La deuxième moitié du XXe siècle a vu la prolifération des écrits littéraires à la première personne. Parmi ces textes, on compte un nombre significatif de récits d'inceste, qui se présentent parfois comme des fictions, souvent comme des témoignages. Le présent mémoire se propose d'étudier le traitement de l'inceste chez l'écrivaine française Christine Angot à travers trois de ses textes: Interview (1995), L'inceste (1999) et Quitter la ville (2000). L'hypothèse que nous voulons démontrer est que Christine Angot mobilise des enjeux inédits par rapport aux autres textes évoquant l'inceste en littérature: elle veut révéler la structure incestueuse de la logique sociale. La production littéraire à caractère autobiographique sur l'inceste forme un ensemble relativement homogène, en ce sens que son propos se construit presque invariablement sur la dichotomie entre coupable et victime, en mettant en scène la parole d'une victime qui rompt le silence sur son expérience pour s'engager sur le chemin de la guérison. Christine Angot, qui écrit à la première personne du singulier et qui met en scène une narratrice éponyme dans un cadre qui semble se référer à la réalité, ne livre, quant à elle, pas de témoignage. Malgré une évocation récurrente de l'inceste qu'elle a vécu adolescente, ses textes fonctionnent selon une économie étrangère à l'opposition caractéristique entre coupable et victime. Le texte angotien se distingue en outre par son caractère autoréflexif: en même temps qu'il déploie son propos, il se questionne sur la façon dont il va être lu. Ainsi, nous nous attacherons à démontrer que Christine Angot s'éloigne de la question de l'inceste physique qui intéresse tant les médias et, plus généralement, les lecteurs, pour faire de l'aveuglement consécutif à l'inceste une logique d'écriture dans L'inceste, ce sur quoi elle revient dans Quitter la ville pour mettre à jour la perversité de la logique sociale. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Inceste, Christine Angot, Réception, Enquête, Oedipe, Subjectivité.

La mort dans son murmure est un recueil de poésie sur le deuil. Empruntant parfois la langue anglaise, ici langue maternelle, pour communiquer avec la mère, la voix au je, sa fille, chemine à travers la peur de perdre et d'oublier et la nécessité de faire des deuils: deuil de sa mère qui va mourir, et deuil aussi d'une partie d'elle-même. Ne souhaitant pas abandonner sa mère au passé, elle cherche au moyen de l'écriture et de la contemplation à sentir sa présence autrement. L'expérience de la mort ouvre ici la possibilité d'une nouvelle relation entre la mère et la fille; l'amour et la prière rétablissent peu à peu le dialogue, et donnent lieu à de nouvelles voix. Celles-ci enfin parviennent, sur fond de deuil, à l'apaisement du pardon, dans une forme habitée de silence. En seconde partie du mémoire, Fragments de la voix: essai de composition explore différentes formes de deuils nécessaires dans l'avancement d'un projet d'écriture. En prenant contact d'abord avec le cri, voix première qui sort du corps dès la naissance, l'essai réfléchit au principe de déconstruction qui caractérise ou régit tout engagement artistique sérieux: effondrement du «faux chez-soi» construit à partir d'éléments appris, extérieurs à soi, et rupture avec le désir de faire joli et de plaire aux autres, souvent en imitant simplement ce qui existe déjà. Tout ce travail pour enfin atteindre une voix plus juste, et construire à partir d'elle quelque chose qui à la fois nous ressemble davantage et nous rend étranger à nous-même, pour ainsi dire en équilibre sur le seuil d'une possibilité. En cours de processus on doit trouver le courage de descendre, de changer et de reprendre contact avec du fondamental, sinon de l'originel. En acceptant ainsi de faire le deuil de sa volonté propre, on permet alors à la voix de nous détacher et de nous mener vers l'essentiel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Cri, Voix, Silence, Chant, Souffle, Sujet, Corps, Femme, Mère, Mort, Deuil.

Ce mémoire en création est constitué de deux parties: un texte dramatique et un dossier d'accompagnement. Le texte dramatique, « Dissolution des nappes phréatiques dans un verre d'eau », est constitué de trois parties, divisées en scènes. Il n'est pas destiné à une représentation théâtrale, mais plutôt à une mise en lecture laissant place à l'interprétation du lecteur. Dans le cadre d'un documentaire, un personnage féminin, Ève, doit témoigner de sa relation avec un homme qu'elle a connu intimement, l'Acteur. Ce témoignage se transforme en un interrogatoire durant lequel s'enchaînent les questions du réalisateur, de l'interviewer et du choeur. Mais Ève se montre incapable de raconter son histoire d'amour. En effet, dans son récit, Ève désarticule le temps et les lieux tout en remettant en cause l'intrigue imposée par le réalisateur. Par conséquent, le récit ouvre à un espace imaginaire empreint de théâtralité, qui tient à distance le monde réel, et questionne la notion de sujet et d'agentivité au sein d'une histoire. Le texte traite de l'identité personnelle aux prises avec l'identité sociale. La contradiction entre ces deux formes d'identités, dont témoigne la voix de la protagoniste, met à l'épreuve la notion de représentation dans la société actuelle, en même temps qu'elle devient le moteur d'un désir agissant comme interface entre le corps et la langue. Ce sont précisément ces questions qu'aborde le dossier d'accompagnement, « Présence (s) » qui, en se basant sur des ouvrages écrits par des théoriciens du théâtre, amorce une réflexion sur l'écriture de « Dissolution des nappes phréatiques dans un verre d'eau », réflexion qui se compose de cinq parties: le temps et les lieux, l'intrigue, la théâtralité, le corps et l'identité, la voix. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Corps, Histoire, Intrigue, Identité, Personnage, Théâtre, Théâtralité, Voix.

Le sujet du présent mémoire porte sur la figure de l'androgyne dans le diptyque de Tahar Ben Jelloun, L'enfant de sable et La nuit sacrée. La singularité de l'androgyne en question émane de sa configuration synchronique alliant les deux pôles sexuels, soit le masculin et le féminin, dans un même corps. L'énoncé narratif est construit autour de ce schème bisexuel qui alterne les deux paradigmes antithétiques de l'androgynie: le premier, profane, est articulé sur une conception négative marquée par la confusion entre les deux pôles sexuels. Ce cas de figure est représenté par Ahmed-Zahra. Le second présente une vision subliminale articulée sur la fusion harmonieuse entre l'élément féminin et l'élément masculin, inspirée par la mystique soufie qui prône une sorte d'eschatologie de l'amour. La relation Zahra-Le Consul est représentative de cette configuration. Au travers de cette double construction se profile une esthétique romanesque impulsée par l'intertexte mystique. De surcroît, la figure de l'androgyne, en tant que lieu du conflit entre les sexes qui l'habitent, offre à l'auteur l'occasion d'investir le champ de l'antagonisme social intersexuel marqué par la domination masculine. L'androgyne s'avère ainsi un corps spéculaire. Afin de rendre compte des enjeux esthétiques et idéologiques de la dite figure dans le diptyque de Ben Jelloun, le présent travail se divise en trois chapitres. Dans le premier chapitre, il sera question de l'androgynie comme représentation mythique. On exposera la dimension sacrée du mythe de l'androgyne dans les cultures dites archaïques puis dans l'antiquité. On étudiera également la dimension universelle et archétypique du mythe. Enfin, on exposera le double rapport antithétique que les anciens établissent entre androgyne sacré et androgyne profane. Dans le second chapitre, on analysera le passage du mythe en question dans la philosophie, inauguré par Le Banquet de Platon. On s'arrêtera également au passage de l'androgyne du mythe platonicien à l'herméneutique mystique et de cette dernière à la littérature occidentale et ce, à la moitié du XIXe siècle. A partir de la combinaison entre l'androgyne platonicien et l'Adam biblique, Michel Tournier, dont on analysera brièvement le roman, Le Roi des Aulnes, forge la figure syncrétique de l'Adam phorique, figure androgynique par excellence que tente de réactualiser le personnage principal, Abel Tiffauges. Dans le troisième chapitre, on analysera toutes les données théoriques autour de l'androgynie et leur application au diptyque de Ben Jelloun. On verra que le roman embrasse les deux aspects de l'expérience androgynique, soit l'androgyne sacré et l'androgyne profane. De plus on approchera le diptyque à la lumière du référent mystique qui impulse une esthétique scripturaire articulée sur le thème de la quête. Enfin, au travers de la figure de l'androgyne se dessine un discours de la stigmatisation qui met en procès le despotisme masculin. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Androgyne, Archétype, Mythe, Soufisme, Corps, Ben Jelloun, L'enfant de sable, La nuit sacrée, Littérature marocaine.

Ce mémoire vise à observer la transformation de l'autorité et du politique en Occident à travers l'observation (parfois hallucinée) qu'en font certains auteurs importants de la littérature contemporaine. Sur l'autorité et son rapport au temps, Alexandre Kojève, Myriam Revault d'Allones, Axel Honneth et Christopher Lasch serviront d'ancrage théorique tandis que l'étude de la mutation du politique face à la montée du centre apolitique sera construite principalement à partir des écrits de Pierre Legendre, Jacques Rancière et Slavoj Zizek. L'analyse littéraire subséquente tournera essentiellement autour d'une certaine littérature américaine, notamment celle de Brett Easton Ellis, Don DeLillo, Chuck Palahniuk et des influences qu'elle produit en France, chez Michel Houellebecq plus spécifiquement. Véritable fenêtre sur le réel, la littérature, bien qu'elle offre une perspective analytique éclatée, demeure une méthodologie incontournable quant au regard qu'elle porte sur l'évolution des moeurs de nos contemporains. L'individu épris de liberté, mais consommateur de médicaments, le nomade du cyber-espace, le déraciné, désensibilisé et déresponsabilisé de la post-modernité restent des figures prégnantes chez tous ces auteurs. La recherche, bien évidemment, sera ponctuée ça et là de constatations tirées de la réalité; elles cadreront radicalement avec la teneur de notre propos. L'homme détroussé de son passé ne peut, en définitive, qu'anticiper l'avenir sous une forme angoissante, voire catastrophique, pavant ainsi la voie à une jouissance sans borne d'un présent hystérique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Autorité, Politique, Centre apolitique, Liberté, Déraciné, Désensibilisé, Avenir, Catastrophe, Présent.

Notre mémoire vise à étudier l'oeuvre du bédéiste français Blutch en ayant comme point d'appui les portées esthétiques et critiques des jeux interdiscursifs qui s'y manifestent. Ainsi, une réflexion originale sur les spécificités et les potentiels narratifs de la bande dessinée semble se déployer, chez Blutch, au sein d'un ensemble diversifié d'emprunts, de citations et de collages qui puisent dans la bande dessinée, mais aussi dans la littérature, le cinéma, la musique (le jazz, principalement), la danse, le théâtre et les arts visuels. À travers Waldo 's Bar (1993), Sunnymoon tu es malade (1994) et Mitchum (1996-1999), nos objectifs d'études sont de repérer ce que le discours de la bande dessinée fait des autres discours pour ensuite analyser les problématiques d'auteurs que ces transferts alimentent. L'hypothèse, au coeur de notre mémoire, tend donc à faire de l'interdiscursivité, chez Blutch, le moteur des enjeux singuliers de son oeuvre comme, de manière secondaire, l'occasion d'une légitimation de son médium dans le champ culturel et artistique. Le repérage des divers transferts discursifs au sein des albums ciblés de l'auteur nous a permis, en ce sens, de mettre en lumière un questionnement polysémique, entre originalité et dérivation, autour des problématiques centrales suivantes: une recherche d'abstraction de l'action en bande dessinée, une représentation de l'opacité et du mystère de l'intersubjectivité comme des modalités, des jeux d'influences et des codes de la création. Présent partout mais visible nulle part, Blutch privilégie ultimement la création d'ambiances, le mystère de l'émotion et l'implication subjective sur l'intrigue et le réalisme caractéristique de la production classique en bande dessinée. Nos conclusions soutiennent par ailleurs que son approche transactionnelle et interdisciplinaire est un travail d'innovations qui exploite la perméabilité de son médium et met au jour le statut ambivalent d'auteur de bande dessinée dans la sphère institutionnelle mouvante de la légitimité culturelle et artistique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Bande dessinée, Sémiotique de la bande dessinée, Interdiscursivité, Esthétique, Représentation du sujet.

Le volet création de ce mémoire comporte trois parties. Dans la première, le sujet affirme son exil en éparpillant ses origines, les saisons et les langues. À la fin de cette partie, le sujet se situe à la croisée des chemins, celui de la mémoire et celui de l'imaginaire. Dans la seconde partie, le sujet choisit de parcourir le chemin lui permettant de construire son propre territoire identitaire. Toute son attention est portée vers le paysage, si bien qu'il pourra déambuler librement au cours de la troisième partie. Il construit alors son identité à partir des signes recueillis à même le paysage montréalais pour que la fin de l'hiver coïncide avec la réconciliation, avec son exil. Les deux premières parties sont écrites en vers -la première étant exempte de ponctuation -, tandis que les poèmes de la troisième partie sont en prose. Cette exigence formelle illustre le parcours du sujet: le projet s'élabore d'abord autour de la rupture pour tendre vers une écriture plus fluide. Le dossier d'accompagnement comprend quatre promenades thématiques. Dans la première, l'exil est présenté comme un état: pour l'exilé, le fantasme du pays perdu est confronté à son appartenance à la terre d'accueil. Cette confrontation empêche l'exilé de s'enraciner dans un pays particulier. Le lieu d'habitation est plutôt un entre-deux qui induit un mouvement. Celui-ci est conceptualisé dans la seconde partie à l'aide de la théorie du sujet lyrique. Le je y est présenté comme une quatrième personne du singulier se projetant dans les autres auxquels il s'adresse, dans les objets qu'il convoque et dans les divers lieux qu'il arpente. La troisième partie se consacre à la déambulation qui est pour l'exilé la seule façon de s'inscrire dans le monde. La quatrième partie soulève la question de la langue: l'écrivain qui écrit en langue d'emprunt n'abandonne pas sa langue maternelle, mais lui donne une place privilégiée afin de rendre compte de l'expérience de l'exil. Ces quatre promenades visent à illustrer l'éparpillement des lieux, du temps et des idées que l'exil implique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Exil, Entre-deux, Sujet lyrique, Déambulation, Lieu, Langue, Altérité, Frontières.

L'imaginaire de la fin évolue et s'actualise sans cesse, au gré du temps. Chez Douglas Coupland et Chuck Palahniuk, il se conjugue au singulier. La fin est intime, personnelle, elle ne concerne que le sujet, et lui seul. Néanmoins, elle interpelle les mêmes traits intrinsèques à tout imaginaire de la fin. La fin est transitive, elle est achèvement d'une chose et commencement d'une autre. Le temps de la fin, quant à lui, est toujours aussi harassant à négocier: passé, présent, futur cohabitent difficilement. Enfin, devant tant de désordres, la langue et l'imaginaire sont à leur tour happés par la confusion. À ces trois constantes s'en ajoute une quatrième, à l'œuvre autant dans Generation X que dans Choke: une sursollicitation de l'imaginaire qui provoque un brouillage important dans la perception du réel. Récits de la fin, Generation X et Choke sont aussi des romans du renouveau. S'ils disent que le monde menace l'individualité du sujet et qu'il est responsable des graves dysfonctionnements qu'il connaît, les romans de Coupland et Palahniuk nous disent aussi que l'homme peut être sauvé, s'il le désire. Il n'en tient qu'à lui. Résultat d'une clairvoyance du monde, d'une amère déception, puis façon de fabriquer du sens, la fin chez eux ne renvoie non pas à une fin du monde, à sa clôture, mais bien à son renouvellement, subjectif. Réaction, elle permet la survie, objet de pensée, elle incite à la perdition. Car si l'homme peut renaître, son monde et son imaginaire, eux, sont voués au désordre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Coupland, Palahniuk, Fin, Imaginaire, Temps.

Ce mémoire de maîtrise est composé de deux parties. La première, Contes, comptines et histoires pour enfants moroses, est un recueil de trente-huit brèves nouvelles, ayant en commun une contrainte de concision formelle et sémantique. Cette contrainte, inspirée du mouvement minimalisme américain, cherche à provoquer une sensation d'hyperréalisme; tout comme dans le monde réel, le lecteur est confronté à des faits épars, à une intrigue relâchée, auxquels il doit contribuer à octroyer un sens, une direction. Les nouvelles mettent en scène des êtres apathiques, à l'identité incertaine, et comportent peu de marqueurs géographiques et temporels. Les événements dont les personnages sont témoins s'insèrent dans l'espace plus ou moins défini entre la banalité du quotidien et l'imprévu, entre l'ordinaire et l'extraordinaire, permettant d'instaurer un rapport dialectique entre les deux. L'étrange ne bouleverse pas radicalement le familier, mais l'habite, s'y insinue, s'y inscrit en filigrane. Au-delà de son titre, le recueil contient plusieurs références aux contes de fées traditionnels. Ce choix esthétique témoigne de la façon dont l'imaginaire de l'enfance teinte subrepticement la vision des personnages. La lumière des abysses, la seconde partie, propose un ensemble de courts essais qui font écho, formellement et sémantiquement, aux nouvelles. Ces essais abordent la plupart des thèmes récurrents (intimité, quotidien, angoisse, solitude, lumière, profondeurs marines, animalité, enfance...) et des caractéristiques (forme brève, dépersonnalisation, blancs du texte...) du recueil. En s'appuyant à la fois sur des réflexions personnelles, des écrits théoriques et des œuvres de fiction, ils cherchent à évoquer les impressions, les mots et les images qui ont accompagné récriture de la première partie du mémoire, à en esquisser la matrice. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Angoisse, Apocalypse, Conte, Enfance, Intimité, Minimalisme, Nouvelle, Quotidien, Recueil, Sens, Témoignage.

Ce mémoire est composé de deux parties. D'abord, un recueil de poésie qui a comme point de départ la tentative de suicide de ma sœur cadette et son aveu, prend la forme d'un témoignage littéraire. Cette expérience, ainsi que la réflexion sur la mort, le deuil et le manque qui en a découlé, sont mis en scène dans les poèmes et font l'objet d'une réflexion qui traverse le recueil. Les poèmes sont traversés par un souffle dont le rythme évolue au fil du recueil. Ce souffle représente les variations que subit la parole, rendant tangible la particularité du témoignage. Le rythme est également porté par le visage de la sœur, qui revient à plusieurs reprises sous diverses formes et assure la liaison entre les différentes sections. Le dossier d'accompagnement développe une réflexion sur le témoignage dans un contexte de création littéraire. Il interroge la position de témoin du témoin et tente de mettre en lumière le rôle d'accompagnement de celui qui voit un proche échapper à la mort. Cela implique que le témoin affirme sa responsabilité envers celui qu'il accompagne. Ce dernier entre dans un lieu où se réactualise sa présence antérieure aux événements traumatiques. L'espace aménagé par le témoignage est un lieu de convergence des temps. C'est là que sont convoqués les visages des absents et les figures du deuil qui appartiennent au passé du drame, et que le témoin se doit de rencontrer pour accomplir le don de sa parole. Le témoignage permet alors la restitution d'une image manquante, que la part de fiction du témoignage littéraire contribue à rétablir. Une parenté entre le matériau plastique et le matériau langagier est ensuite établie afin de démontrer que l'écrivain, comme le peintre, possède le pouvoir de pétrir le langage. Le don que constitue le témoignage est une prise en charge de la douleur. La violence faite au langage par l'écriture permet un transfert du corps au corpus, et rend possible un apaisement du corps meurtri. Dans le cas du témoignage de la perte, l'abandon, de même que le don accompli par le témoignage, permet de reconnaître le véritable objet du deuil, plaçant ainsi l'absence non plus sous le signe d'un drame mais sous le signe d'un manque fondamental que la poésie peut combler. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Témoignage littéraire, Deuil, Corps, Violence, Poésie, Écriture matérielle, Arts visuels