Ce mémoire propose une étude sur la pratique citationnelle de l'artiste japonais Yasumasa Morimura, telle qu'elle apparaît dans l'oeuvre Portrait (Futago). La citation n'est pas un phénomène nouveau. Faisant suite au principe de l'imitation, la citation caractérise l'ère dite postrnoderne de l'histoire de l'art occidentale. Avant l'arrivée de la modernité, les artistes avaient plutôt tendance à masquer leurs emprunts stylistiques. Les auteurs contemporains de la citation perpétuent la tradition imitative avec la principale différence qu'ils affirment leurs sources picturales. Les dernières décennies furent riches en création d'oeuvres citationnelles. Très en vogue en arts visuels depuis le début des années 1980, la citation picturale fut, en effet, le centre de plusieurs réflexions théoriques. Or, même s'il fut traité à diverses reprises au cours des dernières années par plusieurs auteurs, il nous semblait pertinent d'entreprendre une étude approfondie sur ce sujet qui apparaît comme une préoccupation constante de la production artistique actuelle. Dans ce mémoire, nous privilégierons une approche théorique constituée d'analyses iconographiques, même si l'approche historique sera utilisée tout au long de notre recherche sur l'oeuvre Portrait (Futago). Dans un premier temps, nous mettrons en perspective les définitions de la citation et de ses variantes terminologiques pour déterminer que la citation demeure un terme pouvant cerner plus adéquatement la pratique esthétique de Morimura. Nous élaborerons également, dans le second chapitre, sur l'histoire de l'art japonais qui nous permettra de lier la pratique de Morimura avec la tradition esthétique nippone. Ce survol historique nous aidera à mieux comprendre le phénomène d'acculturation volontaire des japonais -le phénomène de l'« occidentalité » -à travers les âges, et ainsi relier l'esthétique de Morimura avec cette coutume typiquement nippone. Nous profiterons de l'observation de ce phénomène pour mentionner la présence du Japonisme en France au milieu du XIXe siècle qui consistait en l'appropriation des éléments japonais pour la création artistique. Ensuite, nous examinerons l'histoire de la rupture esthétique de l'Olympia de Manet (oeuvre source de notre étude de cas) en relation avec les conventions de l'époque, pour commenter le choix particulier de l'artiste contemporain envers cette oeuvre. L'étude des estampes Ukiyo-e, du théâtre kabuki, du travestissement et de l'autoportrait nous éclairera, dans le dernier chapitre, sur l'oeuvre Portrait (Futago) dans son ensemble, car elle dégagera une compréhension plus contemporaine axée sur l'affirmation identitaire et la confusion des genres. Nous conclurons sur l'idée que le travestissement opéré par l'autoportrait de Morimura, dans l'oeuvre Portrait (Futago) , puisse se signifier comme indicateur de la citation. En effet, c'est en affirmant corporellement sa différence et sa distance historique avec Manet que Morimura soulève des enjeux identitaires fortement lié à l'actualité esthétique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Yasumasa Morimura, Art japonais, Citation, Appropriation, Art contemporain, Travestissement, Autoportrait.

L'objectif de ce mémoire est de répertorier différentes modalités de l'autoportrait photographique à partir de la production artistique des années 1960 à 1990. Évidemment, les catégories proposées ne sont représentatives que de l'une des multiples avenues empruntées par la photographie contemporaine et en ce sens, ces typologies ne doivent pas être considérées comme invariables. Elles visent à mettre en lumière une tendance dominante dans la pratique contemporaine, soit celle de ne plus privilégier la présence du visage lors de la création d'un autoportrait par l'emploi de procédés de masquage et de brouillage. Pour ce faire, nous avons remonté aux origines du portrait et de l'autoportrait dans l'histoire de l'art occidental en s'attardant, dans un premier temps, au médium de la peinture. En procédant de manière chronologique, il a été possible de mettre en évidence le lien étroit, pour ne pas dire intrinsèque, qui unissait ces deux genres avec le concept de ressemblance. Par la suite, nous nous sommes attardés à l'apparition de la photographie et à son incidence sur le développement du portrait et de l'autoportrait au XIXe et au XXe siècles. La mimésis, qui occupait jusqu'alors une place prépondérante dans le domaine de la peinture, s'est vue approprier par le médium photographique. Mais rapidement, parce que la photographie tentait au cours de cette période de définir sa pratique, l'idée de simplement copier les préceptes de la peinture semblait inconcevable pour certains photographes. Nombreux furent ceux qui se mirent à expérimenter avec les possibilités plastiques et techniques que leur offrait la photographie avec pour objectif de développer un langage proprement photographique. En dernière instance, il a été question de l'autoportrait dans le contexte de la production contemporaine avec la présentation de trois catégories d'esthétiques sous lesquelles ont pu être regroupés les autoportraits choisis comme corpus d'œuvres. La tendance dont rend compte ce mémoire ne doit pas signifier la mort de l'autoportrait, mais au contraire, elle doit plutôt être vue comme un moyen l'empêchant de trépasser. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Typologie, autoportrait, art contemporain, photographie.

Ce mémoire est une étude d'Autoportrait en vert de Marie NDiaye, une oeuvre hors genre qui véhicule une identité subversive dans le climat sociopolitique actuel de la France. Il commence en situant cette oeuvre dans le contexte de la production globale de l'auteure et dans celui d'une production actuelle croissante de photo-textes en France. Il procède ensuite en élaborant une définition de travail de l'hybridité à partir de plusieurs théories littéraires, culturelles, identitaires et photographiques. Comprise le plus simplement comme un entre-deux, l'hybridité est, selon nous, stratégique dans sa manifestation la plus radicale. Elle établit un lien entre la forme performative et parodique et l'identité comme mise en scène. L'analyse d'Autoportrait en vert se fait en deux temps. Il s'agit d'abord d'examiner comment le battement entre le trop-plein et le manque de forme et l'entrecroisement des genres et des médiums laisse émerger un tiers espace où une identité subjective multiple et subversive s'exprime. Ensuite, il analyse comment l'auteure met en scène cette identité subjective dans le personnage de la narratrice-écrivaine pour contourner les oppositions binaires afin de rendre visible et intelligible un soi littéraire subversif. Nous avançons qu'en menant la littérature et l'identité à l'état de crise dans ce photo-texte, Marie NDiaye crée un entre-deux et un entre-temps qui visent à ouvrir le contexte extra-littéraire et extra-photographique à une nouvelle conception de l'identité. En ce faisant, Autoportrait en vert ouvre de nouveaux espaces où les identités mineures peuvent s'écrire et se voir en France. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Hybridité, Parodie, Genre, Post-colonial, Marie NDiaye, Autoportrait, Photographie.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cinq thèmes vont servir de support aux exposés. « Le projet autobiographique», « pratique du genre », «La vie « filtrée»» suivra « L'invention de Soi» et pour finir « Ecriture et fiction ». Mes travaux d'études artistiques et intellectuelles ont été pressentis afin de libérer ma mémoire et pouvoir revisiter cette dernière il n'importe quels moments. De la sorte, cette mémoire mise en défaut. Par moment pour des raisons thérapeutiques, s'est trouvé stimulée par mes recherches. En revisitant les travaux que j'ai réalisés, je me suis rendu compte du peu de souvenance de certains faits alors que d'autres sont apparus complètement différents. Réalité proposée ou mensonge avéré lors des photomontages sont dans ma croyance d'une réalité plus réelle que la mienne. L’individualisme sort vainqueur d'un épisode de contradictions générales dans une société en proie à des connivences communautaristes ou des volontés fédératrices. Ma démonstration a apporté la signification que la société est univoque et que l'individu est unique. De ce point de vue, ma sensation d'appartenir à un modèle sociétal disparaît et mon travail fait le sens inverse en m'intégrant dans mon quotidien au mouvement de la société. J'ai conscience que les étapes actuelles peuvent m'être étrangères, que mes préoccupations peuvent m'être tout à fait lointaines, revenant avec l'aide de mes travaux à la perception de mes images construites : l'individuel et le global Ce qui m'intéresse au plus près ressemble plus aux dialogues entre les cultures et aux actions humaines immédiatement comprises. Ces deux éléments comportementaux, apparemment barbares comme deux matières à l'alliance impossible (fer et argile), rendent la situation des consciences contemporaines hétérogènes. Il me faut montrer, exemplifier par mes instincts de photographe que les éléments du quotidien, hétérogènes eux aussi et présents autour de moi, sont la nourriture de mon langage artistique. / Five themes will be used to support presentations. "The autobiographical project," "practice of gender", "Life" filtered "" will be followed by "The Invention of Self' and finally writing and fiction. My work artistic and intellectual studies were contacted to release my memory and be able to revisit it in any time. In this way, the memory at fault, at times for therapeutic reasons, has been stimulated by my research. By revisiting the work I have done, I realized how little recollection of facts or other appeared completely different. Proposed or actually lie in the photomontages are proved in mv belief a reality more real than mine. Individualism emerged victorious from an episode of general contradictions in a society plagued by collusion or communitarian federative intentions. My demonstration brought meaning that the company is unique and that the individual is unique. From this point of view, my sense of belonging to a social model disappears and my work is the opposite of me in my daily life including the movement of society. I am aware that I may be the current steps abroad, that my concerns I may be quite distant, returning with the help of my work to my perception of images constructed : the individual and the global, the I'm interested in closer, more like the dialogue between cultures and human actions immediately understood. Both behavioral elements, as two seemingly barbaric materials alliance impossible (iron and clay), make the situation of contemporary consciousness heterogeneous. I must show my instincts exemplify by photographer items daily, heterogeneous also present around me arc the food of my artistic language.

Cette étude que j'ai intitulé «Œuvre monstre, une création informe» s'inscrit dans une recherche dans l'art contemporain sur des phénomènes plastiques liés à l'idée de l'extrême. Ils restent tributaires d'une théorie de la forme vers celle de l'informe et d'une grande plasticité que rehaussent mes œuvres personnelles, mélangeant de façon heureuse la sculpture traditionnelle et le numérique. Or, associer l'image numérique, l'argile et la vidéo au sujet du monstre était une manière de toucher au plus profond des œuvres cruelles et informes, de ressemblances déchirantes et déchirées. La forme monstrueuse n'est donc pas réduite à une simple signification consciente, elle transcrit un discours univoque et le monstre devient alors le concept par excellence dans ma pratique plastique. L'œuvre devient de l'ordre de "monstrum", l'image est d'essence "monstrative". Chaque image, telle qu'elle soit, numérique, photographique ou vidéographique est une monstrance. La sculpture serait la représentation du corps déchu, ou de l'image de la mort, qui surgit dans le miroir de Narcisse qui n'a plus rien à faire de la ressemblance, donnant un reflet qui appréhende le masque de Méduse. Cette recherche qui s'attache à l'informe, débusque les mythes sous des pratiques violentes et accidentées, appuyée par une recherche théorique qui s'est développée notamment autour de la pensée de Georges Bataille, ainsi que des anthropologues et de la phénoménologie, et par leurs pensées, l'œuvre ramène les différentes expériences d'extrême, d'excès, et de perte, à la dimension du sacrifice. / This study I entitled "Monster Work, a Formless Creation" is to be inscribed within a contemporary art research that deals with the idea of the extreme in relation to plastic phenomena, for the latter depend on the theory of form and on a great plasticity enhanced by personal creations that happily melt traditional sculptures with digital technology. As a matter of fact, combining the digital image, the clay and the video, with the monster, was a way to reach what is profound within formless and cruel works of art that are of painful and torn resemblances. The monstrous form is, thus, not reduced to a simple conscious significance, it transcribes an unambiguous discourse and the monster becomes the concept, par excellence, of my plastic practice. The work of art becomes connected to the "monstrum" and the image is inherently endowed with a visual power (in French "monstrative"). Every image, be it digital, photographic or video graphic is a monstrance. Sculpture would be the representation of the fallen body or the image of death that appears in Narcissus Mirror and that is no longer related to any form of resemblance, showing a reflection that grasps the Mask of Medusa. This research that is focusing on formlessness serves to dispel the myths under violent and rugged practices supported by a theoretical research based on the philosophy of Georges Bataille as well as that of anthropologists and phenomenologists, and through their thoughts, the work brings the different experiences of extremes, excess and loss to the dimension of sacrifice.

[pt] Na primeira página dos Ensaios Montaigne se dirigia diretamente aos seus leitores para declarar seu objetivo de representar a si mesmo em sua forma mais simples e ordinária. O intento do autoretrato o levava a advertir de imediato: je me suis proposée aucune fin que domestique et privée. Je n ay nulle consideration de ton service ny de ma gloire. Seu estilo privado, assim, representava uma novidade em seu tempo, contrastando com a prática geral dos autores humanistas de exibir sua erudição e servir à instrução pública a fim de fazer-se imortalizar como exemplos de sabedoria. Pretendemos investigar aqui esse caráter de novidade da obra de Montaigne sob a égide das motivações e dos procedimentos próprios do autoretrato tomando como centro de nosso estudo sua crítica da glória. Esta, com efeito, marcava sua distância em relação ao ideário humanista, assim como aos modos que determinavam os padrões da relação entre autor e leitor no Renascimento, pautados no desejo do autor de instruir e de glorificar-se e na disposição do leitor em ser instruído e elogiar. Para isso tomaremos aqui como objeto de análise o percurso da reflexão de Montaigne do ensaio Da glória, em que melhor desenvolve sua perspectiva negativa sobre as ambições e Da presunção, que se lhe segue imediatamente, em que toma a si mesmo como objeto, traçando de si um autoretrato oposto à aspiração de engrandecer-se. / [en] In the first page of his Essays, Montaigne turned directly to his readers to declare his purpose of representing himself in his most simple and ordinary way. The purpose of the autoportrait leads him to admonish: je me suis proposée aucune fin que domestique et privée. Je n ay nulle consideration de ton service ny de ma gloire. His private style represents a newness in that time, forming a contrast with the general practice of humanist authors of exhibits their erudiction, serving the public instruction and make himself imortals, occupying the position of wisdon models. Our intent here is investigate that newness character of Montaignes gloria theme. That critic marks his distance of the humanists ideals and of the modes which regulates the traditional patterns of relationship between author and reader in the Renaissance, founded in the author desire of instruct and glorify himself and in the disposition of the reader to learn and eulogize the author. To accomplishe our purpose, we anlyze here the course of Montaignes reflection in De la gloire, where his negative perspective of the ambitions takes the most expressive form, and De la praesumption, which follows De la gloire, with a autoportrait for theme, against the ambition of aggrandize himself.

La réalisation de l’expression artistique n’a jamais été si « facile » qu’aujourd’hui, et les enjeux de la création n’ont jamais été si « banals ». Il existe divers moyens pour satisfaire nos désirs expressifs, tels des moyens traditionnels et contemporains. Malgré cette facilité, nous avons peu de possibilité pour devenir un artiste célèbre. Nous sommes aujourd’hui bien conscients de cette situation difficile jusqu’à ce que nous soyons même parfois désespérés vis-à-vis de ce nouvel environnement médiatisé.Cependant, selon les recherches archéologiques, cette situation n’est pas nouvelle ni particulière. L’art est depuis toujours un moyen possible pour surmonter des problèmes personnels. En cherchant une expérience partageable avec les autres, nous bénéficions de l’utilité de l’art pour sublimer la difficulté de la vie.Le monde caractérisé par sa nature « mobile » et « liquide », donne naissance à l’art contemporain qui met souvent en lumière la question de l’intimité. Sa signification est en fait liée à l’universalité, qui semble pourtant s’éloigner de la notion d’égoïsme et d’individualité.Cette thèse a pour but de considérer l’exposition de soi « plurielle » pratiquée à l’époque « mobile » et « liquide », afin de comprendre la véritable signification de l’acte expressif. À travers l’observation des réalisations artistiques telles la photographie, la mode, la littérature et d’autres créations, je fonde une étude sur l’esthétique de l’exposition de soi non seulement par les artistes mais aussi par les amateurs, pour interpréter son utilité des points de vue sémiologique, phénoménologique, archéologique, anthropologique et esthétique. / Artistic expression has have never been easier to carry out than today. Engaging in creation has even become a mundane, commonplace undertaking. We have a vast array of mediums available to us to satisfy our desire for self-representation, including traditional and modern medias and advanced technologies. Despite this ease of access to platforms for self-expression, creators have no chance of becoming a celebrated artist. Facing this truth during our everyday interactions online and with modern media leads us to feel rather disheartened with today's media environment. However, from historical point of view, today's context of creative work and exposition is neither new nor unique. Art has always been one possible way to process or overcome personal problems. In our search for shared experiences with others, art is useful in easing life's difficulties.Today’s world, characterized by its "fluid" and “mobile” nature, is giving birth to a contemporary art that often highlights the question of intimacy. Its significance is universal, while being distant from notions of egoism and individualism.This thesis aims to consider “plural” self-representations practiced in our “fluid” and “mobile” world, in order to better understand the importance of expressive acts. Through the careful study of artistic activities such as photography, fashion, literature and other domains, I present a study on self-representation and exposition, found in both professional and amateur creative activities, to interpret how self-representation and exposition is useful and even essential, from semiological, phenomenological, archeological, anthropological and aesthetic points of view.

Cette thèse conjugue l’étude du mythe de la métamorphose et du sentir amoureux, afin de mettre en relief les transformations produites sous l’incidence faste ou néfaste de l’éros. Apporter de nouveaux éclairages mythocritiques et proposer une approche novatrice du mythe érotomorphique à travers une analyse spectrale et fractale de ses composantes constituent nos objectifs essentiels. Les œuvres analysées appartiennent aux littératures française, anglaise, belge, argentine, roumaine et flamande, et s’inscrivent, à l’exception des contes portant sur le fiancé-animal, dans les XXe et XXIe siècles. La diversité du corpus permet d’adjoindre au fait comparatiste une ouverture du champ de la recherche à travers des traductions inédites et des œuvres qui entremêlent modernité et remotivation de la tradition mythique. Les chapitres de la thèse, Préliminaires à l’étude du mythe, Sublimations érotomorphiques, Un amour guérisseur, Entre Éros et Thanatos, Aliénations et révolutions érotomorphiques, présentent le mythe de l’érotomorphose contrôlée, involontaire ou transférentielle, comme une enveloppe verbale littéraire qui crypte la réalité amoureuse intérieure et extérieure de l’être, dans le but de révéler son véritable moi-peau. La métamorphose apparaît ainsi comme une autoreprésentation matérielle de l’ego sensorium. Accomplir cette érotogenèse revient à annuler la discontinuité corporelle qu’entraîne la transformation, en conférant au métamorphe un corps à la mesure de son idéal amoureux, à la fois moïque et physique. La transition permet de la sorte le passage de la dissociation à une parfaite consonance fractale entre l’infrastructure de l’âme et la suprastructure corporelle. / This thesis associates the study of the myth of metamorphosis and the analysis of the love faculty in order to emphasize transformations produced under the favourable or harmful incidence of eros. To cast a new light on mythocritical theories and to propose an innovative approach to the erotomorphic myth through a spectrum and a fractal analysis of its components constitute our essential objectives. The texts studied in this frame belong to French, English, Belgian, Argentinian, Romanian and Flemish literatures of the XXth and the XXIst centuries, with the exception of the fairy-tales about the animal bride. The diversity of this corpus permits to join comparative reasoning with an opening-up of the research field through original translations and literary works that intermingle modernity and remotivation of the mythic tradition. The chapters of the thesis, Preliminaries to the Study of Myth, Erotomorphic Sublimations, A Healing Love, Between Eros and Thanatos, Alienations and Erotomorphic Revolutions, present the myth of the controlled, involuntary or transferential erotomorphosis as a literary verbal envelope which encrypts the internal and external amorous reality of the human being, with the aim of revealing his true skin-ego. Metamorphosis thus appears like a material auto-representation of the ego sensorium. Accomplishing this erotogenesis means cancelling the corporal discontinuity involved in all transformations, by conferring to the metamorphe a body that matches his psychic and physical amorous ideal. The transition therefore allows passage from dissociation to a perfect fractal consonance between the corporal superstructure and the infrastructure of the heart.

Cette recherche s'articule autour de trois pôles : Autoportrait, Photographie et Mélancolie et questionne les enjeux de la mélancolie dans les dispositifs de création des images de soi et de son expression au sein de l'autoreprésentation photographique. La mélancolie est ici pensée comme rapport singulier à l'image de soi, une définition qui prend appui sur des théories de la psychanalyse – bien que notre réflexion demeure esthétique – mais qui s'inscrit aussi dans l'histoire de la mélancolie, une histoire médicale, artistique et philosophique. Le corpus est constitué d'artistes dont le parcours est jalonné d'autoportraits ou bien, dont l'œuvre photographique se compose essentiellement ou exclusivement d'autoportraits. Trois artistes principaux sont ainsi convoqués : Kimiko Yoshida, Marie L. et David Nebreda. / This research articulates three axes : Selfportrait, Photography and Melancholia. It questions Melancholia's issues under the devices of pictures of the self creation and their expressions within photographic selfrepresentation. Melancholia is here thought as a singular relation to the picture of the self, a definition that is supported on psychanalysis theories – although our reflexion remains aesthetic – but which also fits within history of melancholia, history of medicine, art and philosophy. The corpus is made with artists who deal with selfportraits or else, whose photographic work consists essentially or exclusively of selfportraits. Three mains artists will be summoned : Kimiko Yoshida, Marie L. and David Nebreda.