardo Solá Franco, Wilson Paccha, Transtango: estrategias de las masculinidades en Ecuador” plantea las dificultades, posibilidades y límites de la representación de las masculinidades en las artes plásticas y en el arte contemporáneo en Ecuador. Para ello, en un primer capítulo se propone un análisis de las masculinidades contemporáneas como resultado de la emergencia del sujeto masculino moderno decimonónico. En ese análisis, se plantea que en el siglo XIX surge una masculinidad hegemónica y dominante como resultado de la revisión cientificista de los discursos mítico/religiosos que dominaron y dieron sentido a lo que conocemos como occidente. En este capitulo se examina cómo en dicha masculinidad convergen las tecnologías de la visión, los dispositivos de clasificación social, los discursos que re-racializaron a las poblaciones de las excolonias, y los discursos médicos y psicológicos que legitimaron la negación y subordinación del cuerpo, del cuerpo de las mujeres, de lo femenino, de los cuerpos feminizados, y de la homosexualidad. En este gran marco referencial, este capítulo contextualiza el régimen de visión masculino y las políticas de representación artísticas de la masculinidad en Ecuador a lo largo del siglo XX. En el segundo capítulo, la investigación da cuenta de cómo la obra del ecuatoriano-catalán Eduardo Solá Franco (Guayaquil, 1915 - Santiago de Chile, 1996) propone una estrategia estética irreverente respecto a la representación del cuerpo y la masculinidad en el contexto local del momento. En este capítulo se revisa cómo la obra de este artista contravino el “deber ser” de las corrientes estéticas de la primera mitad del siglo XX en Ecuador, tan dominadas por el Indigenismo. Frente a ellas, la obra de Eduardo Solá Franco aquí estudiada nos presenta una masculinidad teatralizada y homoerótica que contradice no solo el ideal de corporalidad exigido a las representaciones estéticas en el mencionado contexto, sino a la configuración misma de la masculinidad como ideal cerrado, sólido y dominante. En este capítulo se propone además que esta masculinidad homoerótica, es un gran subterfugio que opera como reverso de las prácticas heteronormadas en las cuales el autor inscribió su homosexualidad. En el tercer capítulo, se presenta la obra del quiteño Wilson Paccha (Quito, 1972) como expresión de una teatralización extrema y estridente de la masculinidad en Ecuador. En ese sentido, en este capítulo se revisa cómo la parodia, el histrionismo, la estridencia cromática y el exceso dominan la representación de unos cuerpos masculinos que llevan inscrita la marca poscolonial. Justamente, este capítulo destaca que la acción del pintor quiteño cuestiona la preocupación por la identidad étnico-racial como lugar canónico y prevaleciente en las representaciones estéticas ecuatorianas a lo largo del siglo XX. A partir de este cuestionamiento, el sujeto masculino que propone la obra de Wilson Paccha se mostrará escéptico y burlesco frente a los discursos identitarios que no solo dominan la estética del país andino sino que además dan contenido al imaginario del Estado nacional. Como consecuencia de esta postura estético/política, este capítulo da cuenta de que la obra de Wilson Paccha deviene en una crítica a la masculinidad hegemónica y dominante, que además es blanco/europea, heterosexista, racista y sexista. A modo de apéndice, esta investigación analiza una expresión artística contemporánea que registra la actual crítica estética y política a los mecanismos de opresión generizada de los cuerpos en el Ecuador contemporáneo. En este apéndice se proponen las implicaciones del performance Transtango, en el contexto del activismo de las diversidades sexo-genéricas en el país andino, y como gesto de apertura al debate incipiente de la relación entre género y arte en la escena artística ecuatoriana. / This, the doctoral thesis entitled "Eduardo Solà Franco, Wilson Paccha, Transtango: Strategies of Masculinities in Ecuador" poses the difficulties, possibilities and limits of the representation of masculinities in the plastic arts and contemporary art in Ecuador. To this end, the first chapter puts forward an analysis of contemporary masculinities resulting from the emergence of the modern nineteenth century masculine subject. In this analysis it is proposed that in that century a hegemonic and dominant masculinity emerged as a result of the scientificist revision of the mythic/religious treatises which dominated and gave sense to what we know as the West. In this chapter is an examination of the convergence, in this masculinity, of the technologies of vision, the contrivancies of social classification, and the medical and psychological discourses which legitimise the negation of the body, of the body of the woman, of the feminine, of feminised bodies, and of homosexuality. In this wide referencial framework, this chapter contextualises the regime of masculine vision and the politics of artistic representation of masculinity in Ecuador throughout the twentieth century. In the second chapter, the investigation gives an account of how the work of the Ecuadorian-Catalan Eduardo Solà Franco (Guayaquil, 1915 - Santiago de Chile, 1996) propounds an irreverent esthetic strategy with respect to the representation of masculity and the body in the local context of the moment. In this chapter is a revision of how this artist's work contravenes the "ought to be" of the esthetic currents of the first half of the twentieth century, so dominated by Indigenism. In contrast, this work presents a theatricised homoerotic masculinity which contradicts not only the ideal of corporality called for in esthetic representations in the above-mentioned context, but also the same configuration of masculinity as a sealed, solid and dominant ideal. This chapter further proposes that this homoerotic masculinity is a great subterfuge operating in reverse of heteronormal practices in which the author inscribed his homosexuality. The third chapter presents the work of Wilson Paccha (born Quito, 1972) as the expression of an extreme and strident theatralisation of masculinity in Ecuador. In that way, this chapter examines how parody, histrionics, chromatic stridence and excess dominate the representation of certain masculine figures which bear the post-colonial footprint. Precisely, it emphasises that the action of this artist from Quito questions the preoccupation for ethno-racial identity as a canonic and prevalent position in the esthetic representations of Ecuador throughout the twentieth century. Starting from this questioning, the masculine subject which the work of Wilson Paccha puts forward is shown to be sceptical and burlesque facing identical discussions which not only dominate the Andean state, but also give substance to the imaginary of the national state. As a result of this esthetic/political posture, this chapter gives an account of how the work of Wilson Paccha evolves into a criticism of hegemonic and dominant masculinity which is furthermore white/european, heterosexist, racist and sexist. By way of appendix, this investigation analyses a contemporary artistic expression which records the current esthetic and political criticism of the mechanisms of opression of the body in contemporary Ecuador. The appendix puts forward the implications of the performance Transtango, in the context of the activism of the sexual diversities of the Andean state, and as a gesture of the widening insipient debate of the relationship between gender and art in the artistic scene of Ecuador.

Εισαγωγή: Η ικανότητα ανίχνευσης της οστικής νόσου σε πρώιμο στάδιο αποτελεί ένα σημαντικό βήμα στην αντιμετώπιση τόσο των κακοήθων όσο και των καλοήθων κλινικών καταστάσεων. Οι σπινθηρογραφικές μέθοδοι απεικόνισης ως ιδιαιτέρως ευαίσθητες στην πρώιμη ανίχνευση των οστικών νόσων και ως παρέχουσες λειτουργικές πληροφορίες σε συνδυασμό με το χαμηλό κόστος και τη δυνατότητα απεικόνισης ολόκληρου του σκελετού με ελάχιστη ακτινοβόληση, αποτελούν σε πολλές περιπτώσεις τις μεθόδους εκλογής έναντι των ακτινολογικών μεθόδων οι οποίες σε γενικές γραμμές υπερέχουν ως προς την ειδικότητα. Σκοπός: Η παρούσα μελέτη στοχεύει να καταγράψει την επιπλέον συνεισφορά της τομογραφικής μελέτης στην πρώιμη εντόπιση των βλαβών της σπονδυλικής στήλης σε σχέση με το απλό σπινθηρογράφημα οστών με απώτερη στόχευση να ερευνηθεί πιθανή καθιέρωσή της ως εξέτασης ρουτίνας. Δευτερεύουσα στόχευση αποτελεί η επιβεβαίωση της συνεισφοράς της τομογραφικής μελέτης στη λεπτομερέστερη περιγραφή της ανατομικής θέσης της βλάβης που είναι ενδιαφέρουσα εξαιτίας της πολύπλοκης ανατομικής δομής των σπονδύλων. Η μελέτη αφορά σε ασθενείς με πόνο στη σπονδυλική στήλη αδιάγνωστο τόσο από την κλινική εξέταση όσο και από τις κλασικές ακτινολογικές μεθόδους. Υλικό-Μέθοδος: Μελετήθηκαν 87 ασθενείς ηλικίας 10-80 χρόνων εκ των οποίων 43 ήσαν άνδρες και 44 γυναίκες, με κοινό χαρακτηριστικό τους επίμονο και αδιάγνωστο πόνο της σπονδυλικής στήλης και οι οποίοι στα πλαίσια της διερεύνησης του πόνου θα υποβάλλονταν σε απλό σπινθηρογράφημα οστών. Από τους ασθενείς αυτούς 16 έπασχαν από καρκίνο, 16 από βρουκέλλωση 20 από διάχυτα οστικά άλγη και 35 από οσφυαλγία. Στους ασθενείς αυτούς 2.5-3 ώρες μετά την ενδοφλέβια χορήγηση του ραδιοφαρμάκου (99mTc-MDP) λαμβάνονταν ολόσωμα σπινθηρογραφήματα οστών. Αμέσως μετά οι ασθενείς υποβάλλονταν σε τομογραφική σπινθηρογραφική μελέτη με περιοχή ενδιαφέροντος τη σπονδυλική στήλη. Αποτελέσματα: Τα αποτελέσματα ανέδειξαν ότι στην τομογραφική μελέτη 55 στους 87 ασθενείς (63.2%) είχαν σαφή παθολογικά ευρήματα στη σπονδυλική στήλη έναντι μόνο 22 (25.2%) ασθενών με σαφή παθολογικά ευρήματα και 15 (17.2%) με αμφίβολα ευρήματα που ανέδειξε η απλή σπινθηρογραφική μελέτη. Σε γενικές γραμμές η διαφορά αυτή καταγράφεται και στις τέσσερις κατηγορίες ασθενών ενώ σε κάθε περίπτωση ο ανατομικός εντοπισμός της βλάβης υπήρξε ακριβέστερος. Συμπέρασμα: Το υπερδιπλάσιο ποσοστό θετικών τομογραφικών μελετών -έναντι των απλών-, ο ακριβέστερος ανατομικός εντοπισμός και η απουσία της παραμικρής επιπλέον ακτινολογικής επιβάρυνσης καθιστά αναγκαία την καθιέρωση της τομογραφικής μελέτης ως εξέτασης ρουτίνας σε συνδυασμό πάντοτε με το ολόσωμο σπινθηρογράφημα οστών. / Introduction: The diagnosis of bone disease in early stage is an important step for the treatment of malignant and benign clinical conditions. Nuclear Medicine methods are superior than the radiographics ones due the high sensitivity in the early detection of bone disease and the functional informations they offer. Considering the low cost, the ability of low radiation whole-body imaging and the high sensitivity it is obvious why Nuclear procedures are consist of methods of choice, although radiographic ones appear to produce higher specificity. Purpose of the study: The purpose of this study is to find out the extra contribution of SPECT imaging to the early detection of spinal lesions in comparison with planar imaging and the possibility to be established as a method of routine. Another purpose of this study is to confirm the contribution of SPECT imaging, in order to determine the particular localisation of the lesions. In this study we investigate patients with back pain, which was unconfirmed by clinical or/and radiographic examination. Material and Methods: 87 patients were studied (43males, 44 females) with an age range between 10-80 years. All of them suffered from persistent back pain which remained undiagnosed through physical examination and X-ray imaging. These patients were referred to undergo a planar imaging. A total of 16 were suffering from malignant disease, 16 from brucellosis, 20 from diffuse bone pain and 35 from backache. Between 2.5 and 3 hours after intravenous administration of radiopharmaceutical substance (99mTc-MDP), planar whole-body scans and SPECT studies (with the spine as region of interest) were obtained. Results: In the planar scans we identified 22 (25.2%) patients with marked lesions and 15 (17.2 %) with questionable findings, while in the SPECT studies 55 (63.2%) patients with marked lesions and no questionable finding. In general this difference refers to all four categories of patients and whenever were existed pathological findings the anatomical localisation of the lesions was more accurate. Conclusions: The higher sensitivity, the accuracy in anatomical localisation and the absence of any extra radiation charge makes the establishment of SPECT imaging necessary as a routine method in combination with whole-body planar scan.

The thesis shows the first monographs of Aleix Clapés and Manuel Sayrach, two important individuals of Catalonian culture, whose works were developed between 1880 and 1937; a long period which saw many importan historical events take place which were reflected in their work. These works on their merit alone, deserve a level of careful attention which they have never before received . This is the principal jusfitication of this thesis and the core reason why both bodies of work have been united within the scope of a single study. But there are other important parallels between them : Originality, anachronism, stylish ambiguity and extravagance; common characteristichs that allow us to understand a priori the problems faced by historians when trying to classify and interpret these works : They are such outsiders of the traditional catalogue of modern style that they are paid little attention. Nevertheless, there is another important connection between them : Antoni Gaudi. Competitor, close friend and colleague in important projects for Clapés; while for Sayrach, a mythical and inspirational figure , against whom he contrasted his works and architectural theories.lf we consider the difficulty with which the extraordinarily creative output of Gaudi was taken on board by the traditionally conservative local historiography, then the works of Clapés and Sayrach, being so close both formally and ideologically to those of Gaudi come up against a similar, but even greater, problem in that is not easy to place into the historiography of Catalonian art works that, while eccentric, are also "inferior" to those of Gaudi. For this reason , our theory distances its elf from the conventions of the traditional discourse of modernism with the ¡ntention of getting closer to the historical truth. This new perspective allows the works and their authors to be truly considered artistic productions of great value and worthy of protection. The abundance of mentions and commentaries about Clapés' work in the contemporary press demonstrates that our initial hypotesis was correct: Clapés' place in history is merely a pale shadow of the real individual in his time and in his world . On the other hand , ¡nterest is awakened more and more in "casa Sayrach", the main work of Sayrach which highlights the disconnect between the role given to him by history and the authentic dimension of the individual. Aleix Clapés (1846-1920) and Manuel Sayrach (1886-1937) were born and died in the province of Barcelona. They followed different reative, literary and cultural activities . Aleix Clapés with his pictures , advanced the local syrnbolism and he can be considered expressionist avant la lettre. The preflerence that Eusebi Güell and Pere Mila gave to his pictorial work, expresses de high esteem in which he was held by the Catalonian bourgeois. Clapés also designed the furniture for the entrance and living room for the Ibarz family (1902), the most powerful and beautiful of Catalonian syrnbolism, and in addition , bought and ran the influential magazine publication "Hispania" in its second period (1903). Manuel Sayrach, received the title of architect in 1917, when he had already reformed the family retreat known as "La Torre dels dimonis" (Sant Feliu de Llobregat, Barcelona , 1909-1913) and when he was finishing building the "casa Sayrach" (Barcelona, 1914-1918). Some years later, Sayrach built the "casa Montserrat" (Barcelona , 1926). He also conceived a dramatic project: "Els drames de la llum", from this project Sayrach published "Abelard i Eloïsa" (1919) and "Reigzel" (1920). He entered the field of political ideology with his work "República i Constitució" (1931).

Se trata de un trabajo que estudia cuál es la relación de Joan Brossa con las artes visuales. En este sentido, la investigación transita a través de territorios diversos. Así, en el primer capítulo se analiza su poesía visual; en el segundo la aparente evolución diferenciada entre su creación y la de otros artistas de su círculo; en el tercero el supuesto punto de inflexión que se da en su obra con la publicación del libro Em va fer Joan Brossa en 1951; en el cuarto su gusto por lo onírico y lo cotidiano, la estructuración de la realidad a través de la fotografía o la aplicación de procesos propios de otras artes como el collage y el montaje cinematográfico en su producción poética; en el quinto el interés por el movimiento en su teatro de carácter más experimental y en el sexto la cosificación de su poesía a través de sus poemas-objeto. Finalmente, como conclusión, se resuelve hasta qué punto esa relación con las artes visuales determina el resultado final de su obra, al tiempo que se evidencia cómo dicho vínculo condiciona la percepción y teorización sobre su figura. / This PhD thesis studies the relationship between Joan Brossa and the visual arts. The work explores diverse fields and topics. In this way, the first chapter is devoted to the analysis of the author’s visual poetry; the second focusses specifically on the apparent differentiated evolution of his work and its linking with the work of other artists of his circle; the third investigates the turning point attributed to his work after the publication of Em va fer Joan Brossa in 1951; the fourth analyses Brossa’s taste for oneiric and everyday elements, his structuring of reality through photography, as well as the adoption of other arts’ techniques such as collage and film editing in his poetic production; the fifth deals with the author’s work with movement in his experimental plays and the sixth one studies the phenomenon of reification in Brossa’s poetry through his so called “object poems”. In the final conclusive chapter it is argued to what extent Brossa’s relationship with the visual arts determined the final result of his work and clearly conditions both the perception of and the theorising about the poet.

Des de l’any 1990 fins ara, m’he dedicat a la meva carrera artística professional, determinada a presentar en públic la producció d’obres que representen el taller on treballo. Paral·lelament, des de fa més de dotze anys, he impartit classes com a professor d’art i, en concret, m’he especialitzat en ensenyar a desenvolupar projectes artístics, a fi que l’alumne assoleixi els recursos tècnics i conceptuals necessaris per formalitzar una proposta. Tant una experiència com l’altra sempre han estat acompanyades de la lectura d’obres i d’escrits sobre art. Al llarg d’aquestes lectures i interpretacions he observat que hi ha un grup d’obres que el taller artístic està representat de manera literal, però quins tipus de tallers representen?, quins són els trets que defineix un taller artístic?, hi ha molts tipus i moltes maneres de representar-los, tanmateix tots es generen en el moment que l’artista produeix l’obra? Si és així, hi ha un vincle profund entre el taller artístic i la producció de l’obra, aleshores pot ser que en totes les obres hi ha alguna referència al taller artístic, per mínima que sigui, però que no es manifesta en els primers nivells d’interpretació? Les dues experiències professionals han anat definint un interès per un tema cabdal que ara s’ha convertit en tesi: el taller artístic representat en les obres d’art. Per tant, aquesta tesi doctoral s’ha desenvolupat des de la meva experiència vivencial dedicada a la producció artística i docent de l’art. Per abordar la problemàtica de les representacions del taller artístic i de les seves interpretacions en les obres d’art, he recorregut a mètodes específics propis de les ciències socials i de les humanitats, per tant, la recerca està emmarcada des d’un procés d’investigació qualitativa. Durant el procés d’investigació s’ha anat fixant progressivament la hipòtesi següent: en tota obra d’art hi ha alguna referència al taller artístic, i es manifesta des del “camp de la presència” o des del “camp de l’absència”. / Since 1990 I have devoted myself to my professional career as an artist, with the objective of exhibiting the production of work that represents the studio where I work. At the same time, for more than twelve years, I have worked as an art teacher. In particular, I have specialized in teaching students how to develop artistic projects, enabling them to achieve the technical and conceptual skills necessary to formalize a proposal. Both experiences have always been accompanied by the reading about works of art and writings on art. During these readings and interpretations, I have observed that there is a group of works in which the artistic studio is represented in a literal way. However, what kind of studios do these works represent? What are the characteristics that define an artistic studio? There are many types and many ways to represent them. Nevertheless, are these characteristics generated in the moment that the artist produces the work? If this is the case, the artist’s studio and the production of the work are closely bound together. Could it not follow, therefore, that in all works there is some reference to the artistic studio, minimal as it may be, which is not manifest in the initial stages of interpretation? Over time both professional experiences have come to define an interest in one principal theme, which has become my thesis; the representation of the artistic studio in works of art. As a result, this doctoral thesis has developed from both my experience as an artist and as a teacher. To address the problem of the artistic studio’s representation and its interpretation in works of art, I have drawn on specific methods from the fields of social sciences and humanities. The study is therefore framed within a process of qualitative research. During the research process, the following hypothesis has progressively become the focus: In every work of art, there is some reference to the artistic studio, and it manifests itself in the “field of presence” or in the “field of absence”.