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L'hyper-théâtralité du personnage dans la dramaturgie de Réjean DucharmeBoucher, Marie-Élaine January 2006 (has links)
Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.
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Théâtralité du cinéma : enjeux scénographiques et dramaturgiquesLafleur, Guillaume January 2007 (has links)
Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.
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L'hyper-théâtralité du personnage dans la dramaturgie de Réjean DucharmeBoucher, Marie-Élaine January 2006 (has links)
Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal
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Le système de l'hypotypose dans les oeuvres théâtrales de Bernard Zadi Zaourou, les Sofas, l'Oeil, la Guerres des Femmes, la Termitere, la Tignasse et Kitanmandjo / The System of hypotyposis in Bernard Zadi Zaourou's theaterKouamé, Yao 28 March 2011 (has links)
L’hypotypose doit être comprise comme un procédé discursif qui exploite le discours, le récit comme la description en vue de « mettre sous les yeux » un fait ou une scène décrite. Tout comme dans un rêve, le sujet locuteur doit être en mesure de dérouler la scène dans une certaine « passivité » qui ne permettra pas de l’influencer. L’effet qu’une hypotypose doit nécessairement produire pour sa consécration en dépend dans la mesure où la sidération du destinataire devient grande lorsqu’il se rend compte de la vraisemblance du fait hypotypotique et de sa convenance. En conséquence, devra donc être bannis de l’hypotypose, tout commentaire, toute appréciation, toute modification et même toute organisation de son discursif. Dans un autre sens, si l’hypotypose se modèle sur le discours, le récit et la description, force est de constater qu’elle se démarque foncièrement de la configuration classique de ces modalités discursives. Il arrive des fois qu’elle les combine pour devenir un discursif hybride. Dans ce cas, il faut noter qu’une modalité discursive principale conduit l’hypotypose et qu’à celle-ci viennent s’ajouter les autres. Les sources de l’hypotypose demeurent principalement le présent, ce que Gustave Guillaume (1993) appelle « époque présente » et qui englobe les temps déictiques ; et une modalité de connexion paratactique au sein des séquences descriptives hypotypotiques auxquelles s’ajoutent ce que Catherine Fromilhague appelle les « opérateurs de figurativité » (introducteurs d’hypotypose). Ce sont des formules d’injonction qui invitent à voir, à entendre ce qui se développe dans l’hypotypose. Elle se cerne dans un texte de par sa structure homogène que mettent en relief ces sources. C’est en cela qu’Henri Morier parle de la « loi du contraste ». Le discursif hypotypotique se conçoit donc comme un moment particulier dans un texte. Il permet le développement in actu d’un fait, d’une scène au regard des moyens qu’elle mobilise. / The hypotypose must be understood as a discursive process which uses the speech, the story and the description to show a fact or a scene described. Just like in a dream, the speaker subject must be able to present the scene in a certain "passivity" that will not allow to influence it. The effect that a hypotypose must necessarily produce to be recognized depends on how big the "sideration" of the addressee get when he realizes the likelihood of the hypotypotique and its convenience. As a result, all the comments, all the discretions, all the changes and even all the organization of the discursive should be banished from the hypotypose. In another sense, if the hypotypose is shaped on the speech, on the story and on the description, it must be considered that it differs substantially from the classical configuration of these discursive procedures. Sometimes it even happens that it combines these procedures to become a hybrid discursive. In this case, it should be noticed that a main discursive mode lead the hypotypose and that the others are added to this first one. The hypotypose sources remain primarily the present those that Gustave Guillaume (1993) calls "present time" and that include the deictic times; a modality of paratactique connection inside the hypotypotique descriptive sequences to which are added those that Catherine Fromilhague calls the "figurativité operators" (hypotypose introducteurs). These are injunction formulas that invite you to see and understand what is developed in the hypotypose. It is defined in a text by its homogeneous structure that highlight its sources. It’s there that Henri Morier speaks of "the law of contrast". The hypotypotique discursive is therefore designed as a particular moment in a text. It allows the development in actu of an event or a scene in the ways in which it engages.
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Esthétique et théâtralité du corps disparu : Chili, 1973-1989, 2011-2013 / The Aesthetics and Theatricality of the “Disappeared” : Chili 1973-1989, 2011-2013Veloso Roman, Karen 19 September 2015 (has links)
Parmi les conséquences qu’a eues la dictature militaire d’Augusto Pinochet auChili (1973-1989), se trouve la politique de la disparition forcée des militants del’Unité Populaire créée par Allende et des opposants à la dictature. À l’heureactuelle, on compte environ 1200 personnes disparues. Ce chiffre est pourtantinexact : il est en effet difficile de déterminer avec certitude le nombre de disparuscar, à la différence du mort, le disparu est toujours susceptible de réapparaître.On connaît relativement bien l’histoire de l’Unité Populaire et de la dictaturegrâce à des études historiques et sociologiques qui ont été consacrées à ce sujet. Enrevanche, on connaît très peu les enjeux humains et esthétiques de la disparition depersonnes au sein de la collectivité : qu’est-ce que c’est disparaître ? Quelle est lacondition « humaine » du disparu ? Comment les familles et la société perçoiventellesl’absence des disparus? Quels sont les implications socio-esthétiques du corpsdisparu ? Comment les expressions et les manifestations sociales comportant destraits théâtraux et corporels mettent-elles en scène les corps disparus ?Cette thèse tente de répondre à ces diverses questions, en ayant pour objetl’expérience esthétique de la disparition, de l’effacement de traces et des stratégies degommage, ainsi que la production de signes de « distraction ». En somme, il s’agit dedévoiler les mécanismes disparitionnistes, tout en mettant en évidence l’absencecomme possibilité artistique fondatrice d’un art du corps disparu. Dans ce but, larecherche est centrée sur un double objet : d’une part, l’esthétique et la théâtralité desdénonciations de la disparition de personnes sous dictature portées notamment parl’Association de Familles de Détenus Disparus (AFDD) entre 1973 et 1989, etd’autre part les manifestations sociales estudiantines qui, ayant eu lieu entre 2011 et2013, revendiquaient l’abandon des principes dictatoriaux – toujours en vigueur – etréclamaient le droit à une éducation publique. Le rapport entre ces deux périodes(1973-1989 ; 2011-2013) relève donc de la capacité du corps disparu à apparaître surla scène publique.Cette thèse interroge ainsi les enjeux esthétiques, théâtraux, sociaux et éthiques de lapolitique de la disparition et de l’effacement des corps. / Amongst the consequences of Augusto Pinochet's military dictatorship of Chilefrom 1973-1989 was the policy of abduction of activists from the Popular Unitycoalition created by Allende and other opponents of the dictatorship. At presentapproximately 1,200 are counted as disappeared. However this figure is inexact; it isdifficult to count the disappeared because, unlike death, the missing may stillreappear.The history of the Popular Unity coalition and the Pinochet dictatorship arerelatively well considered as a result of various historical and sociological studiesdevoted to the subjects. However, little deliberation has been given to the human andaesthetic issues regarding the disappeared in the community: What does it mean todisappear? What is the human condition of the disappeared? How is the absence ofthe disappeared perceived by their families and society? What are the social andaesthetic implications of their physical absence? How is the physical absence of thedisappeared depicted by social expressions and on the stage?This thesis will answer such questions by exploring the aesthetic experience ofdisappearance, the use of scrub strategies, and the production of "distractions". Insummary, it will examine the mechanisms of disappearance, and revel how themissing body is a possible foundation of artistic expression.To this end, analysis of theatrical potential will focus on two different historicalhappenings. First, the public demonstrations of the families of the disappeared,notably impelled by the Association of Families of Disappeared Detainees (AFDD)between 1973 and 1989. Secondly, the student protests held between 2011 and 2013,demanding the cessation of dictatorial principles still in force, and claiming the rightto free post-secondary education. The relationship between these two periods (1973-1989 and 2011-2013) fuels the ability of the physical absence of the disappeared tore-appear on the public stage.
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La découverte dans le théâtre de Marivaux : dramaturgie, idées et fonctionnement de la représentation / ‘‘Discovery’’ in Marivaux’s Theatre : Dramaturgy, Thought, and the Function of PerformanceOku, Kaori 20 December 2013 (has links)
La présente étude vise à éclaircir l’efficacité et la théâtralité du théâtre marivaudien, notamment celles de ses comédies. Elle s’appuie sur une recherche dramaturgique et une étude idéologique de son théâtre, du point de vue du fonctionnement de la représentation : que découvre le public à travers la représentation ? Partant de l’analyse de La Dispute qui nous paraît une pièce emblématique, fondée sur la découverte, nos recherches se sont nourries de l’étude des textes aussi bien que de celles de quelques mises en scène contemporaines de ses comédies. Du point de vue de la découverte, son théâtre fonctionne, en rapport avec le public, comme un dispositif lui faisant découvrir tour à tour l’incertitude liée aux sens, le problème de l’identité, celui des désirs des hommes ainsi que le mécanisme de la société et celui de la comédie. En outre, son théâtre met en question la notion même de la vérité et du naturel en même temps que la notion de personnage au théâtre. Les comédies de Marivaux apportent au public, dans l’esprit des Lumières, un éclairage sur les hommes, sur la société, et même sur le mécanisme propre à la comédie. Les recherches autour de la découverte chez Marivaux mettent enfin en lumière l’importance de ses comédies en tant qu’art vivant. / This study aims to clarify the effectiveness and the theatricality of Marivaux’s theatre, especially of his comedies, using a dramaturgical and ideological approach, and posing the essential question: what does the public discover through performance? Starting with the analysis of La Dispute, an emblematic play undergirded by the theme of discovery, my study includes close readings of Marivaux’s plays at the time as well as an examination of contemporary productions of the famous dramatist’s comedies. By using the idea of ‘‘discovery’’ as a critical framework, we can see how his theatre functions in relation to the audience and as a device which reveals the uncertainty of meaning, the problems inherent to identity, issues of desire and the mechanisms that govern society and the comic genre. Marivaux’s theatre, I argue, calls into question the notion of truth and the natural as well as the notion of dramatic character. Marivaux’s comic repertoire brings to the public, in the spirit of the Enlightenment, a dynamic series of events that call into question important themes about humankind, society and the mechanisms of comedy. This research thus illustrates the importance of Marivaux’s comedies as unique examples of living art.
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Dissolution des nappes phréatiques dans un verre d'eau ; suivi de Présence(S)Codebecq, Aude-Marie January 2006 (has links) (PDF)
Ce mémoire en création est constitué de deux parties: un texte dramatique et un dossier d'accompagnement. Le texte dramatique,
« Dissolution des nappes phréatiques dans un verre d'eau », est constitué de trois parties, divisées en scènes. Il n'est pas destiné à une représentation théâtrale, mais plutôt à une mise en lecture laissant place à l'interprétation du lecteur.
Dans le cadre d'un documentaire, un personnage féminin, Ève, doit témoigner de sa relation avec un homme qu'elle a connu intimement, l'Acteur. Ce témoignage se transforme en un interrogatoire durant lequel s'enchaînent les questions du réalisateur, de l'interviewer et du choeur. Mais Ève se montre incapable de raconter son histoire d'amour. En effet, dans son récit, Ève désarticule le temps et les lieux tout en remettant en cause l'intrigue imposée par le réalisateur. Par conséquent, le récit ouvre à un espace imaginaire empreint de théâtralité, qui tient à distance le monde réel, et questionne la notion de sujet et d'agentivité au sein d'une histoire. Le texte traite de l'identité personnelle aux prises avec l'identité sociale. La contradiction entre ces deux formes d'identités, dont témoigne la voix de la protagoniste, met à l'épreuve la notion de représentation dans la société actuelle, en même temps qu'elle devient le moteur d'un désir agissant comme interface entre le corps et la langue. Ce sont précisément ces questions qu'aborde le dossier d'accompagnement, « Présence (s) » qui, en se basant sur des ouvrages écrits par des théoriciens du théâtre, amorce une réflexion sur l'écriture de « Dissolution des nappes phréatiques dans un verre d'eau », réflexion qui se compose de cinq parties: le temps et les lieux, l'intrigue, la théâtralité, le corps et l'identité, la voix. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Corps, Histoire, Intrigue, Identité, Personnage, Théâtre, Théâtralité, Voix.
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All I want is U2 : le théatral, le performatif et le spectaculaire dans le concert rockCédilot, Stéfan 05 1900 (has links) (PDF)
Il est fréquent, dans les critiques et les analyses de concerts rock, qu'on utilise des termes comme théâtral, performatif ou spectaculaire pour décrire certains spectacles. Ces concepts, qui sont empruntés à d'autres champs de recherche comme le théâtre et l'opéra, ont-ils forcément la même signification lorsqu'ils sont utilisés par les spécialistes de la musique rock? Si oui, comment s'articulent-ils dans le contexte de l'évolution du concert rock? Pour tenter de répondre à ces questions, et malgré certains exemples pris chez d'autres artistes, le groupe rock irlandais U2 aura été choisi comme principal sujet d'analyse, entre autres parce qu'il est actif depuis plus de trois décennies et qu'il est demeuré un des groupes les plus populaires de la planète presque tout ce temps, ce qui lui a permis d'expérimenter avec divers concepts théâtraux, spectaculaires et performatifs, tout en les adaptant à des salles tels que les arénas et stades du monde entier. Si le champ de la recherche théâtrale a été le lieu de nombreux débats sur la définition du concept de théâtralité, du côté de la musique rock, le terme est généralement utilisé lorsqu'un artiste joue un personnage sur scène. Dans le cas de U2, la personnification a pris plusieurs formes au fil des ans: vêtements qui respectent les normes du genre punk rock dans les années 1970, construction d'une image d'artiste authentique dans les années 80, personnages caricaturaux et ironiques du chanteur Bono dans les années 90, pour arriver à un adroit recyclage et une synthèse de toutes ces phases dans les années 2000. Le spectaculaire, lui, se définit comme un dépassement de la norme admise pour un spectacle donné, donc un effet qui déjoue les attentes du spectateur. Dans le domaine du rock, ce dépassement est intimement lié à une évolution des moyens technologiques, elle-même une conséquence de la popularité de la musique et la nécessité d'adapter la technique de scène à des salles énormes. Si les effets spectaculaires du concert rock sont souvent dus à des avancées technologiques sonores et visuelles, il n'en demeure pas moins que, souvent, c'est la performance même de l'artiste qui surprend le plus le spectateur. Dans le contexte d'un concert rock, les notions de théâtralité, de spectaculaire et de performatif sont intimement liées, et la réalisation de l'effet spectaculaire, qu'il provienne de la technologie ou de la performance de l'artiste, est toujours le résultat d'une adroite mise en scène. Ne serait-ce que par les codes vestimentaires et scéniques par lesquels les artistes affirment leur appartenance à des styles de rock spécifiques, le concert rock est éminemment théâtral.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : musique rock, théâtralité, spectaculaire, performatif, U2.
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Le jazz et la scène : l'expression jazzistique à l'aune de la théâtralité / Jazz and scene : jazz expression measured by theatricalityHoreau, Thomas 08 June 2015 (has links)
Ce travail appréhende la théâtralité du jazz au moyen des instruments de l’analyse scénique et dramaturgique. Trois approches sont ici articulées. La première consiste à mettre en évidence la conception symbiotique de l’art qui a présidé à la genèse du genre. Issues d’un paradigme culturel étranger au principe d’autonomie esthétique et à la séparation catégorielle des beaux-arts, les pratiques performatives afro-américaines du temps de l’esclavage n’opèrent pas de distinction entre la sphère artistique et les préoccupations sociales, pas plus qu’elles ne dissocient les différentes modalités de l’expression poétique. Intrinsèquement théâtrales et résolument ancrées dans la réalité populaire, les scènes de la préhistoire du jazz préfigurent les développements d’un art qui n’eut de cesse de déjouer les représentations dominantes pour se légitimer. La seconde approche insiste sur la fonction réflexive des manifestations scéniques du jazz et notamment sur leur capacité à rendre compte des rapports de force qui structurent le champ social. Notre analyse retrace la manière dont le processus de légitimation s’est accordé avec une spécialisation de l’expression jazzistique en un genre musical. Dans l’approche dramaturgique qui clôt notre recherche, la performance apparaît comme une pratique ludique où s’invente un discours collectif dans une dynamique relevant à la fois de l’agonistique et de la coopération. Un tel jeu implique une tentative de dépassement de soi et du médium musical qui confine au tragique. À travers ces perspectives, notre thèse rend compte de la parenté qui unit ces deux arts en même temps qu’elle entend contribuer aux réflexions sur leurs récentes mutations. / This thesis captures the theatricality of jazz through the instruments of the scenic and dramaturgical analysis. Three approaches are articulated here. The first is to highlight the symbiotic conception of the art, which led to the genesis of the genre. Stemming from a different cultural paradigm with the principle of aesthetic autonomy and a categorical separation of Fine Arts, the Afro-American performance practices back to the slavery days does not distinguish between artistic sphere and social concerns, nor do they separate different forms of poetic expression. Inherently theatrical and firmly rooted in the popular reality, the scenes preceding the jazz history foreshadow the evolution of an art that never ceased to thwart the dominant representations to legitimize itself. The second approach emphasizes the reflective function of scenic jazz performances including their capacity to reflect power relations structuring the social sphere. Our analysis tracks how the process of legitimation went along with a specialization in jazz expression shaping a musical genre. In the dramaturgical approach to the phenomenon that closes our research, performances seems like a fun practice leading to a collective discourse and a dynamic that shows as much agonistic as cooperative. This kind of play implies an attempt to transcendent oneself and the musical medium that verges on the tragic. Through these intersected perspectives, our thesis reflects the deep relationship that unites these two performing arts at the same time it intends to contribute to the discussions on its recent changes
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Une théologie trinitaire in statu nascendi : l'avènement d'une poétique théâtrale du corps et du geste selon l'Évangile de Jean / A Trinitarian theology in statu nascendi : the coming of a theatrical poetics of body and gesture according to the Gospel of JohnJacquet Rojas, Francisco 17 December 2013 (has links)
Notre recherche se situe sur la base d’une approche interdisciplinaire venant à la fois de l’art vivant du théâtre – avec la notion de théâtralité – et de la phénoménologie du corps selon Maurice Merleau-Ponty, laquelle nous permet d’accomplir une lecture phénoménologique de la théâtralité du geste présente dans le récit johannique pour penser une théologie poétique du geste. Nous reconnaissons une autorité première au récit johannique pour y discerner l’apparition d’un logos de la relation entre le Père, le Fils et l’Esprit Saint en lien avec les disciples. L’horizon de notre recherche relève d’une poétique du geste. Nous cherchons à resituer la poétique dans son sens premier de l’acte de faire (poiein) qui désigne une opération expressive du corps en train de s’accomplir. Cette lecture de la poétique en tant qu’acte en train de se faire, nous permet de reconnaître un logos sous-jacent au geste qui se montre et se fait connaître en son état naissant. Une telle poétique concerne la théâtralité du corps. En effet, nous ne nous limitons pas à explorer le phénomène de la théâtralité corporelle sous-jacent au récit johannique (l’analyse de la théâtralité), mais nous cherchons à reconnaître une pensée poétique du corps qui se montre in statu nascendi à travers la théâtralité johannique. / Our study utilizes an interdisciplinary approach emerging from both the living art of theater - with its implicit notion of theatricality - and Maurice Merleau-Ponty’s phenomenology of the body. This double approach allows for a phenomenological reading of the theatrical gesture found throughout the Johannine narrative. We can then proceed from there in our foundation of a poetical theology of the gesture. We begin by recognizing the Johannine narrative’s primary authority: there we discern the emergence of the logos of the relationship between the Father, the Son and the Holy Spirit in connection with the disciples. This particular discernment takes place against the broader horizon of a poetics of the gesture. We then resituate the ‘poetic’ in its etymological sense as ‘the act of doing or making (poiein)’. This originating context highlights the ‘poetical’ as an expressive action of the body that is in process toward completion. This reading of the poetic as an action in the process of making [or doing] then allows us to recognize a logos underlying the bodily gesture that reveals itself and makes itself known in its nascent state. Such a poetics concerns the very theatricality of the body itself. Indeed, we do not limit ourselves to exploring the phenomenon of bodily theatricality underlying the Johannine narrative (i.e., an analysis of theatricality). Rather, we seek to uncover a poetical thought of the body manifesting itself in its nascent state – in statu nascendi – by means of Johannine theatricality.
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