Depuis la fin des années 90 s'est développé un ensemble de pratiques artistiques qui prennent le logiciel comme base critique de travail. Diverses expositions, manifestations, sites Internet et textes ont été consacrés à ces productions regroupées sous l'intitulé « Software Art ». L'un des principaux intérêts de ce « mouvement» artistique est de redonner une actualité à une problématique connue depuis les années 60, celle de la programmation informatique en art, corrélée à divers questionnements touchant à la culture numérique, à l'approche esthétique du code et au positionnement de ce type de production par rapport à l'histoire de l'art. À l'aide d'un parcours chronologique des événements, publications et œuvres liées au Software Art, cette thèse propose une étude analytique et critique afin de comprendre en quoi ce « mouvement» se singularise au sein d'un phénomène plus ample, observé depuis une décennie, lié au regain d'intérêt pour la programmation en art, notamment à travers l'utilisation d'un langage tel que Processing. Cette recherche n'a pas pour objectif de construire un appareil théorique utile au Software Art mais tente de comprendre ce qui s'est joué durant ses années de visibilité, de 2001 à 2006 environ, tant au niveau de la constitution d'un champ critique spécifique que de la mise en place de stratégies artistiques et institutionnelles afin d'assurer les conditions de sa diffusion. / The years since the late 90s have se en the emergence of a range of artistic practices using software as a critical base material. A number of exhibitions, events, websites and writings have been dedicated to their productions, coming under the designation of "Software Art". One of the main interests of this artistic "movement" lies in its bringing up to date the issue of computer programming in art, one that has been acknowledged since the 60s and is correlated with various questionings addressing digital culture, the aesthetic approach to code and the position of such productions with regard to art history. From a chronological presentation of the events, publications and artworks in relation to Software Art, this thesis puts forward an analytical and critical study, with a view to explaining in what ways this "movement" singles itself out from a broader phenomenon - as has been witnessed for a decade - of renewed interest in computer programming in art, notably through the use of a programming language such as Processing. The intent of this investigation is not to build a theoretical apparatus of any use to Software Art, but rather to understand the stakes at hand at the time of its visibility - from 2001 to 2006 approximately -, both with respect to the establishment of a specific critical field and the implementation of artistic and institutional strategies in order to provide the conditions tor its diffusion.

Cette recherche a pour point de départ l’expérience pratique de l’atelier et propose une étude de la notion de répétition telle qu’elle émerge de différentes poétiques artistiques contemporaines.Des notions distinctes associées à la répétition sont évoquées par les travaux et la démarche spécifique des artistes, dans une recherche qui se construit de manière réflexive, au cours d’un va-et-vient entre l’oeuvre, la façon dont elle est élaborée, la perception qu’elle suscite et les textes consacrés à la poétique de chaque artiste.L’identification d’un univers particulièrement vaste, révélé par la répétition et retrouvé dans différentes démarches, dans différents moments, a orienté cette recherche vers la construction d’une structure bien articulée, et a concentré l’étude sur la poétique de quatre artistes : Mira Schendel, Richard Long, Eva Hesse et Nelson Félix / This research finds its starting point in the practical experience of the studio work and proposes a study of the notion ofrepetition such as it emerges from different contemporary artistical poetics.Different notions associated to repetition are evoked by the works and the specific approaches of the artists, through a research which builds itself in a reflexive way, during comings and goings between the work, the way it is elaborated, the perception which it arouses and texts dedicated to the poetics of each artist.The identification of a particularly vast universe, revealed by the repetition and found in various initiatives and in various moments, directed this work to the construction of a well articulated structure, and concentrated the glance on the poetics of four artists: Mira Schendel, Richard Long, Eva Hesse and Nelson Félix

Cette thèse vise à interroger la situation de l'individu face à l'horizon virtuel de l'ère interconnectée, ainsi que la créativité surgie du cyberespace. Divisée en deux parties, la première section de cette thèse consiste en une analyse des expériences plastiques, elles-mêmes élaborées en rapport avec les réseaux sous diverses formes : installation, net-art, vidéo, photographie numérique et performance GPS. Les quatre projets artistiques proposés ont ainsi permis une interrogation sur la question du regard, qui, dans le cadre des arts plastiques, traverse à la fois l'auteur, le dispositif et le spectateur. Dans la seconde section,il s'agit de tenter de répondre davantage aux problématiques engagées par ces expériences artistiques. La métaphore du « cycle hydrologique » est d'abord proposée afin de comprendre les réseaux informatiques. Une approche du devenir de l'image du monde est ensuite réalisée à travers un parcours historique sur des cartes géographiques. L'hypothèse proposée est que si ce parcours et cette évolution sont conçus comme la transformation d'une conception mythologique du monde en une représentation rationnelle, l'imaginaire engagé par les cartes numériques peut impliquer à nouveau certaines caractéristiques d'une représentation mythologique. Des phénomènes culturels se trouvant à la frontière du cybermonde sont analysés, dans lesquels les questions du virtuel s'avèrent déterminantes, en particulier celle de la réalité augmentée, de la durée d'immersion virtuelle, de « l'auto-virtualisation » et rejoignent à nouveau l'hypothèse d'une mythologie propre à l'espace-temps virtuel édifié sur les réseaux. / This thesis aims to examine the situation of individuals facing virtual space in the interconnected era and the creativity that emerges in the cyberspace. The thesis is divides into two parts. The first part consists of an analysis of my personal experience in conducting four art projects elaborated in various forms, including installation art, net.art, video art, digital photography and GPS performance art. Regardless of which artistic form is in question, « look » is the key in connecting the author, the audience as well as the visual media. The second part aims to further explore the artistic issues derivated from the personal experience, namely net art, map and virtuality. In order to fulfil this task, the metaphor of « water cycle » is applied to conceptualize the development of internet in a systematic way. In addition, world maps at different stages of human civilization are analyzed to shed light on how the worlview has changed over time. Based on that, a hypothesis is proposed : if the changes in world maps over the course of human history reflects a gradual replacement of a mythological perception of the world by a more rational perspective, the creativity shown in trendy digital maps nowadays might point to a resuscitation of a world view featuring mythological representation. Some cultural phenomena in the cyber space are also analyzed. The focus of the analysis is on a few issues related to virtuality, such as augmented reality, the duration of virtual immersion, as well as « auto-virtualization ». Such analysis should help corroborate the above mentioned hypothesis, namely the rise of mythological representation in virtual space.

The chief aims of this practice-based research are to investigate the nature of attachment between person and object in respect to transformation; to find ways in which objects (jewellery) can be transformed to engender a wearer’s emotional attachment; and to demonstrate the different ways of applying such transformations that are pertinent to jewellery. This research has developed a certain type of transformation, which slowly makes traces on the surface of jewellery over time, and is used as an effective way to engender a wearer’s emotional response. The research is situated in the field of contemporary jewellery, and is specifically related to emotion and sentiment; a category of jewellery that relates to the wearer’s emotional feeling. The scope of the study extends to research on emotional design since this research focuses on user experiences in developing emotional relationships with the object and on how the designer/maker can promote the formation of such an attachment to the object. Two practical experiments have been conducted in this research to determine and construct appropriate and effective characteristics of transformation that engender an emotional relationship between the jewellery and its wearer, through the examination of the transformational character of emotional objects and the interactions that people have with transformational jewellery. These two experiments involve the process of making in order to provide a way of thinking through the hand manipulating a material. The use of this material thinking, develops a more broader understanding of the relationship between the transformational object and emotional attachment. Towards the end of the research, a definition of transformational jewellery is constructed that identifies its four important elements. It also provides two sets of practice work that demonstrate the findings and that facilitate the communication of the author’s tacit knowledge gained from the experiential knowledge. This research expands the field of contemporary jewellery by involving studies of emotional design and applying the element of transformation to create an emotional relationship between jewellery and its wearer. This specific transformation, which has been identified in both text and practical works, constitute the main contribution to knowledge in the field of contemporary jewellery.

No description available.

In this research, I unthread the role of the body in sculpture by applying a model of thinking through the body to generate alternative ways of thinking about and working with the body sculpturally. Breaking away from a dominance of the figure over the body in sculptural practice, I deconstruct the figure through a consideration of the senses and the relationship between interior and exterior spaces of the body. Looking neither inwards towards a hidden core, nor outwards from the subconscious, I instead look orthogonally across the skin as a way to overcome the figure, using the surface of the body as a mode for both looking and thinking. To achieve this, I start by undertaking a re-­‐description of skin based upon an interaction between artist, object, space, and viewer rather than as something that divides or contains these elements, assuming an equality and equilibrium of the body between maker and viewer. Moving beyond a bi-­‐directional model, I propose a multi-­‐directional and pervasive model of skin as a space in which body and world mingle. I explore this mingling through a reconsideration of tactility in sculpture, drawing on the active body in both making and interpreting sculpture to address processes of imaginative touch and proprioceptive sensation in sculptural practice. I argue that imaginative touch is a key aspect in engaging the body of the viewer that can be manipulated by the way in which materials are handled, generating proprioceptive sensation. This project re-­‐describes tactility within sculpture as something ultimately more complex than the touching of artworks, as a process intertwined with the visual. Mapping out the projection of the tactile body, this research follows the tracing process of the body rather than the trace of the body itself, exploring touch as revealing the way in which we perceive sculpture.

La matière émergente conçue aujourd'hui dans nos laboratoires est astucieusement efficace : les scientifiques s'inspirent des agencements intelligents que la matière vivante a optimisés au fil des générations ou structurent l'infiniment petit pour atteindre des propriétés jusque-là inimaginables. Alors qu'un art de l'immatériel s'est développé à partir du vingtième siècle, cette nouvelle matérialité renouvelle pour l'art contemporain sa manière d'aborder le l'ancien couple hylémorphique matière/forme. L'artiste sculpte non pas la forme extérieure mais les sous-structures internes de la matière, non pas l'objet mais ses propriétés. Prenant acte de son passage par le monde des idées, la matière se pose comme présence à la fois tangible et immatérielle, matière et matière grise. Une matière « qui a un poids, qui a un cœur », pour reprendre l'expression de Gaston Bachelard et dont le toucher - de l'effleurement poétique à la tactilité contenante, de l'enlacement amoureux à l'écrasement destructeur - peut nous toucher au plus profond. Une substance performeuse, puisque performante et active, dont l'intense présence et la capacité d'étrangéisation du réel éveillent des sentiments esthétiques d'une grande richesse. Elle se fait responsive pour donner corps à des œuvres interactives d'un autre genre, avec lesquelles nous entrons en relation directement par le langage de la matière, sans passer par le numérique. Une matière à penser, puisque notre pensée est d'abord corporelle. Penser par exemple les limites de la matière, à l'aube de notre marche vers le vivant artificiel. / The emerging matter designed nowadays in our laboratories is c1everly effective: scientists reproduce smart arrangements that the living matter has optimized over generations, or they structure the infinitely small to attain previously unimaginable properties. While an immaterial art has developed since the twentieth century, this new materiality in contemporary art renews its way to approach the ancient hylomorphic couple of matter / form. The artist does not sculpt the external form but the internal sub-structures of matter, not the object but its properties. Taking note of its passage through the world of ideas, matter arises both as a tangible and intangible presence, matter and gray matter. A material "which has a weight, which has a heart", in the words of Gaston Bachelard, whose touch - from the poetic caress to the containing tactility, from the embrace of love ta the destructive crushing - can touch us deeply. A performer substance, since it is effective and active, which intense presence and ability to make reality foreign to us arouse very rich aesthetic feelings. It becomes responsive. to embody interactive works of another kind with which we enter into relation directly through the language of matter, bypassing digitality. A matter to be thought of, since our thoughts are originally corporal. Thinking the limits of matter, for example, at the beginning of our process towards artificial life.

Étudier et pratiquer l'art n'est souvent pas affaire de contemplation directe et matérielle ou de face à face avec les œuvre mais plutôt de lecture sémantique, de compréhension et de savoir qui logent dans la périphérie et dans la médiation. Lorsque l'œuvre est absente, les mots la remplacent et les illustrations la révèlent. Les documents, archives, livres et site contribuent à sa circulation au-delà des frontières topographiques et représentent souvent l'unique source de référence. Les appareils de médiation forment à la fois une frontière et un lieu d'accès à l'œuvre, à la fois une limite et un passage où se transforment, s'opèrent et se déplacent les langages et les formats de l'œuvre. Cet environnement sémantique constitue une base de donnée calculable et traduisible source de nouvelles pratiques plastiques. Nous verrons en quoi le régime de pensée diagrammatique permet une médiation entre contenu et expression, engendrant un dispositif de visualisation, un format et une expérience de pensée qui instaurent une grille de lecture soutenant une création processuelle. Le diagramme nous permettra de penser les appareils techniques de médiation et d'interroger des pratique et formats originaux qui sous-tendent une pensée philosophique particulière de l'art par l'art. À partir d'une articulation descriptive d'une pratique plastique personnelle, nous mettons en évidence Bibliothèque et Musée comme ateliers et prothèses techniques pour appréhender le savoir dans sa globalité par indexation, fouille et exploration de données. Ces pratiques questionnent la recherche de la vérité dans l'œuvre et dans ses métadonnées à travers les dispositifs techniques et nouveaux médias numériques de clairvoyance et de révélation du sens et éclairent une instrumentation qui orchestre une époque de traductibilité technique / Studying and practicing art is often not a matter of direct and material contemplation or coming face to face with the works but rather semantic reading, understanding and knowledge of what lies in the mediation. When the work is missing, words replace it and pictures reveal it. Documents, archives, books and sites promote its circulation beyond topographie boundaries and are often the only sources of reference. Mediation deviees are both a border and a tool to access the work both a limit and a path where languages and formats are transforming. This semantic environment is a quantifiable and translatable database which is also a source of new art practices. We will see how the diagrammatic thinking allows mediation between content and expression, generating a visualization device, a specifie format and a thought experiment that establish an interpretive framework supporting process-based creation. The diagram allows us to think technical and mediation devices and to question original formats and practices underlying a particular philosophical thought of art by art, From a description of a personal plastic practice, we highlight Library and Museum as workshops and as technical prostheses to understand knowledge as a whole by indexing, searching and data mining. These practices question the pursuit of truth in the work and its metadata through technical deviees and new digital media of clear-sightedness and revelation of meaning. These practices shed light on the instrumentation that rules an era of technical translatability.

Cette thèse se présente comme une traversée de ma pratique artistique. A travers l’étude de divers objets hétéroclites, comme les arbres et le bois, les miroirs et le verre, des « choses » qui pour des raisons contingentes sont apparues au cours de mes expériences comme des su-jets dignes d’intérêt, elle se propose de mettre en évidence une manière de penser les objets dans leur singularité. J’essaye de faire échoir la vision familière que nous portons sur eux, pour montrer une « histoire blanche ». C’est par exemple : Fissurer la surface pour montrer la matière, continuer à creuser pour constituer une faille dans nos systèmes de représenta-tions, c’est créer des travaux où ce que nous voyons et percevons ouvre sur ce que nous ne pouvons voir et percevoir. C’est trouver les procédés plastiques qui puissent montrer les in-connus de ces matériaux et phénomènes, c’est chercher des moyens poétiques pour faire émerger la puissance de ces objets uniques. Pour ce faire, cette thèse s’est construite par des allers-retours incessants entre pratique et théorie, trouvant son inspiration dans l’analyse de techniques industrielles et artisanales de confection d’objets : sylviculture, scierie, menuiserie, miroiterie. Elle s’est également consti-tuée par la comparaison de travaux et réflexions d’artistes de la seconde partie du XXe siècle, comme Giuseppe Penone pour les arbres et le bois, et Roberts Smithson pour les miroirs et le verre. Enfin, elle articule mes travaux avec la notion d’Index, développée par le philosophe Charles Sanders Peirce. / This doctoral thesis is a journey throughout my artistic practice. It will be driven by the study of dissimilar objects, such as a tree or wood ; a mirror or glass. These « objects » emer-ged spontaneously during my experiments and proved themselves worthy of interest. From this, I will carry out a new mindset on « objects », focusing especially on their singularity. I will attempt to overturn the familiar vision we normally exert on them, to exhibit a «white history ». This may occur, for instance, by breaking the surface, exposing the material or by delving deeper into it. These kinds of gestures establish a breach in the usual idioms of re-presentation. It creates a showcase where what we see and get opens also on what we cannot see and cannot get. All this leads to the importance of finding the Artistic processes capable of showing the unbeknownst of these materials and phenomenon to us. It all comes back to the research of a poetic sense that makes the puissance emerge from these unique objects. For this purpose, the thesis’s construction will move back and forth between Praxis and theory. Its inspiration in found in the analysis of industrial and craftsmanship techniques as much as in the fabricating of objects ; sylviculture, saw milling, carpentry and mirror manu-facture. Once again we shall alternate in between the works and reflections of artists of the second half of the 20th century, such as Giuseppe Penone for trees and wood, and Roberts Smithson for mirrors and glass. Finally, the thesis articulates my personal work by use of the Index notion, brought out by the philosopher Charles Sanders Peirce.

Der vorliegende Forschungsbericht setzt sich mit dem Wiener Fernsehsender "Okto" auseinander, dessen Konzept einerseits auf dem Fundament Offener Kanäle aufbaut, sich andererseits aber von diesem bewusst abgrenzt. Offene Kanäle haben als nicht-kommerzielle Medien den Anspruch, Personen, die im öffentlich-rechtlichen und privat-kommerziellen Rundfunk nicht vorkommen, Wort und Bild zu geben und den ehrenamtlichen ProduzentInnen dabei einen möglichst freien und gleichberechtigten Zugang zur Produktion und Öffentlichkeit zu gewähren. Mittels selbst gestalteter und unzensierter Beiträge soll die durch öffentlich-rechtliche und privat-kommerzielle Sender geprägte Fernsehlandschaft komplementiert werden. Okto grenzt sich nun, trotz ideeller Verbundenheit, bewusst von diesem ursprünglichen Konzept Offener Kanäle ab. Okto will nicht nur den partizipativen Zugang zur Sendungsproduktion ermöglichen, sondern über das Setzen von gestalterischen und organisatorischen Maßnahmen seitens der Senderleitung, den sendenden Personen auch eine gewisse ZuseherInnenzahl bieten können. Der sich hier manifestierende Anspruch auf Professionalität steht, wie im Rahmen des Berichtes gezeigt wird, im Spannungsverhältnis zur Ursprungsidee offener Kanäle. Auf der einen Seite macht dieses konzeptuell verankerte Spannungsverhältnis, in dem sich die AkteurInnen bei Okto bewegen, die Besonderheit des Senders aus, da beispielsweise aufgrund des partizipativen Zugangs auf besondere kreative Ressourcen zurückgegriffen, und gleichzeitig über gestalterische und organisatorische Maßnahmen an deren Publikumswirksamkeit gearbeitet werden kann. Auf der anderen Seite besteht die Gefahr, dass über einen zu großen gestalterischen und organisatorischen Einfluss der Sender seine Rückbindung an die Ursprungsidee Offener Kanäle zunehmend verliert. Anzeichen für eine solche Entwicklung werden im Rahmen des Forschungsberichtes aufgezeigt und kritisch diskutiert. / Series: Schriftenreihe / Forschungsbereich Wirtschaft und Kultur