L'enjeu de cette thèse est de dénouer les fils de l'esthétique de la faim à travers une série de médiations, des discours flottants, qui ne sont ni simple procédure visant ou décrivant une pratique ni pure théorie, parce qu'elle hérite de la réalité sociale de manière implicite et explicite. Nous cherchons cette parole qui révèle les contradictions de ce monde, ce ne sera pas de point de vue de l'image cinématographique même si elle rend opérationnelle. La thèse centrale de la démonstration tente de trouver son opérationnalité à partir de la tradition intellectuelle brésilienne et affirmer comme chez Sartre le refus « de confondre l'homme aliéné avec une chose, et l'aliénation avec les lois physiques qui régissent les conditionnements d'extériorité […] Pour nous, l'homme se caractérise avant tout par le dépassement d'une situation, parce qu'il parvient à faire de ce qu'on a fait de lui, même s'il ne se reconnaît jamais dans son objectivation [1] ». La production intellectuelle de Glauber Rocha dépasse le cinéma en conjurant l'art, la vie et le politique, sans jamais les dissocier, dans une expérience poétique régulée par le locus métaphorique de la faim lié à la réalité sociale des zones arides du Brésil.[1] La critique de la raison dialectique, précédé de Questions de méthode, tome I, nouvelle édition, Paris, Gallimard, nrf, Bibliothèque des Sciences Humaines, 1985, p. 76. / The aim of the thesis is to unravel the strands of the aesthetic of hunger through a serie of mediations, dispersed discourses, that are neither a simple procedure aiming for and describing a practice nor pure theory, because of its both implicite and explicit derivations from social realityµ. We found the parole that reveals the contradictions of this world, but not from the point of view of the cinematographic image, through this image is what renders it operational. The principle thesis seeks its manifestation in the Brazilian intellectual tradition and confirms, as in Sartre, the refusal « […] to confuse the alienated man with a thing or alienation with the physical laws governing external conditions... For us man is characterized above all by his going beyond a situation, and by what he succeeds in making of what he has been made – even if he never recognize himself in his objectivation ».The intellectual production of Glauber Rocha goes beyond cinema in conjuring art, life, and the political, without dissociating them, in a poetic experience directed by the metaphoric locus of hunger as linked to the social reality of arid zones in Brazil.[1] Search for a method, translated by Hazel E. Barnes, New York, Vintage Books, 1968, p. 91.

Un lieu est un sujet. Son aura historique et mythologique en fait un espace actif et interactif. Son échelle c’est celle de l’individu spectateur. C’est elle qui lui confère ses caractéristiques dimensionnelles et fonctionnelles, véritable étalon du microcosme et du macrocosme. En investissant Afka, je m’inspire de son histoire et de ses mythes qui continuent de le hanter. Les mythes sont des éléments qui continuent d’être véhiculés par la mémoire collective. Ils hantent les lieux qui les ont vus naître et aspirent à se matérialiser à travers l’art. En s’adressant à l’imaginaire, ils peuvent apaiser les angoisses de l’homme contemporain. Mon installation sur le lieu de culte où les Phéniciens avaient coutume de célébrer la résurrection d’Adonis, y transpose le trajet du Calvaire. Chacune des sculptures propose un des aspects du supplice. Par cette mise en scène, le Golgotha est réactualisé, la scène de la crucifixion est rejouée pour le spectateur, prélude à la résurrection, thème indissociable inséparable d’Afka. / A site is a subject. Its historical and mythological aura makes it active and interactive. The scale of a place is relative to its spectator. Yardstick of the microcosm and macrocosm, it is the scale that provides the place with its dimensional and functional characteristics. My sculpture at Afka is inspired by the history and myths that haunt the place. These myths are perpetuated by collective memory. They linger in the places that gave them birth, and long to materialize through art. Addressing imagination, they can alleviate the anguish of the contemporary human being. My installation at the shrine where the Phoenicians used to celebrate the resurrection of Adonis, transposes to it the procession to Calvary. Each of the sculptures suggests one aspect of the scourge. Golgotha is readapted. The scene of crucifixion is played again for the spectator, as a prelude to the resurrection, Afka hallmark theme.

S'appuyant sur une pratique personnelle du dessin, du collage et de la photographie, cette thèse de poïétique explore le thème de l'enfance dans l'art. Conçue comme un " work in progress", elle part d'une recherche sur l'intimité du dessin afin de construire un regard singulier sur : l'exposition de photographies et de vidéographies témoignant de traumas d'enfants. Elle vérifie l'hypothèse selon laquelle l'artiste puise dans sa propre enfance et dans celle des autres afin de conquérir des territoires de créations ignorés, là où prend corps l'altérité intime. La première partie analyse notamment les œuvres de Louise Bourgeois, Mike Kelley et Rosemarie Trockel, pour comprendre comment leurs processus créateurs réactivent l'espace transitionnel et ses phénomènes en nous immergeant dans des souvenirs d'enfances perdus. Dans une deuxième partie, c'est la transfiguration et l'altération radicale des visages d'enfants photographiés par Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado, ou filmés par Gillian Wearing qui sont interrogées. La réflexion se poursuit autour d'enjeux esthétiques et politiques liés à l'utilisation de ces images par des artistes tels que Mathieu Pemot et Catherine Poncin. Enfin, la troisième partie est centrée sur l'œuvre de Gerhard Richter traitant du transfert en tant que processus permettant d'actualiser, par la répétition, les événements passés qui le hantent. Le faire-œuvre qui en témoigne fait corps, devenant ainsi capable de figer ces blessures. Notre thèse, c'est que l'expérience d'un« absorbement » total dans ces œuvres nous incluant et nous excluant simultanément permet à l'artiste et au regardeur de reconnaître l'histoire des autres en lui. / Relying on personal experience in drawing, collage and photography, this thesis on poiesis explores the subject of childhood in Art. Designed as a work in progress, it stems from the intimacy of drawing and aims at constructing a singular outlook from the display of photography and films depicting childhood trauma. It verifies the hypothesis stating that the artist peers into his own childhood and that of others in order to conquer creative fields hitherto ignored, at the threshold of the intimate other. The first section scrutinizes the works of Louis Bourgeois, Mike Kelley and Rosemarie Trockel striving to understand how their creative processes reactivate transitional space -and its associated phenomena- by immersing us in distant recollections of childhood. The second section questions the transfiguration and the dramatic alteration of children's faces filmed and photographed by Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado and Gillian Wearing. The thesis then pursues on to evaluate the aesthetic and political stakes bound to the use of these images by artists, the likes of Mathieu Pemot and Catherine Poncin. Ultimately, the third part is centred on the work of Gerhard Richter dealing with transfer as a means of resurfacing -through reiteration- past events that haunt him. The resulting product thus making it possible to set these wounds in stone. Mythesis is that the experience of total absorption/immersion in these works -simultaneously including and excluding us- makes it possible for the artist and the observer to acknowled e the narratives of ethers within themselves.

Cinq thèmes vont servir de support aux exposés. « Le projet autobiographique», « pratique du genre », «La vie « filtrée»» suivra « L'invention de Soi» et pour finir « Ecriture et fiction ». Mes travaux d'études artistiques et intellectuelles ont été pressentis afin de libérer ma mémoire et pouvoir revisiter cette dernière il n'importe quels moments. De la sorte, cette mémoire mise en défaut. Par moment pour des raisons thérapeutiques, s'est trouvé stimulée par mes recherches. En revisitant les travaux que j'ai réalisés, je me suis rendu compte du peu de souvenance de certains faits alors que d'autres sont apparus complètement différents. Réalité proposée ou mensonge avéré lors des photomontages sont dans ma croyance d'une réalité plus réelle que la mienne. L’individualisme sort vainqueur d'un épisode de contradictions générales dans une société en proie à des connivences communautaristes ou des volontés fédératrices. Ma démonstration a apporté la signification que la société est univoque et que l'individu est unique. De ce point de vue, ma sensation d'appartenir à un modèle sociétal disparaît et mon travail fait le sens inverse en m'intégrant dans mon quotidien au mouvement de la société. J'ai conscience que les étapes actuelles peuvent m'être étrangères, que mes préoccupations peuvent m'être tout à fait lointaines, revenant avec l'aide de mes travaux à la perception de mes images construites : l'individuel et le global Ce qui m'intéresse au plus près ressemble plus aux dialogues entre les cultures et aux actions humaines immédiatement comprises. Ces deux éléments comportementaux, apparemment barbares comme deux matières à l'alliance impossible (fer et argile), rendent la situation des consciences contemporaines hétérogènes. Il me faut montrer, exemplifier par mes instincts de photographe que les éléments du quotidien, hétérogènes eux aussi et présents autour de moi, sont la nourriture de mon langage artistique. / Five themes will be used to support presentations. "The autobiographical project," "practice of gender", "Life" filtered "" will be followed by "The Invention of Self' and finally writing and fiction. My work artistic and intellectual studies were contacted to release my memory and be able to revisit it in any time. In this way, the memory at fault, at times for therapeutic reasons, has been stimulated by my research. By revisiting the work I have done, I realized how little recollection of facts or other appeared completely different. Proposed or actually lie in the photomontages are proved in mv belief a reality more real than mine. Individualism emerged victorious from an episode of general contradictions in a society plagued by collusion or communitarian federative intentions. My demonstration brought meaning that the company is unique and that the individual is unique. From this point of view, my sense of belonging to a social model disappears and my work is the opposite of me in my daily life including the movement of society. I am aware that I may be the current steps abroad, that my concerns I may be quite distant, returning with the help of my work to my perception of images constructed : the individual and the global, the I'm interested in closer, more like the dialogue between cultures and human actions immediately understood. Both behavioral elements, as two seemingly barbaric materials alliance impossible (iron and clay), make the situation of contemporary consciousness heterogeneous. I must show my instincts exemplify by photographer items daily, heterogeneous also present around me arc the food of my artistic language.

Pour le sculpteur le rôle du dessin consiste, souvent, en l’élaboration d’esquisses qui préfigurent le travail tridimensionnel ultérieur. Mais le dessin ne se limite pas uniquement à cette fonction préparatoire au processus de création en sculpture. Quelle est alors l’incidence du dessin dans le travail d’un sculpteur ? C’est par une analyse de leurs modes opératoires que nous étudierons l’œuvre de différents sculpteurs-dessinateurs ainsi que d’autres artistes qui pratiquent le dessin dans une œuvre tridimensionnelle. Au risque de sembler intemporelle, cette approche «poïétique» tentera d’identifier différents usages du dessin dans les démarches de sculpteurs, qu’il s’agisse d’exploration, de documentation ou de préfiguration, mais aussi du dessin dans l’espace ou comme voie parallèle au travail de sculpture. Le dessin ne serait-il pas finalement l’essence même du travail de sculpteur, comme une pratique dématérialisée de la sculpture ? Cette recherche s’appuie aussi sur l’explicitation de mon travail personnel de sculpteur et elle nourrit une réflexion sur l’accompagnement d’étudiants, sur l’usage qu’ils peuvent avoir du dessin dans leur processus d’apprentissage. / For any sculptor, drawing often consists in making some preparatory sketches that prefigure the later three-dimensional work. However, drawing is not limited only to this preparatory function of the process of creation when sculpting. What is then the incidence of drawing on the work of the sculptor? We will study the work of different sculptors-draftsmen through the analysis of their operational modes, together with the work of other artists who practice drawing while doing the three-dimensional work. Even if it may seem timeless, this “poietic” approach will try to identify different uses of drawing in the sculptor’s methods, either exploration, documentation, prefiguration, drawing in space or as a parallel path to the sculptural work. Isn’t it drawing the very essence of the sculptor’s work, as a dematerialized practice of sculpting? This research is also based on the explicitation of my work as a sculptor and nourishes some reflection on the accompaniment to students and the application of the drawing stage in their learning processes. / Para el escultor el dibujo consiste a menudo en la elaboración de bocetos preparatorios que prefiguran el trabajo tridimensional posterior. Pero, el dibujo no se limita únicamente a esta función preparatoria del proceso de creación en escultura. ¿Cuál es entonces la incidencia del dibujo en el trabajo del escultor? Estudiaremos la obra de diferentes escultores dibujantes por medio de análisis de sus modos operacionales. También la obra de otros artistas que practican el dibujo en una obra tridimensional. Aún si puede parecer intemporal, este enfoque “poiético” intentará identificar diferentes usos del dibujo en los métodos de escultores, ya sea de exploración, de documentación o de prefiguración, como de dibujo en el espacio o como vía paralela al trabajo de escultura. ¿No será el dibujo finalmente la esencia misma del trabajo de escultor, como una práctica desmaterializada de la escultura? Esta investigación se apoya además en la explicitación de mi trabajo como escultor y nutre una reflexión sobre el acompañamiento de estudiantes y la aplicación del dibujo en sus procesos de aprendizaje.

Die Projektfinanzierung ist eine bewährte Finanzierungsform für Großprojekte im Sektor Erneuerbare Energie. Selbst in den Krisenjahren ab 2007 zeigen sich in der aggregierten Betrachtung kontinuierliche Zuwächse im Volumen von projektfinanzierten Finanzierungstransaktionen. Die vorliegende Arbeit ermittelt im Rahmen einer Literaturanalyse und zweier empirischer Untersuchungen die angesichts der Krise ab 2007 notwendig gewordenen Anpassungen in finanzierungstechnischen Parametern sowie der Struktur von Projektfinanzierungen. Die einleitende Literaturanalyse beschäftigt sich mit einer Betrachtung der Entwicklung der Projektfinanzierungsvolumina sowie einer Erläuterung der typischen Beteiligten dieser Finanzierungsform und stellt ausgewählte Finanzierungsinstrumente dar. Im Sinne einer Triangulation der Forschungsmethoden kommen im Anschluss empirische Analysen mit je einem quantitativen und einem qualitativen methodischen Zugang zur Durchführung. Eine Regressionsanalyse von rund 950 internationalen Kredittranchen aus dem Sektor Erneuerbare Energie der Jahre 2000-2011 schafft aktuelle deskriptive Evidenz zu den Auswirkungen der Finanz- und Wirtschaftskrise ab 2007 auf die Determinanten der Kreditmarge. Aufbauend auf die im Zuge der quantitativen Analyse gewonnenen Ergebnisse zeigt ein Case Study basierter Zugang im Rahmen von "cross-case" Analysen die spezifischen Erfolgsfaktoren und innovativen Ansätze in der Finanzierungsstruktur von 13 Großprojekten der Branche Erneuerbare Energie. Es zeigt sich, dass in der Finanz- und Wirtschaftskrise ab 2007 abgeschlossene Projekte beträchtlich höhere Margen aufweisen, tendenziell kürzere Laufzeiten haben und umfangreichere Sicherheiten erfordern, um zu einem Financial Close zu gelangen. Finanzierungsinstrumente wie Projektanleihen, Miniperm Loans oder Leasingtransaktionen sowie die Teilnahme von ECAs oder IFIs an der Finanzierung ermöglichen Projektabschlüsse. Veränderungen in der Risikoteilungsstruktur in Form von Produktivitätsgarantien oder die Besicherung über ein Projektportfolio stellen weitere Maßnahmen dar, um auch in Zeiten angespannter Wirtschaftslage projektfinanzierte Vorhaben realisieren zu können. (author's abstract)

Diss.--Philosophische Fakultät--Bonn, 1983. / Bibliogr. p. XI-XXIII.

Cette thèse se propose d'étudier une pratique vidéographique née à la fin du XXe siècle et appelée "vigging". Cette pratique consiste en un mixage de fragments vidéo, passés en boucle, pour traduire en images les sons joués par des musiciens lors de concerts de musique électronique: une performance vidéographique réalisée en temps réel. Avec l'avènement des nouvelles technologies au début du siècle, spécifiquement le cinéma et la photographie, Walter Benjamin avance que la reproductibilité technique induite par cette évolution a contribué à la perte de l'unicité de l'œuvre, sa sacralité et sa rareté d'accès. La théorie de Benjamin consiste à dire que l'apparition de la reproduction mécanisée a donné naissance à l'existence en série de l'œuvre d'art, à sa démocratisation et a abouti par là même à sa perte de l'aura. Cette perte désignerait pour lui la désacralisation et la décadence de l'art à travers la dégradation des valeurs traditionnelles. L'hypothèse avancée dans cette thèse remettrait en question ce constat. A travers l'analyse du processus créateur d'une performance de "vigging", on a essayé de voir en quoi cette forme d'art n'est pas totalement dépourvue d'aura. A travers l'étude de cette pratique, on a tenté de déceler comment la reproductibilité technique n'a-t-elle pas nécessairement contribué à la désacralisation et à la décadence de l'art. En effet, le caractère potentiellement unique de la pratique du vigging en tant que performance éphémère, le passage historique de l'esthétisation de l'art à la démocratisation et la politisation de la culture et le glissement de la nature de la reproduction du mécanique au numérique seraient autant d'éléments qui nous amèneraient à penser un hypothétique renouveau auratique. Le corps de ce texte est une mise à l'épreuve de la question de l'aura Benjaminienne à partir de l'étude de la pratique du vigging. Il s'agit d'une relecture de la définition de l'aura et de sa mise en confrontation, non plus avec le cinéma et la photographie, mais avec le mixage vidéo en temps réel. S'inscrivant dans la poïétique, cette analyse décrit l'instauration et le déploiement des opérations créatrices nécessaires à la réalisation d'une performance de vigging. Cette thèse est essentiellement constituée de quatre parties. La première tourne autour de la constitution d'une bibliothèque d'images. Celle-ci, ensemble de vidéos de courte durée, représente la matière essentielle utilisée pour le mixage vidéo. Elle est constituée de fragments vidéo recyclés ou bien de créations originales. La deuxième partie représente une analyse de l'installation technique et s'arrête sur les outils numériques utilisés pour réaliser la performance. Elle revient sur l'ordinateur comme instrument mais aussi sur les logiciels ou encore les outils électro-numériques externes utilisés... / This thesis proposes to study a videography practice born in the late twentieth century and called vigging. This practice consists of a mix of video fragments, past as loops, to translate into images the sounds played by musicians in electronic music concerts: a videography performance realized in real time. With the advent of new technologies at the beginning of the century, specifically film and photography, Walter Benjamin argues that the technical reproducibility induced by this process has contributed to the loss of the uniqueness of the work, its sacredness and its rarity access. Benjamin's theory is that the onset of mechanical reproduction has led to the existence of the serial work of art, its democratization and thereby resulted in the loss of the aura. This loss nominates him for the desecration and the decadence of art through the degradation of traditional values. The hypothesis in this thesis would question this statement. Through the analysis of the creative process of vigging performance, we tried to see how this art form is not totally devoid of aura. Through the study of this practice, we attempted to identify the technical reproducibility how did she not necessarily contribute to the desecration and decadence of art. Indeed, the character potentially unique of vigging practice as ephemeral performance, the history passage of the aestheticization of art to democratization and politicization of culture and the shift in the nature of reproduction from mechanical to digital would ail of which would lead us to think a hypothetical auratic renewal. The body of the text is put to the test the question of the aura Benjamin from the study of the vigging practice. It’s a reinterpretation of the definition of the aura and its implementation in confrontation, not with film and photography, but with the real-time video mixing. As part of the poietic, this analysis de scribes the development and deployment of creative operations necessary to achieve a vigging performance. This thesis is mainly composed of four parts. The first revolves around the creation of a library of images. This library, composed by short videos represents the essential matter used for the video mixing. lt consists of video fragments recycled or original creations. The second part is an analysis of the technical installation and stops on the digital tools used to achieve performance. It returned to the computer as an instrument but also software tools or external digital-electro tools used. The third part is the study of the vigging during the realization, that’s to say, the performance as a video mixing in real time. lt analyzes the role of the body, how to mix and compose images, the repetitive nature in the construction of visuals, the rehabilitation of accident and the improvisation involvement in the video mixing. Finally, the fourth part wants a return on the context in which the vigging emerged. Being closely linked to the birth of electronic music, we see how they are rooted in concrete music. ln addition, as part of the interdisciplinary interactions problem, specifically the sound and image, we see how the vigging represent a need for unity which the idea, ta combine visual universe and sound environment, is not new.

Cette thèse explore les figures de la revenance et de la hantise d'un point de vue politique et esthétique, c'est-à-dire dans leur rapport à la société et à l'image. A cette fin le cinéma est le champ d'expérimentation et de manipulation puisque le cinéma, et notamment le cinéma américain, fait partie de ces mythologies modernes qui ont bercé le XXe siècle, avec ses histoires, codes et figures imposées. Les images produites par le cinéma sont ancrées dans l'inconscient et l'imagerie collectifs des spectateurs. C'est donc toute sa grammaire qui est à l'étude sous l'angle du mort-vivant : du héros au second rôle, de la perspective saturée du décor au hors-champ mortel. Si le zombie est la figure de proue de cette thèse, il s'agit moins de l'étudier d'un point de vue ethnographique que d'user de ses particularités afin de questionner le visible sur le mode de la persistance, de la pratique du retour incessant et de l'envahissement, c'est-à-dire comme une forme de résistance. Les revenants dévoilent lentement mais inexorablement l'envers du décor et délimitent une nouvelle topographie, déplacent les seuils et les frontières convenus : entre morts et vivants, entre visible et caché, entre champ et hors-champ. Les limites de l'espace et du corps sont mises à l'épreuve. Dans ma pratique, cette redéfinition des limites transforme l'image et l'univers filmique en ce que l'on pourrait nommer des « limbes filmiques » par des actions simples dans et sur l'image cinématographique : envahissement, contamination, pourrissement, corruption, dévoration, prolifération, raréfaction. Les morts-vivants revisitent ainsi, tels de riches touristes, les mythologies du cinéma. / The thesis explores the concepts and figures of revenance and haunting from a political and aesthetic point of view that is to say in their relation to historical and social contingencies, the real and the image. Cinema, and in particular American cinema, forms a significant part of the modern mythologies that have rocked the cradle of the 20th century, with its stories, codes and figures. The images produced by cinema are seamlessly embedded and archived in the spectator's unconscious and the collective imagery. I aim to reconsider the grammar of cinema through the angle of the living dead: the supporting roles as well as the principal characters, the saturated perspective of the sets as much as the deadly off-screen. The zombie is the figurehead of the thesis, but my purpose is less about studying it from ethnographical point of view than of making use of its particularities to question the visible on the mode of persistence, of the practice of the unceasing comebacks and of invasion, that is to say as an act of resistance. The revenants unveil slowly but inexorably the secrets beyond the door, and mark the boundaries of a new topography, shifting and altering the seemingly fixed thresholds; accessing the space between the dead and the living, in between the visible and the hidden, and in between on-screen and off-screen. This redefining of the margins and the boundaries transforms the image and the filmic universe into what could be called « cinematic limbo » by simple actions in and on the image: invasion, contamination, rotting of, corruption, devouring of, proliferation. The living dead continuously revisit, like sad tourists, the mythology of the cinema.

Comment l'art contemporain du sud de la Méditerranée est-il perçu et reconnu par les experts du monde de l'art occidental ? Telle la question à laquelle nous nous sommes intéressée. Pour y répondre, il nous a fallu comprendre les liens qu'entretiennent l'art et la mondialisation et discuter les apports des études culturelles et postcoloniales à ce sujet. A partir de ce questionnement initial nous avons rassemblé et étudié les discours hégémoniques intervenant dans le champ de la culture, des processus de négociations, des politiques de différences et des modes d'identification des artistes du Sud selon une vision ethnocentriste et identitaire. Pour mener à bien notre recherche, nous avons conduit deux études. La première porte sur une étude thématique des intitulés d'expositions internationales concernant l'art contemporain du sud de la Méditerranée (Europe et États-Unis de 1999 à 2014). Nous soutenons l'idée que les sujets d'expositions véhiculent un discours qui traduit des idées culturelles d'hégémonie occidentale et des orientations concernant le genre, l' ethnicité, la classe, confinant le statut de l'artiste sud-méditerranéen à un rôle «périphérique ». La seconde enquête qui est de nature compréhensive, traite des croyances des artistes du sud de la Méditerranée et de leurs positionnements par rapport aux marqueurs identitaires dans la construction de catégories ethniques. Quel regard portent-ils sur ces marqueurs, leur accordent-ils une certaine reconnaissance ? Cette étude a été conduite avant et après les mouvements révolutionnaires du printemps arabe. / How is contemporary art of the southern Mediterranean perceived and cognized by experts in the world of Western art ? It is this very question which actually interested us. To answer this, we had to understand the links between art and globalization and discuss the contributions of cultural and postcolonial studies related to this subject. From that initial question, we have gathered and studied hegemonic discourses involved in the field of culture, negotiation processes, differences policies and modes of identification of the artists from the South in an ethnocentric vision. To carry out our research, we conducted two studies. The first concerns a thematic study of the headings of international exhibitions on contemporary art from the south of the Mediterranean (Europe and the United States from 1999 to 2014). We support the idea that the subjects of exhibitions convey a discourse that reflects the cultural ideas of Western hegemony and trends concerning genre, ethnicity, class, confining the status of the southern Mediterranean artist to a "peripheral" role. The second survey which is comprehensive in nature, deals with the beliefs of the southern Mediterranean artists and their positioning in comparison with identity markers in the construction of ethnic categories. How do they perceive these markers, do they give them some recognition ? This study was conducted before and after the revolutionary movements of the Arab Spring.